miércoles, 30 de septiembre de 2015

Charm Bag reafirman su irrebatible propuesta de dúo en “An Andalusian Dog” (Dead Beat Records)

Portada
Mientras los reformados Smoggers ultiman los detalles del que será su segundo Lp, con  nueva discográfica, nada más ni nada menos que la alemana Soundflat records,  vale la pena recordar que dos de sus componentes,  Fernando y Ana,  con su proyecto en formato de dúo llamado Charm Bag, también sacaban este año en curso, 2015, dos nuevos trabajos con discográficas ubicadas fuera de nuestras fronteras. Como bien sabes, los franceses Kizmiaz Records se encargaron de licenciar el debut  de su nuevo proyecto  con el título de  “Voodoo Rock’n’Roll”  al que siguió otro álbum publicado por los norteamericanos  Dead Beat Records con el nombre genérico de "An Andalusian Dog".  Del primero de esos trabajos ya te hablamos en este blog, así que ahora  nos centraremos en ese segundo álbum  en el que se concentran otras tantas excelencias más que destacar no solo desde la perspectiva de su, cada vez más, nutrido club de fans sino también con la previsión que cautiven a muchos más seguidores, incluidos aquellos a los que se les van acabando las razones para no reverenciar a este sensacional par de músicos tan prolíficos, imaginativos y generosos  hasta lo indecible.   

Trayectoria

Ana y Fernando 
Charm Bag, nombre de una canción de los Gories, es un dúo de rock and roll formado, como bien sabes, entre Sevilla y Málaga, por Fernando Jiménez, voz, guitarra y armónica, más Ana González, voz, batería y maracas, ambos componentes de la banda sevillana de “garage punk”, The Smoggers (+ info). Empezaban este fantástico proyecto en 2014 y ha sido tal la repercusión conseguida, que ya han editado el disco “Voodoo Rock’n’Roll”  con el mencionado sello francés de Nantes llamado Kizmiaz Records (+ info) y otro con el título genérico de "An Andalusian Dog" con Dead Beat Records de Cleveland.  Por otra parte, recordaremos que los Charm Bag, más los Gravemen, han sacado recientemente un split con dos temas por banda editado por H-Records.  Los primeros aportan los temas propios, no incluidos en sus dos mencionados discos, “We Are Charm Bag” más “1-2-3-4 Diddley One More Time”. De los Thee Gravemen se incluyen las canciones originales “It wasn’t Me” más “Graveyard Express”.  El single con edición limitada a 300 unidades tiene dos portadas diferentes. Una con colores vivos y otra simulando ser una caja de puros.  Fue presentado en la última edición hasta el momento del Munster Raving Loony Party en 2015 (+ info) donde Fernando también presentó otro disco grabado para H-Records con el guitarrista Leadfoot Tea de los Branded y Gravemen con el título de "Long Gone With".

Las canciones de los Charm Bag fueron grabadas, producidas,  y masterizadas por Maxi Holler en el Hollers Analog Studios, de Málaga, en 2014, en analógico y mono.  Por lo que respecta a los temas de “An andalusian dog”, que te comentamos a continuación, todos son de Charm Bag excepto “Let’s go to the beach” (1966) de Larry & the Loafers.

El diseño de este segundo  disco es, de nuevo, como en el primero , obra del dibujante Christophe Lopez Huici.  En la portada aparecen nuestros protagonistas caminando tranquilamente por un callejón oscuro, entre un gato negro y un vagabundo cubriéndose con un  periódico en que se destaca la leyenda “Je suis Charlie”. De su sombra surge la silueta de ese “perro andaluz” con actitud fiera que les protege frente a algunos peligros de la noche.   Cabe destacar también que el disco en vinilo es un 12” a 45 rpm y que la discográfica dispone de una edición en vinilo blanco.  

Las canciones

Los Charm Bag en Portugal, septiembre 2015
El disco empieza con “Swamp Beat”, un tema de arrolladora textura “garajera” con riffs penetrantes, acompañados por golpes de percusión certera. Un colchón armónico de espinas y clavos, dispuestos con gusto y talante profesional, sobre el que la voz desgarradora  de su cantante combina protagonismo con solos hirientes de guitarra. El resultado se entiende bajo un áurea de rock and roll pantanoso con melodía desbordante que finaliza el recorrido con un pase de oscura armónica final.   Le sigue el tema estrella de este disco, un “An Andalusian Dog” pletórico; una maravilla de canción en la que confluyen esos aires aflamencados con el rock and roll más salvaje con el propósito de dar un sentido homenaje al imaginario patrio nada disciplinado, entendido  desde la perspectiva  de los grandes creadores críticos con nuestra realidad histórica.  A destacar ese solo de fuzz tan fiero  y la perseverancia, no menos  contundente, del acompañamiento rítmico dando cobertura a la alocada intervención vocal. Después, disfrutamos de lo lindo con “Voodoo Fun”, otra maravilla de corte sonoro con arranque de batería más acordes impregnados de “Tequila” que perseveran en ese  contenido latino que emergía en la andanada musical anterior. El movimiento desquiciado de guitarra, batería más voz, entre descargas de distorsión muy bien calculadas, nos lleva al último tema de esta cara. “Evel Advice” , que así se titula el cierre de la primera parte del disco, cuenta con un  prefacio a cargo del ruido de una moto de gran cilindrada  que abre al arrancar un tempo de duro rock and roll,  cantado a dos voces, envueltas en detalles de aguerrido rockabilly al más puro estilo Cramps. Una auténtica delicia que cuenta con otros disparos lisérgicos de guitarra cuyo sonido parece emerger del mismísimo infierno.
  
