martes, 30 de diciembre de 2014

Los Tupper nos invitan a su "Yesterday's Pizza" con ingredientes genuinos del mejor rock and roll

Impresión en la pizza box
Con discos como el nuevo de los Tupper, editado por Sunthunder Records y Action Weekend Records este 2014, con el título genérico de "Yesterday’s Pizza”, cualquier amante del rock and roll que se precie debería sentirse más que satisfecho ante la evidencia de que su pasión por la música tiene garantizado un alimento revitalizador gracias a un trabajo discográfico original, divertido y enérgico. Envuelto en una auténtica caja de pizza, el segundo álbum de esta creativa banda santanderina, conserva los ingredientes necesarios para que el placer se perpetúe mediante proyectos tan completos como el que forman estos grandes músicos de imaginación ilimitada. El resultado son sabrosas canciones con base crujiente e ingredientes sorprendentes que procuran de inmediato un regocijo para el alma y un inevitable descontrol para el cuerpo. A tan suculento manjar, añádele la garantía de que nunca van a perder ni su excelso sabor ni su fantástico poder de convicción aunque pase el tiempo. Discos tan buenos como éste se perpetúan solos pese a la habitual estupidez humana intrínseca al negocio discográfico multinacional, y por supuesto, totalmente ajenos a postureos varios y al margen de ese intercambio de descargas a granel sin apenas criterio alguno.        

Trayectoria


Foto: J.A. Areta 
Los Tuppers están en activo desde 1995 primero con el nombre de Tupperguarros con los que grabarían un Ep y un álbum. A principios de los dos mil pasan a llamarse los Tupper y evolucionan del punk rock a un rock & roll con detalles de blues, "garage" y matices psicodélicos. La formación actual la componen Raúl Real al bajo y voz, Manu Gastado a la guitarra y voz, Jesús España a la batería y Pepe Terán a los teclados. Tras un trabajo de transición llamado “Mala Fama” (2006), ve la luz también en su propio sello Sunthunder Records, el disco “Sardinista” (2010) con el que afianzan su prestigio tanto a nivel estatal como internacional. Los Tupper grabaron en 2012 con Dave Kusworth (Jacobites, Bounty Hunters, Tenderhooks, Dogs D'Amour)  el Cd ''Throwing Rocks in Heaven'' y en 2014, con Darrell Bath, (colaborador de Ian Hunter,Nikki Sudden, Dogs D'Amour, Crybabies) el Ep “Madame Zodiac”, ambos editados por su discográfica.

El disco, producido por Alex Pis con quien ya habían trabajado en el anterior, más los mencionados componentes Raúl Real y Manu Gastado, fue grabado en los Drive Division Studios, de Santander y masterizado por Ibon Larruzea en Euridia, (Bilbao), en septiembre de 2014.  Todas las canciones son de Real y Gastado, excepto “Like It” que es de los dos mencionados más Ochoa.  Han colaborado en la grabación Darrell Bath a la guitarra eléctrica;  Gema Martínez, coros en “Candy for Ayers”;  José Sierra, harmónica en “Walkin The Road”; Dave Kusworth, coros en “Like on Angel”; y Xabier Vieitez, piano en “Turn Me On”.  

Aitor Ochoa es el responsable del artwork y el diseño es idea de los Tupper. Se trata de una caja de pizza impresa por  Iñigo Cabezafuego con el nombre del grupo y el título del álbum más la anotación “est. (established) 1995”. En su interior encontramos el Lp en cuya portada hay una foto de una pizza de hace días, troceada  y empezada. En el interior de la carpeta el vinilo con  una hoja de insert donde se recogen varias fotos de la banda a cargo de Fabio Méndez, Carlos Espejo, Pepe Magalleán, y J.A. Areta Goñi (Juxe).

Las canciones 

Foto: Pepe Magalleán 
El disco arranca con esa espectacular  “Susie in The Night Time”, un convincente tema de ritmo marcado y voz de powerpop con sucesión de detalles fascinantes de bajo, guitarras, y batería cuadrada al milímetro. La canción va creciendo, compás a compás, hasta llegar a una parte instrumental central con sucesión de riffs y excelentes filigranas de bajo. Magnífica abertura para un álbum que está plagado de momentos de rock and roll con juegos melódicos atractivos y ritmos imperturbables como la R&Blusera  “Turn Me On”  en el que las guitarras y las voces se complementan perfectamente con  cada movimiento sinuoso, entre detalles de piano, a la búsqueda de estribillos culminantes y unos solos muy americanos de guitarra. Le sucede  “Walkin´ The Road” con ese swing tan marcado de rock and roll de largo recorrido. De nuevo, nos ofrecen una  demostración en toda regla de cómo rentabilizar los pequeños detalles para construir un efecto esplendoroso con el añadido de una suculenta harmónica. Bombo, bajo, caja y pandereta serpenteante, más un riff entrecortado  y voz penetrante consiguen un efecto, tan perturbador como placentero, que nos lleva a “Like It”. En este caso, el pop poderoso y el rock and roll rítmico se cortejan para alcanzar un clímax que desemboca en un fascinante estribillo. Generosos con los arreglos, la banda nos agasaja con grandes  detalles de eléctrica, cortes temáticos con pianos sonoros incluidos y, para cerrar, un final apoteósico propio de las más grandes bandas. Acaba la cara A con ese tremendo “Hard-On (Blues)”. Arrastrándose con el alma en un puño, percute la batería y el bajo entre quejidos de guitarra, movimientos solemnes de piano y aportaciones espectrales de harmónica.

Foto: J.A. Areta 
La cara B empieza con “ 14 Days”, fascinante movimiento de folk rock con detalles de country creando espacios sonoros amplios con los que planean sobre nuestras cabezas con ciertos aires psicodélicos. Una canción magnífica que destaca por unas guitarras soberbias, una voz poderosa y un acompañamiento estelar.  Tras esta auténtica maravilla de música hecha con el corazón, nos ofrecen más genialidades bajo el título de “Time & Fortune”. En este caso  se agarran al pedal consistente de un buen órgano cuyo propósito es el de crear la ambientación imprescindible para dar vida a un tema que parece sacado de la mejor antología del country  rock más ácido. Una gran voz principal, que se entrelaza a la perfección con los punteos de guitarra, comporta uno de sus principales atractivos al que deberíamos añadir algún que otro solo de guitarra ciertamente memorable.

Foto de su facebook 
En “Candy For Ayers”  el órgano adquiere más protagonismo y consigue enfatizar una melodía ciertamente cariñosa interpretada a coro entre una voz masculina y otra de femenina.  Juntos avanzan, con dulzura y firmeza, arropados por un acompañamiento muy elegante y sensual.   “By The Riverside”  arranca con motivos psicodélicos a cargo de los teclados reforzados por un bajo omnipotente que va marcando el camino de una cadencia penetrante. Añaden un repetitivo movimiento de teclado que confiere una sensación siniestra.  Para terminar nos regalan toda una joya sonora llamada “Like an Angel”. Se trata de un tema de clara vocación lisérgica. Contiene momentos esplendorosos de Hammond, entre acordes envolventes, con voces cercanas al susurro y una percusión tan impasible como enriquecedora. Juntos nos transportan en volandas hasta un final meramente instrumental en el que dialogan todos sus componentes creando un colofón armónico ciertamente inolvidable.

