jueves, 31 de julio de 2014

Fallece el gran baterista de jazz y R&B, Idris Muhammad

Idris Muhammad
Idris Muhammad nació el  13 de noviembre de 1939 con el nombre de Leo Morris en Nueva Orleans, Luisiana, donde falleció el 29 de julio de 2014. Fue un gran baterista de jazz que también tocó soul y  funk, siendo uno de los pinoeros en la fusión de la música negra. Como músico de sesión tocó con otros grandes músicos como Fast Domino, Roberta Flack, Grover Washington o Sam Cooke, entre muchos otros. Tocó en la banda de Lou Donaldson, la de Ahmad Jamal y con el trío del guitarrista valenciano Ximo Tebar. También grabó numerosos discos con su nombre siendo el más famoso "Power of soul" (1974).  

Nacido en el seno de una familia de músicos, empezó a tocar la batería a los seis años y a los 12 ya tocaba a nivel profesional en el Mardi Grass Festival.  Tres años después grabó con Fats Domino el mítico "Blueberry Hill" (1956) y en 1959 con Joe Jones grabó el disco "You talk too much". En los cincuenta tocó también con Larry Williams y grabó los temas  'Raindrops' de Dee Clark y 'Chapel Of Love' de The Dixie Cups.

Idris Muhammad
En 1961 tocó con Sam Cooke y grabó los temas  'People Get Ready' de los Impressions y 'Keep On Pushing' de Jerry Butler.  De 1962 a 1964 tocó principalmente R&B y soul, y en 1965 se unió la banda del saxofonista  Lou Donaldson. En los sesenta se convirtió al islam y se cambió el nombre.  En el año 1966 se casó con Dolores "LaLa" Brooks de las Crystals quien también se convirtió al Islam con el nombre de Sakinah Muhammad. Se separaron en 1999.

De 1970 a 1973 fue baterista de sesión para Prestige records. Con Roberta Flack tocaria en directo y grabaría con ella su álbum "Feel Like Making Love" (1975). Tocó en una gira de Emerson Lake and Palmer. El sello Kudu, subsidiaria de CTI Records, le contrató como artista en solitario y sacó su álbum de debut  'Power Of Soul' (1974), con Bob James y Grover Washington Jr . Tres  años después triunfaba en la escena inglesa con su “Turn This Mutha Out” incluida en el disco “Could Heaven Ever Be Like This”.  Entre mediados de los setenta y ochenta, seguría sacando más discos como “House Of The Rising Sun” (1976); “Boogie To The Top” (1978); o “Make It Count” (1980).  Eb los años 1978 y 1979 tocaría con Johnny Griffin y ne los ochenta con Pharoah Sanders, George Coleman y la Paris Reunion Band (1986-1988).
En su trayectoria musical destacan otras colaboraciones con Herbie Hancock, George Benson,  Ron Carter; Stanley Turrentine, Hank Crawford, Freddy Hubbard, Sonny Stitt, Horace Silver o Randy Weston, entre muchos otros. Desde 1995 tocaba habitualmente con el pianista Ahmad Jamal.

Idris Muhammad
A principios de los dos mil se estableció en Viena desde donde realizó varias giras por Europa. En España tocó con el guitarrista, Ximo Tebar con el que grabaría varios discos como "The Champions" en formación de trío completado por Joey de Francesco al órgano o "Hello Mr. Bennett con Lou Bennett al órgano. En 2012 Xlibris editó el libro “The Music: The Life of Idris Muhammad” que escribió con su amigo Britt Alexander.  Muhammad era endorser de Istanbul Agop Cymbals.



Documentos sonoros: 

Grabó la batería de este tema "Blueberry Hill" (1956) cantado por Fast Domino.  


Tema "Power of Soul" que dio nombre al disco de 1974 editado por Kudu.  


Gran versión disco jazz de la “House Of The Rising Sun” (1976). 


También fue un experto en componer música disco de calidad de los ochenta como este tema "For Your Love"


Nos deja el guitarrista Dick Wagner

Richard Allen “Dick” Wagner nació el 14 de diciembre de 1942 en Oelwein, Iowa, y falleció el 30 de julio de 2014. Fue un prestigioso guitarrista que tocó y grabó con Lou Reed, Alice Cooper, Kiss,  y muchos más. A principios de los sesenta formó parte de los Bossmen y en 1967 creó los Frost, bandas de Michigan. Pasará al a historia también por su gran capacidad compositiva, su extraordinaria fuerza para superar múltiples dolencias físicas y por la lucha incansable contra el maltrato de niños y mujeres.    
  
Wagner creció en Saginaw, Michigan. Su primera banda actuaba en la área de Detroit. Se llamaban los Bossmen con los que conseguiría éxito con un tema suyo llamado “Baby Boy”, así como otros como  "You're The Girl For Me". En 1968 colaboraría con la banda Cherry Slush escribiendo temas como "I cannot stop you", o grabando para su sello Dicto, otros como "She'll Be Back".

A finales de los sesenta crearía, con el también guitarrista Donny Hartman; el baterista Bobby Rigg; y el bajista Gordy Garris, los Frost. Sacaron un par de singles para Date, filial de CBS, en 1967 y 68, con los temas “Bad Girl / A Rainy Day” y “Sunshine / Little Girl”. Después grabaron tres álbumes de hard rock con Vanguard records llamados “Rock And Roll Music” (1969); “Frost Music” (1969) y “Through The Eyes Of Love” (1970). En 2001 vio la luz un directo llamado “Live At The Grande Ballroom!”.

Lou Reed y Dick Wagner 
En 1972, Wagner se trasladó a Nueva York y creó la banda Ursa Major con Billy Joel a los teclados y Rick Mangone a la batería. Greg Arama de los Amboy Dukes reemplazó a Joel.  Sacaron un álbum de título homónimo y giraron con Jeff Beck y Alice Cooper.  En 1973 fue reclutado por el productor Bob Ezrin para la banda de Lou Reed y con el otro guitarrista Steve Hunter grabaron el disco Berlin (1973). Tocó la guitarra  en la gira del “Rock and roll Animal” y realizó arreglos especiales de los temas de la Velvet Underground para que sonaran en esos directos.

En la época con Alice Cooper 
En 1974 se unió a Alice Cooper, con el que ya había coincidido en la época de Frost.  Cooper se había quedado sin banda y juntos crearon su álbum “Welcome to My Nightmare” (1975). Después vino una larga y exitosa gira. También tocó la guitarra en otros de los álbumes de Cooper como “Goes To Hell”, “The Alice Cooper Show Live”, “Lace and Whiskey”, “From the Inside”, “Zipper Catches Skin”, “DaDa”, “Hey Stoopid”,etc.

Corría el año 1978 cuando sacó un disco en solitario producido por Bob Ezrin para Atlantic. Como curiosidad cabe mencionar que al ir del disco a su nombre, en algunas tiendas lo ponían en la sección de música clásica al confundirle con Richard Wagner.  También ha colaborado con otras bandas como KISS en sus discos “Destroyer” (1976) y “Revenge” (1992); el debut en solitario de Peter Gabriel (1977); o en el álbum de Hall & Oates “Along the Red Ledge” (1978), entre otros.

