viernes, 29 de mayo de 2015

Fallece el cantante de soul, Mel Waiters

Mel Waiters
Mel Waiters nació y se crió en San Antonio, Texas. Falleció a los 58 años el 28 de mayo de 2015 a consecuencia del cáncer que padecía. Tras formar parte de una banda llamada Gotson Brothers durante los setenta, empezó una carrera en solitario a partir de los noventa grabando varios discos hasta la actualidad con los que consiguió éxitos con temas como  "Hit It and Quit It", "Hole in the Wall" y "Got My Whiskey".
Mel Waiters

Cuando era niño sus abuelos le regalaron una batería con la que empezó tocando con los Gotson Brothers en temas como “Do the Airplane”.  También cantó en la iglesia, fue Dj de radio y actuó en clubs de la zona, incluidas las bases militares del suroeste de los Estados Unidos gracias a un contrato gubernamental.  Su primer disco salió en 1995 con el título de “I’m serious” al que siguió “Suki Suki Man” en 1997 con temas como "Hit It and Quit It". Firmó con Malaco/Waldoxy, y sacó en 1997 el disco “Woman in Need”.  Le siguieron otros trabajos como “Material Things” en 1999, “I Want the Best” (2000), “Let me show you how to love” (2001), “Nite Out” (2003), "Got My Whiskey" (2005), “Throw Back Days” (2006),  “Got no curfew” (2012), y “Poor side of town” (2013).  Su más reciente trabajo lleva por título “True Love” (2015). Tenía prevista una agenda de conciertos para las próximas semanas.   

Docunento sonoro: 

"Got my Whiskey" (2005), uno de los principales éxitos de Mel Waiters. 




jueves, 28 de mayo de 2015

El Capitán Cavernícola sigue entusiasmándonos “a su manera” con su extraordinaria Blues Band

Portada
La Capitán Cavernícola Blues Band acaba de sacar un nuevo disco con el nombre genérico de “A mi manera”, título de una de las tres canciones propias incluidas en el mencionado Cd autoeditado que se completa con una versión de los Waterboys y una genial adaptación del tema “Soy tu mecánico”  de sus paisanos The Mejores con el que han grabado un fantástico videoclip dirigido por el prestigioso cineasta también avilesino, Fran Vaquero.  Tras una larga trayectoria que arranca en los ochenta, y un necesario descanso a finales de los noventa, volvieron a mediados de la década de los dos mil ofreciéndonos un selecto surtido de canciones originales con el blues como principal referencia estilística, adobado con  variados detalles tanto rítmicos como melódicos del R&B, el soul, el country o las esencias hillbilly.   Con su habitual desparpajo, nos ofrecen un nuevo álbum intenso y divertido, en el que también destacan sus habilidades instrumentales que no son pocas y esa capacidad indiscutible de aunar realidad cotidiana con la grandeza del rock and roll.     

Trayectoria

Capitán Cavwernícola Blues Band. Fotos de su web y Facebook
Capitán Cavernícola Blues Band se creó en el año 1993 en Avilés por Luis y Pablo Fernández, guitarra y bajo respectivamente, quienes habían formado parte en los ochenta en bandas mod como los Módicos y después los Vengadores;  más el vocalista y armonicista Alejandro Nelson conocido por el sobrenombre de “Chile”.  Sacaron con la discográfica asturiana Norte-Sur Records  un single “Riiiing!!!!” en 1994, y al año siguiente un EP “Un poco de soul” más otro EP en directo titulado “La Cueva Fantástica”. Completaba esta primera formación Gonzalo García (Saxo).  Carlos Menéndez (batería y percusiones), graba el segundo Ep y se hace cargo de la sección rítmica hasta la actualidad. En el año 1996 sacan un disco en formato CD, con el título de “Yo me voy”, con colaboraciones de una extensa lista de músicos de la escena musical avilesina.

Capitán Cavwernícola Blues Band. Fotos de su web y Facebook
Tras un descanso, volvieron a los escenarios a mediados de la primera década de este siglo. Resurgen en 2006 con un Ep llamado “Por la banda”. En este nueva época se añaden al proyecto una sección de metales formada por Rubén Menéndez (Trompeta), Jorge Viejo (Saxos Barítono y Tenor) y Tomás Azpiri (Saxo Tenor).  Su segundo larga duración se titula “La Era de los Metales” en formato CD y Vinilo editado por Gasómetro Records.  También graban el primer videoclip oficial de la banda con el tema “Sigue bailando” realizado por Javier Calzada.    Para la grabación de ese disco cuentan también con Miguel Herrero al piano y producción, Oscar García al saxo alto, Dani Herrero al saxo tenor, Aitor Guerrero a la trompeta, Richard García al órgano, Ismael Frenético y Alex Cash a los coros. Puedes leer nuestra extensa reseña de ese disco aquí.  

Capitán Cavwernícola Blues Band. Fotos de su web y Facebook
En el año 2013 sacan su nuevo disco “Blues Band” editado en 2013 por Gasómetro Records y grabado el mismo año en Acme Records. Contiene cinco canciones con los títulos “Sueño”,  “Salgo por la noche”, “Asi no hay quien viva”, “Child” y  “Caldonia”. Las cuatro primeras son propias y la ultima una versión de Louis Jordan popularizada por infinidad de artistas de blues. Fue grabado por “Chile”,  voz y armónica; Luis Fernández a la guitarra; Pablo Fernández al bajo; Charly a la batería; Rubén Menéndez a la trompeta; Jorge Viejo a los saxos tenor y barítono; Miguel Herrero a los  teclados; y Sara Nea, Chiri Pelaez, Ismael Carnerero y Pablo Fernández a los coros.  También se realizaron un par de videoclips con las canciones:  ”Así no hay quien Viva” y “Salgo por la Noche”, con dirección de Titi Muñoz.

Capitán Cavwernícola Blues Band. Fotos de su web y Facebook
El cd-Ep “A mi manera” lo graban en los estudios Dynamita, Charly a la batería, Pablo Fernández al bajo y coros, Luis Fernández a la guitarra, ukelele y coros, “Chile” a la voz principal y armónica, Rubén Menéndez a la trompeta y Jorge Viejo a los saxos. Colaboran César Blanco al piano, órganos y coros; Carlos Blanco al saxo y coros; Sara Nea a la voz y coros; Chiri Peláez a la guitarra y coros, y Vañi a los coros. Lo ha producido Danny G.  más la banda, y el artwork es de Mariola Bogas con varios dibujos y fotos tratadas con elegancia y sensualidad.      

