lunes, 31 de marzo de 2014

Rufus edita el nuevo álbum de Waldorf Histeria con el que "hace tiempo que no me divertía tanto”

Portada
No me salgan con la historia recurrente de que los Waldorf Histeria han sacado otro derivado musical  “ramoniano” o “nikilista”, porque no es cierto. Su segundo álbum es muchísimo más. Los madrileños han creado el disco perfecto de punk pop, con melodías fascinantes, ritmos trepidantes y letras vitales con las que resumen la existencia de varias generaciones de jóvenes, y no tan jóvenes, que sobreviven a pesar de esa absurda cotidianidad que une los sueños y las decepciones con una facilidad pasmosa.  No es el único, hay otros álbumes de punk pop igual de buenos incluidos en el venerado catálogo de Rufus recordings, (que estrena nueva web), pero este isco, que te recomendamos encarecidamente, te capturará de la primera a la última de las canciones con una sencillez emocionante y una visión agridulce de la vida que, en el fondo, resulta muy reconfortante. Tampoco caigan en el error de pensar que esa luminosidad en las canciones suena a “indie”. No es que tenga nada especial en contra de ese genérico tan manoseado que, a su vez, resulta tan inteligible, al menos para los que no nos gusta.  Al contrario, soy el primero en reconocer que si una de las canciones “indies” es buena, no hay crítica negativa posible que me convenza de lo contrario. Pero los Waldorf  Histeria no cumplen con uno de los preceptos base de ese negocio discográfico de radio fórmula pretendidamente independiente. No tienen atisbo alguno de esa pretenciosidad latente cuyo único objetivo es anonadar a aquellos que faltos de ideas, se conforman con poco más que la pose.  Los Waldorf  Histeria van más allá de esas etiquetas, de las propias y de las ajenas.  Como dicen en uno de sus temas, “He de reconocer que hace tiempo que no me divertía tanto!, y espero que sea capaz de explicarlo en la siguiente reseña.

Trayectoria

Waldorf Histeria se forma a finales del año 2006 con Sheriff Lobo a la voz principal y guitarra más autor de las letras, Mr. Majestic a la guitarra, D.A. Ming al bajo y Vidi Bop a la batería y coros. Empiezan versionando temas de punk pop y tras varios conciertos en Madrid, graban una primera maqueta  que presentan con el título de "Malditas Maquetas I" con cuatro  canciones llamadas “Fantasmas", "Dicen que es Satán", "Vampiros Adolescentes" y "Bangkok", versión de Alex Chilton.  En 2008 siguen componiendo nuevos temas que interpretan en directo.  En enero de 2009 graban con Joaquín Niki y Pelayo Ddt, en el estudio de Astray y el local de ensayo de los Ddt, los temas de su primer álbum de título homónimo. Incluye las 4 canciones de la maqueta regrabadas, más otras 6 nuevas: cinco originales “Esnifando pegamento”, “Escuela de Verano”, “Tumbado al sol” “Respeustas Sorpresa” , “Cola-cola Light” y una versión  en castellano del “The KKK took my baby a way” (1981) de los Ramones con el título de  "El Opus Dei se llevó a mi mujer".

Este segundo álbum que te presentamos fue grabado en 2012 en los estudios Rock&Pop, producido, mezclado y masterizado por Joaquin Niki y Pelayo Ddt en Sincutronic Studios. A destacar esa brillante portada, en todos los sentidos posibles, donde vuelve a destacar el logo de la banda, al igual que en su primer trabajo, pero en este caso se invierten los colores: el fondo es negro y los relieves más las líneas, son de color amarillo. Sin lugar a dudas, la austeridad de ese diseño centra toda la atención en el contenido del álbum, que no es poco.  



Las canciones

El disco se abre con un breve fragmento de un diálogo extraído de la película de 1956 “La Chica del Barrio”  de Ricardo Núñez interpretada por Pepe Blanco quien  pronuncia esa frase “Bueno y qué”, que da título a la primera canción de los Waldorf Histeria. Al igual que en la película, en la que el personaje, un “chulapo” madrileño, ensalza la labia para suplir la belleza física, los Waldorf Histeria reivindican las tonterías, las sandeces, y ese “quieres que te haga feliz pero no te lo mereces” como modo de relación forzada al margen de las apariencias. Ese efecto de complicidad con el oyente se consigue, ya desde el primer tema, amparados en arreglos donde destaca una excepcional voz principal, unas guitarras brillantes y un ritmo sin pausa que te atrapa sin remisión.

Foto: Mandarina Boom
Es una fórmula rápida, contundente pero también contenida, sin estridencias, que se reproduce de nuevo en “Calvin y Hobbes”. Se trata, como bien sabes, de una tira cómica escrita y dibujada por Bill Watterson publicada diariamente de 1985 a 1995, que relata las andanzas y peripecias de Calvin, un niño de 6 años con mucha imaginación, y Hobbes, un sarcástico y algo pomposo tigre de peluche, que Calvin cree real. Los Waldorf nos plantean la pregunta de “¿quién te gusta más de los dos?”. La pareja animada saca sus nombres de Juan Calvino, teólogo reformista francés del siglo XVI, y de Thomas Hobbes, filósofo inglés del siglo XVII. Sin duda es un referente cultural muy considerable para la cultura pop con lo que esa pregunta puede llevarnos a múltiples disquisiciones sobre nuestra propia personalidad y, sobre todo, cómo creemos que nos ven los demás. 

Y hablando de nuestra percepción personal, nada mejor que seguir haciéndolo con “Guapo, rico, distinguido”. Ese es el título de su siguiente tema, con sus perceptibles guitarras cortantes mediante las que musican el fracaso económico de alguien que se dedica a las apuestas y que cuando pierde su patrimonio, se queda sin amigos y deja de ser atractivo para la sociedad. “Ahora, que soy un cenizo, nadie quiere estar conmigo… pero hasta hace poco era guapo, rico y distinguido”. Un tema con detalles fascinantes de powerpop que finaliza con “una apuesta más, un combate amañado, seguro que la suerte vuelve a estar conmigo y, en un par de años, vuelvo a ser guapo, rico y distinguido”. El título de la canción sirve de homenaje también, tal y como nos apunta el autor de las letras, al narrador británico P.G. Wodehouse (1881-1975). “Guapo, rico y distinguido” fue el título con el que se editó  en español el libro de este prestigioso escritor humorista inglés, publicado originalmente en inglés como “Hot Water” en 1932.  

Foto: Jorgito Nikisbrut
Con “Incapacidad permanente”, siguiente corte, vuelven los riffs contundentes de punk con un preludio rabioso, y una reflexión sobre la falsa amistad. El protagonista sabe que su amigo  “no es capaz de decir nada malo de mí” pero también sabe que “puede ser más tonto aún que yo”. De nuevo el microuniverso Waldorf se complica. Una letra que puede parecer, en principio,  inocente va enredándose con nuevos detalles y, de este modo,  nos enteramos que el supuesto amigo le ingresó en el discutido proyecto Narcocon, que no fue capaz de dar la cara por él, y que no le defendió. Para finalizar, resulta apabullante a la vez que genial cuando le dice: “Para que lo sepas, yo soy incapaz a secas”.  La voz del presentador del  “Saber Vivir”, Manuel Torreiglesias y su mítico “estáis enfermos” cierra el corte.  

Los amigos indeseables vuelven a aparecer, de forma ingeniosa, en ese “MBA”, canción de grácil melodía con un elevado grado de acidez en su letra, en la que un estudiante de máster martiriza a su amigo con su experiencia. Con detalles de pujante new wave de los ochenta, sueltan frases tan ingeniosas como: “ más me alegré yo cuando te fuiste, pero lo peor de todo fue que volviste”; o “Menuda tabarra me diste con el poquito inglés que aprendiste, el grupo que te montaste… “; para al final reconocer que “lo peor de todo es que triunfaste… definitivamente no quiero ver nada contigo, no me queda más remedio que matarte”.

