martes, 31 de marzo de 2015

Fallece Gabo Maumus de los Asalto al Parque Zoológico

Gabo
La bajista argentina Gabriela Luján “Gabo” Maumus fallecía a los 28 años el pasado 24 de marzo de 2015, en el Airbus A320 de la aerolínea Germanwings que volaba desde Barcelona a Dusseldorf y que se estrelló en los Alpes franceses.  Formaba parte del grupo argentino de shoegaze y dream pop Asalto al Parque Zoológico. Considerada una de las grandes instrumentistas del rock indie de su país viajaba con su novio Sebastián Greco con quien estaba pasando unos días de vacaciones por Europa.

Gabo formaba parte de los Asalto al Parque Zoológico desde el año 2013 cuando la banda se encontraba en una fase de crisis. El resto del grupo son Fernando G., guitarras, voz, teclados;  Luxx, sampler, teclados; Marina Lezama, voces, guitarra; y Julián Mazzeo, batería.


APZOO Foto: Fer Cenzabella
Asalto al Parque Zoológico, también conocido como APZOO, se forma en el año 2008 con influencias de grupos como My Bloody Valentine entre otras bandas inglesas de finales de los ochenta y noventa como Slowdive, Ride, Lush, o Telescopes.  En 2009 se autoeditan un Ep, reeditado por Black Fish Discos, y 2010 un single. El sello discográfico argentino Casa del Puente Discos les saca en 2014 un disco de debut con el título de “Hexadecimal” que edita en el Japón, Hands and Moment. Esta discográfica japonesa también ha sacado un recopilatorio con sus primeros temas y el título de "Soft Focus". Sus compañeros la recuerdan en su facebook como  “una chica alegre, dulce, amable, educada, inteligente y siempre bien predispuesta para todo lo que implica tocar en una banda under, donde las cosas se hacen con esfuerzo y, la mayoría de las veces, sin obtener rédito alguno”. 

Documento sonoro: 



"Unwished", tema incluido en el Lp de debut de Asalto al Parque Zoológico con el título de "Hexadecimal" (2014). 


Los Asalto al Parque Zoológico en directo.


lunes, 30 de marzo de 2015

“All power to the Flamin Guays” con su demoledor “Volumen Número 3” para Rufus Recordings

Los alicantinos Flamin Guays acaban de grabar este año 2015 para Rufus Recordings nuevos temas propios que han agrupado bajo el título genérico del “Volúmen Número 3”. Un disco excepcional  en el que han volcado toda su experiencia, su destreza, y sobre todo su pasión por el penetrante blues y el demoledor R&B.  Mediante un toque oscuro, primitivo y visceral, sus canciones aportan a la legendaria esencia de la música negra un punto de vista actual, tan sorprendente  como enriquecedor, mediante un cruce de riffs abrasivos de guitarra con esos lamentos irresistibles de la armónica, al paso firme de la portentosa batería acompañando a una voz principal impresionante.  El resultado nos ha dejado completamente anonadados y no podemos más  que recomendar encarecidamente que escuchéis su nuevo trabajo convencidos de que, hasta su portada inspirada en una publicación de los setenta sobre los famosos Black Panthers, está hecho a conciencia para llevar al poder esa combinación ardiente del ritmo y el blues tan propia de estos inspirados Flamin Guays.     

Trayectoria 

Los Flamin Guays son un trío de guitarra, voz y armónica, más batería formado por expertos músicos que han pasado por bandas como Studebakers, Rockahulas o las Membranas, entre muchas otras.  Sus miembros son Paco “Rufus” a la guitarra; Juan Carlos Castelló “JC” a la  batería, y Claudio a la voz principal. Crearon esta banda para dar cabida a su amplio abanico de gustos relacionados con el rock and roll  siguiendo los legendarios cánones de la música negra, desde el blues al soul pasando por el R&B, con detalles añadidos de vivaz powerpop.  Sacaron en 2010 un single, en edición limitada, para Discos Baltimore con el título de “Atención humanos, aquí están…” con un par de temas llamados “El último tren”, y “Llámame amor”  con el Bola a los teclados. En 2011 editaron un Lp con el título de “Ritmo y Alma” con “Puño en Alto Records”. Fue grabado por Bola en los Estudios Monophonic de Alicante el 11 de diciembre de 2010. Bola y el Dr. Jau lo mezclaron en R-Track de Alicante y el Dr. Jau se encargó de masterizarlo.  El diseño de portada corre a cargo de Rockahulart con foto de la banda de Alejandro Tévar.   Contaron en este caso con la colaboración del Dr. Jau a las guitarras, Jaisiel al saxo, Ramón a la slide guitar y Bola a los teclados más aullidos.     

Contraportada. Matías Alhambra
Los temas del nuevo disco son originales del trío y fueron grabados, mezclados y masterizados a principios de 2015 con Alex Román en su estudio Harri Sound de Elche. En la contraportada se incluye una foto de los Flamin Guays a cargo de Matías Alhambra.   El diseño de la carátula es de Paco “Rufus” quien se ha inspirado en la portada de la publicación “All Power to the People: The Story of the Black Panther Party” (1970). Cabe destacar también que Rufus recordings tiene previstas para los próximos meses varias ediciones espectaculares entre las que destaca un single del Gallo Claudio con el título de “Eskorbuteando”. 

Las Canciones

Flamin Guays en la Stereo. Matías Alhambra
El disco empieza con “Cruce de caminos”, un espectacular tema con el que ya se nos pone la piel de gallina de Mississippi como resultado de un tratamiento impecable de los cánones del blues oscuro.  La banda añade un toque personal gracias a esa guitarra con dientes de motosierra  que corta bloques de cemento al paso de una alocada batería más una armónica que gime borracha de pasión. La excelente voz principal nos cuenta una historia de un joven que busca un pacto con el Diablo aunque si tiene que elegir, “se queda como está” con más dinero y más amor.  A destacar esos detalles de bajo después de un descomunal  solo de armónica. “Valentina” es una brutalidad de R&B, sucio, salvaje, cajun, con detalles de rock and roll amargo y, de nuevo, con esa desbordante armónica que aporta un vendaval de notas directas del corazón tras atravesar el tímpano de los oyentes estupefactos.

Flamin Guays en la Stereo. Matías Alhambra
Con “No te aguanto”, el tempo se ralentiza para que, desde el mismísimo infierno, surja una historia de desamor . “Harto de ti, ni los ratones se quieren quedar aquí… no quiero verte más, no te aguanto ya…”. De fondo una guitarra golpea acordes contra el yunque para forjar esa brutal melodía mientras la armónica sigue siendo protagonista principal y omnipotente. En el siguiente tema, llamado “Lo negro me salvó”, logran una combinación fascinantela con esa emulsión eléctrica distorsianada de las agresivas cuerdas con las vibrantes lengüetas mientras el baterista sigue dándonos muestras de su enorme habilidad rítmica. Se trata de una canción para momentos al borde del abismo: “ya nadie me quiere.. no tengo dinero, ni a dónde ir.. a duras penas me queda el blues... sin arrepentimiento, sin volver la vista atrás. Aunque “no me importa nada, tengo el alma rota”, siempre  nos queda lo aprendido: ese blues que nos va a salvar.  Acaba el disco con la magnífica “Rompes mi corazón”, una canción en la que nos demuestran su magistral interpretación del rock and roll teenager de los cincuenta con súplicas de amor.  Sobre un exquisito tratamiento rítmico y melódico,  la voz principal se luce una vez más con gran entrega arropada por una banda de lujo con excepcionales guitarra, batería y bajo.