También se ha producido un videoclip del tema “Soy tu mecánico”  dirigido por Fran Vaquero con la participación de Adriano Prieto en el papel principal del “Mecánico”.  Musicalmente han contado con la colaboración de Patri Sax (saxo alto), Carlos Blanco (saxo tenor), Sara Nea (voz y coros) y Chiri Peláez (coros), y Carlos Martagón (piano). Vaquero es autor también de otros conocidos videoclips de temas de Doctor Explosion, Mc Coyson, o Los Ilegales, entre otros.

Las canciones

Capitán Cavwernícola Blues Band. Fotos de su web y Facebook
El disco empieza con el tema “ A mi manera” donde se vuelca toda su ingente creatividad  mediante unos arreglos de rock and roll en los que todos los instrumentos obtienen una parte destacada, desde el  piano a las guitarras, más la aportación indispensable de metales, pasando por un excelente acompañamiento rítmico. “Sigue siendo tú mismo, nunca intentes del todo cambiar… estás hecho de otra pasta…  sigo luchando, el rock en mis venas, nada me sacia tanto como el rockanrolear!!!” . Una voz principal portentosa, un buen solo de guitarra, filigranas con armónica, y genialidades de soul a cargo de la sección de viento, convierten este tema en un perfecto y espectacular arranque repleto de emoción y diversión a raudales. 

Capitán Cavwernícola Blues Band. Fotos de su web y Facebook
“Sin retrovisor”, como en la scooter de la portada del disco con su elegante motorista, es el título del siguiente corte del álbum. Se inicia con esa fascinante guitarra dialogando con la armónica. “Miro al frente y no te veo… hacia atrás ya está muy lejos, creo que lo conseguí… el coche de mi vida no tiene retrovisor. Quiero mirar al futuro, el pasado ya murió”.  Momentos instrumentales solistas de enorme calidad entre pulsaciones estelares de bajo, riffs oscuros y metales grandiosos completan un tema que finaliza con ese saxo en clave de jazz.

Capitán Cavwernícola Blues Band. Fotos de su web y Facebook
Le sigue “Soy tu mecánico”, adaptación cavernícola del tema del guitarrista asturiano Julio González, más conocido como Julio Gilsanz, para su grupo de los noventa, The Mejores.  Una sensacional combinación lírica y musical para cautivarnos con un motivo real como la vida misma: la historia vital de un mecánico, adornada con esos riffs de antología, entre otras aportaciones sonoras, a cargo de toda la banda, dignas de mención.  Frases con doble sentido del tipo “Hay un ruido en tu motor, veremos lo que pasa, tendré que ajustarte la junta de culata” se combinan con  un solo de hiriente guitarra, metales elevando la tensión, y esa gran voz principal compenentrándose con la armónica y con otra solista femenina no menos genial.  Con “Náufragos” se tornan un tanto más intimistas. A destacar ese inicio de piano, con ritmos de country canalla. “Han pasado muchos años, tanto tiempo olvidado nos ha hecho envejecer… náufragos de amor, a la deriva soñando”. A dos voces desgranan una bonita melodía y entre esos juegos vocales, nos cuentan cómo  “la llama de nuestras vidas ya se está apagando. Quiero que tú seas el refugio de mi vida, la cajita de mi amor”.

Capitán Cavwernícola Blues Band. Fotos de su web y Facebook
Cierra el disco “El blues de Fisherman”, versión  del “Fisherman’s blues” de los Waterboys, canción incluida en su disco del mismo título editado en 1988 por Chrysalis records.  Su brillante adaptación, tanto musical como poética con letra en español,  convierte los aires celtas del famoso tema original, en un canto por la libertad a ritmo de blues en el que destaca esa proverbial armónica acompañada por sensuales oukalele y órgano, más una impecable sección rítmica con gloriosos aportes de metales entre los que destaca un bonito solo de trompeta con sordina.  “Quisiera ser pescador para surcar el mar lejos de tierra firme y poder olvidar. Echar con fuerza el sedal, confiado y con amor, bajo un techo de estrellas, irradiando rock and roll… y en mis brazos, tú…”.  Por último, cabe mencionar unos afinados coros dando un sensacional  aire de góspel con el que engrandecen la emotividad de la canción. 

Reflexión final

Logo
En mi opinión,  la relevancia artística  y emocional del rock and roll no radica en las modas, que vienen y van. Ese algo que lo hace verdaderamente especial, y nos cautiva de por vida, emerge de proyectos que irradian ánimo y entrega, con destreza instrumental, como es el caso  del Capitán Cavernícola Blues Band: un extraordinario combo de blues, R&B, y soul, capaz de hacer lo que más les gusta al margen no solo de tendencias sino también de falsas promesas. Se trata, a mi modo de ver, de un grupo que no ahorra esfuerzos para que su trabajo llegue hasta nosotros con la imprescindible fuerza y pasión que nos cautiva.  Su nuevo disco “A mi manera”, transmite esa ilusión indiscutible que no cesa con los años por el inevitable deterioro de la edad, sino por mera voluntad o cansancio. Desde luego, estos avilesinos no han perdido ni una pizca de ese fuelle innato que les viene identificando desde hace muchos años. Es más, con cada nueva entrega, resurgen con más fuerza que nunca y, de este modo, logran infundir ese imprescindible entusiasmo en todos nosotros, “sin retrovisor” que valga, como “náufragos” en un mar de realidad cotidiana, dispuestos a seguir siendo el refugio de esa actitud generación imperturbable propia de los  auténticos amantes del  mejor rock and roll.