“Muertos Vivientes”  cierra la cara A del disco con otra sorprendente combinación de rítmica y melodía apasionante. En esta canción  nos hablan de esos “zombies” más bien cotidianos, que no te persiguen para comerte, quieren simplemente matarte. Son muertos vivientes con cuentas corrientes… pero, como ya ha dicho tu madre y ha repetido tu padre, a los extraños no se les abre”. 

En el Fuengirola Pop. Foto: Mariano Neyra
La Cara B del disco la abre la voz del maestro Antonio Gasset quien dirigió “Días de Cine” hasta 2007 en que se acogió a un expediente de regulación de empleo de RTVE.  Su reflexión sobre la pérdida de tiempo durante una de las pausas de su programa da pie al corte de los Waldorf Histeria. Un gran tema en el que sobresalen esos riffs de punk que reproduce las con las que bordan sentencias tan impactantes como “llevo perdiendo el tiempo casi toda la vida, mi ocupación preferida”. Una opción que también requiere de sacrificios y convencimiento, y que precisa ver mucha televisión para ser completamente efectiva. 

Con la siguiente canción se mofan, en cierto modo, de esa manía por creer que la persona amada es la mejor hasta que deja de serlo. En “Nadie como tú” explican que “no me canso decirte que no hay nadie como tu… y eso que he mirado bien por los cojines del sofá…  No puedo encontrar a nadie como tu…  no sirvieron ritos de vudú, ni el ir a Katmandú, ni la encontré en el registro de la propiedad intelectual…”. Y del amor en la pareja al amor de madre. En “Porky’s”, el protagonista vuelve con resaca a la casa de su madre a descansar, comer bien y durante su larga siesta para reponer fuerzas, oye a su madre reírse a carcajadas viendo la película  “Porky’s” (1982) de Bob Clark. Como ya sabrás se trata de una obra cinematográfica sobre la diversión nocturna de unos adolescentes en un instituto de Florida durante 1954. La película influenció a todas las obras posteriores en las que los adolescentes eran sus protagonistas. Por eso, no deja de ser original que sea la madre quien se ría y que el hijo hubiera preferido quedarse con ella a verla, en lugar de volver a salir por ahí de marcha para encontrarse con más de lo mismo.   

Mediante esa acaparadora entrada de batería y unas guitarras precisas, nos ofrecen una nueva canción llamada “Subnormal”. Un título que despeja toda duda posible sobre la concepción que tiene la gente sobre aquel que no se sabe comportar con normalidad en sociedad. Un calificativo propio para aquel que, a pesar de que todo le salga al revés, reconoce “que hace tiempo que no me divertía tanto!!!”. Le sigue Superhéroes”, otro ejemplo más de esa hábil combinación de pop poderoso y letras sensacionales. En este caso se trata de una persona normal que es superhéroe a  media jornada. “No es para tanto, no pasa nada… resulta difícil combinar aventuras nocturnas con el horario matutino. No es fácil llevar una doble vida”. 

Para finalizar, el grupo nos ofrece otra vivencia más a añadir a este tratado fantástico sobre las relaciones entre hombres y mujeres. Bajo el título de “Vamos a quedar esta tarde”, un chico harto de estar recluido, desconcentrado, invita a una chica a pasar la tarde en el parque y, así, de paso, le promete que devolverá los libros y los discos que se quedó en su día. “Luego ya se verá qué hacemos, qué manía con lo que quiero ligarte… hacemos lo que más te apetezca y por la noche damos una vuelta por el centro…”.

Reflexión final


Las emocionantes canciones de estos inspirados Waldord Histeria no solo están compuestas con una habilidad rítmica y melódica encomiable sino que, además, sus letras esconden, tras su aparente sencillez, inquietas reflexiones aplastantes sobre las complicadas relaciones interpersonales. Sus pequeñas historias cotidianas se desenvuelven arropadas por los acordes precisos, a la velocidad adecuada, con una destreza instrumental magistral y una voz principal poderosa. Son temas que mantienen la atención de principio a fin porque cuando menos te lo esperas, surgen detalles vitales que no pasan desapercibidos. Leves comentarios, casi al margen, se convierten en inducciones existenciales sin desperdicio alguno. Si a ese apasionante juego psicológico le añadimos que se sirven de melodías encantadoras dibujadas con unos arreglos musicales tan bien construidos como grabados, mezclados y masterizados, creo que no hace falta nada más para afirmar, tal y como empezaba esta reseña, que los Waldorf Histeria han creado el disco perfecto de punk pop con el que he de reconocer que hace tiempo que no me divertía tanto.       

Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp o adquirir, en la flamante nueva web de Rufus Recordings, una copia del vinilo que incluye en el interior de su carpeta el disco en Cd. El 4 de abril se presenta el disco en el Rock Palace de Madrid a partir de las 22:30 horas con una entrada de 10 euros que incluye disco (+ info). 

jueves, 27 de marzo de 2014

Los Remotos, versiones mas allá de lo previsible de grandes temas de “garage” de los sesenta


Los Remotos es una banda catalana formada en el Vallès oriental que se han especializado, por el momento, en versiones al castellano de temas de “garage” norteamericano de los sesenta de bandas como los Chob, Standells, Exotics, Painted Faces y Daybreakers. Sunny Day Records les ha sacado en 2013, en edición limitada de 250 copias, su primer Ep con cuatro versiones tituladas "Sicodelizando", "En Mi Mente Te Perdí", "Medicina" y "Ya Están Aquí (Los Remotos Are Back)".


Como sabes, la discográfica organizó su  primera edición del concurso Nuevos Talentos cuyo propósito era escoger un ganador con los votos populares, para que formara parte del catálogo del sello cacereño. El concurso fue un éxito y al final se han editado los Ep’s de los tres grupos que son los Picamato, los Buildings y los mencionados Remotos.


Los Remotos
El grupo se formó en la primavera de 2011 por grandes músicos de la escena rock and roll de Barcelona como Mark Torres "Yesterman", bajista y fundador de la banda que ha formado parte del grupo vallesano de los noventa Los Rombos. La acompaña a la batería Paco Cazorla "White Flash", que estuvo, también en los noventa, con los ya míticos Flashback V, así como con los Maguilas, Cherrymen y Motosierras. Su cantante es José María Rodríguez aka "Iggy Pep" o "PepeFuzz", bajista de los Fujiyama Kids; y su guitarrista, Pier Claudio, también en las Sombras y Canary Sect, ha formado parte de otras bandas como Suzy & Los Quattro, TV Smith & The Bored Teenagers o los miticos Sons of Yeah. Les acompaña también Isaac Brun a los teclados quien también  toca en Isaac & Sacrificados. Debutaron en La Llagosta, el día 10 de septiembre de 2011. Por el grupo pasó el guitarrista Lluís Torralbo quien es el autor de las guitarras grabadas para este Ep y del teclado del tema "Sicodelizando".  


Los Remotos
Puedes escuchar los temas en su bandcamp. Son adaptaciones fantásticas y fuzzcinantes de temas de “garage” y en todos ellos se nota la experiencia de estos grandes instrumentistas así como un toque personal que consigue hacer brillar, más aún si cabe, aquellos detalles sonoros que en su día definieron los parámetros del buen “garage” psicodélico y beat de los sesenta. Les ayudó en la grabación a los teclados, el pianista  Andreu Clavillé. Las mezclas corrieron a cargo de Quim García de los Flashback Five y Plomo.   

“Psicodelizando”, adapta de forma genial el  “Psychedelic Siren”, de The Daybreakers, banda de Iowa que grabó en 1967 éste su unico 45" para el sello Dial. “En mi mente te perdí” es otra brillante versión de una banda de Florida, los Painted Faces, concretamente de su “I lost you in my mind”, de su single de 1967 para Manhattan. También adaptan con todo lujo de detalles el “Medication” de los angelinos Standells  con el título de “Medicina”, una canción incluida en su disco de 1966, “Dirty Water” para Tower; y “Ya están aquí, (Los Remotos are back)” adaptación cautivadora del  “We're Pretty Quick” de The Chob, banda de Nuevo México que grabó este tema en 1966 para Lavette. Su repertorio contiinúa con su sorprendente interpretación personal del “I was alone”, con el título de “Ponte a bailar”, canción de 1966 de los Exotics de Texas, grabada para Tad.