En 2005 se trasladó a Phoenix (Arizona) donde trabajó en un nuevo álbum con Alan Gordon (Happy Together, Celebrate).  Dos años después padeció un derrame cerebral y un ataque al corazón. Estuvo en coma. Se recuperó, aunque con secuelas importantes, y siguió escribiendo canciones así como un libro de memorias “Not Only Women Bleed”. Pese a los numerosos problemas de salud que fue padeciendo en los siguientes años,  en 2009 sacó un nuevo trabajo llamado “Full Meltdown” para Desert Dreams Records. De una forma u otra siguió activo, pese a su estado de salud frágil, promocionado el libro, produciendo, escribiendo canciones, o tocando prácticamente hasta el final de sus días así como colaborando para asociaciones en defensa de los niños y las mujeres que han padecido maltratos.  Una de sus canciones más conocidas es  "Only Women Bleed" de su época con los Frost pero de la que más orgulloso estaba era de "Remember The Child" con la que abordó el abuso infantil.

Documento sonoro: 

“Baby Boy” de los Bossmen, primera banda de Dick Wagner


"Sunshine", temazo de pop psicodélico de los Frost con Dick Wagner


Una de sus creaciones más conocidas con Alice Cooper que la canta. Cuenta la historia de una mujer casada que padece malos tratos. 


Fallece el cantante de soul, James Govan

James Govan nació el 2 de septiembre de 1949 en Charleston, Mississippi, y falleció el 18 de julio de 2014. Fue un cantante de southern soul que destacó por su dotada voz de barítono con la que grabó varios temes para Fame Records que fueron editados en un recopilatorio por Ace Records en 2013. Le apodaron Little Otis por su voz similar a la del gran Otis Redding. Sacó un par de singles a finales de los sesenta, más un Lp a mediados de los ochenta y un álbum con la Boogie Band en los noventa.    

Su familia se trasladó en los cincuenta a Memphis donde se crió. De voz portentosa, aprendió a tocar la batería y la guitarra y fue descubierto por el compositor y cantante George Jackson cuando formaba parte de The Vans, un grupo vocal. En 1967 grabó con Mickey Buckings 11 temas entre las que figuraban canciones de George Jackson “I Bit Off More Than I Can Chew” y “Your Love Lifted Me” más versiones de standards de Fame como “You Left The Water Running” y “Take Me Just As I Am”, o el “Bye Bye Blackbird” más el “Just Like a Woman” de Bob Dylan. Enviaron las demos a Rick Hall de Muscle Shoals, Alabama, quien se quedó muy impresionado con la voz de Govan.  Firmaron un contrato con Fame Records y el primer single salió en 1969 con el tema “Lover (No Experience Necessary)”.

Sacó un par de singles que no se vendieron pero la discográfica no le abandonó. En 1972 volvió de nuevo al estudio pero las grabaciones no vieron la luz.  En 1973 grabó una versión soul del tema country “Frumpy” con “Roland” en la cara B para el sello Fretone.  Siguió sin tener éxito aunque siguió actuando en Memphis. En los ochenta le oyó el productor David Johnson quien también se quedó prendado de su voz. Grabaron pero ni pudieron encontrar un sello que editara el disco.  Finalmente en 1986 una discográfica inglesa llamada Charly R&B sacó un disco suyo con el título de “I’m in Need”.


Desde 1993 Govan actuó en el Rum Boogie Café de la calle Beale de Memphis. Cinco años más tarde, sacaba con la Boogie Band el disco “A night on beale”.  El recopilatorio de Ace records contribuyó a destacar uno de los más grandes intérpretes de deep soul quien no tuvo nunca la suerte que merecía. 

Documento sonoro: 

Menuda maravilla de tema y de voz, la del difunto James Govan, un cantante que merecía muchísimo más éxito del que tuvo, que fue más bien ninguno pese a grabar con la gran discográfica Fame.    



martes, 29 de julio de 2014

Fallece el compositor y pianista de jazz, Giorgio Gaslini

G. Gaslini 
Giorgio Gaslini nació el 22 de octubre de 1929 en Milán y falleció el 29 de julio de 2014 en Borgo Val di Taro, Parma. Fue un prestigioso compositor y pianista que fusionó  el jazz con la clásica, el pop, l’avant-garde, la ópera i el ballet. Ha realizado más de tres mil conciertos y un centenar de discos. Entre sus trabajos más destacados está la banda sonora de la película “La Notte” (1961) de Michelangelo Antonioni, así como múltiples colaboraciones con grandes del jazz

Al piano, en la Notte con Jeanne Moreau y Marcello Mastroianni


Formado en la escena musical milanesa de los cuarenta, Gaslini empezó a tocar el piano a los siete años. Pronto se interesa por el jazz durante una época, el régimen fascista de Mussolini, en la que el estilo considerado americano era rechazado por el régimen.  A los trece años empezó a tocar en público con un trío de jazz y desde lso 16 en que gana su primer premio, ha recibido numerosos galardones en todos los estilos que practicaría. El trío se convirtió en un cuarteto con el que actuó en Nueva Orleans. Fue de los primeros músicos italianos de jazz en ser admirados por el público y crítica norteamericana.  
A finales de los cuarenta se matricula en el conservatorio donde estudia piano, composición y dirección de orquesta. Ya en la década de los cincuenta, Gaslini profundiza en la interconexión del jazz y la música clásica, la llamada “third stream”  con su profesor, el también prestigioso director de orquesta, Carlo María Giulini. También se interesa por el  jazz de vanguardia y el jazz rock durante los setenta  colaborando con grandes músicos como Anthony Braxton, Steve Lacy, Don Cherry, Roswell Rudd, Eddie Gómez, Max Roach, Nacci Alberto, Gato Barbieri o Jean-Luc Ponty. Una de sus grandes influencias fue el músico de free Jazz, Sun Ra.

Giorgio Gaslini 
La obra de Gaslini cubre un amplio espectro y va de las variaciones sobre temas de Robert Schumann hasta adaptaciones de temas de Thelonious Monk, pasando por las numerosas bandas sonoras cinematográficas como “La Notte” (1961) de Michelangelo Antonioni  y  “Profondo Rosso” (1975) de Darío Argento, compuesta con María Grazia Fontana y el grupo progresivo Goblin.  En  el mundo de la música clásica dio vida a varias sinfonías y ballets como Sprint, con el director Alberto Martelli, además de música para obras de teatro que fueron estrenadas en La Scala de Milán o el teatro romano de Verona.  En los últimos años se había acentuado su trabajo de composición y dirección de música contemporánea.

Documento audiovisual: 

"Blues all'alba" con el Giorgio Gaslini Quartet de la BSO de "La Notte" de Antonioni.  



sábado, 26 de julio de 2014

Mn. Bramit Morera i els Morts més els Sonic Angels commouen en directe els feligresos tarragonins

Mn. Bramit i els Morts. Foto: Magic Pop
L’Espai Jove la Palmera de Tarragona fou escenari el passat dia 25 de juliol de 2014 de la primera i esperada trobada del Mossèn Bramit Morera i els Morts amb els feligresos tarragonins, seguidors tots ells i elles del rock and roll més obscur i primitiu que es pugui imaginar. Obriren la suculent cerimònia, uns anunciadors Sonics Angels qui, a ritme de garage rock i psicodèlia contundent, van revolucionar al considerable públic assistent, entre curiosos i fidels, amb els temes dels seus diversos treballs, en especial predilecció pel seu proper disc.

Sonic Angels, Foto: Magic Pop 
Organitzada per TarragonaJove, amb la col.laboració de l’Ajuntament i de Vórtex Produccions, entre altres organismes, la fascinant vetllada va culminar amb la intervenció del, sempre convincent com magnífic, Mossèn Bramit Morera qui embolcallat per uns excel·lents músics, els Morts, van interpretar els temes del seu primer Ep (2013) i també ens presentaren les cançons del seu proper àlbum previst a fer-se públic aquest proper mes de setembre de 2014. Un esplèndid repertori de cançons pròpies i versions memorables, entre proclames i romanços sinistres de temps immemorials.  Magic Pop hi va ser-hi i aquestes, que us aportem, són unes quantes reflexions possibles al voltant d’un concert ben especial gentilesa d’uns àngels sònics i uns morts ben irreverents.