Los Charm Bag en el Burger Fest (Málaga. febrero 2015) 
La cara B se inicia con “Allright!”, canción de riffs tajantes  a modo de una sierra afiladísima de riguroso corte que desprende una ingente cantidad de chispas de genialidad innata con las que logran encender  un fuego creativo fascinante.  Con esa facilidad para dar vida a  momentos espasmódicos de auténtico placer,  nos conducen hipnotizados hacia ese  “Let's go to the beach” . En este caso, el dúo nos traslada una playa imaginaria en la que versionan este tema envolviéndolo  de una aurea de primitivismo que recalifica el original convirtiendo el paseo marítimo en un cementerio de zombies bajo un sol abrasador. 

Acaba el álbum con “Dancing in your grave”, otra maravilla auditiva para regocijo de criaturas salvajes adeptas a los sonidos pantanosos, las películas de serie B, y los recopilatorios de “garage punk”.  Excelente combinación rítmica trenzada con una guitarra  que te atrapa desde el primer compás más una batería que retumba por todo el cuerpo.  Juntos crean una base musical, de enorme solvencia, para permitir que la voz principal se luzca acompañada por los efectos guturales de la no menos tremenda percusionista.  

Reflexión final

Charm Bag
Seguir la pista de los Charm Bag, incluido por supuesto su proyecto en formato ahora de cuarteto llamado Smoggers, implica tomar el pulso a la actual escena “garage” a nivel internacional para cerciorarnos del  inmejorable estado de imaginación y profesionalidad que se encuentra a nuestro alcance.  Con una enorme potestad creativa altamente prolífica, mediante esa evidente destreza para recuperar referencias con el propósito de procurarse un imaginario propio, más el poder de convicción que nos llega con su puesta en escena, esta pareja formada por Fernando y Ana están ya, sin tapujos que valgan,  en lo más alto del candelero internacional. Prueba de ello es que no una, sino cuatro discográficas (Chickpea, Kizmiaz, Dead Beat y Soundflat) allende nuestras fronteras han editado sus trabajos discográficos. Se trata, sin lugar a dudas,  de una cuestión de evidente prestigio que, estoy convencido, no comportará en absoluto que se olviden de aquellos sellos patrios que, con tan buen criterio, apostaron en sus inicios por su música. Los Charm Bag tienen vida propia aunque sus protagonistas necesiten a los Smoggers para completar su amplio espectro sonoro.  Aunque nos encandilen con creces mediante sus hazañas en grupo, su propuesta en dúo resulta igualmente imprescindible para formar parte de la mejor banda sonora del oscuro y siniestro más allá, siempre  al margen, al menos, de  la mediocridad reinante en nuestra realidad cotidiana del más acá. 

Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp o solicitar una copia de los discos en el su facebook.

A continuación, te invitamos a visionar el video realizado por Tomás Cowabunga con el tema de “An andalusian Dog”.





Muere el saxofonista de jazz, Philip Woods

Philip Woods
Philip Wells Woods  nació en Springfield,  Massachusetts, el  2 de noviembre de 1931 y falleció  en Stroudsbourg, Pensylvania, el 29 de setiembre de 2015 a causa del  enfisema pulmonar que padecía. Saxofonista alto y clarinetista, fue uno de los instrumentistas más destacados del movimiento bebop, considerado heredero del gran Charlie Parker aunque con un estilo propio con el que grabó discos propios y colaboró con otros grandes del jazz y el pop.  