Nota: Puedes escuchar el disco en el bandcamp, o adquitir uno de los Cd's de "A mi manera" escribiendo al facebook o la web del grupo.
Por último te invitamos a disfrutar del videcolip del tema "Soy tu mecánico" dirigido por el cineasta Fran Vaquero 
    



miércoles, 27 de mayo de 2015

Fallece Rocky Frisco, pianista del Tulsa Sound

Don Roscoe Joseph III nació el 26 de julio de 1937 en St. Louis (Missouri) y falleció el 26 de mayo de 2015 en Tulsa (Oklahoma). Célebre pianista más conocido por el sobrenombre de Rocky Frisco y Rocky Curtiis, grabó con su banda  Rocky Curtiss and the Harmony Flames  y tocó durante muchos años en la banda de JJ Cale y es uno de los músicos más destacados del llamado Tulsa Sound.  También acompañó a otros grandes como Bill David, Gus Hardin, Tommy Overstreet y fue piloto de coches compitiendo con su Mini Cooper S "The Luggage".

Frisco se estableció en Tulsa con su familia y acudió a la Central High School donde conoció a JJ Cale (n. 1938 - d.  2013) y se graduó en 1955. Frisco y Cale tocaban juntos en la banda de Gene Crose durante 1957. Al año siguiente, 1958, Frisco se trasladó a Pennsylvania para formar parte de la banda de Clyde Stacy.  Cuando se retiró Stacy en 1959, Frisco se convirtió en el cantante solista de  The Four Flames grabando para Columbia Harmony un álbum en Nueva York titulado “The Big Ten” como Rocky Curtiss and the Harmony Flames.  Frisco cantó para spots comerciales televisivos y radiofónicos.

Rocky debajo rodeado por los Harmony Fames 
A mediados de los sesenta, enfadado con aquellos que habían gestionado sus derechos económicos generados por la música, dejó el mundo de la música y emigró a Ontario (Canadá) donde trabajó para la IBM, MG y Mini Coopers con los que llegó a competir en carreras con el nombre de Don Joseph. Su Mini se llamaba "The Luggage".

En 1972 regresó a Tulsa y volvió a tocar primero en la banda de Don White Band y después con la John D. LeVan Band.  En eso años tocó con Bill David, Gus Hardin, Tommy Overstreet entre otros.

Desde 1994 a 2004 formó parte de la banda de JJ Cale con la que giró por Europa y los Estados Unidos.  Se le puede escuchar en discos como “JJ Cale Live” (2001), “To Tulsa And Back” (2004), y en un tema de “Roll On” (2009).

En los años 2008 y 2009 recibió varios premios a su trayectoria y entró a formar parte del salón de la fama de Oklahoma. En 2012 fue premiado por el festival Bare Bones Film de Oklahoma con la distinción de "Living Legend".

Documentos sonoros: 

Rocky Curtiss and the Harmony Flames interpretando "I told myself a lie" de su disco "Thi Big Ten" de 1959.


En este vídeo en directo podemos ver y oír a Rocky Frisco tocando el piano en la banda del también difunto JJ Cale.


martes, 26 de mayo de 2015

Local Qua4tro amplia con “Síndrome de Stockholm” su banda sonora de canciones perfectas

Portada
El 23 de agosto de 1973 tuvo lugar un atraco en un banco de Estocolmo.  El autor,  en libertad con permiso penitenciario, tomó cuatro rehenes y exigió tres millones de coronas suecas, un vehículo, dos armas,  y que le llevaran a su lado a un amigo de la cárcel. Esto último fue lo único que le fue concedido. Tras seis días de negociaciones, las fuerzas del orden suecas decidieron actuar y cuando comenzaron a gasearles, se rindieron. Durante esos largos días de secuestro, los atracadores se ganaron la simpatía de los  rehenes y cuando fueron juzgaron, las víctimas se negaron  a testificar contra ellos argumentando que tenían más miedo de la intervención policial que de los propios secuestradores.  Fue así como surgió el término de “Síndrome de Estocolmo”, para  catalogar la complicidad emotiva que puede establecerse  entre la víctima y su captor.  Una de las posibles explicaciones psicológicas es que, tanto el rehén como el autor del delito, persiguen un mismo fin: salir ilesos del incidente, y  es por ello que cooperan.  Se habla del síndrome en criminología pero no es habitual que se aplique a las relaciones interpersonales y menos con la belleza poética y musical con la que lo hacen estos magníficos Local Qua4tro en su nuevo e impresionante disco titulado precisamente “Síndrome de Stockholm”, editado por Hurrah Musica a finales de 2014.

Trayectoria 


Locl Qua4tro en la actualidad

Local Qua4tro se forma en el año 2003, entre Madrigal de La Vera (Cáceres) y Madrid, inicialmente por  "Robo", guitarra y voz;  Jesús Ropero, bajo;  Juanma, percusión; y Gonzalo Gonso a la batería. Los dos últimos habían coincidido en formaciones de pop-folk como La banda del Caimán o Bagauda. Meses después entra Jesús como bajista y Jesús Ropero pasa a guitarra solista. Luego se añade Cristina de "Manantial Folk" a los coros. 


Local Qua4tro inicios
Tras unos cuantos conciertos, entre los que destaca la actuación inicial del 4 de Abril de 2004 en "el Molino" de Madrigal de la Vera (Cáceres), en 2006 graban con la colaboración de Cristina Bernal a los coros, su primera maqueta, “Sequía Goleadora”, en los Estudios Acontratiempo de Madrid. En Octubre de 2007 autoeditaron “Cosas del Polo Norte” su segunda maqueta, y en 2008 publican “Hace media hora”, un trabajo producido y masterizado por José María Rosillo (Deluxe, The Sunday Drivers, entre otros) en los estudios Audiomatic de Madrid. Durante la primera mitad del 2009 son seleccionados entre los semifinalistas del Demonova. Aparecen en varios medios de comunicación y se sitúan entre los finalistas del festival Contempopránea. También aparecen con su versión del clásico “Estuve enamorado” de Raphael en el recopilatorio “Pop a Porter 08” que edita Bon Vivant Records.

Foto: Armando Méndez. 2010

En verano de 2009 grabaron en los estudios Audiomatic su trabajo “Recalificación de los terrenos urbanos” con excelente aceptación por parte de público y crítica. En 2010 fueron nominados como mejor grupo Extremeño en los V premios Pop-Eye de la Música y la Creación Independiente que entrega el festival Cáceres Pop Art.  A partir de 2010 inician el proceso  creativo de su siguiente  disco que se titula “La Gravedad de Jupiter” y que edita Audiomatic Records en 2013. Ese álbum fue grabado por  Robo (voz principal y guitarra), Jesús Ropero (guitarra y coros), Gonzalo Gonso (batería), Jesús (bajo), y Juanma (teclados).