Obertura sònica i psicodèlica

Sonic Angels, Foto: Magic Pop 
Els Sonic Angels ens oferiren un concert ben variat, pel que fa a les diverses influències que conformen el seu extens repertori, amb predilecció per presentar-nos els nous temes del  que serà el seu nou àlbum. Un treball que van començar a enregistrar, als seus estudis, aquest passat mes de juny de 2014. Es tracta de cançons consistents amb tocs psicodèlics entre descàrregues de hard rock dels setanta i un punt de punk gens menyspreable. Tot plegat els serveix per definir un estil propi força engrescador consegüent a un gran treball compositiu però també gràcies a un bon so en equip en el que destaca la potent guitarra del seu cantant principal però també una impertorbable secció rítmica de baix i bateria .  Al nostre parer, els nous temes, que porten per noms títols com “Fast Ana Easy”, “Stay Home Tonight”, “She’s the One”, o “South America” els podrien alçar a un lloc ben destacat dintre del panorama actual. Una repercussió que ben bé es mereixen després d’una trajectòria massa anònima en comparació a la gran feina  i devoció pel rock and roll que manté en forma a aquest poderós trio francès.  Cap a la part final del seu directe van recordar alguns dels temes  dels anteriors àlbums com per exemple “Hawai Forever” y Hardbreak” del disc de 2013, “On the Island of gosht Love” així com las cara B de l’esmentat “Heardbreak” titulada “When We’ll be easy”, o el “Lost Souls” del disc “Don’t mes with the angels”, entre altres.

Trajectòria dels Sonic Angels

Sonic Angels, Foto: Magic Pop 
Els Sonics Angels són una banda francesa formada l’any 2005 per Marc Hacquet (guitarrista,  vocalista), Sylvie Martin (baixista), acompanyats actualment pel baterista  Antoine Obitz qui substitueix a Stephane Doucerain entre altres anteriors percussionistes com Animal Dragon. Van residir durant una llarga temporada a Madrid on enregistren el seus primer treball i després es traslladen a Montpellier on creen un local, estudi i segell propi. Tenen editats quatre discos i el seu darrer disc de llarga durada porta per títol “On the island of ghost love” (2013) amb 11 temes enregistrats a Montpellier al febrer de 2013.

Sonic Angels, Foto: Magic Pop 
L’any 2005 treuen un maxi amb 8 temes titulat “Wild City Rock’n’roll” i l’any següent un àlbum amb Lola Product, segell independent de Montpellier, amb el títol de “Times are changing”.  Dotze temes enregistrats a Madrid amb l’ajut de Norah Findlay (Pleasure Fuckers, Sin City Six...) al seu estudi Rock Palace. L’any 2007 editen el seu segon disc amb Speed Records: “Learn, Love, Care and Celebrate”. Un disc amb 12 temes originals i 12 covers dels Stooges, Ramones, 13th Floor Elevators, Dead Moon, Neil Young, o The Undertones, amb 12 bateristes diferents.  El seu tercer àlbum “Don't Mess with the Angels” surt l’any 2010 amb Speed Records, enregistrat també als Subsonic Studios. Conté deu temes de “garage rock” amb tocs psicodèlics. Durant aquests anys han portar a terme diverses gires per Europa i Amèrica, i no és el primer cop que visiten Tarragona. Van actuar al festival Castanyasso l’any 2011. Estan preparant el que serà el seu nou disc.

Càntics dels fascinants Morts

Mn. Bramit i els Morts. Foto: Magic Pop
El concert que oferí Mn. Bramit Morera i els Morts a l’espai la Palmera de Tarragona fou, sens dubte, un dels millors directes que s’han pogut presenciar a aquesta ciutat, tan a nivell musical com teatral. Un directe impressionant i captivador, no només pel seu acurat conjunt de temes propis i adaptacions memorables, totes elles interpretades amb solvència i domini instrumental, sinó també per la seva enorme força visual arran d’una convincent interpretació dramàtica encapçalada pel seu “frontman”: Un espectacular Ramon Morera qui es lluí oferint-nos un personatge exepcional, el Mossèn Bramit, tan tràgic com divertit; ara bé, sempre embolcallat per una banda d’autèntic luxe.

Ja a la fulla informativa anomenada  “El Soterramorts”, (número 17) que la banda distribuí entre els presents abans de començar el concert, es diu: “Els Morts i Mn. Bramit quan són a Tarragona, són a casa. És una ciutat que sempre ens ha resultat inspiradora, declarava Mn. Bramit que ja de molt jove , al segle XIV s’acostava a la ciutat imperial atret per les històries de tortura i decadència de l’Imperi en una mena d’arqueologia truculenta i de busca d’identitat artística, o ja de més madur per compartir vetllades inoblidables jugant-me ànimes damnades ab el propi Satanàs al pot que duu el Seu Nom”.

Mn. Bramit i els Morts. Foto: Magic Pop
La banda interpretà  un repertori de coneguts temes propis i adaptacions, fetes principalment pel Marc Argenter a la música i el Ramon Morera a les lletres, que s’inicià amb l’original “Rei vestit de budell”. Li seguiren “Tot negre i Pelut” ("Black & Hairy" de David "Screaming Lord" Sutch); “L’home del sac” ("The Goo Goo Muck" de Ronnie Cook & The Gaylords); “No tinguis por de la foscor” ("Don’t Be Afraid Of The Dark" dels Sonics); així com temes propis titulats “Les Històries Naturals”; instrumentals coneguts com el "Tema dels Munsters";  o altres de propis com “El Tren de la Bruixa”. El concert continuà  amb  la grandiosa adaptació del "She’s Wicked" de The Fuzztones amb el títol de “És bruixa”, interpretada amb una brillant com psicodèlica extensió que precedí a un dels nous temes que s’inclouran en el proper 10” que editaran aquest mes de setembre. Ens referim al tema original  “Mesmerisme animal” que solen interpretar en directe amb les Mortettes. Es tracta del sensacional acompanyament femení de la banda a mode d’homenatge a la relació artística del Sam The Sham i les Shamettes.

Mn. Bramit i els Morts. Foto: Magic Pop
El directe avança amb una contundència i agilitat descomunal mitjançant les adaptacions del “Jezabel” ("Jezebel" de Marty Wilde); la “Caputxeta Vermella ("Lil’ Red Riding Hood" de Sam The Sham & The Pharaohs); “Xandall” (“Brand new cadillac” de Vince Taylor);  així com temes propis com “Nicomedes”, i “El tren de la Bruixa”.  Ja als bisos, el Mossèn i els seus Morts remataren la feina amb determinació, mitjançant un altre tema original del nou àlbum titulat “Tot s’aprofita”, dedicada a Enriqueta Martí, la coneguda assassina en sèrie de Barcelona entre finals del segle XIX i principis del XX; més la fantàstica “Sang i budells”  ("Louie, Louie" de Richard Berry) amb riff dels Sonics incorporat per acabar d’adobar-ho tot amb el milloret de cada casa.