Reflexión final

Flamin Guays en la Stereo. Matías Alhambra
Tras disfrutar de estas cinco canciones tan impactantes, resulta comprensible referirse a la veracidad indiscutible de la leyenda del cruce de caminos. Allí donde dicen que los bluesmen pactan con el Diablo, ese genio musical que distingue a bandas memorables como es el caso de estos Flamin Guays.  Aunque, en el caso de estos grandes músicos alicantinos, creo que su tremenda imaginación, con dedicación irrenunciable al rock and roll, no necesita en absoluto de esoterismo alguno para sorprendernos con canciones tan espectaculares como éstas. Ya no es solo la habilidad de sus componentes, que grabaron los temas en una sola tarde, sino el preciso combinado de motivos instrumentales con los que dan a su obra una forma especial, casi única en el panorama actual. Por otra parte, quiero expresar mi tristeza ante la evidencia, por el momento irremediable, de que tan fascinante trabajo discográfico no vaya a ser editado en vinilo como bien merecería.  Lo cierto es que la discográfica Rufus recordings, una de las más activas del panorama actual del rock and roll, estña  enfrascada en varios proyectos, a cuál más interesante, y le resulta inviable sacar el disco aunque, eso sí,  nos lo ofrece en descarga digital gratuita para que todos podamos escucharlo y compartirlo.  Así que, amigos y amigas, no dejemos pasar esta oportunidad de regocijarnos con el “Volumen Número 3”  de los Flaming Guays, cuya música resulta ideal para levantar el ánimo y salvarnos, de paso, la vida en circunstancias emocionales adversas.      

Nota: Puedes escuchar y descargarte gratis las canciones en el bandcamp de Rufus Recordings.   
      


jueves, 26 de marzo de 2015

Fallece John Renbourn de los Pentangle

John Renbourn 
John Renbourn nació el 8 de agosto de 1944 en Marylebone, Londres, y fue encontrado muerto en su casa de Hawick (Escocia) el 26 de marzo de 2015. El miércoles no acudió a un concierto que tenía previsto en Glasgow y el caso se puso en manos de la Policía. Aunque no se ha informado sobre la causa, los medios ingleses publican que no se observan rasgos de muerte violenta. Guitarrista, cantante y compositor,  especialista en mezclar el folk con el blues, el jazz y la música medieval, será recordado principalmente por haber formado parte del mítico grupo de folk, Pentangle.  Antes tocó y grabó con el también difunto Bert Jansch, y destacó por su carrera en solitario, acompañado a partir de los ochenta por varios músicos de la escena folk británica.

Pentangle 
John Renbourn estudió guitarra clásica en la escuela con predilección por la música medieval.  En la década de los cincuenta se interesó por el skiffle y ya en los sesenta por el R&B formando parte de una banda creada en el Kingston College of Art de Londres . En el año 1961 acompañó de gira al músico de folk y blues Mac MacLeod con el que volvería a tocar en 1963. Con la cantante de blues y gospel Dorris Henderson grabó dos álbumes.  Por entonces, el lugar de moda del folk revival era Les Cousins en Greek Street, Soho.  Allí coincidió con Bert Jansch (n. 1943 – d. 2011) quien había llegado a Londres procedente de Edimburgo.  En 1966 sacaron un disco llamado “Bert and John” (Transatlantic). Con ese sello Renbourn sacó otros discos a su nombre como “Another Monday” en 1966, “Sir Jon Alot” (1968), “Lady and the Unicorn” (1970) y "Faro Annie" (1971) o "The Hermit" (1976).

Renbourn colaboraría con Jacqui McShee, (n. 1943) quien cantaba canciones tradicionales inglesas y también le ayudó a grabar “Another Monday”.  Con  Bert Jansch a la guitarra, el bajista Danny Thompson y el batería Terry Cox, ambos procedentes de  Alexis Korner's Blues Incorporated, formaron Pentangle. El grupo se hizo muy popular en la escena folk rock y jazz británica.  Durante la primera  época grabaron los discos “The Pentangle” (1968), “Sweet Child” (1968), “Basket Of Light” (1969), “Cruel Sister” (1970), “Reflection” (1971), y “Solomon's Seal” (1972). En 1968 tocaron en el  Carnegie Hall y en el Newport Folk Festival.


John Renbourn 
Se separaron en el año 1973, después  de que Thompson empezara a colaborar con John Martyn. Cox se convirtió en  músico de sesión y trabajó con Charles Aznavour; Jansch continuó con su carrera en solitario;  McShee siguió entre  1974 y 1981 con la banda de John Renbourn.  Los Pentangle volvieron en el año 1975. John fue reemplazado por Mike Piggott (violín y guitarra). La banda estaba formada por McShee, Jansch, Cox  más Nigel Porttnan-Smith al bajo. El año 1986, Cox y Piggott fueron substituidos por Rod Clements (guitarra, mandolina) y Gerry Conway (batería). El año  1988, Peter Kirtly (guitarra) substituyó a Rod Clements.  En los ochenta sacaron “Open The Door” (1983), “In The Round” (1985), “So Early In The Spring” (1988), y en los noventa “Think Of Tomorow” (1991) o “One More Road” (1993). El año 1994, de nuevo disuelta la banda, se crearía Jacqui McShee's Pentangle.  Al año siguiente 1995, Jacqui colaboró con Gerry Cornway en el disco “Active in the Parish”, del cantante David Hughes.  El año 1998 se unió a Ulrich Maske y más recientemente formó un dúo con Alan Thompson a la guitarra que tocó con John Martin.

John Renbourn 
A finales de los setenta, el John Renbourn Group sacó el disco “A Maid In Bedlam” al que siguió “The Enchanted Garden” (1980).  A mediados de los ochenta, John  Renbourn volvió a la Universidad para graduarse en composición. En 1988 sacó con los Ship of Fools y  la cantante Maggie Boyle, un disco para Flying Fish.  Continuó  grabando y tocando en giras con otros músicos como Archie Fisher. En la década de los dos mil colaboraría esporádicamente con Robin Williamson, Jacqui McShee o Clive Carroll en varios proyectos.  En 2011 sacó un disco llamado “Palerno Snow” con la discográfica Shanachie.  Seguía en activo dando conciertos y preparando nuevos temas.

Documentos sonoros: 

"Goodbye Pork Pie hat" del disco que John Renbourn grabó con Bert Jansch en 1966.



Pentangle interpretando "Fligh Light" que abre su disco "Basket of Light" de 1969.