Los Remotos en directo. Foto: Prades
Guitarras cargadas de fuzz, con solos apabullantes, destrezas rítmicas que cautivan, y una excelente voz muy propia para el género, convierten a esta banda catalana, con sus extraordinarias versiones, en uno de nuestros mejores grupos “garage”.  Entre sus objetivos a corto plazo está perfilar temas propios. Apostamos  todos nuestros recopilatorios de “garage punk” y psicodélico de los sesenta a que esas canciones originales nos van a dejar más que boquiabiertos. Si eres un o una amante del buen "garage punk" sixties no te pierdas las próximas novedades del planeta Remoto.    

Nota: Puedes escuchar sus temas en su bandcamp y puedes comprar el Ep en la web de Sunny Day Records.
 

miércoles, 26 de marzo de 2014

Los Brioles golpean de nuevo con un elegante “picture disc” y excelente como propio rock and roll


Picture disc
Aquellos que hemos vivido las últimas tres décadas de nuestra escena de rock and roll, tendemos a aprovechar cualquier ocasión para revivir los recuerdos. Algunos nos relamemos las heridas, otros contamos batallitas que con el tiempo hemos ido ampliando para que adquieran tintes épicos, e incluso los hay quienes se sirven del pasado para desconfiar por sistema del presente y, de paso, reiterar por enésima vez, malos augurios para el futuro. La experiencia siempre es un grado pero, en nuestro país, resulta demasiado cuestionada e incluso, para algunos, un tanto cansina. La realidad es que tanto público como artistas llegan a ese fatídico momento de sus vidas en que optan por retirarse discretamente. Puede que sea una decisión meditada o que alguien les pille en un momento vital de baja autoestima, y les diga, sin darse cuenta del mal que están a punto de cometer, que el rock and roll es cosa de adolescentes y que quizá, a modo de adverbio edulcorante, ya están/estamos muy mayores para trasnochar tanto con semejante ruido. Son los conocidos arcángeles de la vejez, unos auténticos impertinentes de tomo y lomo, adalides de la arruga en el ojo ajeno, a los que algunos acaban/acabamos  por dar la razón, desafortunadamente. 


Los Brioles. Foto: Norman Leblanc
Pero antes de que eso suceda, hay quienes se refugian en una especie de purgatorio artístico para dilatar ese irremediable proceso de envejecimiento sociocultural a caballo de lo biológico. De este modo, algunos viejos rockeros se metamorfoseen en “crooners”; o bien les da por el jazz de standards; o se dedican a dar conciertos de versiones de sus propios temas solo para amigos y en el pub de toda la vida. Si nos paramos a pensar: ¿Cuántos de aquellos músicos que vimos de adolescentes siguen hoy manteniendo esa misma actitud de rebeldía y creatividad?.  Pocos quedan que se mantengan firmes a unas raíces, o que no hayan caído en la tentación de deformar su proyecto artístico inicial para parecer más adultos y así rehuir al maldito espejo de la vida. Pues bien, entre las pocas  excepciones que se nos ocurren, entre aquellos que se han mantenido fieles a su propia historia, están los incombustibles e imaginativos Brioles. De ellos y su nuevo disco titulado “Hit The Floor with…” (El Toro Records 2014) vamos a hablaros en la siguiente reseña.

Los Brioles en sus inicios
Los Brioles son de esas bandas que no solo han protagonizado una trayectoria convincente al margen de la agobiante ignorancia mediática y, por qué no decirlo, la envidia de algunos coetáneos, sino que incluso han sido capaces de crear escuela, un estilo propio con el que algunos músicos más jóvenes de prestigio han empezado a trazar su propio camino. Sin embargo, todo ello, por muy laudatorio que sea, no dejan de ser momentos del pasado;  eso sí, esenciales y reconfortantes recuerdos que corren el riesgo de diluirse con el tiempo si no se reafirman, como ha sido el caso, con esta maravilla de disco que acaban de editar. Un álbum con el que golpean literalmente la conciencia de aquellos que piensan que el rock and roll tiene edad o, en su defecto, alguna presunta fecha de caducidad. 

Picture disc y Cd

La emblemática discográfica El Toro Records les ha editado un precioso “picture disc” con un dibujo en espiral y sus caras impresas en el vinilo así como una versión en Cd con un espléndido texto de Mario Cobo en el que recuerda cómo les conoció y sus primeros conciertos. Cabe añadir que la edición en vinilo incluye algunas canciones más en un Cd de regalo. El álbum fue grabado por Jorge Nunes a la voz y guitarra; Daniel Nunes al slap bass; y Pedro Ortega a la batería en mayo de 2013 en los Red Light Studios. Todos los temas son originales de Jorge Nunes y han contado con la colaboración a los teclados de Marc Tena y el artwork es de Peter Braineater.       
Brioles 1998

La historia musical de los hermanos Jorge y Daniel Nunes, hijos del conocido director de cine José María Nunes (n. 1930 – d. 2010) empieza con  grupos de rock and roll de primeros de los ochenta en los que se mezclaba el rockabilly de los cincuenta con el punk de finales de los setenta.  Bandas como ¿No hueles a Perro? , formada en 1981, en la que tocaban temas propios y versiones de los Ramones o de Eddie Cochran.  A mediados e la década forman parte de los Boppins y con su batería, Javier "Bugs", más el cantante Trashmike, crean los Brioles en 1986. Tras diversas circunstancias de encaje, Jorge Nunes se encarga finalmente de cantar, Daniel al contrabajo y Bugs la batería. Con esa formación dan su primer concierto el 8 de agosto de 1987. Fue el primero de sus bateristas que han ido cambiando con el tiempo pasando otros percusionistas como  Jordi, Salvador "Joker", Blas Picón, Pedro A. Ortega y más recientemente un tal Pep de Sabadell. 


Su discografía está compuesta por “Brioles” (Macaco Records Lp 1991), “Enmedio de la Jungla”( Macaco Records Ep 1993), “Train of Fools” (Burningcrew. Cd 1998), “Rocket Men” ( Revel Yell Music 10″ 2000), “Jungle Jamboree” ( Revel Yell Music recopilatorio Cd 2006), “Love, Rhythm and Hate” ( El Toro Records Cd y 10″ 2009) y “Down, Down, Down” (El Toro Records Ep y Cd 2012). También han incluido varios de sus temas en una decena de recopilatorios o compartiendo disco con Cohetes, Moonshines y Broncats para Don Gato Records de Asturias. Carajillo records saca también en 2014 en Ep de vinilo una maqueta que vio la luz en 1988 en formato K7 con cinco temas: "Los dos", "Un monstruo entre nosotros" en su cara A; más "El cerdo humano", "Cien kilos" y "Esta noche" en su cara B. La grabaron Jorge a la voz y guitarras; Daniel al contrabajo yJordi Clemente a la percusión.  

Entre sus proyectos paralelos cabe destacar The Rockin´Roosters banda de rockabilly creada en 1992 con Blas Picón al que siguieron los Bop Pills con Mario Cobo; los Roosters de rock and roll clásico más R&B y blues con una cantante llamada Paz que se convertiría en Ella; o los Swindlers; más los Thunderbird Head y los Hog Valley Tompers con Spike Neil de los Frenzy, Inspector Tuppence, y Hellmaniacs. Picón dejó la banda en 2007 para formar con Mario Cobo los Nu Niles recientemente separados. Entre sus mejores temas, están “Pegado a Ti”, “Los Hombres Muertos no Hacen Ruido al Caminar”, “Cuando el Gato no Está Los Ratones Bailan”, “Down Down Down”, “Show Me”, “Rocket Men”, o “I’m Gonna Ride”, o esa grandiosa versión del "It’s only make believe" de Conway Twitty. Por otra parte, cabe mencionar que Daniel forma parte de Matt and The Peabody Ducks, un trio creado con músicos de The Quasars y Legacaster Hillbilly Trio.  