Philip Woods
Woods estudió con Lennie Tristano en la Manhattan School of Music y en The Juilliard School.  Con Joe Lopes aprendió a tocar el clarinete ya que, en esa época, no se impartía saxo en la Juilliard. Por su estilo, le apodaron como el  “New Bird”, aunque nunca copió a Charlie Parker. Ese apodo ha sido muy recurrente en otros saxofonistas como Sonny Stitt o Cannonball Adderley.  Empezó grabando a mediados de los cincuenta discos para Prestige como “Pot Pie” (1954);  “Woodlore” (1955); “Pairing Off” (1956), “The Young Bloods” con Donald Byrd (1956), “Four Altos” (1957) con Gene Quill, Hal Stein, y Sahib Shihab, más “Phil and Quill” (1958) con  Gene Quill.  Siguió sacando más ñalbumes para otras discográficas como Status, Candid, Impulse!, Verve, Muse…

Se trasladó a Francia en el año 1968 donde tocó en  The European Rhythm Machine, un grupo de vanguardia jazzística. Volvió a los Estados Unidos en 1972 donde intentó crear un grupo eminentemente electrónico y un quinteto que perduró hasta 2004. En  1979 grabó “More Live”, en el Armadillo World Headquarters de Austin, Texas. Se trata de uno de sus mejores trabajos.  Como acompañante en proyectos de pop destaca por su intervención al saxo en el tema de  Billy Joel  “Just the Way You Are” o con Steely Dan  en su “Doctor Wu”, de su disco de 1975 “Katy Lied”. Ese mismo año tocó con Paul Simon en “Have a Good Time”. Como clarinetista también destacó con solos como el de “Misirlou” del disco Into The Woods (1996).

Philip Woods
Phil Woods se casó con Chan Parker, la viuda de Charlie Parker.  Con Rick Chamberlain y Ed Joubert fundó la organización Celebration of the Arts (COTA) en 1978 para el fomento del jazz, que cada año organiza  la Delaware Water Gap.  Woods ha actuado en alguna que otra ocasión en nuestro país como el concierto en la Nova Jazz Cava en Terrassa en 2004 acompañado de uno de los contrabajistas más importantes de Europa, Niels-Henning Ørsted Pedersen, conocido como NHØP y fallecido en 2005.   El 4 de septiembre de  2015, Woods hizo un concierto de tributo a "Charlie Parker with Strings" en el  Manchester Craftsman's Guild, y al final anunció su retirada del mundo del espectáculo. 

En 2007 recibió el premio  "Jazz Master" otorgado por el National Endowment of the Arts, y atesora cuatro premios Grammy  de los siete por los que fue nominado desde 1975 a 1983.  En 2011 colaboró con la joven saxofonista Grace "Kelly" Chung.  

Documentos sonoros: 

Aquí podemos ver tocar el saxo alto al gran Phil Woods en 1959. 


 Phil Woods en el año 1969 en directo en París.


Phil Woods con 79 años tocando con la Barcelona Jazz Orquestra en 2010  en un homenaje a Benny Carter.


martes, 29 de septiembre de 2015

Fallece el cantante de rock and roll, Frankie Ford

Francis Guzzo más conocido como Frankie Ford nació el 4 de agosto de  1939 en  Gretna, Luisiana, y falleció el 28 de septiembre de 2015. Cantante de rock and roll y R&B, es conocido por el éxito de 1959 “Sea Cruise” del que llegó a vender en toda su trayectoria más de 30 millones de copias. Un tema que ya había grabado Huey Piano Smith pero al que alguien de la discográfica Ace decidió quitar su voz y en su lugar poner la de Frankie Ford más algunos efectos marítimos.       

Algunas fuentes aseguran que Frankie nació en un barco que navegaba por el río Mississippi. Su primera actuación importante fue en el “Tacked Mack’s Amateur Hour Talent Show” en el que también actuaron Carmen Miranda y Sophie Tucker.  Tras ganar una beca para estudiar en el South Eastern College, de Hammond, formó una banda con compañeros de colegio.   

En 1958 cantaba con los Syncopators, cuando se le convocó para una audición con Ace Records.  La compañía ya tenía grabada una toma de ‘Sea cruise’ a cargo de Huey ‘Piano’ Smith con el grupo The Clowns. Pero a alguien se le ocurrió quitar la voz de Smith y sustituirla por la de Ford manteniendo todo el acompañamiento musical con algunos efectos.   El caso es que triunfó y vendió más de un millón de copias colándose en el Top 20 nacional. Ese mismo año 1959 sacó otros temas como "Alimony".  Ya en 1960 grabó varios singles como "Chinatown" / "What's Going On"; "Time After Time", "You Talk Too Much", y en 1961, "Seventeen".  Antes en 1958,  como Morgus And The Ghouls, Ford y los Clowns grabaron “Morgus The Magnificent”,  un homenaje a un personaje de la televisión.  En la cara B de ese single está un dúo con  el guitarrista Mac Rebennac interpretando el tema “Lonely Boy”.  También grabó un homenaje a Fats Domino con un tema no editado escrito con Dave Bartholomew.