Robert Morrissey aka Robo en vivo
Este nuevo trabajo, “Síndrome de Stocklhom” ha sido  editado por Hurrah Musica con la colaboración de Audiomatic . Fue grabado por  Ropero a las guitarras y coros;  Robo, voz y guitarras;  Gonso a la batería;  Chuchi al bajo;  y Juanma más Tortuga Pimienta a los teclados, synth y percusiones. Contaron también con la ayuda en los coros de  Alex Progenitor C y Alberto Copo. 


Local Qua4tro son actualmente Alberto Copo al bajo, Jesús Ropero a la guitarra, Gonso a la batería, y Robo a la voz principal y guitarra, quienes agradecen en los créditos del disco a Juanma y Chuchi los buenos ratos pasados durante los últimos años. La producción corrió a cargo de  José María Rosillo en los estudios de Audiomatic y el diseño geométrico  es de Juanma González de la agencia de comunicación Inquattro con estudio precisamente en Stockholm (Suecia).

Las canciones


Local Qua4tro en cuarteto
El disco empieza con “Hey”, tema de rítmica precisa con determinación funk en el que la banda construye una historia personal sobre el refranero español con genialidades del tipo: “de lo que digan, créete solo la mitad… pero elige bien qué mitad”.  Justo en este momento hace entrada su contagioso estribillo. “No te sientas sola, a mi lado no pasan las horas” nos cuentan mientras la maquinaria instrumental avanza con energía y solvencia contrastada hasta que,  de repente, los cambios climáticos, como cambios de humor,  hacen acto de presencia creando esa posible confusión en las relaciones interpersonales.


Local Qua4tro en uno de sus conciertos (2014)
Le sigue “902”, un tema muy especial, de puro   powerpop con acompañamiento inicial de caja de ritmos que nos lleva a una extraordinaria melodía luminosa con la que nos explican que: “tuve la suerte de conocerte, cuanto más lo iba a necesitar”. Detalles de guitarra eléctrica completan, con exquisito mimo, una canción generosa  pensada “por verte sonreir, por tenerte junto a mí ”. Un tema de amor, de comprensión y agradecimiento a la persona amada, con el que nos llevan en volandas  hacia ese “Estocolmo” que cierra la cara A mediante arreglos de synth pop y una melodía francamente fascinante. “No haré caso a comentarios,  si tu vienes y me abrazas… si sopla el viento a mi favor, prometo no contarles detalles de mi huida, y a todo lo que tú me digas, le prestaré la máxima  atención.  No importará que en la salida, hieran a alguno de los dos”.  Diversos como cariñosos detalles instrumentales de guitarra y teclados adornan esta canción pletórica cuyo tema pone fin a “ese contrato que aceptamos sin leer las condiciones” para finalizar asegurando que “mientras nos quede vida, nos quede tanto amor, no  me iré sin tu compañía…”.

   
Local Qua4tro en directo

Ya en su cara B nos ofrecen la no menos emotiva “Todo ha cambiado”, excepcional composición sonora y lírica con esos punteos tan envolventes, entre redobles de batería, que preceden a la entrada de la sensacional voz principal. “Ya nada ha vuelto a ser igual …. todo el tiempo y los besos que te he dado, dime donde coño están”. Canción reñida con los reproches de cada noche, pensada con el propósito de acabar con las preguntas si no hay respuestas para seguir adelante y ser feliz.  El tema se desenvuelve en una atmósfera seductora,  tan emotiva que despierta los sentidos y conmueve desde el primer al último compás.  Cierra el disco “Cómic” con ese aire de tema festivo,  con defecto de metales sencillos pero precisos sobre los que tejen una melodía efusiva: “La luna baila en el salón… tengo secuestrado al sol, sumiré a todo el universo a una eterna  oscuridad  y así sabrás que se siente al no ver más atardecer y apreciarás el tiempo que yo estuve aquí. Con mi venganza no tendrás más días de playa y volverás a mis brazos en busca de calor”. Repleto de juegos de palabras con las que dan vida a versos de enorme belleza, nos transportan completamente embelesados a  ese final  que crece en la inmensidad, con un deje de psicodelia, en la que varios motivos se entrecruzan para dar vida a una secuencia  apoteósica que culmina en una sucesión de efectos electrónicos que se pierden en la inmensidad del silencio.

Reflexión final

Con Carletti Porta y Antonio Hurrah Musica (drcha)
La canción perfecta es el Santo Grial de la gran mayoría de grupos de pop y mientras unos se empeñan en contentar a  los mass media con la corrección social siguiendo los usos comerciales establecidos, otros  emprenden el camino sin aspavientos, con humildad pero también  con la férrea seguridad de que esa búsqueda empieza  en el interior del artista quien  termina compartiendo  la emoción del viaje con todos nosotros con el propósito de completar ese proceso necesariamente comunicativo. En esa segunda categoría, lamentablemente con menor éxito que el complaciente primer sector, están los Local Qua4tro, una banda que siempre me toca la fibra más sensible con las palabras justas potenciadas por la combinación melódica más la entrega rítmica precisa. Sus canciones son  auténticos himnos vitales destinados a aquellos que son capaces de entender que, si bien en la música puede parecernos que casi todo está inventado, en la pasión, gracias a la imaginación y la sinceridad,  desde luego que no.  Prueba de ello es este nuevo trabajo que han editado con la cada vez más imprescindible Hurrah Musica con un título más apropiado de lo que en principio pueda parecer. Un “Síndrome de Stockholm” que también puede aplicarse a las relaciones emocionales, a ese amor y amistad que nos cautivan y del que a veces decidimos salir con complicidad para que ambos implicados salgamos ilesos de la catástrofe emocional.  Ahí radica la gran aportación poética y musical de un grupo único, ciertamente impresionante, como son los Local Qua4tro, especialistas en conseguir la canción perfecta para que nosotros nos procuremos la banda sonora ideal para nuestras, en ocasiones, complicadas vidas.