John Renbourn tocando y cantando "White House Blues" que abre su disco "Faro Annie" (1971).


John Renbourn en directo recientemente en el Letterkenny Arts Center (Irlanda).


martes, 24 de marzo de 2015

Thee Four Teens mantienen “till we die” la actitud “garage punk” con un Ep para Kotj Records

Portada Ep Kotj Records
La expresión “Fourteen till we die”, pronunciada por alguien que ha superado con creces los cuarenta años, no responde a una ilusión para mantenerse al margen del paso inexorable del tiempo y negarse, de paso, los evidentes cambios físicos que comporta envejecer. La frase implica, a mi modo de ver, una más que justiciable reivindicación del espíritu libre e imaginativo, al margen de los condicionantes de la edad. Una forma sana y fructífera de continuar adelante dispuestos a seguir divirtiéndose con el propósito de procurarse una vida razonablemente disoluta e inequívocamente creativa con capacidad para dejarse sorprender. Una actitud, en definitiva, que si bien para una gran mayoría resulta, por mera conveniencia social, inimaginable más allá de los veinte,  no dejar de ser imprescindible para otros tantos, como tú y como yo. Me refiero a  unos cuantos irreductibles amantes del rock and roll capaces de enfocar la madurez con la imprescindible salud tanto física como mental que se asocia con la adolescencia. Pues bien, con esa fuerza vital, y sobre todo con esa determinación a no dejarse intimidar por el devenir de la existencia, el incombustible Kevin Shapen, quien este 2015 cumplirá los 48 años de edad,  ha creado una nueva banda llamada The Four Teens. Acaban de sacar su segundo Ep para la no menos combativa y admirable discográfica de Valladolid, Kotj records.

Trayectoria

The Four Teens. Foto de su facebook
Los Four Teens son Kevin a la guitarra y voces; Della Slowik al bajo; Rebecca June Coryell al órgano, y Justin Laubscher a la batería, entre otros bateristas. Antes de este Ep editado con Kotj, sacaron otro single en 2013 para los suecos Ken Rock, con el título de “Right Now”, que es la  primera canción del disco seguida de “Bad Girl”, “We Know What To Do”, “Wanna Get Real Numb”, y “You're Gonna Miss Me Girl”. El Ep que ahora te presentamos cuenta con una foto de la banda en portada y con el artwork del inefable Mik Baro aportando otro de sus geniales trabajos en el que se incluye, en contraportada, un divertido personaje con flequillo, sonrisa maliciosa, orejas generosas, guitarra Vox en mano, jersey a rayas y botines. Una combinación que resulta ciertamente ideal para identificar el imaginario costumbrista del “garage punk”.  También cuenta con un texto del principal factótum del sello Oscar García, quien además agradece a Ina Munlet su ayuda en perfilar el trabajo sonoro de la grabación. Cabe destacar también que la edición está limitada a 350 copias, 250 en vinilo negro y 100 en rosa con diferente portada y colores. 

El guitarrista y cantante Kevin Shapen formó parte de las bandas de garage punk de Portland (Oregon) The Undertakers y después los Spider Babies. Con los primeros sacó un single con los temas “Time Machine” y “Look Out” (Tombstone 1992) acompañado por B.C. Morse al bajo; Todd Kinner a la batería; Pat Yonally al órgano; y Jason Hill a la voz principal. Con  los Spider Babies editó en 1994, también con Tombstone, un sencillo con los temas “I’m dead”  y “Treat my ride” con Jim Evans al bajo; Colin Gilmore a la batería, Kevin Shapen a la guitarra y Denice Hammericksen al órgano. El mismo año editaron con formación de cuarteto un par de sencillos con canciones como “Hey baby” y el Ep “The arachnophonic sounds”.

Ya como trío, sin órgano, los Spider Babies grabaron en 1995 un 10” titulado “All fucked up” con Screaming Apple. Le sucedieron otros discos como “Web of hate” ( 1996 Frisbee); “Adventures In Sex! And Violence” ( 1997 Screaming Apple); “Thinkin 'Bout You” (Shack o’shit); “Crimes Against Humanity” (1998 Mad Driver); “Undressed To Kill” (2000 Black Lung); y “The Twenty Year War” ( 2012 Sack O’Shit) con Martin Christiansen al bajo; Kasper Maarbjerg a la bacteria; más Kevin Shapen a la guitarra y voz. Cabe desatcar que en los Spider Babies también tocaron Jeremy Cage (batería) y Adam Cox (bajo), ambos de los Exploding Hearts, quienes fallecieron, como bien sabes, en 2003 en un trágico accidente de tráfico. Tras su muerte, la banda de Kevin sacó un single con Get Hip con el título de “Whats Wrong With Me?”. Shapen también formó parte de los Coca Cobra and The Killers con la cantante Coco Cobra, Adam Cox a la batería, Jim Evans al bajo de los Exploding Hearts; y Jesse Kimball de los Automatics a la guitarra. Sacaron un disco con el título de “Want You”.


Las canciones

The Four Teens. Foto de du facebook
El disco empieza rodar con el tema que le da nombre, “Fourteen Till We Die”, contundente canción en la que el riff de guitarra y el persuasivo sonido del Farfisa se compenetran con la voz principal para ofrecernos un tremendo tempo de “garage punk” en el que el acompañamiento del bajo se confunde con los latidos de nuestro corazón mientras retumba en nuestro estómago. De atractiva melodía,  mantiene la tensión de principio a fin, incluido un breve solo de guitarra punzante, y punteos de rock and roll salvaje. Le sigue la no menos extraordinaria “Waste of Time”, otra exhibición fantástica de combustión abrasadora a  base de distorsiones que rugen como acompañamiento ideal de la salvaje voz principal con el órgano como impenetrable telón de fondo. Añaden otro solo de guitarra sobresaliendo entre un ritmo tribal, con el que se acrecenta una combinación pretendidamente lisérgica.

The Four Teens. Foto de su facebook
Ya en su cara B, los Four Teens se lucen mediante ese fantástico “On the Phone” con rasgueo de guitarras cercanas a ese powerpop de entrega furiosa, manteniendo ese efecto de himno beat ideal para el baile desenfrenado. La profusión de arreglos enmarañados con descargas eléctricas se sucede con “Gonna Make You Mine”. Canción ésta que destaca por esa rica combinación de rock and roll primitivo con melodías de girl group mediante un fondo embarrado de punk agresivo. Riffs disparados con lanzallamas, entre escalas infernales de bajo y una batería esencial que podría tocarse con bidones de pintura, completan un sensacional tema que pone punto final a esta maravilla de Ep. Un disco redondo que, tras una persistente escucha, podría perpetuar la adolescencia incluso más allá de la muerte.    