Mn. Bramit i els Morts. Foto: Magic Pop
Veritablement, el concert fou magnífic de principi a fi. Comparat amb l’anterior cop que vam tenir el plaer de poder veure’ls i escoltar-los en directe a València al juliol de 2013 (+ info), creiem que la banda, tot i semblar-nos llavors impossible, ha guanyat molt en tots els aspectes: ja sigui en compenetració instrumental  com perfilant una posada en escena impecable. Un dels seus principals atractius genèrics es, al nostre parer, un domini absolut dels tempos escènics  dosificant la intensitat del directe al mílimetre per mantenir, en tot moment, ben aferrat l’interès dels espectadors. El so de conjunt fou perfecte, ben perfilat a nivell melòdic com rítmic. A més a més, tots i cadascun dels músics tingueren el seu merescut moment de glòria en solitari amb solos, sobretot de guitarra i saxo però també de baix i bateria. Completament bocabadats davant d’aquesta exhibició memorable de talent, no només vam poder gaudir d’un repertori apassionant sinó que també fórem testimonis d’excepció de moments extraordinaris carregats d’una intensitat esglaiadora  com quan el seu sorprenent frontmant es va rebolcar amb toga sobre suc de tomata com si fos sang, entre moltes altres exhibicions d'original teatralitat dignes de premi a una de les posades en escena més hilarant i captivadora de tots els temps del rock and roll.  

Trajectòria de Mossèn Bramit Morera i els Morts  

Mn. Bramit i els Morts. Foto: Magic Pop
Mossèn Bramit Morera i els Morts  tenen editat, fins el moment, un Ep de quatre cançons amb Discos Jaguar, filial de Monterey, del que pots llegir una àmplia ressenya al nostre Magic Pop si entres aquí. El disc fou enregistrat amb Josep Maria Arroyo, i Lluís Torralbo a la cripta del Mossèn al cementeri  de Montjuic  (Barcelona) el 20 de gener de 2013. L’artwork corre a càrrec de l’inefable dissenyador Marc Argenter i la fotografia de la portada és obra de Ran-el Cabrera. Les cançons, tant les versions com els temes propis, són producte de la destresa compositiva musical a càrrec principalment del seu guitarrista, Marc Argenter, i la creativitat literària del seu imaginatiu cantant  Ramon Morera, originari d'Oliva (València).

Mn. Bramit i els Morts. Foto: Magic Pop
Com ben bé saps, la banda està formada per Mossèn Bramit Morera, veu; Marc Aarghgenter a la guitarra; Edu Rocket, veus i saxo; Foll, a la bateria, percussions i veus; i Xavi Fernández “Von Toten” al baix en substitució del primer baixista  Xavi Rippa. Procedeixen d’altres bandes de prestigi com per exemple Ramon Morera (Orsini Sakers), Edu (Dirty Rockets), Xavi Rippa (Trons, Meows), Foll (The Del Hoyos, Meows, Walkysons, Sons Of Yeah...); Xavi Fernández “Von Toten” (Confidents) i Marc (Flashback Five, Trons, Confidents). Aquest mes de setembre tenen previst treure un 10" amb temes originals i versions.

Cal nomenar també que Marc Argenter ha muntat amb el Xavi Fernández, més Manolo Navarro (Canary Sect) a la veu; Javier Goti a la guitarra (Meows) i Joan Codina a la batería (Confidents), un altre projecte anomenat The Ratkellers, grup amb les maneres d’uns entregats Beatles a la primera època d’Hamburg, o d’uns Kaisers, per citar uns referentes.  El nom dels Ratkellers deriva del local on tocaven els Rutles a la seva etapa a Hamburg.  A l’igual que el combo del Mossèn Morera i els seus Morts, els Ratkellers també tenen previst treure un disc, en el seu cas un Ep de debut, aquest mes de setembre de 2014.

jueves, 24 de julio de 2014

Muere George Riddle, intérprete y compositor de country

George Riddle nació el 1 de septiembre de 1935 en Marion, Indiana, y falleció el 19 de julio de 2014 en Gas City (Indiana) a consecuencia del cáncer que padecía. Reputado compositor de temas country, formó parte, como guitarrista, a principios de los sesenta de la banda del también insigne cantante, George Jones, fallecido en 2013. En los noventa cantó en el Grand Ole Opry con la banda de Bill Carlisle.  También grabó e interpretó sus propias canciones.

Riddle se uniría al Ejército de los EE.UU desde 1958 hasta 1960. Entonces se decidió por dedicar su vida a la música y se trasladó a Nashville, donde conoció a Jones de quien se hizo un gran amigo además de formar parte de su banda, los Jones Boys a principios de los sesenta. Tocaba la guitarra y aportaba voces. El resto de la banda eran Billy Wayne (steel), Jerry Star (guitarra solista, ex-Wanda Jackson), Gary Prawl aka Gary Parker (bajo) y Glen Davis (baterista). George Jones falleció el 26 de abril de 2013 (+ info). En el Grand Ole Opry formó parte de la banda de Bill Carlisle desde los noventa hasta poco antes de la muerte de Bill en 2003.

Como compositor, George Riddle escribió más de una decena de canciones para su amigo Jones, como por ejemplo "She's Lonesome Again", así como para Ray Charles, Tammy Wynette, Mickey Gilley, Del Reeves, Melba Montgomery y Margie Singleton. También grabó e interpretó sus propias cancones editadas por sellos como United Artists, Musicor, MGM, Starday, Marathon, y Roma Records, en siete álbumes y multiplea singles. También actuó en el Johnny Cash Show, Nashville Network, y en la película Country Music on Broadway (1965), así como en diversos programas de televición. 

Cuando acabó su etapa con Carlisle, volvió a Marion donde trabajó de Dj en la radio de Indiana. WCJC 99.3 FM. Presentaba un programa de música de raíz americana. Durante su vida de músico profesional recibió alfgunas menciones y premios como el concedido por la R.O.P.E. (Reunion of Professional Entertainers). 

Documento sonoro: 

George Jones y George Riddle cantando juntos a principios de los sesenta este tema de rock and roll "White Lightning"



George Riddle cantando el tema "Sing all the songs you Can" (1968).

miércoles, 23 de julio de 2014

Fallece el saxofonista Gene “King Sax” Walker

Eugene Ayers Walker, más conocido como Gene “King Sax” Walker fue un prestigioso saxofonista de jazz, quien acompañó desde finales del os cincuenta a numerosas bandas de soul, R&B, beat y rock and roll en sus grabaciones y en sus giras por los Estados Unidos. También fue profesor de saxo y jazz en la Universidad  Estatal de  Ohio, ubicada en Columbus en cuyo Wexner Medical Center falleció a los 76 años el pasado lunes 21 de julio de 2014. Aparte de ser un magistral saxofonista, también fue compositor,  director de orquesta, músico de estudio y gran  educador.

Walker nació el 14 de febrero de 1938. Desde 1958 acompañó a grandes solistas y bandas de gira como Sam Cooke, Jackie Wilson, The Chris Columbo Quintet, Jimmy McGriff o los Platters.  La lista de músicos con los que ha tocado Walker es larga y destacan,  entre muchos otros: Aretha Franklin, Etta Jones, Lloyd Price, Jimmy Reed, The Isley Brothers, Roy Hamilton...

Gene sentado tras sus amigos Beatles 
En el año 1965 realizó una gira con los Beatles tocando en el Shea Stadium de Nueva York junto a King Curtis el 15 de agosto de ese año.  Por entonces Gene tocaba en el Chris Columbo Quintet. Encontró un substituto, Jimmy Heath,  y voló hacia Nueva York para tocar en el Shea Stadium como telonero de los Beatles en la banda del tambièn saxofonista King Courtis Ousley. Primero actuaron Cannibal and the Headhunters, después Brenda Holloway and the Disco Dancers, y antes de los Beatles, The King Curtis Band con los saxofonistas Curtis y Gene. Tocaron el tema “Soul Twist” entre otros. Cuando salieron los Fab Four el ruido de las más de 55 mil personas del público ya era absolutamente ensordecedor. Los guardias de seguridad se tapaban los oidos y los Beatles casi ni se oían entre ellos. Después siguieron la gira por otras ciudades como Toronto, Atlanta, Houston, Chicago, Bloomington, Portland, San Diego, Los Angeles y San Francisco. En los traslados en avión gene se hizo amigo de McCatney y Ringo con quienes charló e intercambió conocimientos musicales.  