Frankie Ford 
Ford dejó Ace en 1960 y creó Spinet Records, y firmó con Liberty Records en 1960, pero nunca más volvió a repetir el éxito de ‘Sea Cruise’.  También formó parte de un supergrupo con Huey Smith, Robert Parker (cantante de ‘Barefootin’’) y Dr. John (con varios pseudónimos por problemas de contratos), con los que grabó varios temas favoritos de New Orleans.  


Durante los setenta siguió grabando con pequeñas discográficas y en 1971 abrió un club en el barrio francés de Nueva Orleans  donde se convirtió en una atracción para los turistas.  En 1978 apareció en la película “American Hot Wax” ambientada en los cincuenta dirigida por Floyd Muturx y escrita por John kaye basándose en la vida del disckjockey pionero,  Alan Freed, En 1985 hizo una gira por Inglaterra con Bo Diddley, Rick Nelson, y Bobby Vee.  Conocido con el sobrenombre de "New Orleans Dynamo",  estuvo actuando hasta muy recientemente y el 16 de mayo de 2010 entró a formar parte del  Louisiana Music Hall of Fame. 

Documentos sonoros: 

Pues aquí está el famoso éxito que tuvo Frankie Ford con "Sea Cruise" en 1959. 

“Sounds from the Vulcano”, memorable trabajo de presentación de Sir J and The Kinkylab All Stars

Portada
En un mundo, ya de por si apasionante, como es el de la música jamaicana, no por ello deja de ser sorprendente que surjan proyectos, casi inimaginables, que expanden el criterio musical caribeño hasta límites insospechados.  Los amantes de los ritmos sincopados tienen muchas posibilidades, reales y tangibles, para extasiarse con una escena tan prolífica como la barcelonesa; por eso anonada en sobremanera que  aparezcan  proyectos paralelos de enorme belleza y dominio instrumental  como el protagonizado por un grupo de grandes músicos, integrantes de sensacionales combos  como  The Kinky Coo Coo´s, The Oldians, Soweto, Flight 404, The Diatones, entre otros.  Cinco músicos, auténticos maestros del género, que han decidido aunar sus excelencias artísticas  para dar vida a una banda instrumental llamada Sir J and The Kinkylab All Stars con la que han editado un primer disco ciertamente impecable.  Canciones propias, más un par de versiones  espectaculares,  que nacieron, en un principio, de la enorme creatividad de Javier García aka Sir. J. quién ahora afronta el futuro de este proyecto personal arropado por una banda que toma el nombre de su estudio.  Juntos tienen previsto grabar a partir de noviembre  un nuevo Ep pero,  de momento, centrémonos en esta preciosidad de álbum que, con el título genérico de “Sounds from the Vulcano”,  fue editado en 2014 por los norteamericanos Jump Up Records  y por los castellonenses Jamaican Memories.  

Trayectoria

Foto promocional de su facebook
The Kinkylab All Stars es un ensemble de grandes maestros de la escena Jamaicana de Barcelona, amantes de la música negra y militantes en bandas de enorme prestigio como The Kinky Coo Coo´s, The Oldians, Soweto, Flight 404, The Diatones.....  El quinteto está formado por Alejo Peloche (bateria), Fran Palmero (bajo), Marcel Russiñol (guitarra), Daniel Lampérez (Hammond/piano) y Javier García "Sir J" (guitarra y producción musical). Juntos dan vida a un repertorio original que se mueve, con extraordinaria profesionalidad, por los referentes del rocksteady, el dub, y el reggae de forma genérica, con detalles de soul, funk y jazz,  ya sea interpretando sensacionales temas propios como revisando grandes clásicos jamaicanos.

Las tres ediciones
“Sounds from the Vulcano” fue grabado y producido por Sir J en los estudios Kinkylab donde en los últimos diez años, el gran Javier García ha dado forma a sus grabaciones, mezclas o producciones. El disco ha sido editado por el sello de Chicago Jump up, en vinilo blanco y azul, y en España a través de Jamaican Memories en vinilo negro más un poster.  Todos los temas, a excepción de un par de versiones de los Upsetters y Curtis Mayfield, son de Javier García y el que cierra el disco es de Genís Trani de Reggaeland.  Cabe destacar que la edición de Jamaican Memories incluye un tema más,  llamado “One afternooon dub”, el primer dub que ha sido grabado y editado en los estudios Kinkylab.  Además es el primer disco de reggae prensado en la península gracias a la colaboración de la recientemente inaugurada planta de prensado Krakatoa Records. Finalmente, por lo que respecta a la portada, con ese colorido mar de azules, como si se tratara de "dreadlocks", y el volcán en plena erupción, es obra del también músico, pianista y organista, Xevi Sáez “Goss the Boss”.
  