Reflexión final

Dibujo: Mik Baro
Kevin Shapen nos pone de manifiesto,  una vez más con este excelente Ep de los Four Teens, su gran capacidad para crear atractivas melodías combinadas entre ritmos potentes sin perder de vista los parámetros del auténtico “garage punk” norteamericano de los sesenta. Me imagino que con este disco ha optado por regresar, tan salvaje como siempre, a los inicios de su mítica banda, los Spider Babies, cuando contaban con formación de cuarteto, órgano incluido, para persistir en esa batalla sin cuartel contra el aburrimiento propio de la madurez mal entendida como sinónimo de inactividad y resignación. De este modo, sus canciones inciden más en los componentes beat y R&B sixties que en los punk de los noventa. Para que nos entendamos y buscando un paralelismo con el título, “Fourteen Till We Die” nos retrotrae a la época anterior a ese “Today we kill, tomorrow we die” de 1998. Con respecto al resto de la  banda, creo fervientemente que ha encontrado a las compañeras ideales de trayecto para conseguir que su creatividad llegue hasta nosotros con una contundencia y compenetración fascinante. Y para redondear el proyecto nadie mejor que Mik Baro en el artwork más Oscar García de  Kotj records, ayudado por otro amigo, Ina Munlet. Todos juntos consiguen que el sonido “aracnophónico” mantenga su probada habilidad de penetrar en nuestro cuerpo y mente, mediante la contundente mordedura de esos desafiantes riffs de guitarra y órgano. Es así como los Four Teens nos inyectan ese infalible y enriquecedor veneno rebelde propio de la adolescencia con el que, si no ofreces resistencia, te procuran, tengas la edad que tengas, una actitud de resistencia frente a la mediocridad de la insoportable realidad cotidiana.

Nota: Puedes escucharu na canción en el bandcamp de Kotj Records donde podrás adquirir una copia.

lunes, 23 de marzo de 2015

Fallece el guitarrista Jorgen Ingmann


Jorgen Ingman
Jorgen Ingmann nació el 26 de abril de 1925 en Copenhague, Dinamarca, donde falleció el 21 de marzo de 2015. Guitarrista de jazz y rock and roll, entre otros estilos, formó parte de los Swe-Danes con el violinsta Svend Asmussen. Son muy conocidas sus originales versiones con las que conseguía éxitos tan destacados como los propios originales. Entre ellas destaca su adaptación de “Apache” en 1961, con la que llegaría al número uno en Canadá, un año después que la grabaran los Shadows. Formó un dúo con la que por entonces era su esposa, Grethe, y ganaron el festival de Eurovisión en 1963.  

Con su esposa Grethe
Ingmann trabajó con Svend Asmussen, violinista de jazz, en la década de los 40 y parte de los 50 en un grupo llamado Swe-Danes. Influenciado por el guitarrista Les Paul, creó su propio estudio a mediados de los cincuenta donde investigó en las técnicas de grabación. Empezó a grabar bajo el nombre de Jørgen Ingmann & His Guitar. En 1961 grabó una original versión “twangy” de “Apache”, el tema de Jerry Lordan que haría famoso a los Shadows en 1960. Consiguió todo un número uno en Canadá y llegó a los primeros puestos en los Estados Unidos, entre otros países como Alemania.  También en 1961 realizó una versión portentosa del “Anna” (El negro zumbón) con la que triunfaría Silvana Mangano en 1953.  Durante los sesenta tuvo varios éxitos en las listas europeas como  "Pepe"  y "Amorada" (1961), "Violetta" (1962), "Drina Marsch" (1964) y "Zorba le Grec" (1965). Por otra parte, grabó el conocido "Tequila" con los Champs y una versión del tema de  Pinetop Perkins "Pinetop's Boogie Woogie" en 1962.En cuanto a su discografía destacan discos como "Swinging Guitars" (1959); "Guitar in Hi Fi" (1960), o "High Noon" (1966). 

Jorgen Ingmann

Con su esposa creó el dúo Grethe og Jørgen Ingmann, con el que representaron a Dinamarca en el festival de Eurovisión de 1963. Interpretaron  el tema "Dansevise" con música de Otto Francker y letra de Sejr Volmer-Sørensen y ganaron. Se habían casado en  1956 y se divorciaron en 1975. Grabaron otroas temas como "Kun en drommer", versión de los Platters. Grethe falleció con 52 años en 1990. En 1956 compuso una ópera, “Tre farger Blå” que grabaría en 1965, tras el éxito de Eurovisión. 

Documentos sonoros:

Su adaptación famosa del tema "Apache"en 1961 de Jerry Lordan que haría famoso a los Shadows en 1960.


Otra versión de 1961, en este caso del tema "Amorada" de Waldir Azevedo.

domingo, 22 de marzo de 2015

Muere la compositora y cantante inglesa, Jackie Trent

Jackie Trent
Jackie Trent nació con el nombre de Yvonne Burgess en Newcastle-under-Lyme el 6 de septiembre de  1940 y falleció el  21 de marzo de 2015 en Ciutadella (Menorca) a consecuencia del càncer que padecía.  Aunque es más conocida por escribir temas con el que fuera su primer marido Tony Hatch para Frank Sinatra y Petula Clark, entre otros, y por ser la autora de la sintonía de la conocida serie de televisión "Neighbours", tuvo una carrera en solitario a partir de 1962 con la que consiguió más de un éxito en las listas con temas propios o aclamadas versiones.  De su privilegiada mente para crear canciones, surgieron nada menos que cerca de 400 éxitos.  Desde 1962 a 1990, Trent firmó 12 discos, cinco recopilaciones y 51 singles.

Jackie Trent
Hija de minero, ganó a los nueve años un concurso de poesía. Interesada de muy joven por la música pop, a los 11 años ganó un concurso de talentos llamado   "Carrol Levis and His Discoveries".   En 1962 salió su primer single "Pick Up the Pieces" con Oriole records y su primer éxito salió tres años después para Pye con el tema   "Where Are You Now", escrita con Tony Hatch en una época en la que colaboraban con Petula Clark.  En 1965 consiguió ser número uno desbancando el “Ticket to ride” de los Beatles.  Un éxito de Petula Clark de 1966 llamado "I Couldn't Live Without Your Love" estaba inspirado en la relación de Trent con Hatch  quien se convertiría en su primer marido al año siguiente.  Con  Hatch triunfó cantando en  dúo temas como "The Two Of Us" en las listas australianas donde fueron conocidos como  "Mr & Mrs Music". Juntos compusieron numerosas canciones para  Frank Sinatra, Jack Jones, Nancy Wilson, Des O'Connor, Val Doonican, Shirley Bassey, Vikki Carr, y Dean Martin. En 1968 la pareja escribió el tema "Joanna" con el que triunfó Scott Walker.  Ya a finales de los sesenta, Trent volveria a los escenarios para cantar en un musical con Hermione Baddeley.

Jackie Trent 
En los setenta grabó el tema  "I'll Be Near You" compuesto por  Johnny Worth aka Les Vandyke y durante el resto de la década crearon temas para el teatro musical con obras como “The Card” o “Rock Nativity”. En 1972 Trent escribió el tema  "We'll be with you",  para el equipo de fútbol Stole City para la disputa de la final de la copa que acabó ganando por 2 a 1 al Chelsea.
Ya en los ochenta, el matrimonio se trasladó a Australia y compusieron la banda sonora de la serie "Neighbours".  Trent y Hatch se separaron en 1995 y se divorciaron en 2002. Hatch se casó por tercera vez y Trent se casó con Colin Gregory en 2005 con el que residía en Menorca.