En 1988 regresó a Columbus donde ejerció de profesor en la Universidad de Ohio de saxofón y de combo de jazz. En sus clases estudiaron grandes saxofonistes como la británica Meilana McLean Gillard, establecida en los Estados Unidos.  Fue miembro activo del profesorado de la Universidad hasta 2001. También formó parte del Consejo de Artes de Ohio y sus seminarios eran famosos entre  todo el colectivo de instrumentistas de jazz a nivel mundial.

A principios de los noventa Gene recorrió Italia, Inglaterra, los Países Bajos con el Jimmy McGriff Quartet y en 1997 tocó con el Hank Marr Quartet en el Festival de Jazz del Mar del Norte en Holanda. En 1998 fue inscrito en el salón de la fama de músicos de Columbus (Ohio).

Su primera grabación de jazz fue con el tema "Do nothing till you hear from me" (1940) de Duke Ellington y su primer grabación de blues, "Saturday Night Fish Fry" (1949) de Louis Jordan's Tympani Five.  También grabó "Rediscovering Old Favorites" del Chris Columbo Quintet; "Love Potion #9" de Johnny "Hammond " Smith; "The Golden Thrush" de Byrdie Green; "Listen Here" de Freddie McCoy; "It's ‘bout Time" de Hank Marr; "Provisions", con Sean Carney; "The Happy Organ" de Dave Baby Cortez; "The Broom Switch" de Lloyd Price;  "Tommy's Girl" de Teeny Tucker;; "We'll B-3ing You" de Hank Marr; o Me and Gene" de Vince Andrews.


Con formacions propias sacó "A Great Big Helping of Jazz and Eggs", "More Jazz and Eggs" y  "Columbus Jazz is Community Music" con la Gene Walker's Generations Band;  más "Last Night in Manhattan ” y “King Saxe Plays the Blues” también a su nombre.

Documentos sonoros: 

Su primera grabación de R&B fue el "Saturday Night Fish Fry" (1949) de Louis Jordan's Tympani Five.


"Up comes monday", uno de los temas del disco  "Love Potion #9" de Johnny "Hammond " Smith que grabó Gene Walker en 1967. 


Akron nos propone con su “Synaptic Beat” un viaje a la jungla neuronal para entender sus misterios

Portada de "Synaptic Beat"
Como bien sabrás, Akron es el nombre de un proyecto instrumental mediante el que, su principal factótum, el músico barcelonés Pau Loewe da  rienda suelta a su enorme creatividad musical con imaginativos trabajos conceptuales.  A finales de 2013 sacaba al mercado discográfico, de la mano de Vampisoul de Munster, su segundo álbum titulado “Synaptic Beat”, un extraordinario compendio musical para investigar el papel de la mente, su relación con el cuerpo y, sobre todo, la conciencia del yo.  Como añade el mismo autor en  su obra, se trata de un viaje a la jungla neuronal para explorar la mente humana y contemplar sus maravillas y misterios. De hecho, la sinapsis es la unión funcional entre neuronas en cuyo contacto se transmiten los impulsos nerviosos.  En ese proceso se liberan los neurotransmisores, compuestos químicos, con lo que se traslada la información para excitar o inhibir la acción de la célula receptora.   La sinapsis tiene lugar en el momento en que se registra actividad químico-eléctrica presináptica y otra postsináptica. Si esta condición no se produce, no se puede hablar de conexión funcional del mismo modo que no podemos hablar de comunicación cuando no existe contacto entre emisor y receptor, o estos no comparten el mismo código.

Trayectoria


Portada de "Voyage of Exploration"
Durante su fructífera trayectoria musical, el compositor y multiinstrumentista Pau Loewe,  ha dejado su impronta en numerosas otras bandas como los Kongsmen, The Stringbones, Fabulous Ottomans, Canary Sect, Excitements, o en la gran  banda de instro surf, Born Losers, donde compone y toca la guitarra.


Pau también forma parte del dúo Y aka Ypsilon, creado con Guille R, con quien da vida a sonidos electrónicos con influencias que proceden de los setenta hasta el synthpop y el tecno industrial de los primeros ochenta. Debutaron en 2013 con el disco Horizonte de sucesos” (Burka For Everybody). 

7" con Carajillo Records
Con Akron, nombre que recuerda a la ciudad de los Devo, recrea su afición por los sonidos exóticos clásicos y esas peculiares bandas sonoras italianas de mediados de los setenta, más multitud de efectos electrónicos hipnóticos y atmósferas minimalistas.  Su disco de presentación fue grabado entre 2010 y 2011 por él mismo y luego masterizado en los Reclab Studio con Francesc Gosalves. Se titula “Voyage of exploration” y contiene nueve intensos temas para realizar un viaje interplanetario a través de otros mundos y civilizaciones. El disco fue autoeditado en una tirada limitada y distribuido por Munster con Cd de regalo. También tiene editado un single para Carajillo Records (2013) con las canciones “Tokelau” y “Eibon”.

Detalle del artwork

Su segundo disco “Synaptic Beat” fue editado por Munster en vinilo con cd de regalo, y en digipack digital.  Fue grabado entre finales de 2012 y principios de 2013 en Barcelona. El autor agradece la ayuda de Diego, Aitor, Dani, Adrià, Neus y Guille. Destaca por su original artwork (manufacturado por Distroluix con licencia de Akron) con una portada en la que se simula la red de conexiones neuronales animada con el movimiento de la funda interior. Contiene un gráfico con los lóbulos del cerebro y una hoja con las explicaciones pertinentes en inglés sobre el contenido relacionado con cada una de las 13 canciones. 

Las canciones 

Foto: Iván Montero

Con el primer tema “Synaptic Beat”. Akron nos da la bienvenida a este viaje fascinante que transcurrirá por diferentes niveles de la realidad, cuando las células disparan cargas eléctricas y las reacciones electroquímicas se traducen en información. Un espectáculo maravilloso que atañe a la experiencia del yo. El tema está repleto de matices sonoros con arreglos espaciosos que sutilmente van construyendo motivos que se introducen en nuestro cerebro con secuencias agridulces. Le sigue “Neural Network” en cuyo texto explicativo nos recuerda el papel de las neuronas y su conexión entre sí creando redes complejas como si fueran una maraña de raíces en el bosque. “En los niveles más altos de complejidad”, añade, “terminan por dar forma a nuestra realidad subjetiva”. La canción se desarrolla sobre un ritmo con aires selváticos que regula y distribuye una sucesión melódica que se interrumpe con una secuencia progresiva de sonidos enigmáticos para recuperar de nuevo el motivo inicial hasta el compás final.

Con el tema “G.E.B.” (parte primera) aparece uno de los grandes protagonistas teóricos de este disco: El libro “Gödel, Escher, Bach: un eterno y grácil bucle (Gödel, Escher, Bach: an Eternal Golden Braid - GEB) de Douglas Hofstadter, publicado en 1979 por Basic Books. Esta obra fundamental, ganadora de un premio Pulitzer, trata sobre la interacción de los logros creativos del lógico Kurt Gödel y su teorema de incompletitud, el artista M. C. Escher y el compositor Johann Sebastian Bach. Hofstadter se pregunta si las palabras y las ideas siguen reglas formales. Akron añade que Gödel dijo ya en 1931 que es imposible reunir todo el conocimiento científico en la forma de un sistema lógico. Musicalmente, esta canción activa nuestra conciencia con movimientos relajados al tiempo que se entremezclan dulces parámetros sonoros que van ganando entidad propia y construyendo un microuniverso de paz y reflexión. 