Nota: Puedes escuchar las canciones en el spofity.Para adquitir una copia del vinilo o del Cd puedes ponerte en contacto con el facebook de los Local Qua4tro o de la discográfica Hurrah Música.



Videoclip del tema “Estocolmo“ dirigido por Ciro Altabás. Otro ejemplo más de cómo convertir un tema de elevada carga sentimental en una hilarante historia. 



lunes, 25 de mayo de 2015

Conductas musicales de vértigo con impecable reputación artística en el EP5 de los Munlet

Portada
Los Munlet están en uno de sus mejores momentos creativos dentro de su ya larga como fructífera carrera musical. Prueba de ello son unas cuidadas ediciones  discográficas, en formato de mini-cdr, que nos presentan regularmente como este EP5 recién editado este mes de mayo de 2015 con Screaminguy Records. Al igual que en sus anteriores trabajos, su nuevo disco contiene auténticos himnos del mejor pop actual con actitud punk y arreglos electrónicos tremendamente  ingeniosos. Con cada nueva entrega,  se incluyen en su original imaginario un sinfín de espectaculares detalles sonoros protagonizados por guitarras hirientes, entre un uso tecnológico de una lucidez pasmosa, que arropan a una voz principal que culmina el proceso creativo con una personalidad única en el panorama actual.  Para completar tan fantástico trabajo, los Munlet presentan sus ideas musicales y poéticas, con un diseño, sin parangón alguno, al tiempo que nos proponen una traslación videográfica con una sensibilidad a flor de piel. Una vez más, han conseguido robarnos el corazón, poner en máxima alerta nuestros sentidos y electrificar nuestras extremidades para que disfrutemos de su música ya sea en la intimidad, en sus aclamados directos o bailando en las mejores pistas al ritmo contagioso de cinco canciones extraordinarias, cuatro de propias y una versión, más un bonus track en la edición física, que te comentamos a continuación.


Trayectoria 

Anita e Ina
Munlet se forma en 2002, tras la disolución de Uler 600, por Anita Pérez “Lady Fingers” e Ina Saint-Gerons “Herr Professor”, dúo obstinado en recuperar, con enorme criterio, el protagonismo de la electrónica con condimentos punk y rock and roll. Tras publicar tres EPs entre los años 2002 y 2005, sacan en 2007 “Clínica de Ruidos” (Transpop), disco que les coloca de inmediato en los altares electrónicos estatales. El segundo Ep lo graban con la colaboración de Iñaki Larreina al bajo, Carlos Cebrián al sintetizador. En "Clínica de Ruidos" colabora con la guitarra en un tema Arturo Ibáñez.

Un año después, Munlet obtiene una meritoria segunda posición del concurso XX Villa de Bilbao, así como el premio al mejor grupo de Euskal Herria. En 2009 se edita “Pong”(BiBateanDiskak), un mini LP con curiosas, divertidas y originales versiones de grupos como Nuevo Catecismo Católico, Décima Víctima, Derribos Arias o Eskorbuto, más un single para Ghost Highway Recordings con los temas “Perturbadora de Mentes/Turismo Extremo”. Con su siguiente disco titulado “Cañón” (+ info), editado por Gaztelupeko Hotsak (2010), la formación se amplia de forma transitoria a quinteto mediante Oscar Alvarez, batería, voz, (Inserta, Ex Cápsula) Arkaitz Garai, bajo, (Los Brebes) y Sergio Llanos, guitarra, voz (Eureka Hot IV, Ex Atom Rhumba). En 2011, y con Ghost Highway Recording, comparten la quinta entrega de la serie de versiones de los Oblivians con Eureka Hot IV ( + info). Munlet aportan una interpretación excelente de"Memphis creep". Con “Bicefalopedia” (2012) vuelven a su concepción original en formato de dúo. Fue grabado en su estudio llamado “El Cubo” de Mendaro (Guipúzcoa) y publicado en tres formatos, digital, vinilo por Bi Batean Diskak, Ghost Highway Recording y Screaminguy!,y Cd Digipak con la colaboración de Screaminguy! y Rumble Records. Puedes leer una reseña de ese disco en el Magic Pop entrando aquí.


En octubre de 2014 presentaban su Ep4, editado por Screaminguy Records, con descarga digital más una cuidadosa edición, limitada a 50 unidades, en mini-cd realizada también a mano por el propio grupo. Contiene cinco canciones, cuatro originales y una fascinante versión de los Pixies, más sorpresa en la edición física. De ese Ep te informamos con más detalle aquí.  

Su quinto Mini CD ha sido fabricado artesanalmente con una tIrada limitada a 50 unidades. Fue grabado en El Cubo  durante 2014 y 2015. Todas las canciones son de Munlet, excepto “Mala Reputación”  versión del tema de Joan Jett. Contaron con la colaboración de Alex Pis (Ídolos del Extrarradio), quien aporta su voz en la canción “Conductas de Autodestrucción”. El diseño corre a cargo de  The Death Team consiguiendo que un mínimo espacio sea más que suficiente para albergar un artwork sensacional con el juego de imágenes, retratos de sus componentes,  dibujos, un incisivo punteado lumínico y el relieve personalizado , para cada copia, del nombre del dúo.  

Las canciones 

Munlet en 2004 con Larreina y Cebrián
El Ep se abre con “Conductas de Autodestrucción”, un tema de extraordinaria compenetración  melódica, poética y rítmica en el que destacan esos arreglos tan sugerentes de guitarras y electrónica  a cargo de unos Munlet en estado de gracia, con la ayuda inestimable de Alex Pis. Una pieza de orfebrería para la pista de baile con una letra cargada de lucha existencial, “huyendo de la imagen, de la mentira constante”.  Tras la gran voz del mencionado Alex, se añade Anita cantando en el estribillo: “Solos tu y yo … juegos de evasión, torturando la razón… pierdo el control, en paredes de hormigón, vomitando amor, conductas de autodestrucción“.  Un pasaje meramente instrumental antecede  a la iluminadora sentencia final: “A veces pienso  que el futuro no existe pero el dolor nos cobija”. 