Reflexión final

En directo. Foto de su facebook
“Yesterday’s Pizza” es un disco  tan profesional como emotivo.  En sus canciones resulta evidente la enorme destreza tanto de sus compositores como de sus instrumentistas, colaboradores incluidos; pero también es un álbum genial porque destila pasión a raudales en todos y cada uno de los movimientos sonoros. Sus melodías cariñosas o misteriosas, según el caso, adquieren una consistencia inusual gracias a unos arreglos muy trabajados, entre  conceptos estilísticos que se complementan, como esos condimentos especiales que logran enriquecer la base tradicional con múltiples texturas y sabores. Desde la primera a la última canción, se nos antoja estar escuchando a un grupo atemporal y único. Aunque nos empeñemos en encontrar referencias, que  por haberlas haylas, la banda se encarga de moldearlas con una exquisitez  que, según mi opinión, resulta difícilmente comparable con otro grupo ya sea de nuestra escena nacional como internacional.  El nuevo disco de los Tupper, cuidado hasta el último detalle con esa original como divertida presentación en una caja de pizza, no solo les sitúa entre nuestros grupos de rock and roll más imaginativos sino que debería impulsarles hasta las más altas cotas de, al menos, nuestra discografía personal. Que les sonría la fortuna, creo que,  a estas alturas de su trayectoria, les va a parecer poco menos que irrelevante comparado con que se cumpla el objetivo premeditado de que sus canciones te lleguen al alma, sin tapujos que valgan, para que compartas con ellos esta pizza de ayer, cuyos buenos ingredientes consiguen que siga tan apetitosa como el primer día.

Nota: Puedes escuchar las canciones y conseguir una copia de la caja con el vinilo o el Cd en el bandcamp.

Videoclip dirigido por Free Alien Projects con el tema "Walking the Road" incluido en "Yesterday's Pizza".



Muere Al Belletto, gran saxofonista y clarinetista de jazz

Al Belletto
Al Belletto nació en Nueva Orleans el 3 de enero de 1928 y falleció el 28 de diciembre de 2014. Clarinetista y saxofonista, creo su propio quinteto que pasó a sexteto con el que giró por todos los Estados Unidos grabando discos esenciales para Capitol y King Records en la década de los cincuenta y principios del os sesenta. Tocó con Sharkey Bonano, Louis Prima, Wingy Manone, los Dukes of Dixieland y con la banda de Woody Herman. En los sesenta dirigió la banda del New Orleans Playboy Club.

Belletto obtuvo un master en música por la Universidad Estatal de Louisiana. Tocó con Wingy Manone y Louis Prima, entre otros, cuando actuaron en Nueva Orleans. Después montaría su conocido quinteto y grabaría para Capitol, convirtiéndose en sexteto a partir de una gira en 1955. A mediados de la década, el grupo de Belletto tocó en varias universidades como parte de un proyecto de entretenimiento para los campus.

El sexteto de Al Belletto
Al Belletto era un gran instrumentista capaz de tocar todos los instrumentos de lengüeta igual de bien. En 1954 Stan Kenton inició una serie de álbumes de jazz de la costa oeste para Capitol llama "Kenton present Jazz". En total se grabaron 14 discos  por uan serei de bandas entra las que se encontraba el quinteto de Al Belletto. Kenton escuchó por primera vez al grupo en Buffalo, Nueva York, a finales de noviembre de 1954 y les grabó en Chicago apenas unas semanas más tarde. Los arreglos de su trompetista Jack Martin y las habilidades de Belletto le conquistaron. El quinteto actuó en clubes como  el Blue Note de Chicago y Crescendo de Hollywood con la particularidad de que no solo tocaban muy bien sino que podían cantar armonías como los Four Freshmen. Para Kenton y el Capitol era como tener dos grupos por el precio de uno.

Al Belletto
El primer álbum del quinteto para Capitol fue “Sounds and songs”. El grupo estaba compuesto por Martin (trompeta, fliscorno), Jimmy Guinn (trombón), Belletto (saxo alto y clarinete), Fred Crane (piano, baritono), Charles McKnight (batería), y Chubby Jackson (contrabajo) para esa grabación. Más tarde se unió Skip Fawcett (contrabajo) y la banda se convirtió en un sexteto. Le siguieron otros discos como “
Half and Half” (Capitol, 1956); y “Whisper Not” (Capitol, 1957).

El sexteto se unió a Woody Herman a finales de los cincuenta, tras el que Belletto regresó a  Nueva Orleans a principios de los sesenta para encargarse de la dirección musical de la banda del club Playboy en Nueva Orleans.  En 1962, King Records editó un disco con el título de “The Big Sound” con temas como “Basically Blues” y “Lil’Darling” editados en single. Ya más adelante verían la luz discos como “Coach's Choice” (ART Records, 1973) y “Jazznocracy” (Louisiana Red Hot, 1998).

Documentos sonoros: 

El sexteto de Al Belletto podía ser una gran formación instrumental como se puede oir en este tema del disco "Half and Half" (1956)    


Como también se podían convertir en un grupo vocal como se puede oir en este tema del mismo disco "Half and Half" (1956). 


lunes, 29 de diciembre de 2014

Fallece Chris Sheehan de los Dance Exponents, Starlings, Mutton Birds y Sisters of Mercy


Chris Sheehan nació en 1965 en Palmerston North (Nueva Zelanda) y falleció el pasado 18 de diciembre de 2014 a consecuencia del cáncer de piel. Cantante y guitarrista, formó en los ochenta la banda de new wave The Dance Exponents, y en los noventa los Starlings con una base rítmica que también estuvo en los Jesus and Mary Chain. Tuvo una carrera en solitario y formó parte de los Sisters of Mercy en varias de sus giras y de los Mutton Birds así como los Babylon Zoo.

The Dance Exponents 
The Dance Exponents fueron una banda de new wave creada en 1983 en Nueva Zelanda que se disolvió a finales de los ochenta. Estaba formada por Michael “Harry” Harallambi, Jordan Luck, Chris Sheehan, Dave Gent, y Brian Jones. Con ellos sacó tres álbumes: “Prayers Be Answered” (1983), "Expectations" (1985) y “Amplifier” (1986). Luego seguirían como The Exponents sin Chris.

Se trasladó a Los Ángeles, y tocó en el álbum de debut de Jane Wiedlin editado por I.R.S. en 1985. También grabó  con los Curve su primer Ep de 1990. Ese año debutaron los Starlings con el Ep “Letter From Heaven” (Bad Girl) al que siguieron los sencillos para el sello Anxious de Dave Stewart de los Eurythmics: "Try" (1991); “Safe in Heaven Dead EP” (1991); "The Last One" (1991); “Loch Angeles Monster” EP (1994) y "Tears Before Bedtime" (1994).  También sacaron los Lp’s para Anxious  “Valid” (1992), “Too Many Dogs” (1994) y “Out Of The Woods” (1995). Contó con la ayuda de su compatriota Barry Backler a la batería quien fue substituido por Stephen Jonathan Monti, más el bajista Matt Parkin. Los tres formaron parte de la sección rítmica de The Jesus and  Mary Chain.