28 años después, Hofstadter escribiría el último capítulo de “G.E.B.” con el epígrafe de “I am a strange loop” ( Basic Books 2007), que a su vez es el título de la siguiente canción del disco de Akron. El libro se centra en el yo profundizando en el concepto de “bucle extraño” que ya trató en su anterior estudio. El autor nos dice que el yo es una ilusión necesaria, un mito o una alucinación imprescindible resultado de un complejo perceptivo sofisticado. La actividad de nuestro cerebro puede contemplarse a sí mismo y alberga no solo nuestra identidad  sino también muchos otros patrones “copias de baja resolución de los bucles extraños primarios que se alojan en otros cerebros”.  Todos los sonidos que se escuchan en esta canción se crean a partir de un solo sonido de un metalófono y su transformación a través de unidades de eco que crean diferentes notas y timbres. Verdaderamente, tan sencillo como alucinante.

En los Red Bell Studios

Con el corte “Mind and Matter” se asocia una cita de los Smiths, concretamente del tema de 1984 “Still Ill” donde dicen: “el cuerpo maneja a la mente, o es la mente quien maneja al cuerpo”.  Akron nos explica que ese debate procede ya de los primeros tiempos de la filosofía. También se refiere al dualismo cartesiano que considera que los estados mentales y físicos son dos entidades diferentes que coexisten en el mundo real, idea que fue superada con los fisicalistas quienes argumentan que, tras cada experiencia mental, hay uno o varios hechos físicos. También se contempla el trabajo del neurocientífico Antonio  Damasio quien afirmó  que la conciencia no se concentra en una sola parte del cerebro. Un debate complicado que se acompaña musicalmente con una canción, no menos enigmática, con sonidos entre arabescos y orientales más detalles de percusión y ritmos latinos persuasivos: Una preciosidad de baile hipnótico.

Akron en directo. Funtastic 2013. Foto: Magic Pop
“The Mind’s I” cierra la cara A de este disco.  Con ella, se incide en el yo mediante arpegios de guitarra acústica y dulces sonidos electrónicos que nos recuerdan a la flauta. Dice Akron: “parecemos  muy seguros de lo que es el yo y de lo que no lo es. Pero, ¿está tan claro?. Imagina que te separan el cerebro del resto del  cuerpo, pero mantienen cada conexión neuronal intacta a través de un sistema remoto. El cerebro está ahora en un laboratorio y el resto del cuerpo caminando por el mundo.  Puedes llevar una vida normal, ver, oír, comer, pensar, porque todo parece ser como antes, pero si te preguntan "¿dónde estás?", ¿Qué responderías?. ¿Eres el cerebro que se queda en el laboratorio o en el cuerpo que está llevando a cabo todas estas acciones?”.

Foto: Javier Tresguerres

Las dudas razonables persisten en la cara B que se abre con la canción “Neurogénesis”.  El mundo científico creía, de forma rotunda, que las neuronas no se regeneraban. Sin embargo,  hay estudios que afirman que la neurogénesis en el cerebro adulto es posible: “el nacimiento de una neurona, una nueva hormiga en la colonia”, como añade Akron. “Shadows in the mind” es el título del siguiente tema. Algunos sectores neurocientíficos aseveran que nuestra actividad cerebral es un proceso computacional, aunque otros profesionales  están en desacuerdo con tal afirmación. Por ejemplo, Roger Penrose utiliza el teorema de Gödel para demostrar que la conciencia no puede ser el producto de un proceso algorítmico, y cree que la respuesta hay que buscarse en la física cuántica. Tanto Penrose como Hameroff opinan que la mente y el cerebro son dos entidades separables. Mientras que Hameroff, se basa en estudios sobre los microtúbulos y el citoesqueleto celular, especialmente en las neuronas; Penrose se acoge al teorema de la incompletitud para afirmar que ninguna computadora podrá ser tan inteligente como un ser humano, ya que los sistemas formales algorítmicos, sistemas de instrucciones secuenciadas sobre los cuales están construidas las computadoras, nunca les facilitarán la capacidad de comprensión que tiene el ser humano. Por lo que se refiere al plano musical, el tema de Akron aporta una inquietante sucesión rítmica reforzando una gran expresividad melódica que musicaliza un debate al que añade una sucesión de razonamientos que clarifican las variadas posiciones científicas frente a los enigmas de la mente.


El siguiente protagonista temático y sonoro es “D.A.R.Y.L”, canción titulada como la película estadounidense de ciencia ficción dirigida por Simon Wincer y estrenada en 1985. Si eres un aficionado o aficionada al cine de ciencia ficción, sabrás que el argumento de este film versa sobre un niño con amnesia que solo recuerda que se llama Daryl. Aparece abandonado en una localidad de Virginia, donde le acoge un joven matrimonio. Ese niño, en realidad, es un androide con apariencia de adolescente que se ha escapado del centro científico donde ha sido creado. Daryl son las siglas de “Data Analyzing Robot Youth Lifeform”. Cuando descubren que ha desarrollado sentimientos y emociones humanas como el miedo, el proyecto se considera un fracaso. Akron también se refiere aquí a otros estudios sobre la inteligencia artificial como los llevados a cabo por Alan Turing. En el tema, la percusión sigue simulando conexiones neuronales en apariencia sencillas que se complican con la interacción de motivos melódicos que se reproducen con secuencias en apariencia frías pero que en realidad fomentan estados de ánimo intensos.

“Conquest” es la canción, eminentemente rítmica y, de nuevo, con profundidad selvática, que le sigue y en ella su autor se pregunta las razones por las que nuestro cerebro es grande, complicado de reproducir y tan frágil. Para aportar algunas respuestas posibles recurre al libro de Susan Blackmore, “La máguina de los Memes” (1999).  Un meme es la unidad teórica de información cultural que se transmisible de un individuo a otro, o de una mente a otra, o de una generación a la siguiente. Según Blackmore los memes necesitan de grandes cerebros para alojarlos. Pero resulta aún más fascinante, y así nos lo recuerda Akron, preguntarse: ¿por qué surgió la conciencia en algún momento de nuestro proceso evolutivo?. ¿Cuenta con una función de supervivencia o es sólo un efecto secundario de otras capacidades tales como el lenguaje o la inteligencia?.

Detalle contraportada

En la segunda parte de “G.E.B.”, Akron adapta los textos de un posible diálogo entre Achilles y la Tortuga.  La clásica paradoja de Aquiles corriendo tras la tortuga es una de las más famosas de Zenón, filósofo griego que quiso demostrar que todo lo que percibimos es ilusorio, y que las cosas como el movimiento son simplemente ilusiones y no realidades. Según este argumento,  el rápido corredor Aquiles no podrá alcanzar nunca a la lenta tortuga, si le da una ventaja inicial en una carrera. Cuando Aquiles recorre el camino que la tortuga llevaba por delante, la tortuga habrá recorrido otra porción, aunque más pequeña, y así de forma infinita. En la canción la famosa paradoja se pasa a la música y el diálogo adaptado, traducido al castellano, es el siguiente:

Aquiles: Creo que he oído esta melodía antes, Sr. T.
Tortuga: Sí, amigo mío. Estaba en la cara A.
Aquiles: Pero, con renovada energía.
Tortuga: ¡Tienes razón! Estoy profundizando en este “beat”. Es como inquietante y maravilloso al mismo tiempo.