Las canciones

Brioles. Foto: Jordi González
El “picture disc” en vinilo contiene diez temas, cinco por cara. Empieza con “So Mean”, canción rápida en la que ya se pone de manifiesto los tres factores claves del sonido Brioles: la aparente sencillez con la que logran que una guitarra, un contrabajo y una semi-batería suenen así de compactos; la entrega de su cantante principal quien aporta un toque ácido a juego con solos desgarradores de guitarra; y la descarga de adrenalina que procura una combinación endiablada de ritmo y melodía con un estilo muy peculiar. Con “So Mean” se pone en perfecto funcionamiento una maquinaria de auténtico rock and roll que se apodera de nuestros pies y de nuestra alma de forma vertiginosa desde el primer acorde y que sigue hipnotizándonos con actitud y un excelente criterio. Le sigue la fabulosa “Boppin”, un tema con un toque especial tremendamente cautivador. Desde  un planteamiento primitivo, construyen una inquietante melodía, con ritmos persuasivos y esos sensacionales detalles de guitarra que ponen los pelos de punta. Con “Yes, No” surgen otros riff no menos fascinantes con los que manifiestan conocer a la perfección esas fundamentales referencias 50’s pero combinadas con una fórmula única, propia de la banda y totalmente intransferible.

Con Blas Picón a la batería
Le sucede “Ready to Cha-cha-cha”, un gran tema que destaca por la sensualidad de su  ritmo que invita al baile, ofreciéndonos a la par otro buen solo de guitarra marca de la casa, un contrabajo galopante y una batería percutiendo sus baquetas en los tímpanos y el estómago del atento oyente. Cierra esta cara, “Los Hombres Muertos..”, excelente tema, con madera de hit atemporal, que atrae poderosamente nuestra atención mediante unos riffs ácidos de guitarra, una concepción rítmicamente perfecta y una melodía fascinante… “Me gustaría poderte tocar,  pero cuando llegue, tú nunca lo sabrás…los hombres muertos no hacen ruido al caminar…”. Gritos salvajes y un final apoteósico de guitarra con poderosos contrabajo y batería nos llevan a un crescendo fantástico que cierra el tema y la primera parte del álbum.

Con Pepe Granero al saxo
La cara B del vinilo se abre con “Gone”, tremenda demostración de destreza e imaginación, dos de sus mejores virtudes, con cruda guitarra, contrabajo firme y batería imperturbable. De nuevo, un buen solo a las seis cuerdas mientras se despoja de acordes que quedan colgados bordeando sinuosos a la voz principal. Le sigue “Cavando tu fosa”, un tema ágil, impecable en cuanto a su factura instrumental, atractivo melódicamente y con un poderío en castellano tan convincente como en inglés.     

Con “I didn’t like Candy” nos demuestran que también son muy capaces de componer temas de textura más clásica en el que vuelven a lucirse en combinaciones de motivos de hillbilly. “Oh, Oh, Why” tiene esa energía del rock and roll limpio de polvo y paja, con sección rítmica golpeando el suelo de madera y guitarra hiriente acompañando a la pasional voz del solista. Y para cerrar esta segunda cara del “picture disc”, un alucinante “Plan 9 (from outer space)”, versión de sus Bop Pills, con algunos efectos espaciales y una agilidad endiablada procurada por una guitarra que se luce en su dominio del rockabilly con una participación estelar de varias voces.

Com Mario Cobo. Foto: Jordi González
En el Cd también podemos disfrutar de otras canciones como “Extraños en el Tren”, otro de los tres temas interpretados en castellano, en el que la banda se desliza por las vías con ese traqueteo instrumental tan extraordinario en el que sobresalen solos enigmáticos entre “problemas por resolver y alguien que no nos deja hacer”. También podemos oír ese “Full Moon Spell” con ritmo entrecortado, propio de una ceremonia salvaje, con golpes de guitarra, secuencias oscuras, y momentos de swing fantasmagóricos. Hechizos de luna en persecuciones nocturnas que pueden acabar por procurarnos “Marcas en la Piel”, título de otro de los temas cantados en español. “Eres un demonio con nombre de mujer que me llevaste al infierno y me dejaste arder…”. Guitarras alocadas con un  contrabajo percutiendo en el pecho que nos dejan anonadados como en ese “A nail in my shoes”, punk y rockabilly, recorriendo espacios abiertos con absoluta destreza y arreglos sencillos pero, a su vez, tan absorbentes como fascinantes. “My pig is gone”, es otra de las canciones de la versión digital en la que se apoderará de tus sentidos, una vez más, ese contrabajo tan salvaje, acompañando voces y lamentos, más guitarras tejiendo motivos tan afilados como inolvidables. 

Los Brioles en la actualidad
Los  hermanos Nunes llevan más de treinta años tocando juntos, y de la complicidad entre ambos surge un microuniverso fascinante de rock and roll salvaje y primitivo con referencias en los años cincuenta pero también con un toque personal que les convierte en únicos. Con esas tres décadas han atesorado la suficiente experiencia como para no dejarse llevar por las tendencias, y tener la mente fría y el corazón caliente para escoger, de entre la amalgama de derivados que nos facilita el mercado discográfico, aquellos que mejor les han servido para seguir fabricando su propio estilo. Este nuevo disco demuestra, por encima de todo, que un proyecto musical, tanto instrumental como vital, si es bueno, no puede más que mejorar; eso sí, siempre y cuando  uno esté completamente convencido de lo que está haciendo. Y ellos lo están, vaya si lo están, y cualquiera que los oiga en este trabajo o en directo, se dará cuenta  que nunca lo han estado tanto en su vida. Más allá de su glorioso pasado, mediante  este nuevo álbum llamado “Hit The Floor with…” (El Toro Records 2014)  se reafirman en su licencia de maestros del rock and roll dispuestos a seguir aprendiendo y experimentado con su imaginación para deleitarnos con discos tan fascinantes como éste.   

 Nota: Puedes leer una reseña de uno de sus directos en nuestro blog aquí o comparar una copia del picture disc o del Cd en la web del Toro Records

lunes, 24 de marzo de 2014

“Brand New Woman”, flamante Lp debut de los Vibe Creators, con enorme destreza y sensibilidad

Portada
Cuando la web modernista Real Mod World de Dani Llabrés dice que una obra es imprescindible, puedes dar por seguro que ese álbum, como poco, va a entusiasmarte tanto si te consideres una o un mod, o simplemente tienes la mínima sensibilidad como para apreciar un compendio de elegancia, buen gusto, melodías de ensueño y arreglos instrumentales fascinantes como los que encontrarás en este disco, ciertamente esencial, titulado “Brand New Woman” de The Vibe Creators (Lontano Records 2013).

El primer Lp de este magistral cuarteto contiene ocho temas propios y dos versiones, con los que confirman su extraordinario dominio mediante una combinación de estilos como son el soul, el jazz, el funk y el bogaloo. El grupo está formado por Laurent Erdös al vibráfono y percusiones; Sergio Albetonsa al órgano y piano; Layla Muñoz a las voces; y Danilo Argenti a la batería.  Antes de que saliera este álbum en 2013, Lontano Records les editaba en 2011 un single con dos temas propios grabado en los estudios Funkorama de Madrid, producido y mezclado por Carlo Coupé y masterizados por Ángel Álvarez.  En la cara A se escucha “I don't wanna be lonely” , incluida en este Lp, y en su cara B, “Latinfunktion” con toques de funk que no podrás oír en este nuevo trabajo.


En cuanto a los componentes de los Vibe Creators vale la pena que pormenoricemos, aunque sea de forma resumida, su prolífica trayectoria. Erdös nació en Francia. Es especialista en jazz latino y ha tocado con  Jimmy Sabater, Johnny ‘Dandy’ Rodriguez y Nicky Marrero. Ha dirigido grandes orquestas como Mambo Legacy (2003) o Mambomania (1991-1997), y ha sido creador de grupos como Azimut (1985) Salsa y Boogaloo (1994-1998)  o su propio cuarteto (1989).  Por su parte, Albentosa trabajó en los noventa con Arturro Serra y Francisco “Latino” Blanco en el colectivo de músicos valencianos  Sedajazz. Ha tocado en bandas como  The Natural Thing con la que grabó “El Pez Mosquito” para  Trouble & Tea records, así como con grandes leyendas como JJ Barnes y Betty Harris, entre otros músicos valencianos de prestigio como Joan Soler, Felipe Cucciardi y Ramon Cardo. Argenti ha colaborado con un considerable abanico de artistas de jazz, blues y funk, tanto a nivel estatal como internacional como Danny Boy and theJumpers, Blues Quartet, Boney M, TheSoulTellers, etc. La vocalista Layla Muñoz empezó su carrera como cantante con Albentosa  y con el tiempo ha adquirido una técnica vocal extraordinaria, ideal para completar los arreglos instrumentales que surgen de la imaginación de los instrumentistas de esta banda tan original. Aporta también las letras de las canciones que interpreta.