Sheehan tocó en la segunda mitad de los noventa con Mutton Birds con los que grabó "Rain, Steam and Speed" en 1999 y los Babylon Zoo. En solitario sacó un par de discos con los títulos de “Planet Painkiller” (2000) y “Sounds Like...” (2002) con el nombre de Chris Starling. Después se unió a los Sister of Mercy como guitarrista rítmico en 1996 y en las diversas giras de 2002 a 2005.  En julio de 2013, Sheehan anunció que padecía un cáncer incurable  e inició una campaña de micro mecenazgo para que le permitiera grabar su último trabajo ante los numerosos gastos que le conllevó el tratamiento paliativo contra el melanoma metastásico nodular. Recaudó 10.000 dólares que le permitieron hacer una última grabación.


Documentos sonoros: 

"Greater Hopes, Greater Expectations" de los Dance Exponents incluido en su segundo álbum "Expectations" (1985).


"Rawhide baby , tema incluido en su disco en solitario “Planet Painkiller” (2000)

Els magnífics romanços d’en Mossén Bramit Morera i els Morts a un brillant disc on “Tot s’aprofita”

Portada
Estic convençut que no resulta gens fàcil trobar un títol per encapçalar una creació artística amb la contundència i determinació necessària. Hi ha qui probablement el té pensat a priori però crec que bona part dels creatius aparquen fins al final la compromesa decisió amb el propòsit d’escollir un epígraf genèric que culmini l’esforç i la il.lusió col·lectiva mitjançant un mot o una frase que esdevingui tan genial com significativa. Els resultats són més o menys encertats, a gust del consumidor, però us ben asseguro que si hagués de referir-me a un sol exemple esclaridor, ben trobat i solemne, faria menció a l’emprat pel Mossén Bramit i els Morts amb el seu nou disc editat aquest 2014 per la recent creada discogràfica barcelonina Marlowe Records.

Sense cap mena de dubte, “Tot s’aprofita” esdevé llegenda idònia per resumir la gran aportació que està fent aquesta banda a la cultura catalana amb el rock and roll com a principal referent. No tant sols perquè s’expressa en català sinó perquè, amb les seves magnífiques cançons, pròpies i versions, es mantenen al marge tan d’epopeies costumistes insípides com de bajanades pròpies de foc de camp que intenten mantenir als adolescents catalans en una eterna inòpia tradicionalista. Amb el Mossèn i els Morts, certament, tot s’aprofita: des del rock and roll primitiu arraconat pel folk nostrat; la pròpia experiència d’aquests grans músics ben palesa en projectes anteriors; els romanços més foscos de la nostra història; i sobretot la capacitat innata dels seus factòtums per  presentar-nos un projecte viu, divertit, i innovador que si no passa a la història, serà perquè ens sentim abduïts per un país caspós, insubstancial, on la cultura de masses es fabrica mitjançant una monòtona conxorxa de Montserrat i el Palau de la Generalitat. I això, amics i amigues del garatge, el R&B i el beat, no crec que ens convingui gens ni mica.   

Trajectòria 

Prades Photography
Com ben bé saps, la banda està formada actualment per Mossèn Bramit Morera, veu; Marc Arghgenter a la guitarra; Edu Rocket, veus i saxo; Foll, a la bateria, percussions i veus; i Xavi Fernández “Von Toten” al baix en substitució del primer baixista  Xavi Rippa. Procedeixen d’altres bandes de prestigi com per exemple Ramon Morera (Orsini Sakers), Edu (Dirty Rockets), Xavi Rippa (Trons, Meows), Foll (The Del Hoyos, Meows, Walkysons, Sons Of Yeah...); Xavi Fernández “Von Toten” (Confidents) i Marc (Flashback Five, Trons, Confidents).  Anteriorment a aquest nou disc, van editar un Ep de quatre cançons amb Discos Jaguar, filial de Monterey, del que pots llegir una àmplia ressenya al nostre Magic Pop si entres aquí. Fou enregistrat amb Josep Maria Arroyo, i Lluís Torralbo a la cripta del Mossèn al cementeri  de Montjuic  (Barcelona) el 20 de gener de 2013. L’artwork corria a càrrec de l’inefable dissenyador Marc Argenter i la fotografia de la portada és obra de Ran-el Cabrera. Les cançons, tant les adaptacions com els temes originals, són producte de la destresa compositiva musical a càrrec principalment del seu guitarrista, Marc Argenter, de Barcelona i la creativitat literària del seu imaginatiu cantant  Ramon Morera, originari d'Oliva (València).

Cal nomenar també que Marc Argenter ha muntat amb el Xavi Fernández, més Manolo Navarro (Canary Sect) a la veu; Javier Goti a la guitarra (Meows) i Joan Codina a la batería (Confidents), un altre projecte anomenat The Ratkellers, grup amb les maneres d’uns entregats Beatles a la primera època d’Hamburg, o d’uns Kaisers, per citar un parell de referentes. Magic Pop també ha ressenyat el seu treball de debut amb un crítica que està disponible aquí.  

Mb. Morera amb En Carronya 
Produït per Marc Tena, “Tot s’aprofita” fou enregistrat i mesclat al Red Bell Studio per Mn. Ramon “Bramit” Morera a la veu principal i crits de l’avern; Marc Arghenter a la guitarra i veus; Foll a la bateria, percussions i veus; Edu Rocket al saxo i veus, i Xavi Rippa al baix i veus. Han comptat amb la col·laboració de les Mortettes: Anna Fornes, Olga Guerrero, Àurea Juan, Merli Marlowe, i Carolina Trujillo. Marc Tena ha tocat l’orgue Hammond i ha posat veus, mentre que Xavier F. Ha fet una aparició especial en el paper de Nicomedes.  L’edició ha estat en 10 polsades amb artwork de Marc Argenter. A la portada, els colors negre, blanc i verd estan distribuïts amb geometries irregulars encerclant una fantasmagòrica foto de la banda pels carrers lúgubres de Barcelona mentre que a la contraportada destaca una obscura masia del terror envoltada per ratpenats i els “backflaps” propis de les edicions dels seixanta. 

Les cançons              

Foto: Ran-El Cabrera 
El disc arranca amb l’instrumental “Rei vestit de Budell”, tema de Marc, on se succeeixen els riffs de primitiu rock and roll a la guitarra i el saxo dialogant amb energia i imaginació damunt d’una base rítmica impecable. Segueix la “Caputxeta Vermella genial adaptació del tema "Lil’ Red Riding Hood" de Sam The Sham & The Pharaohs de 1966. Musicalment el tema manté el millor de l’original amb un toc especial per part dels Morts que l’impregnen de més lleugeresa rítmica, així com d’un toc d’orgue molt adient. Ramon Morera adapta la lletra creant un llop que calça chelsea boots, “malalt de sofisticació” que podria devorar-te però que és més profund.. “eixos complements de rock and roll”, l’han perdut com a llop.  A continuació una altra genial adaptació: en aquest cas es tracta de “Jezabel”, tema de 1951 de Wayne Shanklin adaptat per molts cantants com Frankie Laine o Marty Wilde. Els Morts prenen com a referència el segon amb el seu cover de 1962. Mantenen els compassos inicials de preludi llatí i la carreguen de nutritiva guitarra amb fuzz  i gran saxo que ens ofereix un emocionant solo per acabar amb un recorregut ben ràpid i salvatge. Pel que fa a lletra, Ramon es llueix de nou no tant sols cantant-la sino també amb frases ben contundents com “sibil·lina femella cruel feta de vinagre i fel”, o “berene angoixa i desdejuni enuig”.  