Detalle del libreto en la versión Cd

“Kalypaakqua” es el título de la penúltima canción del disco y en ella nos dice: “en los últimos siglos, la ciencia ha estado desplazando a la religión en la tarea de explicar la naturaleza y nuestra realidad...Mientras que el pensamiento perezoso aún se basa en lo paranormal para encontrar "respuestas" inmediatas a nuestras preguntas sobre el mundo, los científicos y filósofos siguen buscando, día a día, para comprender el funcionamiento de la naturaleza. Y una de las misiones en la que parecemos estar más cerca del punto de partida parece ser la comprensión de la conciencia”.

En este aspecto se refiere a la predicción de Raymond Kurzweil, según el cual, en 2045 la raza humana se enfrentará a un cambio radical y deberá fusionarse con los robots.  La inteligencia artificial será, según Kurzwell, una realidad. Seremos, por tanto,  inmortales y “es posible que tengamos la respuesta a este y muchos otros temas que permanecen ocultos para nosotros”. Musicalmente, la canción tiene un aire de danza inmortal con rítmica de habanera futurista que nos envuelve y nos traslada con placidez hacia ese futuro.

Sin embargo, acaba el álbum  con un tema de contenido más realista y menos futurista, “Death of a neuron”, distinguido por ese solemne pedal órgano sobre el que se superponen diferentes motivos analgésicos de oscura belleza melódica ciertamente extraordinaria. En la explicación adicional nos habla de la muerte de las neuronas; de ese inevitable proceso de envejecimiento, de las enfermedades cerebrales como el Parkinson o el Alzheimer. Akron acaba este apasionante viaje hacia esa realidad cotidiana reflexionando sobre la contemplación consciente de nuestro lento y progresivo camino hacia la muerte.

Reflexión final


Si en su primer álbum, “Voyage of Exploration”,  Pau Loewe nos proponía, mediante su proyecto artístico Akron,  un envolvente viaje instrumental por el espacio para incidir en la duda razonable de que no estamos solos en el universo, en este segundo disco “Synaptic beat” sus inquietudes  científicas tratan del no menos apasionante mundo de la mente, la concepción del yo y la inteligencia artificial. Para ello da vida a una banda sonora que musicaliza un intenso debate sobre  nuestra realidad neuronal cuyas investigaciones están ya determinando un futuro, quizá, a no tan largo plazo.  Con creatividad desbordante y pasión por los enigmas del cerebro y su relación con el cuerpo,  despliega un fascinante abanico de melodías persuasivas, entre juegos electrónicos analógicos y percusiones selváticas de ensueño con los bongos como principales protagonistas, que mantienen al oyente deslumbrado de principio a fin.

Nota: Puedes leer una reseña del Magic Pop sobre un concierto de Akron en el Funtastic aquí. También se pueden oir los temas de su obra en el bandcamp. Para adquirir el disco accede a la web de Munster.

martes, 22 de julio de 2014

Los Supertubos navegan con destreza en su “The Demeter” mediante melodías y ritmos selectos

Portada del Ep
La goleta rusa Deméter es la embarcación de la muerte que, en el libro “Drácula” de Bram Stocker, conduce al legendario Conde del puerto de Varna, en el Mar del Norte, hasta el de Withby en Yorkshire de Inglaterra a través de una densa neblina y un tormentoso oleaje. Inicia la navegación con una tripulación de veinte hombres y termina sin un ser vivo a bordo.  De esa legenda narrativa surge el título del segundo disco de los Supertubos editado este 2014 por Action Weekend Records. Contiene cuatro temas, tres de propios y una versión del productor y compositor Richard Podolor aka Richie Allen que grabarían los Chocolate Watchband en su primer álbum,  “No way Out” en 1967.  "The Demeter" de los  Supertubos rezuma la gran destreza instrumental de esta banda cántabra entre ritmos por momentos tormentosos en otros envolventes sobre los que siempre sobresalen juegos melódicos de gran belleza.

Trayectoria

Foto: Javi Pepeterr
Los Supertubos son un grupo de rock instrumental formado en Reinosa (Cantabria) a mediados de 2006 tras la disolución de una banda de “surfabilly” llamada Sinclairs. Su nombre procede de los potentes amplificadores de tubos o válvulas. Ellos son Ricardo Alvarez (Richie) a la guitarra solista; Raúl Herrero "de la Cruz" (Chino) al bajo, Javi Arias a la batería más Eduardo Marco (Teo) a la guitarra rítmica y percusiones.

Del facebook de los Supertubos
En 2007 graban un primer Ep de cinco canciones titulado como los estudios donde le dan forma, Drive Division, donde vuelven en 2010 para acabar de perfilar el que es su primer Lp con el título de “La fórmula Papini”. Se trata de un disco con diez temas, ocho originales y dos versiones de la banda sonora de James Bond y “The Trial” de los hermanos Good de los Sadies.  Se masterizó en 2011 por Ibon Larruzea en Euridia Estudios. Colabora en la grabación Alex "Pis" al Hammond y Theremin. Con diseño de Marc Argenter, las fotos son de Javier González, Francisco Moreno y Manuel Fernández.  Fue editado en vinilo verde por Los Pedros Recordings.

“The Demeter” se graba y mezcla en Guitar Town  por Hendrik Roever y lo masteriza Ibon Larruzea en Euridia Estudios. Colabora Jorge Stereo con el sintetizador en dos de los temas, “The Demeter” y “Expo 2000”. El artwork, con esa tétrica portada en la que se aprecia el famoso barco entre la tormenta, es obra de Carlos Espejo.

Las canciones

Contraportada
“Tablonazo matutino” empieza con acordes solemnes que nos hacen volar hasta la entrada de ese poderoso ritmo con el que acompañan una bonita melodía construida con guitarras luminosas reforzadas con el toque salvaje que otorga el reverb. Un tema con fantásticos arreglos que  perfilan la intensidad genérica con una compenetración memorable. Le sigue “The Demeter” con ese inicio fantasmagórico cuya tensión ambiental nos invita a zambullimos en un tema reposado con fascinantes dosis de intriga y con la misma destreza instrumental. Añaden momentos de rítmica apabullante y melodías carnosas que recuerdan magistrales bandas sonoras de serie negra.  Tampoco faltan detalles de distorsión que acrecientan la garra de un tema con extraordinaria solera.

Grabación  en Guitar Town. Foto: "Latunigatuni"
Ya en su cara B, los Supertubos nos sorprenden con esa “Hidrofobia”, canción de rock instrumental embellecida con momentos de pop y para ser más precisos incluso de oscuro post punk con aires latinos. El resultado se nos antoja muy original en tanto que ninguno de los referentes prevalece y, de este modo, logran dar vida a una canción que se nutre de múltiples influencias con el único y conseguido fin de agradarnos efusivamente. Cierra el Ep la antes mencionada versión de esa “Expo 2000” que, en manos de los Supertubos, emerge envolvente con la incorporación sucesiva de varios motivos de guitarra que confluyen, con violencia, en el tema principal. Una secuencia de intervenciones, algunas de ellas provocativas y duras, entre  efectos sonoros, que finalmente regresan al motivo inicial creando una atmósfera envolvente no exenta de momentos ciertamente psicodélicos.