Foto: Roberpunk. Años 2008

Le sigue “Mala Reputación”,  una versión del tema de 1980 “Bad Reputation” de Joan Jett que se incluyó en la edición de ese año de su primer disco en solitario con título homónimo para Blackheart Records y que, al año siguiente, se convirtió en el título principal del mismo disco editado por The Boardwalk Entertainment Co.  La excelente versión de los Munlet aporta efectos electrónicos al tiempo que  incide en el mensaje de autodeterminación personal: “no me importa una mierda mi mala reputación, nunca dije que mejoraría mi situación y ya sé que nunca seré como quieren los demás”.   Electropunk fascinante con el que logran deslumbrarnos incluso con versiones tratadas de este modo tan contundente.    

Foto: Ezlekuak. 2009


A continuación nos ofrecen “Ausencia”, canción que tiene un inicio juguetón de efectos con halo de inocencia tras los  que aparece la voz sensual  de Anita acompañada magistralmente por un cúmulo de ritmos y acordes, más efectos, de pop oscuro. De este modo, nos envuelven con un manto agridulce de reflexiones amorosas “navegando por mares de espuma, es tu llanto mi canción de cuna, tu sonrisa mis ganas de amar…. Y no, no puedo estar sin ti”. Llegamos así al flamante estribillo “buscándote, y no estás, y cada día viene y va”. La música se expande como “esos rayos de sol en potencia”. Una maravilla de canción que despierta los sentidos, con una parte instrumental muy cautivadora de teclado, contribuyendo  a engrandecer tanta belleza exquisita.      

Foto: J.A. Areta. 2012

Con “Sangrante” recuperamos a los Munlet más penetrantes y enigmáticos.  Un tema que destaca por su concepción tenebrosa inicial que crece, compás a compás, con ritmo marcado y recursos tecnológicos poderosos.  Catarsis sangrante que nos lleva a “Vértigo”, último tema del Cd en el que nos deslumbran con ese tratamiento rítmico tan punzante y directo al estómago, con riffs seccionando como machetes, creando un sorprendente mundo de after punk a dos voces dialogando entre “mensajes troceados y fotogramas que parpadean”. Cubriendo la noche de luz, nos arrastran a esa reiterada “tu cruz” con sorpresa auditiva final. Jugando con varios efectos sonoros, la versión física incluye un bonus track titulado “Seres Ambiguos”  en el que los”cataplasmas de ojos abiertos… como antorchas encendidas provocando la agonía, extremidades sin latido… clavos, tornillos, pinceles finos, todo vale en este mundo cochino… somos seres ambiguos”. Un final apoteósico  en el que la melodía y los múltiples recursos sonoros se aúnan para provocar una proliferación de sensaciones  tangentes  con aurea lisérgica.  


Reflexión final 

Foto: Les deux pieds dans la fosse. 2014.

Ante tamaña amalgama de sonoridades y contenidos originales, con los que logran perfilar de forma impecable su trabajo artístico multidisciplinar, podemos afirmar sin miedo a pecar de exagerados que el proyecto musical de los Munlet es uno de los más completos que existe en nuestra escena estatal.  Para aquellos  que vivieron el auge de la electrónica en el pop de los ochenta, hallarán en este dúo no solo a uno de los herederos más avanzados y creativos sino también a uno de los exponentes más  originales y destacados de la escena internacional aportando su propio imaginario, repleto de sorpresas, en el que cualquier componente, por pequeño que sea, puede convertirse en pieza indispensable para entender el concepto genérico de cada una de sus canciones.   Con la voz extraordinaria de Anita, apoyada en esta ocasión por un invitado de excepción, Alex Pis, más  la capacidad expansiva de Ina capaz de diseñar arreglos instrumentales de lujo, los Munlet  han vuelto a entusiasmarnos con sus siempre creativas conductas musicales de vértigo que ponen de manifiesto su impecable reputación artística.


Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp, menos el impescindible bonus track tan solo disponible en la edición limitada de 50 copias.   

Te invitamos a veer el videoclip que ellos mismos han grabado con un de sus temas, "Ausencia", incluido en este EP5.  


Nos deja el trompetista Marcus Belgrave

Marcus Belgrave
Marcus Belgrave nació el 12 de junio de 1936 en Chester, Pennsylvania, y falleció el 24 de mayo de 2015 en Ann Arbor, Michigan. Trompetista de soul y jazz se estableció en Detroit en 1962 donde formó parte del elenco de músicos de sesión de la Motown Records. Tocó con grandes como Ray Charles, Aretha Franklin, Dizzy Gillespie, Joe Cocker, entre muchos otros, grabando numerosos discos y realizando una labor educacional no menos importante. 

Como músico de sesión de la Motown grabó canciones como "My  Girl" de los Temptations (1964) y "Dancing in the Street" a cargo de Martha and The Vandellas (1964). Belgrave desarrolló su trayectoria musical en Detroit y estuvo presente en la escena internacional del jazz hasta su muerte. Empezó a tocar profesionalmente a los 12 años y se unió a la banda de Ray Charles a finales de los cincuenta. Se le puede oír en los discos "Ray Charles at Newport" (1959). En 1962 tocó en el disco "Pre-bird" de Charlie Mingus; en 1962 en el álbum de Dave Newman "Fathead Comes On"; en 1966, con Hank Crawford en el disco "Dig These Blues" o en 1972 en el disco de Wendell Harrison "An Evening With The Devil".


Marcus Belgrave
A su nombre, en 1962 grabó un disco de bop con Roland Alexander al tenor acompañados por Gene Taylor al bajo, Clarence "Scoby" Stroman a la batería, y Ronnie Mathews al piano. En 1974 grabó un disco de soul jazz con el título de "Gemini II" acompañado por Lorenzo Brown, Billy Turner y Roy Brooks a la percusión; Ed Pickens al bajo; Harold McKinney al piano, Daryl Dybka al sintetizador, Wendell Harrison al saxo, y Phillip Ranelin al trombón. En 1987 sacaría con el Kirk Lightsey Quintet el disco "Kirk 'N Marcus", con Santi Debriano al bajo, Eddie Gladden a la baterista, Kirk Lightsey al piano, y Jean Toussaint al tenor.