Foto promocional 2010
Los temas de “Brand new Woman” son originales de Sergio Albentosa con Layla Muñoz, a excepción de “Joel’s Groove” que es de Erdös; y las dos versiones que son: “My heart (Will Understand) de Eddie Jones, inmortalizada por Linda Jones en 1969, y “Just Say Goodbye” de Rodgers Grant, interpretada por Esther Phillips en 1965 con arreglo de Oliver Nelson. Fue grabado y mezclado, entre 2011 y 2012, en Funkorama Studio de Madrid por Carlo Coupé y en Studio Tigruss de Gandía por Pepe Gomar. Colabora también en la grabación Sergio Marciano a las congas.  Las fotos del álbum son de Juanjo Ferrer y Cristina Gómez, y el diseño, con esa magnífica portada que juega con los caracteres tipográficos como hacía en los sesenta Blue Note,  es de Layla Muñoz y FPR. 

Las canciones:
En el Nasti de Madrid, 2011

La cara A se abre con “She Was so pretty”, canción en la que despliegan todos sus fantásticos  recursos instrumentales mediante un órgano, un vibráfono y una batería, sonando de forma conjunta e impecable, al servicio de la encantadora voz de su solista. Calurosos solos de Hammond y “vibes”, acompañamientos rítmicos y síncopas magistrales, nos procuran un éxtasis de jazz y soul inolvidable. Le sigue “I don’t wanna be lonely”, con sus improvisaciones bailables con espaciosos recorridos de vibráfono y órgano. No faltan esos convincentes toques latinos y unos acordes sensuales arropando la fascinante voz de su cantante. Solos imaginativos y detalles rítmicos esenciales generan un momento de sensibilidad extrema. “My heart (Will Understand)”, siguiente corte, es una excelente versión con unos arreglos excepcionales que arropan la interpretación calmada de la solista cuya preciosa voz no tiene  nada que envidiar a la portentosa Linda Jones. “Joel’s Groove”, como su nombre indica tiene un Groove espectacular con juegos instrumentales entre órgano y vibráfono intercambiando fraseos mientras la batería sigue imperturbable su ritmo contagioso. “Just Say goodbye”, la segunda versión, cierra la cara A con ese toque de jazz de costa azul en el que los arreglos de metales pasan a manos del vibráfono y la voz se torna más sensual. A destacar ese magnífico final de bossa nova.
Layla Muñoz y Danilo Argenti

“If you try to smile” , tema de inspiración funk, sorprende desde un principio por esas teclas creando líneas de bajo memorables. Abre la cara B de nuevo con esa voz imprescindible respaldada por un ritmo perfecto, un toque de órgano caluroso y un acompañamiento coqueto de vibráfono. Sus responsables nos demuestran, una y otra vez, sus inefables habilidades como en ese “I’ve never been cold”, pura esencia de soul en la que esa destreza de los solistas se pone a prueba entre varias concepciones rítmicas impecablemente ejecutadas.  De este modo llegamos al tema que da nombre al disco, “Brand new woman”, con ese toque bailable de soul funk, en el que los solos adquieren diferentes matices de estilo según el momento, del  smooth soul al mod jazz.

En el Black Note de Valencia. Laurent Erdös
Con “I’ll never know”, nos regalan una cariñosa balada de jazz pop y R&B, con preciosa melodía y un encantador acompañamiento. Memorables son también esos detalles de doo wop, un tierno intermedio de jazz, y ese crescendo del tempo en  los últimos compases a la búsqueda de un final pletórico. “You’re wrong about me” cierra el disco con un auténtico arranque vocal de auténtica diva del soul a la que se suma una banda genial. Tema que nos recuerda también las influencias del góspel, en el que no falta tampoco momentos de bossa nova y  R&B con los que definen una sensacional melodías mediante una interpretación de sus  solistas en estado de gracia.

Sergio Albetonsa
Hay discos que invitan a un ritual para ser disfrutados en su máximo esplendor. Un lugar, un momento, una copa, una compañía, todo depende de ti y de tu estado de ánimo. “Brand New Woman” es de esos álbumes que parecen  llevar  incorporados todos esos detalles y en el momento que la aguja de tu tocadiscos surca el vinilo, ya desde el primero de los temas, la imaginación se pone en marcha para procurarte el mejor de los ambientes con la más fascinante de las compañías o, si lo prefieres, la soledad más reconfortante.  The Vibe Creators son una banda de excelentes músicos cuya destreza y creatividad les encumbra en el panorama internacional. Lo demuestran en sus directos y mediante este álbum de estudio que ha contado con la complicidad y el inefable trabajo de otro de nuestros grandes de la escena internacional como es Carlo Coupé. Juntos han conseguido un trabajo cuidado al detalle en el que te asombrará no solo esa evidente destreza instrumental sino la calidez  de sus melodías interpretadas con una voz femenina fabulosa y un acompañamiento rítmico envolvente.

Nota: Puedes adquirir el single y el Lp de los Vibe Creators mandando un mensaje al facebook de Lontano Records aquí.  

miércoles, 19 de marzo de 2014

Muere Joe Lala de los Blues Image, CSN&Y, Manassas y muchos otros


Joe Lala nació el 3 de noviembre de 1947 en Ybor City, Tampa, Florida, donde falleció el  18 de marzo 2014 a consecuencia del cáncer que padecía. Fue percusionista de la banda de blues hard rock, Blues Image, tocó con los Crosby, Stills, Nash & Young , Manassas , The Bee Gees , Whitney Houston , y muchos otros. Un caso grave de síndrome del túnel carpiano terminó con su carrera como percusionista y pasó al mundo del cine donde trabajó de actor.

De familia albanesa siciliana, Lala comenzó a tocar la batería en varias bandas de Florida y en 1966 entró a formar parte, como cantante y percusionista, de la banda Blues Image en la que figuraban también el cantante y guitarrista Mike Pinera, el cantante y baterista Manuel "Manny" Bertematti, el teclista Emilio García, y el bajista Malcolm Jones. Más tarde se les unieron el teclista Frank "Skip" Konte cuando Emilio García dejó la banda para convertirse en piloto. Se trasladaron a Miami en 1968 donde ayudaron a crear la famosa sala de conciertos “Thee Image” en la que fueron banda residente.  

Edición española del   "Cabalga, capitán,cabalga"
Después se mudaron a los Ángeles donde firmaron con Atco Records, y sacaron su álbum de debut en febrero de 1969. Su segundo trabajo “Open” (1970), incluye su popular éxito "Ride Captain Ride". Este disco vendió más de un millón de copias y ganó un disco de oro. Pinera dejó la banda y entraron en su lugar Denny Correll a la voz y el guitarrista Kent Henry. La banda se separó al poco tiempo aunque sacaron antes un tercer álbum “Red White & Blues Image” ese mismo año 1970.

Bertematti colaboró con la New Cactus Band e Iron Butterfly, entre otros. Pinera también estuvo con Iron Butterfly, Ramatam, y Alice Cooper, y también sacó varios discos en solitario. Konte tocó con Three Dog Night, y Lala con los Crosby, Stills, Nash & Young, y su labor como percusionista es fundamental en el proyecto de Stephen Stills y Chris Hillman llamado Manassas. Henry tocó la guitarra con Steppenwolf a principios de los setenta. Por su parte Correll se dedicó a la música cristiana y murió en 2002.