Grabación en Guitar Town  Foto: "Latunigatuni"
Reflexión final 

La música de los Supertubos es como esa conocida ola worldclass situada al sur de la península de Peniche (Portugal):  rápida, contundente y con tubos profundos; en definitiva, una de las mejores de Europa.  Siguiendo con el símil del surf, estos cántabros no solo han conseguido cabalgar sobre esos fascinantes rulos aportando toda su gracia melódica sino que encima nos deleitan  con momentos memorables repletos de matices para regocijo de los amantes del instro más sofisticado y emocionante. Su nuevo disco, “The Demeter” confirma todas sus excelencias musicales y les destaca entre la élite del rock and roll instrumental tanto por su enorme destreza instrumental como  también  por esa concepción melódica tan extraordinaria que nos ha dejado completamente anonadados.

Nota: Puedes adquirir una copia del disco en Action Weekend Records y escuchar los temas en el bandcamp.

lunes, 21 de julio de 2014

Ukelele Zombies debutan con “Guou Lleah!!!”, un Ep de delirante como impecable “garage punk”

Portada del Ep
El poderoso trío valenciano Ukelele Zombies acaban de debutar discográficamente este 2014 mediante un esperado Ep titulado “Guou Lleah!!!”, primera entrega también del sello malagueño Pocket’s Robots Records. Contiene cuatro poderosos temas originales en los que  vuelcan su creatividad con entusiasmo al tiempo que aportan su impronta a la escena de rock and roll de su ciudad cuya calidad domina el espectro internacional de bandas con referentes sixties y actitud salvaje.  Son canciones divertidas y alentadoras, con un toque ácido, que tras triunfar en sus contundentes directos,  por fin sonarán en la intimidad de tu habitación o provocarán el delirio colectivo cuando el Dj las pinche en las mejores fiestas de “garage punk”.


Trayectoria

Fotos: La Nena Wapa Wapa 
Los Ukelele Zombies son Luis Armand Villalba, guitarra y voces; Andrés Palmero, vocalista principal y batería; y Daniel Peinado al bajo.  Se forman en el año 2011 y durante estos años han protagonizado algunos de los conciertos más emocionantes que se recuerdan tanto en su ciudad, actuando en festivales como el Wáchina Wàchina 2012 (+ info),  así como en otras capitales del Estado como en el Bule Bule de Tarragona en 2013 (+ info). El pasado 28 de diciembre de 2013 se presentaba en la sala la Edad de Oro de la capital valenciana un vídeo con su tema “El Feo” realizado por la Nena Wapa Wapa, Serafín González y Nacho Grech. Un excelente trabajo audiovisual que se añade al que realizaran en su día con la canción “La Jungla”.  En el repertorio de los Ukelele, aparte de los temas de éste su primer disco, destacan otras canciones como “Tengo Serpientes” o la que lleva como título “Bull Skull”, sobrenombre del prestigioso luthier de Catarroja (Valencia), Vicente Morellá quien no solo les procura la instrumentación, amplificación y distorsión para conseguir un sonido tan particular y emocionante, sino que también, en la grabación del Ep, les ha aconsejado en las mezclas con su gran experiencia. 

Contraportada del Ep

Éste es su primera entrega discográfica y lleva por título “Guou Lleah!!!” en un claro homenaje al dibujante valenciano de cómics, Jorge Parras, quien titula así, “Guou Llea”, una de sus conocidas series publicada en la revista “Argh” que fundaría con Félix Díaz. Los amantes del instro surf  sabrán de él también por tocar el bajo en los Lone Surfersss, combo formado en Alboraya en 2005.  El disco de los Ukelele fue grabado, producido y mezclado  por El Bola, quien integrara las primeras formaciones de Wau y los Arrrghs!!!, en abril de 2013 en los Monophonic Studios, (Alicante). Han colaborado en la grabación, con sus gritos en el tema “El Feo”, la Nena Wapa Wapa y Laura Assucena.
Luis Armand Villalba

Por lo que se refiere al artwork, es obra de Luis Armand Villalba, también dibujante, quien nos explica la composición de su obra en su blog Oreja Man.  Resulta especialmente atractiva la portada con esa exuberante pin-up, ataviada casco de aviador similar al que lleva Palmero en el videoclip del tema “El Feo”, apoyada sobre un fajín con el nombre del disco, al lado del logotipo del grupo con esas dos serpientes sinuosas con semblante canalla.  En la contraportada, la mencionada protagonista femenina golpea un goliath, timbal base o tom bass de batería, acción que suele formar parte del espectáculo en directo de este power trio.

Las canciones

Andrés Palmero

El Ep arranca con ese demoledor “Babe come with me” cantado en inglés con la desgarradora  voz de Palmero mientras aporrea su batería con extraordinaria solvencia, acompañado por la potente guitarra de Luís y ese preciso bajo de Dani cerrando esa enérgica combinación que triangula descargas emocionantes. Un tema de magnífico estribillo, una de las grandes cualidades  de estos valencianos quienes en el estudio suenan con el mismo arrojo que si estuvieran en el mejor de sus directos. La siguiente canción arranca con notas dominantes de bajo que golpean las sienes. “Nuestro amor (ya se murió)”,  así se llama el corte, es un tema de R&B acelerado que desprende emociones, sin contemplaciones, atropellando todo lo aburrido y mediocre que se pueda entrecruzar en tu camino. Con semejante discurso melódico y rítmico “aquí solo queda ya…” la potencia de una banda que nos deja completamente anonadados con esta grandiosa primera cara.

Daniel Peinado

Ya en la B,  nos ofrecen su gran éxito, tantas veces coreado en los directos, titulado “Muerto y Alegre”. Un tema de ritmo hipnótico con percusión selvática, maracas incluidas, y guitarras entrecortadas, para glosar la alegría de estos “zombies”,  quienes rinden homenaje al maestro “The Originator”, mientras perfilan su propia música con estos excelentes descalabros. Acaba el Ep con el no menos conocido “El Feo”, tema de poderoso  “garage punk” en el que sobresale otro breve pero intenso solo de guitarra entre desarrollos rítmicos que nos envuelven profusamente y nos invitan a salir corriendo a bailar al son de esta increíble banda.

Reflexión final

Los Ukelele Zombies forman un fascinante trío de rock and roll con la indiscutible capacidad de crear estribillos contagiosos entre una amalgama de sonidos potentes que entroncan con los parámetros alocados del llamado “garage punk”.  Esas pequeñas frases repetidas con insistencia casi demente nos atrapan dentro de su acogedor microuniverso de gritos, guitarras hirientes y ritmos selváticos. Sus tremendas canciones emiten ráfagas eléctricas excelentemente distorsionadas que nos ponen los pelos de punta mientras las frecuencias rítmicas percuten con furia entre pecho y espalda.  De este modo consiguen que  nos sintamos, más que nunca, “vivos y alegres” de seguir siendo unos fans devotos de tanta algarabía y buen criterio.
   
Nota: Si quieres conseguir una copia del disco puedes dirigirte al correo del grupo ukelelezombies@gmail.com, al del sello rocketinmypocketfestival@gmail.com o bien acceder al Facebook de Ukelele Zombies o al de Pocket's Robots Records. Su próxima cita en directo tendrá lugar en el festival Pinup Fest (El Melic-L'Ancora - Playa de la Oliva) el próximo 15 de agosto de 2014 con un  cartel de lujo protagonizado también por Wau y los Arrrghs!, Aullido Atómico. Ukelele Zombies, Help me Devil, Mamomes y Ultrazorras.  Puedes comprar las entradas en Movingtickets.  Además si eres uno o una de los afortunados/as que has conseguido entrada podrás verles y oírles en directo en la próxima edición del Funtastic 2014.

Documento audiovisual:

Videoclip del tema de los Ukelele Zombies, "El Feo" realizado por la Nena Wapa Wapa, Serafín González y Nacho Grech.