 Prades Photography
Acaba la cara A del disc amb “Les històries naturals”, tema de Marc Argenter, on deixen ben palès que són molt ben capaços de crear cançons originals amb lletres fascinants. Els recursos instrumentals brillen de cap a cap, compenetrant melodia i rítmica a la perfecció. En aquest tall es refereixen al llibre de Joan Perucho del mateix nom on se’ns explica la història llegendària dels dips de Pratdip (Priorat). Éssers mitològics, són una mena de gossos negres emissaris del dimoni que s'alimenten xuclant la sang. A la cançó ens els presenten com a “amos i senyors de la nit” a la recerca de verges, el “plat més exquisit”.

La cara B comença rodant amb “Bou Embolat”, un altre  tema propi de la banda que s’inicia amb una fantàstica introducció de bateria a la que s’afegeixen el trèmolo del saxo, així com la guitarra i el baix aportant un riff que fomenta una autèntica tensió ambiental per tal que el recitat del Mossés ens acabi per captivar: “un bou solt al carrer fosc. Banyes de foc, cassalla als gots. Donzelles enceses i animalots”. La cançó ens ofereix imatges esgarrifoses i ben reals, com “el dimoni obrirà pas... vorem cervells pels saragüells...poca vergonya i molta por. Banya en flama clavada al cor”.  De sobte el tema adquireix una velocitat “ramoniana” amb la tornada principal. Sens dubte, “vas massa a gust...”.  


Les Mortettes. Prades Photography
A continuació, una nova excel·lència rítmica de R&B amb cors femenins angelicals, entre solistes de luxe al saxo i la guitarra reptant entre els compassos d’aquest gran tema de la banda anomenat “Mesmerisme Animal”, tota una llepolia sonora ben hipnòtica.  Així arribem a la cançó que dóna nom genèric al disc, “Tot s’aprofita” on ens musicalitzen, amb molt de swing mortuori, l’aterridora història d’Enriqueta Martí, “la vampira del raval”, assassina en sèrie i proxeneta de nens, que fou linxada a la presó per altres recluses l’any 1913. Com en tots i cadascun del temes del disc, els Morts esdevenen uns narradors excepcionals i un instrumentistes únics que aconsegueixen torbar-nos amb arranjaments idonis. Aquesta història tan terrorífica adquireix tota la brutalitat i l’enigma imprescindible per tal de ser tant convincent com surrealista. Acaba el disc amb al cançó “Xai en pell de llop”, adaptació de Ramon Morera del mateix tema de Ron Blackwell abans esmentat però ara amb la versió femenina a càrrec de les Mortettes que despagades busquen l’acció al bosc anodí on aguaita el xai en pell de llop. Almenys els hi queda el consol que estan  ben embolcallades per una consistent base rítmica així com un extraordinari solo d’orgue Hammond i saxo.                           

Reflexió Final

Foto: Guillermo López
Mossén Bramit Morera i els Morts, més les Mortettes, formen actualment la banda més imaginativa i enriquidora del rock and roll cantat en català. El seu és un projecte imprescindible per a la salut mental d’aquest país. La seva proposta artística, inequívocament sublim, esdevé esbojarrada als escenaris mentre que la seva acurada edició discogràfica pot considerar-se com un dels fets més rellevants de la nostra cultura en dècades. Ja sigui amb els seus impecables arranjaments, com amb l’evident destresa instrumental, passant pels no menys apassionants versots, aquesta formació ha aconseguit perfilar un espai propi gairebé inaudit a Catalunya. Tan les seves cançons pròpies com les curoses versions, aconsegueixen fer-nos vibrar sense pal·liatius ni vergonya que valgui. Recolzats a un ritme ancestral d’uns referents musicals i literaris,  fugen de la condescendència amorfa, i han estat capaços de furgar entre l’obscur i primitiu del nostre subconscient individual i col·lectiu per oferir-nos unes melodies viscerals certament inoblidables. “Tot s’aprofita” es pur magnetisme animal. Amb les seves brillants cançons, converteixen personatges de l’imaginari popular en enigmàtics representants de les nostres pors més intimes mitjançant històries naturals que mai oblidaràs mentre visquis.  

Nota: També pots llegir al Magic Pop ressenyes dels seus directes. Al bandcamp pots escoltar les cançons i al dropbox pots descarregar-te els seus butlletins informatius amb la capçalera del Soterramorts. Entre les seves properes actuacions, el 10 de gener de 2015 estaran en directe al Cau de Tarragona (+ info).

viernes, 26 de diciembre de 2014

Fallece el clarinetista Buddy deFranco

Buddy deFranco
Boniface Ferdinand Leonard “Bunny” DeFranco nació el 7 de febrero de 1923 en Camden, New Jersey, y falleció el 24 de diciembre de 2014 en Panama City, Florida. Buddy fue un clarinetista de jazz, de los pocos que sobrevivieron al declive de las big bands y se amoldaron al bebop.  En los cincuenta formó parte del septeto de Count Basie. Tuvo un cuarteto a su nombre con el pianista Sonny Clark y el guitarrista  Tal Farlow, y grabó varios discos con MGM Records, Norgran y Verve. También fue el director entre 1966 y 1974 de la World Famous Glenn Miller Orchestra, y colaboró con otros grandes como Gene Krupa, Charlie Barnet, Art Tatum, Oscar Peterson y muchos más. Las revistas especializadas en jazz de la época le eligieron como el mejor clarinetista entre 1945 y 1955.

Hijo de un afinador de pianos, empezó sus estudios de clarinete a los doce años. Al poco ganó un concurso patrocinado por Tommy Dorsey y entre los años 1939 y 1946, formó parte de varias orquestas de prestigio como las de Gene Krupa (1941-1942), Ted Florito (1943-1944), Charlie Barnet (1945) y Tommy Dorsey (1946). Ese año tocó con Boyd Raeburn y después regresó a la formación de Tommy Dorsey hasta 1948. En 1950 estuvo en el sexteto de Count Basie.  Ante el intento fracasado de crear su propia orquesta, creó un quarteto  con el que estuvo tocando en 1954 por Europa. Al año siguiente estableció su residencia en California donde fue alejándose del mundo del espectáculo. Aún particiàría en 1956 en uan película titulada "The Wild" y en 1958 tocó en los festivales de jazz de Oklahoma y Oregón.  Su vida se centró en la enseñanza y hasta 1965 dirigió varios cursos hasta que en 1966 sustituiría al baterista Ray McKinely al fente de la orquesta de Glenn Miller formada por músicos que habían tocado con el ya difundo trombonista y maestro del swing.

Buddy deFranco
En 1968 dejó la orquesta modernizada y se trasladó a Canadá donde dio varios conciertos con un quinteto. Se afincó en Panamá City en el estado de Florida donde escribió libros sobre el clarinete en el mundo del jazz como el titulado "Buddy de Franco On Jazz Improvisation".  Siguió componiendo y publicando arreglos mientras en 1975 ofreció algunos conciertos en Suecia.