Las canciones

Foto promocional de su facebook
El primer tema se llama “Groovie bros” y en él se exponen ya todas las exquisiteces instrumentales con las que esta genial banda va a colmarnos durante las 11 canciones de este magistral álbum.  Momentos espaciales de teclados, riffs de guitarra con mucho groovie, y un “riddim” de lujo con bajo penetrante y batería milimetrada, dan forma a un tema que no solo te va abrir el apetito del mejor reggae instrumental posible sino que te impregnará de una necesidad vital por seguir oyendo, sin tregua posible, un repertorio interpretado por auténticas estrellas.  Le sigue la misteriosa “The lost Rhytm” y esos aires dub que embelesan aportando a  la fascinante melodía un plenitud cosmológica penetrante.  A destacar ese enorme solo de factura jazzy a cargo de su guitarrista quien nos da una auténtica lección no solo de digitación impecable sino que además nos cautiva con unos movimientos armónicos y escalas estratosféricas ciertamente apasionantes. Memorable resulta también la aportación del órgano con el que se establece un diálogo que va del intimismo a lo lisérgico con momentos de serenidad mantenidos con igual solvencia mediante una inmejorable sección rítmica.

En directo. Foto: Blog Musical de Pozo
A continuación nos  regalan una grandiosa versión, muy cariñosa, del tema de The Upsetters “Soulfukl I” (disco “Return of Django 1969) mediante unos juegos instrumentales protagonizados por la descomunal guitarra con toda la coquetería del órgano a modo de fiel aliado para recrear los valores este tema dando vida a un espectro sonoro extraordinario.  El siguiente corte, llamado “Milk, Cocoa & Honey” se estructura sobre un tempo relajado en el que se encuentran con convicción los preceptos del jazz con un persuasivo riddim jamaicano. De nuevo, guitarra y órgano dan forma a un combinado de recursos instrumentales altamente profesionales logrando embelesarnos con recorridos de ensueño, en este caso tremendamente dulces como bien indica el título de tan sensacional  tema.  Cierra la cara A “By the dark side”, otra exquisitez sin parangón alguno en la que la banda se muestra muy inspirada para acercarse a los sonidos más “roots” con melódica, otra exhibición de guitarra eléctrica más geniales momentos solistas de piano, ambos sobre un grandioso tempo de reggae a cargo de un bajo y batería espléndidos, dignos de las más grandes formaciones de estudio de la historia de la música jamaicana.

En directo. Foto: Blog Musical de Pozo
En la cara B, la maquinaria se pone en marcha con enorme elegancia dando forma al tema “Moving away”, destinado a fascinar al oyente ya sea en la pista de baile como en la intimidad de tu habitación, degustando esos acordes sensuales,  esos ritmos tan compenetrados y marcando el devenir de solos muy bien definidos a cargo de órgano,  guitarra, y saxo, en este caso interpretado por Ricard Vinyets.  Con “Fallen free”,  Sir. J nos ofrece, mediante otra  brillante ejecución, una melodía que nos hipnotiza y que puede servir como banda sonora fascinante para acompañar cualquier momento vital en el que rigen los sentimientos más enternecedores.  Sensacional resulta también ese solo de saxo a cargo del mencionado Ricard,  tan exquisito,  de cuyo ejecución emanan escalas y variaciones magníficas que se completan, cómo no, con una base de batería y bajo impresionante.

En directo. Foto: Blog Musical de Pozo
 “The Outsider”  mantiene el pulso con agradables aires estivales que nos dan alas, más que suficiente, como para imaginarnos descansando en una apacible playa percibiendo sus sucesivas genialidades rítmicas y melódicas. “Queen Majesty” es el título de la segunda versión del disco, en este caso un tema del gran Curtis Mayfield con los Impressions (1963). La aportación sincopada de los Kinkylab Allstars mantiene el esencial atractivo soul de esta gran canción, e incluso la redimensiona hasta convertirla en un posible hit de “lovers” que haría las delicias, como poco, de las jovencitas amantes del reggae de los setenta.  Seguidamente inciden en esos momentos instrumentales más reflexivos  con “Minor Serenade”, una serenata en la que tiene especial protagonismo ese gran piano de jazz , más el toque conmovedor de la guitarra y, una vez más, la aportación gloriosa de un saxo no menos inspirado en este caso interpretado por David Carrasco .  Finaliza el disco con “The Lost Rhytm Dub”, canción que como su nombre indica inciden con mayor determinación en los recursos dub a los que hacíamos referencia al comentar esta misma canción ya incluida en la cara A en su primera versión. Con extraordinaria presencia de bajo, creando una línea directa al estómago, más los esenciales ecos, reverb, y la aportación melódica envolvente de guitarra, órgano y piano se cierra de forma  intachable, este gran álbum. 