Manassas
Lala acumuló durante su trayectoria 32 discos de oro y 28 de platino. También tocó  en las bandas sonoras de películas como Saturday Night Fever, Staying Alive, D.C. Cab, Streets of Fire. All the Right Moves, Breathless, Defiance, The Lonely Guy, y Airplane!. Pero un caso grave de síndrome del túnel carpiano terminó con su carrera como percusionista, y se dedicó al mundo del cine. Actuó en películas como Active Stealth, Sugar Hill, On Deadly Ground, Deep Sleep, Havana, Out for Justice, Marked for Death, Eyewitness to Murder, o Born in East L.A., entre muchos otros. También hizo mucha televisión en series como Miami Vice o en programas de animación.  

Documentos audiovisuales: 

El éxito de los Blues Image "Ride Captain Ride" de 1970



Sensacional documento televisivo de 1972 con los Manassas mezclando magistralmente  psicodelia, country, pop, latino y blues en directo. Se puede ver a Joe Lala en la percusión y cantando, en español e inglés, en temas como "Cuban Bluegrass".



Fallece Paddy McGuigan de los Barleycorn


Paddy McGuigan
Paddy Joe McGuigan fallecía el 17 de marzo de 2014, día San Patricio, en su casa del condado de Fine Gall de la República de Irlanda. Formó parte del grupo de folk  The Barleycorn y compuso, entre otros, temas muy significativos para las reivindicaciones sociopolíticas irlandesas, englobada en la etiqueta de “Irish Rebel Music”, como son  "The Men Behind the Wire", "The Boys of the Old Brigade", "Irish Soldier Laddie", "Freedom Walk" y "Bring Them Home".

Los Barleycorn se crearon en 1971 por Paddy McGuigan, Liam Tiernan, Brian McCormick y John Delaney. Con los años se incorporaron otros músicos y abandonaron algunos de sus fundadores. Su primera grabación fue “The Men Behind the Wire”, producida por Billy McBurney en Belfast y editada en Dublin por Release Records en diciembre de 1971. El tema habla de las personas encarceladas por motivos políticos en varios centros penitenciaros de Irlanda del Norte como la prisión de Maze también conocida como Long Kesh.  La canción tuvo mucho éxito en la Irlanda de primeros de los setenta y llegó al número uno en las listas en 1972. Los beneficios de la edición fueron donados a los familiares de los internos. La canción ha sido versionada en numerosas ocasiones por bandas como los Clancy Brothers o los Wolfe Tones.  

Paddy tambièn escribió otro gran éxito como fue  "The Boys of the Old Brigade", canción popular que versa sobre el Ejército Republicano Irlandés de la guerra de la independencia irlandesa (1919-1921) donde se habla del levantamiento de Pascua (Éirí Amach na Cásca) de abril de 1916 contra el ejército inglés. En la canción un veterano de esa guerra explica a un joven historias sobre sus antiguos compañeros de armas y se repite una frase en irlandés "a ghrá mo chroí” (amor de mi corazón). Más recientemente el tema originó una controversia política por ser coreado por los seguidores del Celtic de Glasgow.

McGuigan fue de los primeros que abandonó a los Barleycorn y grabó un disco en solitario con  Dolphin Records en 1975, titulado "My Country, My Songs and Me". Con  Dermot O'Brien, produjo el album, "The Price Of Justice" de Kathleen Largey.

Liam Tiernan dejó la banda en 1981 y emigró a Boston donde abrió un pub. John Delaney estuvo con el grupo hasta 1995, año en que se disolvió, y emigró a los Estados Unidos.

Documento sonoro:

Paddy es el autor del tema "The Boys of the Old Brigade", canción popular que versa sobre el Ejército Republicano Irlandés de la guerra de la independencia irlandesa (1919-1921) donde se habla del levantamiento de Pascua (Éirí Amach na Cásca) de abril de 1916 contra el ejército inglés.



Muere Al Harewood “Mr. Tip”, leyenda del hard bop y el soul jazz

Al Harewood 
Al Harewood nació en Brooklyn (Nueva York) el 3 de junio de 1923 y falleció el 13 de marzo de 2014. Prestigiosos baterista, tocó en muchas sesiones durante los cincuenta y sesenta de hard bop y soul jazz, para Blue Note. Grabó muchos discos acompañando a  Booker Ervin, Stanley Turrentine, Betty Carter, Lou Donaldson, Bobby Hutcherson, Dexter Gordon, Curtis Fuller, Ike Quebec, Betty Carter, Grant Green, Horace Parlan y muchos otros. También formó parte del J.J. Johnson/Kai Winding group;  Art Farmer/Gigi Grice band; la banda de David Amram, y el Curtis Fuller-Benny Golson Sextet. Además era muy respetado entre los percusionistas de jazz por su inefable tarea en el mundo de la enseñanza musical y se referían a él como “Mr. Tip”, “el señor consejo”.

Al Harewood 
Al no estaba considerado como un baterista llamativo ni espectacular pero era tremendamente efectivo, con un dominio rítmico magistral. Su presencia en cualquier grabación de jazz es garantía de un swing rítmico perfecto  Empezó a tocar en los años cincuenta con el JJ Johnson /Kai Winding dúo.  Después colaboró con Gigi Gryce , Art Farmer , y George Barrow antes de entrar en la formación de Lou Donaldson en 1959.  Con el contrabajista Ahmed Abdul-Malik grabó “Jazz Sahara” (Riverside, 1958). Al año siguiente, 1959,  grabó con el trombonista Curtis Fuller el álbum “Blues-ette” (Savoy, 1959); y con el saxofonista tenor Benny Golson, “Gone with Golson” (New Jazz, 1959).  Desde 1959 a 1963 estuvo tocando con el saxofonista Stanley Turrentine y con él grabó seis discos para Bue Note:   “Look Out!” (1960); “Comin' Your Way” (1961); “Up at "Minton's" (1961); “Jubilee Shout!!!” (1961–62); “Never Let Me Go” (1963); “A Chip Off the Old Block” ( 1963).

También se le puede oir tocar la batería con el  saxo alto de Lou Donaldson en los trabajos “Sonny Side Up” (Blue Note, 1960); “Midnight Sun” (Blue Note, 1960); y “Lush Life” (Blue Note, 1967); con el saxofonista tenor Dexter Gordon en “Doin' Allright” (Blue Note, 1961); con el guitarrista Grant Green en los discos “Grantstand” (Blue Note, 1961); “Remembering” (Blue Note, 1961); y “Idle Moments” (Blue Note, 1964); con el vibrafonista Bobby Hutcherson en “The Kicker “ (Blue Note, 1963); con el pianista Horace Parlan en “Movin' & Groovin'” (Blue Note, 1960), “Us Three” (Blue Note, 1960); “Speakin' My Piece” (Blue Note, 1960); “Headin' South” (Blue Note, 1960); “On the Spur of the Moment” (Blue Note, 1961); “Up & Down” (Blue Note, 1961) y “Frank-ly Speaking” (SteepleChase, 1977); con el saxofonista tenor Ike Quebec en “Heavy Soul” (Blue Note, 1961) y “It Might as Well Be Spring” (Blue Note, 1961); con el trompetista Dizzy Reece en “Comin' On!” (Blue Note, 1960); con la cantante Betty Carter en los discos “Finally, Betty Carter” (Roulette, 1969) y “Round Midnight”  (Roulette, 1969).

Al Harewood 

En las siguientes décadas grabó con David Amram "No More Walls" (1971); George Benson Quartet (1973); Norman Simmons, "Ramira The Dancer" (1976); Horace Parlan, "Frank-ly Speaking" (1977); Lisle Atkinson, "Bass Contra Bass" (1978); Norman Simmons, "Midnight Creeper" (1979); y "I'm ... The Blues" (1980); Buddy Tate/Al Grey, "Just Jazz" (1984); Dick Katz, "In High Profile" (1984); Norman Simmons, "13Th Moon" (1985); Lee Konitz, "Ideal Scene" (1986); Benny Carter, "Cookin' At Carlos I" (1988); Curtis Fuller, "Blues-ette Part II" (1993); Joshua Breakstone, "Remembering Grant Green" (1993);
Howard Alden, "Your Story - The Music Of Bill Evans" (1994); y Louis Smith, "There Goes My Heart" (1997).