Marcus Belgrave
Marcus Belgrave se convirtió en miembro de la Lincoln Center Jazz Orchestra en 1988, a petición de Wynton Marsalis. Durante su Carrera colaboró con Gunther Schuller, Carl Craig, Max Roach, Ella Fitzgerald, Tony Bennett, Sammy Davis Jr., Dizzy Gillespie, John Sinclair, Joe Cocker, Aretha Franklin, entre muchos otros. Fue conocido también por su faceta de profesor de trompeta y jazz en escuelas del área de Detroit, Michigan, la Universidad Estatal, la Universidad de Stanford, la Universidad de California y la Universidad de Oberlin. 

Documentos sonoros: 


Como músico de sesión de la Motown, Belgave grabó canciones como "My Girl" de los Temptations (1964)



"I got a woman" interpretada por Ray Charles en directo en Newport en 1959 y una sección de viento con Belgrave a la trompeta.
 


Marcus Belgrave y su disco "Gemini II" de 1974


 

domingo, 24 de mayo de 2015

Muere el baterista Mac Poole de los Warhorse, entre múltiples proyectos

Mac Poole
Malcolm “Mac” Poole falleció el 21 de mayo de 2015 a los 70 años a consecuencia del cáncer de garganta que padecía. Baterista británico fue al primero que le ofreció su amigo Robert Plant  hacerse cargo de la percusión en el nuevo grupo que estaba montando con Jimmy Page. Mac lo rechazó porque por entonces tenía otra banda llamada, la Marsha Hunt Band que se convirtió en los Warhorse. Mac también tocó con los Gong y los Magill, entre numerosas formaciones.  

Poole empezó en The Incas formada en Wolverhampton a mediados de lso sesenta con Arthur Ray (guitarra y vioz),  Derri Ryan (voz) y Doug Walker (bajo), y después tocó o con los Youngblood en 1968 reemplazando a Cozy Powell. Cuando su amigo Robert Plant estaba  formado una nueva banda que se llamaría The New Yardbirds (futuros Led Zeppelin)  con Robert Plant le ofreció el puesto de baterista pero el rechazó la oferta porque estaba ya en otro proyecto llamado Warhorse.  

Warhorse fue una de hard rock fundada en 1969 por Nick Simper, el primer bajista de los  Purple a los que dejó ese año y se sumó a  la banda que acompañaba a la cantante Marsha Hunt. La renovó por completo con Ged Peck a la guitarra y Mac Poole a la batería.  Al quedar embarazada Hunt, la banda cesó su actividad y Simper más Peck reorganizaron el grupo llamándole Warhorse. Ashley Holt se ocupó de la voz principal y se les añadió el teclista Rick Wakeman, quien más tarde crearía los Yes. Wakeman les dejó cuando tan solo habñian grabado una demo en abril de 1970 y fue substituido por Frank Wilson.

Warhorse firmaron con la discográfica Vertigo con la que secaron su primer disco  de título homónimo en noviembre de 1970.  Estuvieron de gira y sacaron un single con el tema "St. Louis". En 1971, Peck dejó la banda pasándose a la guitarra clásica y le substituyó Pete Parks. Ya en junio de 1972 sacan el disco “Red Sea” tras el que rescinden el contrato con Vértigo.  Poole también abandona el grupo para entrar en los Gong y fue substituido por Barney James.  
Wakeman colaboraría con Holt y  James en su disco “Journey to the Centre of the Earth”. Warhorse dio su último concierto en 1974 en Polhill College, Bedford.  Los integrantes originales se reunieron en varias ocasiones durante los años en 1985 y en 2005 para celebrar el  60º cumpleaños de Mac Poole.

Con los Gong, Coole tocó con Daevid Allen (voz, guitarra); Gilli Smyth (voz); Christian Tritch (bajo); Didier Malherbe (saxo, flauta). También formó parte de la Dangerfield Band formada por Tony Dangerfield (voz); Paul Green (guitarra); Gavin Barnett (bajo); Harvey Ellison (saxo); Mac Poole (drums); y de los Hungry Heart con Dave Walker (voz); Danny Kirwan (guitarra); Andy Sylvester (bajo); Paul Raymond (teclados), entre otras formaciones  como los Magill liderada por  Huw Lloyd Langton de los Hawkwind.   

The Honeycombs
Por otra parte tocó la batería durante los setenta con los Chicken Shack y los Borken Glass con los que grabó un disco acompañado por Stan Webb,  Robbie Blunt,  Miller Anderson, y Tony Ashton, así como los Nightlife,  Oval Exiles,  o Nick Simper's Fandango.   Ya en los ochenta estuvo con los miembros de la ELO, Kelly Groucutt y Mik Kaminski, en la Orkestra, y formó parte de la banda The Savages de Sreaming Lord Sutch. Ya en los noventa formó parte de la Paul Lucas band con  Mick Wayne (guitarra) quien falleció en junio de 1994, en Michigan. En 1996, Mac formaría Rockin' Horse y con el Nuevo milenio formó parte de la reencarnación de los Honeycombs con Colin Fox al bajo; Tony Harte, voz y guitarra; y Paul Green, guitarra y voces.  

Documentos sonoros: 

Warhorse en 1971 en directo con Mac Poole a la batería. 

sábado, 23 de mayo de 2015

Fallece Twinkle, cantante de pop

Lynn Annette Ripley más conocida con el sobrenombre de “Twinkle” nació el 15 de julio de  1948 en Surbiton, Surrey, Inglaterra y falleció el 21 de mayo de 2015. Su canción más conocida se titula “Terry” en la que cuenta la tragedia de una chica que pierde a su novio en un accidente de tráfico.  Grabó pocos singles pero en sus temas propios siempre destacó por tratar temas muy poco habituales en las canciones beat de la época y, de hecho, fue censurada por la BBC.  Tuvo otros éxitos como la canción “Golden Lights”, versionada por los Smiths en los ochenta. Tras grabar seis singles,  se retiró de la música, a los 18 años, en 1966 aunque volvería en sucesivas ocasiones hasta la década de los ochenta.   