Reflexión final

Javier García aka Sir J.
Sir J and The Kinkylab All Stars se nos antoja como una de esas fantásticas reuniones estelares de grandes músicos, especialistas en interpretar los sonidos jamaicanas que, con el tiempo, se convertirán en leyendas reverenciadas por los amantes de los ritmos caribeños del futuro. Sus nombres aparecerán en libros enciclopédicos en los que se tratará la historia del reggae a nivel internacional y su primer Lp “Sounds from the Vulcano” , así como el Ep que tienen previsto grabar próximamente, como sus sucesivas y posteriores  entregas, sonarán en fiestas, programas de radio, simposios y todo tipo de eventos a los que asistirán expertos dispuestos a entender la relevancia de su época contemporánea.  Por suerte, nosotros vivimos en este vibrante presente y no hemos dejado escapar la oportunidad de  conseguir, antes de que se agotara la edición limitada, una copia de este magnífico disco que Magic Pop te recomienda encarecidamente.

Logo
La primera vez que oí las canciones de este álbum debo reconocer que me sentí extasiado ante tal cantidad de recursos creativos surgidos de la imaginación y ejecución desbordante de Javier García.  Creo sinceramente que no solo es uno de nuestros mejores guitarristas, capaz de destacar  en el amplio espectro de la música negra, sino que además atesora una enorme capacidad creativa y técnica con la que logra unos  resultados inmejorables que engrandecen el panorama  mundial de la música reggae.  Con este nuevo proyecto, que se suma a su otras bandas no menos impactantes,  nuestro “Sir J” emerge con la plenitud de un maestro inconfundible y lo hace acompañado por una banda de auténtico lujo que forman parte, por actitud, destreza e imaginación desbordante, del estrellato  atemporal de la música jamaicana.

Nota: Las fotos en directo corresponden a la actuación del 26 de junio de 2015, durante las fiestas de Vinaròs (Castellón) en la 3a edición del "Rude Beach", festival organizado por "Vinaròs Tropikal". Han sido obtenidas del blog Musical de Pozo.  Por internet, se puede adquitir una copia en los facebooks de los sellos o en las tiendas de Daily records o Liquidator Music por citar un par de ellas.          

lunes, 28 de septiembre de 2015

Fallece Wilton Felder de los Crusaders

Wilton Felder
Wilton Lewis Felder nació en Houston, Texas  el  31 de agosto de 1940 donde falleció el 27 de septiembre de 2015. Saxofonista y bajista fue miembro fundador de The Jazz Crusaders, más tarde conocidos como The Crusaders.  Felder también fue un prestigioso músico de estudio colaborando con la Motown cuando estaba ubicada en los Ángeles a principios de los setenta, grabando con los Jackson 5, Marvin Gaye, o Grant Green entre otros. Su nombre figura en los créditos de numerosos discos firmados por Jimmy Smith, Joan Baez, Billy Joel, Jonh Cale, entre otors. También sacó varios discos a su nombre, con la colaboración de Bobby Womack cantando.    

En el año 1954 Joe Sample (piano), Wilton Felder y Hubert Laws (saxos), Wayne Henderson (trombón), Henry Wilson (contrabajo) y Stix Hooper (batería) crearon una banda en Houston llamada The Swingers. Cuatro años después, 1958, se trasladaron a California donde cambiaron de nombre por el de Modern Jazz Sextet y después  "Night Hawks" con los que llegaron a grabar un par de singles con los temas "Chicken Grabber/Big Top" para Del-Fi (1959) más "Bunny Ride/Sweetie Lester" (1961) para Pacific Jazz.

The Jazz Crusaders

En 1961 pasaron a llamarse The Jazz Crusaders con el guitarrista Roy Gaines y el contrabajista Jimmy Bond. En los Ángeles grabaron “The Freedom Sound” para el sello Pacific Jazz, la que sería su compañía hasta el año 1969. Lograron vender nada menos que 50 mil copias, todo un éxito para un disco de jazz. Le siguieron otros trabajos y cuando se puso de moda el free jazz, ellos continuaron trabajando la melodía y el ritmo bailable como signo de identidad con el que se procuraron un estilo propio. Durante los sesenta grabaron 17 álbumes entre conciertos y en el estudio, o acompañando a otros grandes como el pianista Les McCann. 

Su estilo fue empapándose de R&B, soul y funk, y en 1971 eliminaron la palabra jazz de su nombre quedándose solo como The Crusaders. En ese época entró a formar parte de la banda el guitarrista Larry Carlton y al bajista Robert Popwell.  Su música derivó hacia el “crossover” y tuvieron su máximo éxito con el disco y tema "Street life" (1979). En esos años también actuaron como banda de respaldo de Marvin Gaye, Steely Dan, Donald Fagen o Joni Mitchel.