Documentos sonoros: 

En 1964, Pye sacaba en single este tema "I heard somebody say" cantado por Jackie Trent. 

sábado, 21 de marzo de 2015

Nos deja el periodista y músico, Moncho Alpuente

Moncho Alpuente
Ramón Mas “Moncho” Alpuente  nació en Madrid, el 23 de mayo de 1949 y falleció en las  Canarias el 21 de marzo de 2015 a consecuencia de un infarto. El escritor, humorista, músico y periodista estaba pasando unos días de vacaciones con su esposa.  En su trayectoria musical destacan proyectos como las Madres del Cordero, Desde Santurce a Bilbao Blues Band, Moncho Alpuente y los Kwai, y The Moncho Alpuente Experience.

La Madre del Cordero
Moncho Alpuente estudió en un internado religioso de Segovia y finalizó el Bachillerato en un instituto de Madrid, ciudad donde estudió Periodismo.  Entre sus primeros trabajios profesionales está el de archivero y responsable de la sección de música de la revista Sp.  Ya en 1969 formó parte de un grupo satírico de folk llamado Las madres del cordero, creado con compañeros del colegio, que formaba parte del montaje teatral llamado Castañuela 70 con los Tábano.  Con Discos Cactus sacaron en 1970 un single con los temas  “A Beneficio De Los Huérfanos” y “La Niña Tonta De Papá Rico”. En 1972 pasaron a llamarse Desde Santurce a Bilbao Blues Band con Jordi Pi, Javier Estrella y Álvaro Ibernia. Sacaron un single con la compañía Explosión titulado “El ídolo”, una sátira contra los cantautores. En 1973 editaron  “Vidas Ejemplares” que cuenta con colaboraciones de Massiel, Vainica Doble, Hilario Camacho o Luis Eduardo Aute.  El grupo acabó por disolverse en el año 1975. Entre las canciones más destacadas está  “El hombre del 600”, “A beneficio de los huérfanos”, “Canción consumo”, “No sea usted original”, etc..

Desde Santurce a Bilbao
También estuvo en el equipo fundador de Popular FM en 1971,  al que siguió programas de televisión, como Mundo Pop o Popgrama.  En 1980 creó un grupo de rock and roll llamado Moncho Alpuente y los Kwai con Jean Pierre Torlois, Felipe Montes y Paco García con los que sacó  dos singles con los temas “Carolina querida (jet rock)” y “Adios Muñeca (Big band) como anticipo del Lp “Souvenir” (1980 Movieplay).  De nuevo en el mundo de la radio, fundó Radio El País, donde dirigió el programa “Madrid me mata”.  También colaboró con el País Imaginario. En el año 1988 sacó con el sello Elígeme dos discos con el nombre de The Moncho Alpuente Experience, con el Reverendo, fallecido en 2012, y el Gran Wyoming, que se abre con una versión punk de "Al vent"  de Raimon, más el maxisingle “Todos por el humo”. Como letrista colaboró en 1989 con Sabina y Armando Llamado en el disco de Ricardo Solfa titulado “Cuando tú seas mayor”.  y en el disco “Todos por el humo junto con Sabina, Trinidad Iglesias, Hilario Camacho, Ricardo Solfa y Aute, entre otros.


Moncho Alpuente y los Kwai 
Por lo que se refiere al teatro, participó y escribió varios espectáculos como el mencionado “Castañuela 70”, parodia de la España franquista  con el grupo Tábano, que reeditó como  Castañuela 90. También escribió y dirigió en 1986 la comedia “La reina del Nilo”, otra parodia de la literatura y el cine de aventuras en verso.  En la televisión también colaboró con  El peor programa de la semana y La Azotea de Wyoming así como el rodaje para la serie de TVE Delirios de Amor.  Como escritor, destacan obras como “El libro de los santos imaginarios y hechos apócrifos”, “Hablando francamente”, biografía satírica de Franco, “Versos sabáticos”,  y “Grandezas de España: la historia más grande jamás contada con menos escrúpulos”. Colaborador habitual del País, también escribía para el diario Público. 

Documentos sonoros: 

Moncho Alpuente y los Kwai interpretando "Carolina Querida (jet rock)", dedicada a la princesa de Mónaco. 



viernes, 20 de marzo de 2015

Fallece AJ Pero, baterista de los Twisted Sister

Aj Pero 
Anthony Jude “AJ” Pero nació en 1959 en Staten island, Nueva York, y falleció el 20 de marzo de 2015 a los 55 años de edad de un ataque al corazón.  Formó parte de los  Twisted Sister desde  1982 hasta 1986. En 1997 estuvo en la reunificación del grupo hasta su fallecimiento. También fue baterista de otras bandas como los Cities, Circle Of Thorns y Adrenaline Mob con los que tocaba cuando no actuaba con los Twisted Sister. En el momento de su fallecimiento estaba en el autobús de gira con los Adrenaline Mob. Sus compañeros han intentado despertarle pero no han podido reanimarle. Una ambulancia le ha trasladado al hospital de Poughkeepsie (Nueva York) donde han certificado su muerte.  Twisted Sister es una banda de hard rock, heavy metal y glam metal, formada en Long Island,  Nueva York, con éxitos como "We're Not Gonna Take It" y "I Wanna Rock" ambos de 1984.


Twisted Sister 
El guitarrista Jay Jay French aka Johnny Heartbreaker formaba parte de un grupo llamado Silverstar con el cantante Michael Valentine quien sugirió un cambio de nombre por el de Twisted Sister. Valentine y el guitarrista Billy Diamond dejaron la banda y dejaron a French como guitarrista y vocalista. En 1975 entró Eddie "Fingers" Ojeda, a la voz y segunda guitarra. Kevin John Grace reemplazó a Mel "Starr" Anderson en la batería, y entró el bajista Kenny Neill. En 1976, entró el vocalista y principal compositor de las canciones, Dee Snider.  Con la entrada del baterista Tony Petri, el grupo pasó del glam rock al hard rock. En 1979 sacaron el single "I'll Never Grow Up Now" / "Under the Blade", con su propia discográfica "Twisted Sister Records", seguido por "Bad Boys (Of Rock & Roll)" / "Lady's Boy" en 1980. Ningunas discográfica quería sacarles sus canciones.  Los cambios siguen. En 1978 les deja  Neill  y le reemplaza  Mark "The Animal" Mendoza, bajista de The Dictators. En 1980, Petri se une a los Plasmatics y le reemplaza  Richie Teeter de Dictators, al que substituyó "Fast" Joey Brighton, y este a su vez salió para que entrara  A.J. Pero, de los  Cities. De este modo se crea la formación más clásica: Dee Snider, Jay Jay French, Eddie Ojeda, Mark Mendoza y A.J. Pero.