Por otra parte, colaboró con la pianista Mary Lou Williams en 1962, así como Stan Getz, Chuck Wayne , Joe Williams, entre muchos otros hasta década más recientes.  Durante los setenta estuvo enseñando en el Livingston College de new jersey y en los ochenta tocó con el saxofonista alto Lee Konitz.  Al parecer sus últimos años los vivió entre Brooklyn y las Barbados.

Documento sonoro: 

Una de sus múltiples grabaciones, en este caso con el guitarrista Grant Green en el disco “Grantstand” (Blue Note, 1961)






martes, 18 de marzo de 2014

Suculento aperitivo a 7” de Tony Borlotti e i Suoi Flauers para Discos Jaguar de Monterey

Portada 
Discos Jaguar, filial del sello Monterey de Valencia, editaba a finales de 2013 el nuevo Ep de los italianos Tony Borlotti e i Souoi Flauers con el título genérico de “Aperitivo Da Tony”. Se trata del nombre de uno de los dos temas originales, el otro se titula "Anna", que se incluyen en este nuevo disco de 7” en el que también podrás disfrutar de dos versiones sorprendentes con los nombres de “Non He No Colpa” (1966) de Pino Donaggio, y “Droga” (1964) de Don Backy y la banda I Fuggiaschi.

El grupo se formó en 1996 en Salerno (Italia). Tras el disco “Io non vivo per te” (Lp Teen Sound 1999), sacaron un Ep en 2000 también con Teen Sound y el título de “Inno dei Flauers”.  Con la misma discográfica, en 2003 salía al mercado su flamante disco “Il Mondo è Strano”. Ese trabajo fue reeditado en 2006 con temas inéditos. Dos años después veía la luz otro álbum  llamado “A che serve protestare?” con canciones desconocidas y algunas versiones del repertorio de estos sensacionales italianos.  La banda también ha actuado con clamoroso éxito en grandes festivales como el Festival Salsomaggiore, Primavera Beat, Go!Lleida Festival , Festival Beat Roma, Beat Epoque, etc…

Las canciones de este nnuevo Ep fueron grabadas por Tony Borlotti (voz y guitarra); Gabriele D’Antonio (órgano farfisa y coros); Johnny Dago (bajo y coros); Michelangelo Coppola (guitarra y coros); y Vincenzo Criscuolo (batería).  La grabación y mezcla tuvo lugar en el estudio Coppola 66 entre los años 2012 y 2013 con la colaboración de Enza Giannattasio a la voz de “Aperitivo da Tony”. El artwork  es original del maestro Mik Baro quien, en esta ocasión, nos dibuja a una bella “ragazza” con larga melena, labios, mofletes y botas altas rojas, cuya piel blanca destaca en un fondo azul y un marco de ornamentos florales. Esa combinación de colores se repite con sumo atractivo en la galleta del sijngle. Como es habitual, tenemos la suerte de contar con la propia explicación de su autor, Mik Baro, quien nos describe su trabajo en su esencial blog que puedes consultar entrando aquí.  En la contraportada también podrás deleitarte con una instantánea de la banda en un altar vestidos elegantemente y con sus guitarras sixties.

Las canciones:


Abre la cara A la canción “Non Ne ho colpa”, adaptación del tema de Pino Donaggio  y Vito Pallavicini de 1966 que en su día ya versionó Pino en español con el título de “No tengo la culpa”. El tema irrumpe con un desparpajo de “garage psicodélico”, con efectos de guitarras, riffs poderosos y voz sensual entre desarrollos rítmicos bailables. Incluye un fabuloso solo de órgano entre una amalgama de sensaciones y juegos de voces que, sin apenas pausa, dan paso a ”Anna”, una canción original de Gabriele D’Antonio.  Fantástico tema de  grácil melodía, con arpegios de guitarra y coros surfers, que adquiere una fuerza inusitada en algunos de sus tramos mientras que, en otros, se muestra intimista desembocando en un solo beat de guitarra que acaba por redondear la genial interpretación.

Contraportada

Y en la cara B, nos ofrecen “Droga”, adaptación de la versión que hicieron en 1964 Don Backy y la banda I Fuggiaschi del tema "I'm gonna get you", de Cliff Richard and The Shadows editado en 1960 en el álbum "Me and My Shadow".  En este caso, el corte irrumpe con unas fieras guitarras de rock and roll para definir un tema de “garage” sesentero con riff hipnótico de órgano y toques de beat.  Añaden  más juegos vocales consistentes y otro solo de guitarra bien articulado con el que consiguen una adaptación fantástica.   La canción que cierra el disco es  “Aperitivo da Tony”, otro de los temas propios de D’Antonio, cuya sencillez pop, entre pedales wah wah, ritmos playeros, y entonaciones vocales, convierten a este instrumental en un colofón perfecto para este nuevo Ep.

Borlotti y sus Flauers, fieles y creativos herederos del mejor  beat, también llamado “bitt“ italiano de los sesenta, han volcado en este nuevo Ep la riqueza deslumbrante de la música  con raíces sixties propia de su prolífica escena estatal. Mediante un par de sugerentes  adaptaciones  más otros dos sensacionales temas para añadir a su ya deslumbrante cancionero propio,  podemos afirmar, sin tapujos que valgan, que su obra musical destaca por un poder de convicción tan original como divertido. Esperemos que este nuevo Ep sea precisamente eso, un aperitivo  a modo de anticipo, de otro nuevo álbum que se sume a la discografía sin desperdicio alguno de estos siempre vibrantes y creativos italianos.

Nota: Puedes adquirir una copia del single en Discos Monterey de Valencia.  

lunes, 17 de marzo de 2014

Nos deja Scott Asheton de los Stooges

Scott Asheton 
Scott "Rock Action” Asheton nació el 16 de agosto de 1949 en Washington DC. y falleció el 16 de marzo de 2014. Baterista de los Stooges, fundó la banda en 1967 con la que tocó hasta que en junio de 2011 sufrió problemas de salud que le mantuvieron alejado de los escenarios.  Iggy Pop escribió en las redes sociales: “Mi querido amigo Scott Asheton falleció anoche.  Scott era un gran artista, nunca he oído a nadie tocar la batería con más sentido que a Scott Asheton.  Él era como mi hermano.  Él y Ron han dejado un gran legado al mundo.  Los Asheton siempre han sido y siguen siendo una segunda familia para mí.  Mis pensamientos están con su hermana Kathy, su esposa Liz y su hija Leanna, que era la luz de su vida”.

A los 14 años, Scott se trasladó con su familia a Ann Arbor (Michigan) y a los 17 años formó The Stooges junto con su hermano Ron Asheton, más Iggy Pop, y Dave Alexander. El debut de la banda tuvo lugar en un concierto de Halloween en 1967. No volverían a tocar en directo hasta enero de 1968. Durante la primera época eran conocidos como Psychedelic Stooges. En 1968 firmaron con Elektra Records, y al año siguiente sacaron su álbum de debut con título homónimo que no gustó ni a la crítica ni al público pero que con el tiempo se convirtió en un disco seminal del punk.

The Stooges
En 1970 sacaron un segundo álbum, “Fun House”,  que contó con el  saxofonista Steve Mackay. El disco captaba la esencia contundente de los directos de la banda pero tampoco fue bien recibido ni por la crítica ni por el público. Alexander fue despedido  en agosto de 1970 y fue reemplazado por una sucesión de nuevos bajistas:  Zeke Zettner y Jimmy Recca.  Por esa época se añadió un nuevo guitarrista, Billy Cheatham, quien fue reemplazado por James Williamson.  Elektra se desprendió de los Stooges y la banda se tomó un descanso de varios meses. Con el grupo parado, Iggy Pop conoció a David Bowie en septiembre de 1971, y con Williamson en el Reino Unido les consiguió un contrato con Columbia Records. La pareja trató de reconstituir los Stooges con músicos británicos, pero al no encontrar instrumentistas adecuados, volvieron a reunirse con los hermanos Asheton. De este modo, la nueva formación anunciada como Iggy & The Stooges, grabó su tercer álbum “Raw Power”.  Iggy & The Stooges de separaron en febrero de 1974.
En 1977 se crearon los Sonic Rendezvous Band con músicos de cuatro bandas de rock de Michigan: Fred "Sonic" Smith de los MC5 a la voz y guitarra;  Scott Morgan de los Rationals a la guitarra y voz, Gary Rasmussen de The Up al bajo, y Scott Asheton de los Stooges a la batería. Grabaron un solo single con el tema "City Slang", editada a ambos lados del single. Se puso que en un lado estaba en mono y en el otro en stereo, aunque en los dos estaba igual. Al final se separaron en 1980.