Hija de una familia acomodada, en casa le pusieron el apodo de “Twinkle”.  Su novio por entonces era Dec Cluskey, componente del grupo The Bachelors.  Con 16 años firmó un contrato con Decca con el mánager Phil Solomon y grabó su primer tema y mayor éxito. “Terry” estaba producida por Tommy Scott con arreglos de Phil Coulter.  Entre los músicos de  acompañamiento estaban Big Jim Sullivan y Jimmy Page.  Twinkle se convirtió en esa época, 1965, en la novia de Peter Noone de los Herman's Hermits. Le respaldaba un grupo llamado The Gonks  con los que grabó otros temas como “Golden Lights", con una letra en la que explicaba lo desencantada que estaba con el negocio musical, "Tommy" (una canción escrita para Reparata y los Delrons), "Poor old Johnny", "The end of the world" de Skeeter Davies, y "What am I doing here with you?".  Se retiró en 1966, con 18 años, tras grabar seis singles.  

En 1969 volvió a los estudios con Andrew L. Oldham en su sello Immediate donde editó el single "Micky", al estilo Motown, respaldada por "Darby and Joan", producido por Mike D'Abo de los Manfred Mann. Grabó temas para publicidad y canciones que permanecieron inéditas hasta que se incluyeron en posteriores recopilatorios, sobre su relación con  "Micky",  sobrenombre del actor y modelo Michael Hannah, quien falleció en un accidente aéreo en 1974. Sus Grabaciones siguientes aparecieron con el nombre de Twinkle Ripley y grabó un single con el tema "Smoochie" en 1975 con su padre Sidney Ripley con el nombre de Bill & Coo.[ También sacaría una versión de los Monkees, del tema "I'm a believer".  En 1982 salió un single con el tema “I’m believer” de Neil Diamond y en la cara B un tema suyo llamado “For sale” compuesto con Simon Darlow quien se encargó de la producción.


A mediados de los ochenta, los Smiths versionaron su “Golfden Lights”. Algunas de sus fotos publicitarias realizadas por David  Wedgbury están expuestas en la National Portrait Gallery de Londres. 

Documentos sonoros: 

Twinkle intepreta en directo su tema estrella de 1964, "Terry". 


"Gofden Lights", otro de los temas estrellas de Twinkle, de 1965.  




Muere el bajista Louis Johnson, de los Brothers Johnson y músico de estudio

Louis Johnson 
Louis Johnson nació el 13 abril de 1955 en los Ángeles (California)  y falleció el 21 de mayo de 2015. Fue un prestigioso bajista de R&B, soul y funk, que grabó numerosos discos de éxito en la dècada de los setenta y ochenta.  Ta,bién formó parte del grupo The Brothers Johnson. Entre sus más destacades sesones, está el haber grabado el álbum más vendido de todos los tiempos, “Thriller” de Michael Jackson. Tambien grabó con Aretha Franklin, George Benson, Stevie Wonder, Ray Charles, Herbie Hancock, Lee Ritenour, Donna Summer, Paul McCartney, The Carpenters, Chaka Khan, Björk o George Duke, Earl Klugh, Quincy Jones, entre muchos otros.

Louis Johnson 
Apodado “Thunder-Thumbs” (pulgares de trueno) está considerado como un de los pioneros en el slap bass en el bajo eléctrico conjuntamente con Larry Graham. Johnson tocó su bajo en numerosos discos de Michael Jackson como “Off the Wall”,  el mencionado “Thriller” y “Dangerous”  en hits como "Billie Jean" y "Don't Stop 'Til You Get Enough".  También tocó con George Benson  en “Give Me the Night” y fue uno de los tres bajistas  que grabaron con Herb Alpert el disco de 1979 “Rise”. Sus interpretacions destacant en discos de Stanley Clarke en el álbum “Time Exposure” , con Grover Washington, Jr., “Hydra”; George Duke, “Guardian of the Light” y “Thief in the Night”;  Jeffrey Osborne, “Jeffrey Osborne” y “Stay with Me Tonight”.  Su linea de bajo para el disco de Michael McDonald "I Keep Forgettin' (Every Time You're Near)"  ha sido sampleada en docenas de canciones de rap.  Un excelente ejemplo de su depurada técnica con el pulgar se puede apreciar en el canción de  Earl Klugh llamada "Kiko".  Fue su bajista en 1976 grabando el disco “Living Inside Your Love” así como el disco de 1977 “Finger Paintings”, entre otros discos destacados como  “Mellow Madness” de Quincy Jones en 1975.

The Brothers Johnson 
Con su hermano y guitarrista George aka 'Lightnin' Licks' formó en 1975 el combo de R&B y funk, The Brothers Johnson consiguiendo tres grandes éxitos con las canciones "I'll Be Good to You", "Strawberry Letter 23", y "Stomp!".  El resto de la banda era un hermano mayor llamado Tommy y un primo de nombre Alex Weir.  Empezaron respaldando a Bobby Womack y a las Supremes.  Después, George y Louis se unieron a la banda de Billy Preston.  Quincy Jones les contrató para tocar en su  “Mellow Madness”. Jones les produciría su primer disco  “Look Out For #1” (1976) al que siguieron “Right on Time” (1977); “Blam” (1978); “Light up the Night” (1980); “Winners” (1981), “Blast” (1982) año en que se separaron para seguir proyectos diferentes. Volverían en 1984 con más discos como “Out of Control”, “Kickin” (1988); “Funkadelia” (1994); “Brothers in Love” (1996); “Stomp!” (2001) y “Strawberry Letter 23: Live” (2004). 

Louis Johnson grabó un disco de góspel en 1981 con una banda llamada Passage.  Realizó varias grabaciones de estudio antes referidas y se retiró para vivir una vida familiar. En 1988 le convencieron para que volviera a los estudios. También se dedicó a la enseñanza.  Su hermano George sacó un single en 1985 con el sello de Jones, y el título "Back Against The Wall" y tocó la guitarra en el disco de Steve Arrington, “Dancing in the Key of Life”.

Documentos sonoros: 

Louis Johnson dando una lección magistral de slap bass 


Su linea de bajo para el disco de Michael McDonald "I Keep Forgettin' (Every Time You're Near)" ha sido sampleada en docenas de canciones de rap. 


"Stomp", uno de los éxitos de los Brothers Johnson.