Twisted Sister 
En 1982 consiguen un contrato en Inglaterra  con Secret Records con los que sacan el Ep “Ruff Cuts” seguido por su primer LP, “Under the Blade”, auténtico metal con temas como "Tear It Loose”.  Cuando estaban trabajando en su gran éxito "We're Not Gonna Take It",  Secret Records quebró.  Después firmaron con Atlantic y sacaron su segundo disco “You Can't Stop Rock 'n' Roll” (1983) con el tema "I Am (I'm Me)".  La fama la consiguieron con su tercer Lp, “Stay Hungry” (1984), puro heavy metal con temas como el que lo dio título o "Burn in Hell" o los grandes éxitos "We're Not Gonna Take It" y "I Wanna Rock".  En esa época grabaron varios vídeos cómicos en los que arremetían contra la autoridad de padre y maestros lo que les originó varias críticas feroces por parte del poder establecido.

Twisted Sister 
En 1985 sacaron su cuarto LP, “Come Out and Play” del que la MTV prohibió el video de la canción "Be Cruel To Your School".  Dos años después, Snider inició una carrera fallida en solitario acercándose al que sería guitarrista de Iron Maiden, Janick Gers.  Grabó un disco que Atlantic le obligó a sacar bajo el nombre de  Twisted Sister.  Al final salió el álbum en 1987 con el título de “Love Is for Suckers” a su nombre acompañado por la banda.  Fue un fracaso y en un par de meses, Snider dejó la banda. Al final Twisted Sister se separó y la noticia se hizo pública en 1988. Dee Snider formó las bandas Desperado, Widowmaker y SMFs. Eddie Ojeda formó Scarecrow y Prisoners of War.  Jay Jay French casi dejó de tocar y creó French Management y  Sevendust.  Mark Mendoza se unió a los Blackfoot.  Por su parte, A.J. Pero tocó con Snider, y los SMFs.  Joey Franco también empezó a tocar en la banda de Snider, y los Widowmaker.

AJ Pero 
Ya en 1998, la banda grabó una canción para la banda sonora de la película de Snider, “Strangeland” y en 2001 se reunieron para un concierto, con otras bandas, en beneficio de la Fundación de Viudas y Huérfanos del Departamento de Policía de Nueva York y el Departamento de Bomberos de Nueva York a causa de los atentados del 11 de septiembre de 2001. Volvieron a reunirse en 2003 en un festival de Suecia incluyendo a Mark Mendoza y en 2004 grabaron un nuevo disco  “Stay Hungry” para Demolition Records. Dos años después firmaron con Razor & Tie para sacar un nuevo álbum, “A Twisted Christmas”. La banda sigue junta y suelen actuar también, sin su conocido maquillaje, como los Bent Brother.

Documento sonoro: 

"We're Not Gonna Take It" (1984), uno de sus más conocidos temas con uno de los vídeos cómicos antiautoritarios por los que fueron tan criticados por asociaciones conservadoras, Senado norteamericnao incluido.  




Muere el saxofonista de jazz, Paul Jeffrey

Paul Jeffrey
Paul Jeffrey nació el 8 de abril de 1933 y falleció el 20 de marzo 2015. Fue un gran saxofonista de jazz, arreglista y educador nacido en la ciudad de Nueva York.  En su trayectoria destaca la colaboración con Thelonious Monk (1970-1975), además de trabajar con otros grandes como  Charles Mingus , Dizzy Gillespie , Clark Terry, Lionel Hampton y BB King , entre muchos otros.  Grabó varios discos como líder y trabajo en varios centros docentes como profesor experto en jazz. 

Tras graduarse en la Kingston High School en 1951, Jeffrey completó una licenciatura en ciencias en la educación musical en el Ithaca College en 1955. A finales de los cincuenta estuvo de gira con las bandas de Illinois Jacquet, Elmo Hope, Big Maybelle, y Wynonie Harris. Entre 1960 y 1961 actuó en la banda de  BB King y después  trabajó en el área de Nueva York así como estuvo de gira con las bandas de Howard McGhee, Clark Terry, y Dizzy Gillespie.


En 1968 sacó su primer trabajo como líder con el título de “Electrifying Sounds” para Savoy Records acompañado de Jimmy Owens (trompeta), George Cables (piano), Larry Ridley (bajo), y  Billy Hart (batería).  Después se fue de gira con la orquesta de Count Basie antes de colaborar con Thelonious Monk y Charles Mingus.  Monk le contrató en 1970 para tocar en su cuarteto en el Frog & Nightgown club de Raleigh, Carolina del Norte y se quedó tocando con su banda hasta 1976. Durante los setenta también colaboró con la big band de Mingus empezando en el Festival de Jazz de Newport en 1972, y continuó tocando con él, y realizando arreglos, así como grabando hasta 1979, año en que Mingus murió. En los años 1973 y 1974, Jeffrey hizo tres grabaciones de estudio como líder para el sello Mainstream Records.  Los discos son ”Family” y “Watershed” (1973) más otro de título homónimo en 1974.  Ese año grabó con Sam Rivers el disco “Crystals”.

Paul Jeffrey

Jeffrey también  tuvo una prolífica carrera docente, trabajando primero como profesor de saxofón en la Universidad de Columbia en 1973. También ocupó cargos en el State College  de Nueva Jersey (1974), así como director del grupo de jazz en la Universidad de Hartford (1975- 1983), y profesor asistente de jazz en el Livingston College de la Universidad de Rutgers (1978-1983). Ese año fue contratado como director de estudios de jazz en la Universidad de Duke, (Durham), cargo que ocupó hasta su jubilación en 2003. En Duke, Jeffrey enseñaba historia del jazz y dirigía la Duke Jazz Ensemble . También organizó festivales en Durham (Carolina del Norte) donde residía. En 2009, Jeffrey grabó un homenaje a Thelonious Monk con el sello francés Imago Records con Alessandro Collina en el piano, Sebastien Adnot en el bajo y Laurent Sarrien en la batería.

Documento sonoros:

Paul Jeffrey en la banda de Thelonius Monk en los setenta.

 
Paul Jeffrey sacó en 1968 un disco con su quinteto  bajo el título de "Electrifying Sounds". 
 


Angry Mama debutan con un Ep de punk rock melódico sin perder ni un ápice de fiereza rítmica

Portada
Angry Mama son una banda de Barcelona a la que tuvimos el placer de ver y oír en concierto durante la pasada XIII edición del “Castanyasso” 2014 en Tarragona, antes de que estuviera disponible su primer Ep editado conjuntamente por los sellos H-Records, Mama Vinyla Records, Tupa Tu Tupa Records, Fierro! Records y Cruzade Records. Su música, ya sea en directo como en estudio, aporta al punk rock una visión melódica con trazas pasionales al modo de grandes bandas norteamericanas como las que integran el catálogo del sello No Idea records. Nos referimos a formaciones como Hot Water Music o Against Me, a las que podrían sumarse otras como The Gaslight Anthem o los Foo Fighters. Grupos potentes que, como estos Angry Mama, basan su creatividad en una combinación explosiva de ritmos agresivos con cantos que invitan a ser coreados entre combinaciones grandiosas de acordes. 