La prestigiosa revista Down Beat le coronó  diez años consecutivos entre 1945 y 1954 como el mejor clarinetista de todos y la también importante revista "Metronome" le encumbró entre 1950 y 1955. Buddy de Franco fue un músico con una enorme capacidad de improvisación que adaptó el clarinete del swing  al bebop. Su discografía es muy extensa y destaca entre todas las colaboraciones, la realizada con el pianista Art Tatum en su serie "Art Tatum Group Masterpieces".

Buddy deFranco
Entre las obras a su nombre, cabe mencionar  “Mr. Clarinet” (1953) con el Buddy DeFranco Quartet formado con Art Blakey, Milt Hinton, y Kenny Drew;  “Buddy DeFranco and Oscar Peterson Play George Gershwin” ( 1954); “Cooking the Blues” (1954) con Sonny Clark, Tal Farlow, Gene Wright, y Bobby White; “Sweet and Lovely” (1954) con Sonny Clark, Tal Farlow, Gene Wright, y Bobby White; “Generalissimo” (1958) con Harry "Sweets" Edison, Bob Hardaway, Jimmy Rowles, Barney Kessel, Curtis Counce, Alvin Stoller; “Plays Nelson Riddle's Cross Country Suite” (1958); “Live Date!” (1958) con Herbie Mann, Bob Hardaway, Victor Feldman, Pete Jolly, Barney Kessel, Scott LaFaro, y Frank DeVito; “Blues Bag” (1964) con Art Blakey, más Victor Feldman, Curtis Fuller, Lee Morgan, Freddie Hill, y Victor Sproles;  “Do You Want To Dance” (1969) con The World Famous Glenn Miller Orchestra, dirigida por él; “Free Fall” (1974) con Victor Feldman, John Chiodini, Joe Cocuzzo, Victor Sproles; entre otros trabajos editados en los setenta como “Borinquin” (1977), ochenta  como “Mr. Lucky” (1984), algunos conciertos de los noventa; más discos de la década de los dos mil como “Cookin' the Books” (2004) con Butch Miles, John Pizzarelli, Martin Pizzarelli, Raymond Louis Kennedy; y “Wailers” (2006) con Harry "Sweets" Edison, Barney Kessel, y Jimmy Rowles.

Documento sonoros: 

El cuarteto de Buddy deFranco interpretando en 1954 "A Foggy Day". Le acompañan Sonny Clark (piano), Gene Wright (contrabajo), Bobby White (baterista)


Art Blakey y Buddy deFranco en el disco "Blues bag" de 1964. 


Una de las famosas colaboraciones de Buddy deFranco con Art Tatum en sus prestigiosas "Masterpieces". 


jueves, 25 de diciembre de 2014

Fallece la Reina del blues de Detroit, Alberta Adams

Alberta Adams
Alberta Adams nació con el nombre de Roberta Louise Osborn el 26 de julio de 1917 en Indianapolis (Indiana) donde falleció el 25 de diciembre de 2014. Cantante de blues y jump blues, empezó a actuar como bailarina de claqué.  Después se inició como cantante en los clubs de Detroit en la década de los treinta. En los cincuenta consiguió un contrato con Chess Records y grabó con Red  Sanders.  También firmó con Savoy records y formó parte del grupo vocal The Bluesettes. Realizó giras  con Duke Ellington, Eddie Vinson, Louis Jordan, Lionel Hampton, y T-Bone Walker, entre otros.  Considerada, con justicia, la Reina del Blues de Detroit, era una vocalista autodidacta, que aparcó su carrera por motivos familiares pero que volvió en los noventa con más fuerza que nunca grabando discos hasta los 91 años y actuando hasta los 96.

Alberta Adams
Alberta Adams se crió en Detroit, Michigan, con una tía. Desde muy joven quería ser artista. Escapó de una vida familiar difícil, y a los catorce años empezó a vivir por su cuenta, consiguiendo un pequeño apartamento cerca de la avenida Woodward, donde permaneció durante unos años. Comenzó a actuar como bailarina de claqué en los clubs de la Hastings Street de Detroit, y poco después se inició como cantante. En la década de los cuarenta, mientras bailaba en un club llamado B&C, la cabeza de cartel Kitty Stevenson se puso enferma y ella improvisó un par de canciones. El club la contrató como vocalista y estuvo cantando en ese local durante cinco años.  Los hermanos Chess la oyeron cantar y la ficharon en 1952.  Grabó con la banda de Red Saunders canciones como “Messin' Around With The Blues” y “This Morning”.

Alberta Adams
Durante un tiempo también formo parte de la banda vocal The Bluesettes, con las que viajó dentro de la banda de Tiny Bradshaw. También grabó para Savoy Records en Newark, Nueva Jersey, lanzando el single "Say Baby Say” con la TJ Fowler Band.  Adams realizó una gira junto a Louis Jordan, T-Bone Walker,  Duke Ellington, Eddie Vinson, y Lionel Hampton, entre otros. Adams se dedicó a la vida familiar criando a tres hijos y tres hijastros, con cuatro matrimonios.
Décadas más tarde, ya en los noventa, Adams comenzó una gira con el guitarrista Johnnie Bassett.  Fue fichada por la desaparecida Cannonball Records y grabó dos álbumes para ellos: en 1999 “Born with the Blues” y en 2000, “Say Baby Say”.  Ambos consiguieron el beneplácito de la crítica y relanzaron su carrera cantando en numerosos festivales.  


Alberta Adams
Ya en 2004 sacó otro álbum llamado “I'm on the Move” con The Rhythm Rockers editado por  Eastlawn Records, un sello de Detroit del baterista RJ Spangler quien también participó en la grabación con otros músicos como Paul Carey a la guitarra. En 2006 lanzó con el mismo sello y banda el Ep “Detroit's Queen of the Blues”, otro excelente trabajo muy bien considerado en los Detroit Music Awards de ese año.  Ya con 91 años, Adams volvió al estudio y grabó “Detroit is my Home” para el mismo sello. El álbum fue lanzado en 2008. Adams compuso muchas de sus canciones, y la acompañaron en los coros CeeCee Collins y Thornetta Davis.  Entre los miembros de la banda, estaban Shawn McDonald (órgano), Ann Rabson (piano y composición), y RJ Spangler a la batería y producción.  Siguió cantando hasta 2013, al año siguiente recibió un homenaje con el título de “To Alberta with love”. 

Documentos sonoros: 

Primera versión de “Messin' Around With The Blues” grabado por Alberta Adams para Chess records en la década de los cincuenta.

"Say Baby Say” grabada para Savoy Records por Alberta Adams con la TJ Fowler Band a finales de los cincuenta.  


Y aquí la vemos cantar con 97 años en la fiesta de su último cumpleaños este pasado verano de 2014. Impresionante.  
  

miércoles, 24 de diciembre de 2014

Nos deja la cantante de reggae y góspel, Barbara Jones

Barbara Jones
Barbara Nation más conocida como Barbara Jones nació en 1952 en Kingston (Jamaica) donde falleció el 19 de diciembre de 2014 a consecuencia de una neumonía tras el tratamiento que recibía contra la leucemia. Cantante de reggae y góspel grabó varios Lp’s de música jamaicana en los setenta y contó con la producción del cantante e insigne productor Alvin Ranglin. Tuvo éxito en Inglaterra sobre todo con el tema de 1981, "Just When I Needed You Most".  Se la conocía como la Billie Holliday del reggae. También estuvo de gira con Jimmy Cliff a finales de los setenta y principios de los ochenta, y colaboró en la grabación de uno de sus discos, "Special" de 1982.