The Crusaders

En el año 1975, Henderson dejaría la banda para seguir una carrera como músico y productor. Falleció el 5 de abril de 2014 (+ info). En 1983 Hooper también abandonó el proyecto. Los Crusaders se mantuvieron en activo hasta principios de los noventa.  De 1971 a 1991 como Crusaders sacaron una veintena de álbumes en directo y en estudio para Blue Thumb y MCA. Cinco años más tarde, 1995, Wayne Henderson, Wilton Felder y Larry Carlton, volvieron con el nombre de los Jazz Crusaders, interpretando jazz suave con cajas de ritmo, rap y sintetizadores, hasta principios de la década de los dos mil. Editaron como Jazz Crusaders tres discos más para Sin-Drome y Indigo Blue. En 2003,  Joe Sample, Stix Hooper y Wilton Felder volvieron a grabar un disco con el nombre de The Crusaders acompañados por Eric Clapton y Ray Parker para True Life Jazz. No volverían a grabar pero si que se reunieron en 2010 Sample, Felder y Henderson para realizar una gira. El  12 de septiembre de 2014 moría Sample (+ info).

Wilton Felder

Per su parte,  Felder  también trabajó como músico de estudio en la costa oeste, tocando mayoritariamente el bajo eléctrico para varios grupos y solistas de soul y R&B, de Motown Records cuando el sello discográfico abrió su sede  en Los Ángeles, California, a principios de los setenta. Tocó en grabaciones de los Jackson 5,  como las canciones "I Want You Back" y "The Love You Save," así como para Marvin Gaye y Grant Green.  También tocó el bajo en grupos de rock  como América, y Seals and Crofts, contribuyendo de forma notable al disco de John Cale, “París 1919”, así como en los álbumes “Piano Man” y “Streetlife Serenade” de Billy Joel.  Él era uno de los tres bajistas del disco “Sail Away” de Randy Newman (1972) y tocó con Joan Baez  en “Diamonds & Rust” (1975),  entre otros discos de Joni Mitchell y Michael Franks.  Tambien acompañó al bajo a Jimmy Smith en el disco en directo de 1972 “Root Down”.  

En 1969 sacó un disco a su nombre con el título de "Bullitt" al que le siguió "We All Have A Star" (1978), "Inherit The Wind" (1980), "Gentle Fire" (1983) y “Secrets” (1985) en el que colaboró Bobby Womack cantando.  A mediados de los ochenta consiguió un éxito menor con el tema  incluido en ese disco "(No Matter How High I Get) I'll Still be Looking Up to You" cantado por Womack y Alltrinna Grayson.  Le siguieron "Love is a Rush" (1987), "Nocturnal Moods" (1991),  "Forever Aways" (1991) y "Let's Spend Some Time" (2005).

Documentos sonoros: 

Los Jazz Crusaders a principios de los sesenta en el programa de la televisión Frankly Jazz.



 Los Crusaders en directo en el año 1987 en el Newport Jazz festival



Wilton Felder grabó la línea de bajo del famoso tema de los Jackson Five "I want you back"
 

"Let's dance togheter", tema de 1978 incuido en uno de sus discos a su nombre "We All Have A Star".
 

 

Kriptolites, siguiendo los latidos del corazón a ritmo jamaicano con un 7” para Discos Adulterados

Portada de R. Argüelles
Con la más que considerable experiencia que atesoran los jienenses Kriptolites en el usufructo de los ritmos jamaicanos, clamaba al cielo que esta banda no tuviera en el mercado un disco de presentación para degustar, como es debido en su correspondiente vinilo, sus maravillosas creaciones  reggae. Tras un par de excelentes maquetas que han sonado, en los últimos años, en múltiples fiestas, conciertos  y programas especializados en la difusión de los ritmos sincopados, acaban de dar el pistoletazo de salida para una nueva discográfica  Discos Adulterados mediante un 7” con dos temas de lujo.  El single contiene una canción cantada con el título de “No tan fuerte” y otra instrumental llamada “Vacaciones en el Kalahari”. Las dos responden a un extraordinario trabajo creativo y de ensayo para delimitar unos arreglos exquisitos. De este modo, exponen sus criterios y referencias bajo un punto de vista original y fresco, rítmicamente bailable y melódicamente sensual, con el que nos deleitan, al mismo tiempo, cuerpo y alma.  