Trayectoria 

Foto: Urko Linaza
Angry Mama son un cuarteto de Barcelona formado por músicos procedentes de agrupaciones diversas como Avoid Notes y Ciudad Homicidio. Sus componentes han tocado también en grupos como Habitación 101, The Capaces, Fifty One Ergs o Mesqueodi. Ellos son Rubén, voz y guitarra; Uri "Ras", voz y bajo, y Edu, baterista, con la ayuda de David a la guitarra. El disco fue grabado por Rubén, Uri y Edu, más la colaboración de David en el tema que cierra el disco. Materializaron la grabación en el BloQ.Estudi de Aleix Hc en febrero de 2014, donde también registraron en 2013 una demo con un par de temas. El diseño del disco, con esa ancla con diamante sobre un fuerte oleaje, es obra de Hugo Dirty Sánchez. La foto de la contraportada es de Urko Linaza. El disco incluye también una hoja con la letra de las canciones y detalles técnicos. La edición está limitada a 300 copias.

Las canciones

“Sin tiempo que perder”, el disco arranca con “The Unreal”, un tema contundente, mordaz, como gran parte de su obra, pero a su vez tremendamente emotivo. Transmiten una extrema sensibilidad y unas ganas de lucha con el propósito de combatir los miedos y la fría realidad. Sus planteamientos musicales se manifiestan de forma propia y reconocible mediante percusión ultra precisa, descargas de guitarras penetrantes y esa voz principal, acompañada de coros, al borde del desgarro con personalidad propia. Una canción que destaca también por su valía melódica, sin abusar de distorsiones, escogiendo de las diversas modalidades del punk, aquellas características que mejor les convienen para expresarse con naturalidad y convicción. Le sigue “This is not for sale”, otra declaración de principios a la búsqueda de un presente y un futuro antes de que llegue el fin haciendo aquello con lo que nos sentimos realizados aunque no sea lo que la sociedad espera de nosotros. De nuevo despliegan sus mejores armas para ofrecernos un tema en el que incluso aportan un fabuloso punteo de folk inicial antes de arremeter con una andanada de guitarras, incluidos atractivos cambios de ritmo y acordes. Con ello consiguen modificar, con originalidad, el contenido armónico evitando en todo momento sonar de forma previsible.

En Rocksound. Foto de su facebook
Ya en su cara B, nos ofrecen “Take Me” con un precioso inicio mediante los versos: “Llévame lejos de aquí cuando caiga noche, necesito algo nuevo que soñar…”. Una canción ideal para aquellos que estamos “hartos de las mismas caras, de los mismos lugares… y estamos dispuestos a abrir nuestra alma”. Musicalmente el tempo se ralentiza con un inicio fascinante de bajo y batería, cercano al dub, previo al recorrido punk con riffs minuciosos y voz intensa. Finaliza el Ep con el tema “Still Not dead”. Aquí nos dicen: “aunque se haya perdido el tiempo en falsas promesas,  hay que seguir adelante. No es momento de arrepentirse, aún no estamos muertos”. De nuevo ese espíritu combativo propio de una mente despierta y un corazón que late dispuesto a luchar por una forma de entender la vida al margen de convencionalismos, mediocridades y rutinas. El tema contiene excelentes recursos rítmicos a base de una batería y bajo persistentes más un excelente juego de un par de guitarras diferenciadas que aportan algunos detalles de rock americano. Entre punteos, pequeños solos y crescendos espectaculares, la voz principal desgrana una melodía apasionada con la que logran  transmitirnos un mensaje de esperanza pese las dificultades que puedan surgirnos en nuestro camino vital.

Reflexión final

Foto: Urko Linaza
Los Angry Mama nos han abierto su alma, tal y como dicen en uno de sus brillantes temas, para que conozcamos sus excelencias compositivas e interpretativas mediante cuatro canciones irresistibles que resultan de un buen trabajo de conjunto. Sin lugar a dudas, se trata de un excelente grupo de punk rock, con referentes tratados con envidiable soltura y emotividad a raudales. Sus envolventes combinaciones armónicas adquieren, gracias al poder existencial de las cuidadas letras, una dimensión amplia y poderosa en la que muchos de nosotros podemos sentirnos  identificados, sobre todo, aquellos y aquellas que resistimos, desubicados, en una sociedad en la que caras y lugares se repiten de forma sospechosa. Sin embargo, no parecen especialmente enfadados, sino más bien convencidos de que es posible encontrar ese lugar especial en el que, al menos, podemos soñar con conseguir algo nuevo. Su música no transmite destrucción frente al absurdo, sino seguridad y persuasión en la reivindicación personal con el propósito de mantenerse al margen de las falsas promesas y no caer en la tentación de la venta indiscriminada de nuestras ideas. En definitiva, un magnífico Ep de debut tras el que esperemos lleguen más canciones que, como éstas, nos ayuden a navegar en un mar crispado a modo de anclas que nos faciliten, al menos, el agarre a nuestras ilusiones para sobrevivir ante el fuerte oleaje de las dificultades cotidianas.          

Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp

Fallece Michael Brown de los Left Banke

Michael Brown
Michael Brown nació con el nombre de Michael David Lookofsky en Nueva York el 25 de abril de 1949 y falleció el 19 de marzo de 2015. Teclista y compositor, formó parte de la banda de popsike The Left Banke para los que escribió grandes temas como "Walk Away Renee" y "Pretty Ballerina". Abandonó la banda tras su primer álbum y después formó los Montagne, Stories y The Beckies. En 2012  se reunió con el resto de componentes en una actuación en Nueva York. Su muerte fue anunciada por el también miembro de los Left Banke, Tom Finn.


The Left Banke se creó en Nueva York a raíz de un proyecto de Michael Brown. Su padre, Harry Lookofsky, fue un gran músico violinista, arreglista y productor con estudio de grabación propio donde el joven Michael se interesó por la música y las técnicas de grabación. Formó parte de la banda de acompañamiento de las Reparata & The Delrons, para las que compuso algunos temas como “Do You Remember When”,  o de Christopher & The Chaps con los que sacó un par de sencillos y compuso temas como “They just don’t care”.

The Left Banke
Después creó los Left  Banke con el batería David-Schierhorst substituido al poco por George Cameron (The Morticians), Tom Finn al bajo (The Castels), el guitarrista Jeff Winfield y el cantante Steve Martin.  Publicaron un sencillo con la canción  "Walk away Renée" en cuya cara B está "I haven't got the nerve".  Fue editada por Smash Records, subsidiaria de Mercury Records. Renée era el nombre de la novia de Tom Finn. Consiguieron un gran éxito llegando al quinto puesto de las listas. Le siguió el single con "Pretty Ballerina" en cuya cara B está “Lazy Day" tras el que llegó su primer álbum "Walk away Renee/Pretty Ballerina" (1967) en el que participaron varios músicos de estudio. Durante la grabación Rick Brand reemplazaría a Jeff Winfield.  Se incluyen también grandes temas del llamado pop barroco como "She may call you up tonight", "I've got something on my mind", "Let go of you girl" o "Shadows breaking over my head", entre otros.