Barbara Jones
Creció en Manchester (Jamaica), y empezó su carrera discográfica en 1971 con el single "Sad Movies", versión de un tema de la cantante de country Sue Thompson, con la Soul Syndicate Band para Randy Records.  En 1976 Trojan sacó un álbum llamado “The best of…” y en 1979 otro con el título de “Don't Stop Loving Me” con GG’s acompañada por los Revolutionaries. A finales de los setenta estuvo de gira como corista en la banda de Jimmy Cliff con quien grabó el disco “Special” en 1982. "Just When I Needed You Most", llegó en 1981 al número 31 de la UK Singles Chart.  Ese año sacó un disco llamado “My Love” con Rhino.  Residió en Londres y en los ochenta Revue editó un recopilatorio con el título de “Sings Hit Songs In Reggae Style”. Otros compilados suyos de los setenta son “For Your Ears Only” (Jamaican Golds) y “Sad Movies” (Charlie Reggae).

Barbara Jones
En 1991 se convirtió en una devota cristiana y se dedicó a cantar góspel. Grabó discos religiosos con rítmica jamaicana como "Thank You Lord For Your Blessings" (2005). En febrero de 2014 le diagnosticaron leucemia y regresó a Jamaica. Volvió al reggae secular actuando con Lloyd Parks hasta que su salud se deterioró. Fue ingresada por neumonía en el University Hospital of the West Indies de Kingston el 19 de diciembre donde falleció.




Documentos sonoros: 

Su primer single de 1972 con el tema "Sad Movies", editado por Bullet en Inglaterra. Se trata de una versión de un tema de la cantante de country Sue Thompson.




Su mayor éxito de 1981, el tema "Just When I Needed You Most".



Barbara Jones en directo tan solo hace unos pocos meses, julio de 2014, cantando "Slim Boy", otra de sus mejores canciones incluidas en el álbum que editó Trojan en 1976.


martes, 23 de diciembre de 2014

Muere el cantante de R&B Jo Jo Benson

Jo Jo Benson
Jo Jo Benson nació en 1941 en  Phenix City, Alabama con el nombre de Joseph Hewell y falleció por causas naturales el 23 de diciembre de 2014 en Columbus, Georgia.  Cantante de R&B formó un conocido dúo con Peggy Scott-Adams, nacida como Peggy Stoutmeyer el 25 de junio de 1948 en Queens, New York. Sacaron unos cuantos singles con temas de éxito, más un par de álbumes a finales de los sesenta. Tras separarse en 1971, volverían  a cantar juntos en los ochenta.

Benson comenzó a cantar en la Iglesia siendo niño y a los 14 años, sin que lo supieran en casa, actuaba en los clubs acompañado por bandas locales. Estuvo de gira con Chuck Willis, BB King  y Smokey Robinson. Formó un dúo con Peggy Scott grabando en 1968 el tema "Lover's Holiday" con el que consiguió su primer hit. En 1969 sacarían un disco llamado “Lover’s Heaven” con SSS International.  El dúo sacaría unos cuantos singles más con temas como  "Pickin' Wild Mountain Berries", “I want to Love Your baby”, o "Soulshake", título de su sengundo Lp. En 1969, Benson sacaría un single en solitario con los temas  “Eternally / Having My Glory” con la misma discográfica. Se separaron en 1971 aunque volverían a cantar juntos a mediados de los ochenta sacando un disco en 1984 con poca  repercusión y el titulo de  “Nothing Can Stand In Our Way” (GCS Records).

Peggy Scott and Jo Jo Benson
En 1979  fue herido de gravedad en Phenix City durante un tiroteo en el que fallecieron dos hombres en un apartamento donde unos individuos entraron para robar durante un juego de cartas.  Poco se supo de Benson en los siguientes años. En 1999 sacó un álbum llamado “Reminiscing in the Jam Zone” grabado en un estudio de Birmingham y en 2001 otro trabajo con el título de "Everybody Loves a Cha Cha Cha ". Después se instalaría en Chattahoochee Valley, Columbus, donde se convirtió en propietario de varios negocios nocturnos.


Docunentos sonoros: 

"Lovers Holiday", tema de 1968 grabado por el dúo Peggy Scott y Jo Jo Benson. 



Fallece el guitarrista de rock and roll, Chip Young

Chip Young
Chip Young fue uno de los guitarristas de sesión más prestigiosos de la historia del rock and roll. Nacido con el nombre de Jerry Stembridge en Atlanta en 1938, falleció la noche del 20 de diciembre de 2014  en Nashville, tres semanas después de someterse a una cirugía de bypass triple.  Su destreza con el “picking style” puede oírse en innumerables trabajos discográficos  y cientos de discos de éxito grabados en Nashville entre principios del 1960 y la década de 2000. Entre sus más reputadas colaboraciones figuran los álbumes que grabó con Elvis Presley desde 1956 formando parte de su banda desde 1965 hasta su muerte en 1977. A finales de los sesenta creó su propio estudio llamado Young'un Sound donde grabaron bastantes éxitos Jimmy Buffett y Billy Swan, entre otros. También formó parte de la banda de pop psicodélico de finales de los sesenta a mediados de los setenta, The Neon Philharmonic.  

Con Elvis Presley en 1970, segundo por la izq, abajo.

Siguiendo el estilo de Jerry Reed y Chet Atkins, como guitarrista de sesión colaboró con Elvis Presley desde su segundo álbum  de 1956, así como con Willie Nelson , Dolly Parton, Jerry Lee Lewis, Carl Perkins, Waylon Jennings , Kris Kristofferson , Earl Scruggs, George Jones , Guy Clark, Ronnie Milsap , los Oak Ridge Boys , Tanya Tucker y muchos otros.   Young también abrió su propio estudio a finales de los sesenta, Young'un Sound en Murfreesboro (Tennessee)  y sirvió como productor o ingeniero en grabaciones de artistas como Delbert McClinton, Jimmy Buffett , Larry Gatlin, Tom T. Hall , Reba McEntire y muchos más.


También formó parte de la banda de pop psicodélico The Neon Philharmonic formada en  1967 por el compositor y director de orquesta Tupper Saussy y cantante Don Gant .  Sacaron en 1969 dos únicos álbumes The Moth Confesses y el homónimo The Neon Philharmonic, y consiguieron un par de éxitos con los temas "Morning Girl" de ese mismo año y  “Heighdy-Ho Princess" en 1970. La banda se separó en 1975 tras pasar por las discográficas Warner Bross, TRX y MCA con un último single "So Glad You're a Woman" / "Making Out the Best I Can".  En 1974, Young produjo y tocó con Billy Swan  “I Can Help” en su estudio Young’un Sound, y en 1978 grabó con Bob Morrison temas como “Home Again”.

Documento sonoros:

Chip Young colaboró en innumerables ocasiones con Elvis Presley desde 1956, como en las grabaciones en el RCA Studio B, de Nashville Tennessee, en junio de 1970.