Iggy con los Asheton (Ron y Scott)
Scott pasó la década de los 90 entre Michigan y Florida cuidando de su familia y en 2003, Iggy Pop y los Asheton se reunieron para tocar cuatro canciones en el álbum “Skull Ring” con Iggy a la voz, Scott Asheton a la batería, y Ron Asheton a la guitarra y el bajo. Poco después, los Stooges se reunieron oficialmente y realizaron unos cuantos directos por los Estados Unidos y Europa, con Mike Watt al bajo, y el saxofonista  Steve Mackay.

En 2005, Elektra Records y Rhino Records remasterizaron los dos primeros discos de The Stooges, más mezclas alternativas. En marzo de 2007, la banda sacó un álbum de material nuevo, "The Weirdness", producido por Steve Albini, y masterizado en los Abby Road Studios de Londres.  The Stooges estuvieron de gira entre los años 2003 y 2008 tocando por todo el mundo.  Ron Asheton dio su último concierto el 29 de septiembre de 2008 en Ljubljana Eslovenia.  El 6 de enero de 2009, fue encontrado muerto en su casa, después de haber sufrido un ataque cardíaco días antes.

Scott Asheton
La banda siguió con James Williamson a la guitarra. Su primer concierto tuvo lugar el 7 de noviembre de 2009 en Sao Paulo, Brasil. En marzo de 2010, los Stooges fueron incluidos  en el Salón de la Fama del Rock and Roll. En junio de 2011 Scott se encontró mal mientras estaba en Londres y no pudo terminar la gira de ese verano. Fue substituido por Larry Mullins, también conocido como Toby Dammit, que ya había tocado con la banda de Iggy Pop en los años noventa.  En 2013 vio la luz el disco “Ready to die”.

Scott también tocó la batería con varias bandas de Scott Morgan como   Scott Morgan Band, y Scots Pirates. También actuó en una gira de los Destroy All Monsters , bajo el nombre de Dark Carnival. Grabó con Sonny Vincent , y colaboró con J. Mascis de los Dinosaur Jr, Captain Sensible de los Damned,  y Steve Baise de los Devil Dogs.

Documento sonoro: 

Imágenes del Delta Pop festival con los Stooges interpretando "1969".  


"Fun House" (1970) de los Stooges 


Iggy Pop & The Stooges intepretando "Search and Destroy" en 2010


sábado, 15 de marzo de 2014

Nos deja Cees Veerman de los Cats

El holandés Cees Veerman nació el 6 de octubre de 1943 en Volendam y falleció el 15 de marzo de 2014 en Yagjakarta (Indonesia). Formó parte de los Cats, banda de nederbiet formada en Volendam quienes, con los BZN, fueron figuras claves de lo que se vino a llamar como “Palingsound”, o sea el sonido pop de esa ciudad  holandesa.  En Volendam es muy apreciada la anguila (“paling”) y en los sesenta un Dj acuñó con este nombre a los grupos a los que consideraba igual de “escurridizos”.  Los Cats llegaron a ser muy famosos en Holanda, incluso la selección de fútbol de su país oía su música en el autobús cuando se trasladaron a jugar el Mundial de fútbol de 1974 en Alemania.  

En los Cats se fusionaron dos formaciones: Cees Veerman y Arnold Mühren (nacido el 28 de enero de 1944 ), ambos con un proyecto de skiffle llamado Electric Johnny & his Skyriders ;  y Piet Veerman (nacido el 01 de marzo de 1943 ) y Jaap Schilder (nacido el 9 de enero 1943 ) quienes actuaban en un dúo llamado Everly Kolsters . Se convirtieron en The Mystic Four, con Cees Veerman y Piet Veerman vocalistas y guitarristas, Schilder a la guitarra y piano, y Muhren en el bajo. En 1965 cambiaron su nombre por el de The Blue Cats , una referencia al color de sus trajes y por el apodo de Cees , “Poes” (en holandés "gato') . “Blue” dejaron de utilizarlo cuando entró en 1966 el baterista Theo Klouwer ( nacido el 30 de junio de 1947 y fallecido el 8 de febrero de 2001).


Jan Buys les prestó dinero, se conviritió en su manager, y pudieron grabar sus primeros singles. Entre 1965 y 1966 sacaron algunos temas como “Jukebox/Goodbye my love” ; “Ave Maria/A fool never learns”; “Somewhere over the rainbow/I'm ashamed to tell”; y “What a crazy life/Hopeless try”.  Sus excelentes juegos vocales se hicieron famosos por toda Holanda y Alemania, donde al final también grabaron en alemán. Les sucedieron otros grandes temas como "Without Your Love" de 1967;  "Times Were When" y "Lea" (1968), más "Why" , "Scarlet Ribbons" y  "Marian" (1969). En 1968 sacaron un álbum llamado “Cats As Cats Can” y al año siguiente “Colour Us Gold”.

Para principios de los setenta su popularidad se extendió hasta Surinam, las Antillas Neerlandesas y Guyana donde fueron recibidos de forma clamorosa en una gira. En octubre de 1970 actuaron en Inglaterra y al año siguiente tocaron en Indonesia  pero su mala fama entre sectores conservadores de su propio país aumentó cuando se relacionaron con el disidente político holandés Poncke Princen, un destacado luchador antinazi que en 1948 desertó y se unió con la guerrilla pro independencia de Indonesia.

En 1970 sacaron un disco llamado “Portrait” al que siguió “Take Me with You” y “45 lives”. En 1971 editaron el trabajo “Cats Aglow” y “One Way Wind”, uno de sus más grandes éxitos, en  1972. En 1971 también tuvieron mucho éxito con el tema "Don't Waste Your Time".

Arnold Mühren, Theo Klouwer, Cees Veerman, Jaap Schilder, Piet Veerman
Llegaron a ser tan populares que hasta la selección holandesa de fútbol escuchaba el grupo en sus traslados en autobús durante la copa del Mundo de 1974 en Alemania Occidental. Pero la apretada agenda de conciertos empezó a pasar factura y Cees se resintió en la voz.  Le reemplazó por un periodo tiempo el miembro de los Roadcrew, Piet Keizer.

En 1974 volaron a los Ángeles para grabar un nuevo disco  del que no salieron muy contentos.  Desde entonces no consiguieron más éxitos. En 1976 Cees Veerman sacó  un álbum en solitario llamado " Another Side Of Me" , del que se editó un single con el tema "Sailor, Sail On (Dreamer, Dream On)". En 1978  Piet Veerman también tuvo cierta repercusión con el tema “Sailing Home”.  En 2006 se reunieron para recibir la Orden de Orange- Nassau, distinción holandesa, y grabaron un nuevo tema.  Cees Veerman siguió actuando con una formación llamada Cats Aglow Band.

La separación se produjo en 1980, a pesar del éxito de su primer single de ese año, "The End Of The Show", y el álbum con el mismo nombre. En 1983, sacaron un nuevo single "Stars On 45".  En 1985, Piet Veerman decidió retirarse de los Cats y dos años más tarde obtuvo su primer número 1 con "Home Sailin'".  En 1994, los Gatos grabaron su último álbum, llamado "Shine On", para Polydor.

Documentos sonoros:

Los Cats en 1966 con el tema de beat “What a crazy life" (Cook-Greenaway)


Los Cats en 1969 con su balada "Marian" (Mühren).


La banda se hizo muy famosa por sus baladas de pop folk como esta  “One Way Wind” (Mühren) de 1971.


Y también tuvieron sus momentos de folk psicodélico como este "Don't Waste Your Time" (P. Veerman) de 1971.