Tras ese disco, surgieron tensiones y Brown decidió dejar la banda para dedicarse a la producción y a componer temas.  El resto incorporaron al teclista Emmett Lake y quisieron seguir con el nombre del grupo al igual que Brown quien, con su padre y otros músicos de sesión, sacaron un sencillo con el tema  "Ivy Ivy" con el futuro miembro de los Spinal Tap, Michael McKean, y Bert Sommer a la voz principal.  

Michael Brown
Poco después volvieron a unirse y editaron otro single con el tema "Desiree" al que siguió el segundo Lp llamado "The Left Banke too" (1968) en el que contaron con el guitarrista Tom Feher. Este álbum contó con algunos temas de Brown y a los coros con Steven Tyler quien más tarde se convirtió en el vocalista de Aerosmith.  La banda continuó tocando en vivo en 1969, sin Martin, pero pronto se disolvió debido a la falta de éxito y problemas financieros. Ese mismo año Brown y Martin se reunieron en el estudio para grabar otro single como The Left Banke con los temas "Myrah" y "Pedestal".

En 1971, Brown, Cameron, Finn y Martin volvieron a unirse para grabar un par de canciones para la película “Hot Parts”. Los temas "Love Songs in the Night" y "Two by Two", fueron editados por Steve Martin en un single para Buddah Records, aunque tocaran también los demás. En 1978, Martin, Cameron y Finn se reunieron de nuevo como  The Left Banke y grabaron un disco aunque no vio la luz a excepción de un single con los temas "Queen of Paradise" y “And One Day". Finalmente el disco salió en 1986 con Relix Records y el título de “Strangers on a Train” (Voices Calling en Europa).

The Beckies
Después de The Left Banke, Michael Brown ayudó a crear la banda Montage, dejó su impronta aunque no llegó a formar parte de la banda. Sacaron un disco de título homónimo en 1969 donde se incluía una versión de "Desiree".  Después creó los Storie con el cantante Ian Lloyd. En 1973 tuvieron éxito con el tema "Brother Louie" aunque Brown ya había dejado la banda. Su siguiente banda se llamó The Beckies, pero también la abandonó pronto.

En 1994 sacó un disco con su esposa Yvonne Vitale llamado “On This Moment”.  Entre 2001 y 2006, realizó varias sesiones de grabación con los músicos Ian Lloyd (voz), Tom Finn (bajo), Jim McAllister (guitarra), y Jon Ihle (baterista).

Jeff Winfield falleció por complicaciones de la neumonía el 13 de junio de 2009 a los 60 años. Tom Finn y George Cameron reformaron The Left Banke en marzo de 2011 para un concierto en Nueva York en el que contaron con la voz de Mike Fornatale (The Monks y Moby Grape), Paul Alves (guitarra), Charly Cazalet (bajo), Mickey Finn (teclados), Rick Reil (baterista) y un segundo teclista Joe McGinty  quien reemplazó a John Spurney en 2012.  Ese mismo año Finn anunció que estaban trabajando con Brown en nuevas canciones. El 29 de abril de ese año, Brown se subió al escenario con los Left Banke e interpretó su famosa "Pretty Ballerina". El resto de la banda sigue actuando.  

Documentos sonoros:

Una de las canciones más famosas de los Left Banke, "Pretty Ballerina" original de Michael Brown.

Los Left Banke en 1966 interpretando otro de sus éxitos "Walk away Renée".
  

"One of the these days" tema de Michael Brown grabado con los Beckies  en 1976.



jueves, 19 de marzo de 2015

Muere Bob Parlocha, otro grande del periodismo musical y el jazz

Robert "Bob" Parlocha nació en Solano, California, el 18 abril de 1938 y falleció de un ataque al corazón el 15 marzo de 2015.  Fue un gran periodista, especializado en jazz, así como saxofonista y reconocido cocinero, conocido principalmente por su gran programa "Jazz con Bob Parlocha", emitido por numerosas cadenas de radio a nivel internacional.   

Hijo de padres filipinos, su madre de ascendencia también afroamericana era muy fan de la música de big band, especialmente de Count Basie y Duke Ellington, y lo introdujo en el jazz siendo muy niño. Creció escuchando las emisoras de jazz de la época que emitían por canales como KJAZ y tocó el saxo tenor y soprano, así como la flauta en una banda de la escuela secundaria. Se graduó en la Vallejo High School en 1956.

Durante los sesenta trabajó como enfermero psiquiátrico y el jazz no pasaba de ser su preciado pasatiempo. Tras presentar una cinta de prueba, Pat Henry le contrataría en su emisora KJAZ como programador para las tardes de sábado. En 1978 se convertiría en el anfitrión de uno de los programas estrella: "Dinner Jazz Show".

La voz de Parlocha fue desde entonces muy familiar para el público amante del jazz en toda el área de la bahía. Reflexivo, elocuente, analista, se convirtió en todo un referente periodístico, incluida la presentación de conciertos como el de Gil Evans  en el  "Pacific Coast Collegiate Jazz Festival", así como otros festivales como el Berkeley Jazz Festival,  "Oakland Arts Explosion", "Jazz at the Palace", "Bay Area Jazz Awards", o el "San Francisco International KJAZ Festival". 

Con el tiempo pasó a ser director musical de la KJAZ cuyos programas se emitían por muchas pequeñas emisoras del país. También desarrolló numerosos programas especializados, como la serie "Black Masters", "Latin Jazz", o "On The Scene"; y colaboró como ingeniero de sonido con la grabación de discos como el de Martha Young, “Live at Bajone’s" (Carnelian label 1982), o "Sufi Dancers" de Steve Cohn del mismo año. Ha producido numerosos discos de jazz como por ejemplo,  “Soul Eyes” de Laurie Antonioli en 1985 para Catero Records.  

En 1994, el propietario de la KJAZ, Ron Cowan, vendió la emisora, enfermo y por problemas económicos y varias emisoras del país contrataron el programa de Parlocha como la red WFMT de Chicago, la KUVO de Denver, o la WRCJ-FM de Detroit, entre otras de Kansas y Alabama. La estación principal de jazz en el oeste de los Estados Unidos, KKJZ (Long Beach), comenzó a transmitir el programa a principios de 2007. Después se unieron otras como JAZZ.FM91 en Toronto, Ontario, así como la sucesora de la KJAZ, la KCSM (FM) en el área de la Bahía o la WEAA de Baltimore. Sensibilizado con varias causas de ayuda a músicos de jazz, seguía tocando el saxo en público, mientas se hizo con un nombre como buen cocinero al timepo que presentaba  de lunes a viernes su gran programa “Jazz After Hours”.   

Documento sonoros: 

Bob Parlocha tocando el tenor en la Bob Eno Sound Wave en el Rooster Roadhouse de Alameda (California).