"Morning Girl", uno de los éxitos de la banda de popsike The Neon Philharmonic de la que formó parte Chip Young.


lunes, 22 de diciembre de 2014

Fallece el cantante británico Joe Cocker

Joe Cocker 
John Robert Cocker nació el 20 de mayo de 1944 en Sheffield y falleció el 22 de diciembre de 2014 en Colorado, donde residía desde hace tiempo, a consecuencia del cáncer que padecía. Empezó su carrera artística en la escena de R&B británica de los sesenta con el nombre artístico de Vance Arnold  formando parte de bandas como los Avengers. Entre sus momentos más recordados está la interpretación del tema de los Beatles “With a Little help from my friends” de los Beatles en Woodstock que le supuso su primer éxito a finales de los sesenta; así como el dueto en los ochenta con Jennifer Warnes en “Oficial y caballero” con el tema “Up where I belong” y su enorme repercusión con su versión del “You can leave your hat on” de Randy Newman, en la BSO de la película “Nueve semanas y media” así como la del "Unchain My Heart" que grabara por vez primera Ray Charles.

Joe Cocker
Antes de triunfar a finales de los sesenta, Joe Cocker formaba parte de la escena de R&B británica de los sesenta, con momentos marcados por el alcoholismo y un carácter ciertamente difícil.  Antes de mejorar la canción de los Beatles cantada inicialmente por Ringo Starr, Cocker grabaría en 1963 otra adaptación de los Bealtes, el  'l'll cry instead' con una cara B en la que se uee disfrutar de la conocida 'Georgia on my mind', que a principios de los sesenta interpretaría tan brillantemente Ray Charles.  Joe ya había formado The Avengers con el pseudónimo de Vanee Arnold.  Siguiendo el ejemplo de Lonnie Donegan y el boom del skiffle, Cocker se compró una batería  a los trece años una batería con la que tocaba con otros amigos que consiguieron una guitarra. A los 17 años, acabados los estudios, ya estaba inmerso en el mundo del blues y el rock and roll y compaginaba las actuaciones nocturnas con el trabajo diurno en una gasolinera.  Joe admiraba a Ray Charles y en 1963 se decide por dejar su trabajo para intentar vivir de la música.

Joe Cocker
The Avengers consiguieron un contrato discográfico y actuaron como teloneros en las giras de The Rolling Stones y de The Hollies. Pero el single fue un fracaso y Decca rescinde el contrato. Sin embargo, Joe decide continuar adelante y lo hace con el proyecto llamado Joe Cocker Big Blues, tocando fuera de Inglaterra y para el ejército americano en las bases de la OTAN.  No conseguía vivir de la música en condiciones mínimas y su enfado le lleva al alcoholismo trabajando de lo que puede. Su amigo y músico Chris Stainton, le ayuda y se convierten en inseparables.  Estamos en pleno auge de la psicodelia. Cocker y Stainton al piano dan vida a un gran tema  'Marjorine' cuya maqueta llega a Denny Cordell, productor de Procol Harum y de The Move. De este modo consigue un nuevo contrato discográfico con Cube. La canción se publicó en single y se colocó entre los 50 mejores temas británicos en el mes de mayo de 1968. Empezó una época en la que Cocker consigue cierta repercusión desde el escenario con sus conocidas contorsiones acompasadas con su voz desgarrada.  Luego  vino su adaptación del 'With a little help from my friends', con el que llegó a los primeros puestos de las listas en noviembre de 1968.

Joe Cocker
Al año siguiente, 1969, grabó su primer disco con Denny Cordell, y el título genérico del tema de los Beatles. Le acompañaron grandes músicos de la talla de Jimmy Page, Albert Lee, Steve Winwood, entre otros.  Se puso al frente de The Grease Band, cantando por toda Inglaterra acompañado de Chris Stainton al piano, Alan Spenner al bajo, Bruce Rowland a la batería y Henry McCullough a la guitarra.  En 1969, triunfaría en Woodstock y se queda en los Ángeles para grabar un segundo trabajo. En esos días conoce a Leon Russell, pianista de estudio, que le ayuda a moldear su voz  y le cede otro éxito, 'Delta lady', Top 10 inglés en octubre de 1969.

Con su segundo trabajo de título homónimo y la mano de Russell, se introducen toques de country propiciados por músicos como Sneaky Pete Kleinow, de Flying Burrito Brothers, y Clarence White  de The Byrds.  Tras separarse en 1970 la  Grease Band, le sigue un tour demoledor   llamado "Mad Dog and Englishmen". Cocker está agotado pillado por el alcohol y otras dependencias.  Se retira de los escenarios durante un año y medio mientras su compañía A&M tiene problemas económicos  y su manager Anthony Dee le pone las cosas aún más difíciles. Volvería en 1972 cuando el blues no tiene tanta tirada en su país. Le arrestan en Australia por consumo de estupefacientes e inicia un periplo de bajón con discos con muy poca repercusión como 'Something to say' (1972). 'I can't stand a little rain' (1974), 'Jamaica say you will' (1975), 'Live in L. A.' (1976), 'Stringay' y 'Luxury you can afford' (1978).

Joe Cocker
Y de este modo llegan los ochenta en los que emerge con “Up where we belong”, un dúo con Jennifer Warnes en 1982 incluido en la banda sonora de 'Oficial y caballero', que precedió a los discos 'Cocker' (1985) y 'Unchain my heart' (1987), y entre medias su gran éxito  'You can leave your hat on' de la película 'Nueve semanas y media  seguida del disco 'One night of sin' (1989). Cocker llega lo más alto de las listas. Le siguieron "Joe Cocker live" (1990) y "Night Calls" (1991), con otra versión del tema de los  Beatles "You've Got to Hide Your Love Away",  entre otros discos como "Have a Little Faith" (1994), "Organic" (1996), "Across from midnigh" (1997) y "No Ordinary World" (2000). En 2003 celebraría 35 años con un doble álbum llamado "The Ultimate Collection 1968-2003" y al año siguiente saca "Heart and Soul", disco de versiones  y en 2007, "Hymn for my soul", colección de clásicos.  "Live at Woodstock" (2009), "Hard Knocks" (2010), el recopilatorio "Icon" (2011) y "Fire it up" (2012) fueron sus últimos trabajos. El año pasado estuvo de gira y había  anunciado un nuevo disco para 2015.  Cabe destacar también que había creado una fundación llamada "Cocker Kids Foundation", para ayudar a niños y jóvenes en problemas.

Documento sonoro: 

Joe Cocker cantando R&B en 1963 con el nombre de Vance Arnold and The Avengers.   




Os Novos, siembran “Nom Lugar”, de contundentes canciones “DIY” defendidas con los puños

Portada
Todos tememos que las frustraciones personales nos lleven al vacío existencial, a esa pesadilla infernal en la que nos ahogamos sin posibilidad de acordarnos de tiempos mejores. Ante la falta de las respuestas precisas, urge la necesidad de romper con los moldes, los propios y los adquiridos de una sociedad que nos condiciona y que necesita cambios, nuevos aires como los procurados por esta banda gallega llamada Os Novos.  Se trata de un poderoso trío de punk rock, con experiencia en anteriores bandas de hardcore, que este 2014 ha debutado con un mini Lp editado por la discográfica compostelana, Lixo Urbano. Un disco extraordinario en el que nos cuentan en gallego siete historias de huida personal y colectiva, siempre hacia delante, buscando respuestas sin engaños, dispuestos a afrontar una nueva realidad a la que contribuyen fabricando su propio futuro, con sus propias manos y puños, en clara alusión al conocido movimiento creativo “Do it Yourself” (DIY).

Trayectoria

Os Novos. Foto: Miguel Carril 
El power trío de Os Novos se forma en Santiago de Compostela en 2013 por Alberte Lixo (bajo y voz), Soni (batería y voz) y Quiquinho de Melide (guitarra y voz). Proceden de una banda de punk  llamada Tommy Gun. Alberte también tocó en los Dirty Barriguitas, Samesugas; Sono estuvo en los Contrastes, los Royalties y los Redullos; y Quiquinho en Madame Germen y de gira con Ekkaia. Tal y como cuentan en la biografía publicada en la Fonoteca, el nombre del grupo, que se podría traducir al castellano como los Nuevos o Los Jóvenes, obedece a "un poco de todo, nos gustaba como sonaba, para impregnar-nos del espíritu juvenil y, también, como homenaje a “The Young Ones” (BBC2, 1982-1984), una serie que nos marcó a los tres, desenfadada, provocativa, con mezclas de diferentes culturas underground (hippies, punks, mods...)”.

“Nom Lugar” (Lixo Urbano, 2014), es su primera referencia y contiene siete canciones grabadas y mezcladas por Hevi (Fluzo) en el Laboratorio Soyuz y masterizadas por Mike Mariconda en Sonic Boom Room.. El diseño gráfico es de Bruce Lays y la portada, con ese dibujo de una ciudad fantasma casi inexpugnable en los alto de una oscura colina, es de Ramon Trigo. El disco también incluye las letras de las canciones y un par de fotos: una de la banda a cargo de Miguel Carril; y otra de un joven con actitud a cargo de Maria Abelheira. Está editado en Lp 10" más Cd, y también en digipack.

Las canciones  

Os Novos. Foto: Keith Ritz Derradeiro
El disco se abre con el tema que le da nombre genérico, una elegía punk para recordar ese lugar que sus moradores dejaron perder, “um lugar onde non queriam nada que a terra pudesse dar”. Nunca hubo lamentos y ahora ya es tarde para llorar. Solo nos queda derrumbarlo, para después sembrarlo con nuevas ideas. Una canción cuya música, de potente rítmica y melodía grandiosa, contiene toda la rabia del punk, imprescindible para armonizar un tema tan directo y sincero como el que nos cuentan en la primera de las siete historias sin contemplaciones de este disco. Las guitarras descargan riffs acuciantes entre ritmos muy marcados, juegos de voces a pleno pulmón con extrema sensibilidad, más detalles de eléctrica tan precisos como persuasivos.  Le sigue  “Saberás desculpar-nos?", donde arremeten con energía descomunal mediante unas guitarras y un bajo directos al estómago, con agresividad, custodiando unas voces entregadas que critican el sistema actual con frases tan directas como “Dumha democracia guardada baixo a chave, de cárceres e juízes da terra prometida”.

Dispuestos a construir una utopia con aquello que sabemos que no queremos, rompiendo con la moral preestablecida, Os Novos nos invitan a buscar una tierra libre, a abrir las puertas para que “um novo ar tem de entrar, porque neste mundo de merda tu és a alegria do corpo”.  Termina la cara A del mini Lp con  “Eu nom tenho resposta para ti” en la que nos recomiendan que no hay que lamentarse, ni mirar atrás, hay que seguir buscando respuestas, cada uno las suyas propias. Un tempo rápido, con unas guitarras construyendo secuencias de potente hard rock entre un bajo galopante. Sus extraordinarias canciones son la única “resposta para ti” que pueden darte.

Os Novos. Foto: Ciprián Derradeiros 
La cara B arranca con una suculenta mezcla de hardcore combativo y detalles de after punk oscuro, con intermedios instrumentales oscuros que dan paso a gritos sinceros perseguidos por arreglos hirientes que escupen verdades como puños.  De este modo combaten  esa   “Frustraçom” que no nos deja respirar, dentro de una realidad que nos ahoga. Ya no hay vuelta atrás - nos dicen. Hay que despertar y reaccionar. “Fai-non com as tuas mans”, siguiente corte tiene un espectacular arranque de guitarras acompañadas por golpes certeros de batería que desembocan en un recorrido de disparos eléctricos distorsionados. Todo un posible himno del conocido movimiento “Do It Yourself” en el que no solo nos recomiendan la imperiosa necesidad de hacerlo nosotros mismos, con nuestras propias manos; sino incluso, si es preciso, enseñando los puños. Sigue el disco con otra maravilla sonora como es “Quero fugir”, donde explota la necesidad acuciante de dejar atrás “todas as cousas que já nom quero ver, toda essa gente que a mim me fai sofrer!”. Comenzar de nuevo, lejos de todo aquello que no nos hace felices. Una sabía decisión que acompañan con más guitarras imaginativas, bajo sensacional y una batería no menos potente. Sensacionales voces insuflan proclamas de liberación personal en la caverna de la mediocre  infelicidad.  El disco se cierra con “A por eles”, un canto contra el sistema opresor, contra aquellos que se aprovechan de nuestra fe, de nuestro sudor. Una proclama de lucha para romper los muros aunque nos llevemos todos los golpes, con la ilusión por un futuro que no puede ser tan oscuro.

Reflexión final

Os Novos. Foto: Miguel Carril 
El disco de debut de Os Novos es de los trabajos más combativos, sinceros y directos que he podido oír en tiempo. Un propósito, individual y colectivo, que arremeten sin la necesidad de utilizar frases hechas, vocablos tan recurrentes como “revolución” y “libertad”, cuyo uso comercial y mediático las ha convertido ya en entelequias y soflamas vacías de contenido. Musicalmente, las canciones están construidas sobre un combinado de potentes riffs de guitarra y bajo, con la contundente perseverancia rítmica de la batería y con la entrega extraordinaria de unos juegos de voces que se expresan en gallego con la rabia necesaria que consigue que el mensaje sea tremendamente creíble. Con todo ello consiguen que los siete temas que componen este disco de debut  nos transmitan una necesidad de cambios que empiezan por uno mismo y que invitan a crearse una realidad propia con nuestras propias manos o con los puños cerrados. No me parece un disco de utopías colectivas fáciles sino de pura y dura reivindicación del trabajo creativo para satisfacción propia dentro de una comunidad afín en una tierra “libre” al menos de gente que nos haga sufrir, lejos de las cosas que no queremos ver.  Su objetivo no es el de dar soluciones y nos lo dicen bien claro: “nom tenho a resposta para ti”. Su propósito es el de compartir con todos nosotros esa lucha perseverante contra los engaños y la frustración, sin perder la ilusión, dispuestos a “romper os muros” de este “Nom lugar” y sembrarlo con magníficas canciones como las que se incluyen en este memorable mini Lp editado por la imprescindible Lixo Urbano.                

Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp donde también tienes a tu disposición el vinilo de 10" más Cd o el digipack.