Trayectoria  

Kriptolites. Foto de su facebook

Los Kriptolites son una banda de Jaén formada por Iñaki Blázquez (voz y guitarra); Daniel Garvín (guitarra y coros); José Cruz (bajo y coros); Antonio Cantero (órgano y coros) y Luis Galán (batería y coros). Su trayectoria musical empieza allá por el año 1995 con una banda de ska punk llamada Mausoleo. Dani, Luis, Iñaki y Antonio formaron parte de los Radio Mundo, banda de reggae creada en la década de los dos mil con la que ganaron concursos y certámenes, acompañando con el nombre de Xauen Rockers a cantantes como Pablo Molina (Todos Tus Muertos) y también al jamaicano  Easton Clarke (aka Singer Jay). Grabaron una maqueta llamada “Gente del Barrio”, en los estudios Bombtrack, Úbeda, Jaén , a la que siguieron un par de discos,  “Comunicado” (2000)  y "Desaprendiendo" (2002) con la producción de Roberto “Ras” Sánchez (A-Lone Ark Muzik Studio).

Con la incorporación de José, quien también formó parte del grupo de instro surf  Los Volcanes, crean los Kriptolites en 2008, banda de sonidos jamaicanos con raíces en los sesenta (early reggae, rocksteady, ska). Como curiosidad, cabe mencionar que la banda se creó de manera ficticia para un proyecto de Lorena Anguita. Se grabó y rodó el clip de “Jaén Sun” todavía sin Antonio ni Jose en la banda.  Lorena no sólo hizo ese videoclip, sino que también ha hecho el del nuevo single y las fotos de la banda.Cuentan con la inestimable ayuda de un amigo personal llamado Ramón aka Ruffus T. Firefly que se encarga de tareas de promoción y respaldo.

Dos años después, 2010, graban una maqueta ‘Reggae Steady Go!!!’, en formato Cd con seis canciones originales con las que atraen la atracción de varios medios de comunicación mientras siguen tocando en directo.   Ya en 2013 ve la luz su segundo disco autoeditado, grabado en 2012 en el Peso de la Harina con el título de “Mueve tus pies con…” con cinco canciones también originales con las que su popularidad se expande más allá de su ámbito llegando a ser muy bien valorados en varios puntos del Estado, incluso del resto de Europa.  Aparecen en un compilatorio llamado Skaniball Party vol XII de la disquera alemana Mad Butcher Records.  Por otra parte aportaron la versión del tema "Police on my Back" en el recopilatorio “The Clash Goes Jamaican” (2013) editado por Golden Singles Records.

El single que presentan con Discos Adulterados, con dos canciones propias, fue grabado por Nano Díaz en Live Bunker Studio, mezclado por Roberto Sánchez en A-Lone Ark Muzic Studio y masterizado por Ibon Larruzea en Estudios Euridia. El diseño e ilustración de la portada con los Kriptoliytes en primer plano en un mundo atacado por un incendiario monstruo, es del siempre genial dibujante Roberto Argüelles.

Las canciones 

Kriptolites. Foto de su facebook

En la cara A oímos esa persuasiva cadencia sincopada que marca el paso de “No tan fuerte” articulada con sensual órgano y una sección rítmica impecable. “Arriésgate… aunque desde fuera qué fácil se ve”. Un mensaje al corazón que late con más fuerza a raíz de asuntos determinantes que bien podrían ser amorosos como referirse a cualquier dicotomía  vital.  La melodía resulta  conmovedora y es propia del mejor rocksteady.  Destaca una fascinadora voz principal, que emerge entre un conglomerado de exquisiteces en el que la guitarra aporta sus riffs de ensueño y el órgano recrea segundas voces más algunos compases solistas, todos ellos combinados con gran destreza y emoción.

Kriptolites. Foto de su facebook
  
Y en la cara B nos ofrecen “Vacaciones en el Kalahari”, un instrumental memorable en el que, todos y cada uno de los componentes de esta vibrante banda, nos ofrecen muestras inequívocas de sus inconfundibles referentes al tiempo que vuelcan todo su entusiasmo y horas de trabajo para definir, nota tras nota, un arte propio con profesionalidad y determinación.  El resultado es uno de los instro más cautivadores que he oído en tiempo en el que tanto el órgano, con sus líneas sinuosas, como la guitarra, con ese aire cercano al surf & roll, se lucen sobre una base rítmica de bajo y batería que crean un “riddim” de auténtico lujo.       

Reflexión final 

Kriptolites. Foto de su facebook.
Los sonidos jamaicanos, como el flamenco y el blues, tienen una persuasiva estructura rítmica de base que los convierte en adictivos al mismo tiempo que transmiten una conmovedora concepción armónica en forma de melodías pasionales con las que expresar una temática intrínseca al estilo.  Para los que no comulguen, o desconozcan directamente el código de esas artes musicales tan ancestrales,  es probable que les resulten insulsas cuando no repetitivas y demasiado sencillas.  Sin embargo esa visión errónea es consecuencia de una falta de atención, o quizá una de malévola ignorancia, pura y dura, incapaz de  captar toda su descomunal esencia. No todos los que aseguran gustar de los ritmos sincopados, porque los bailan en la fiesta mayor con mediocres bandas de fusión,  disfrutan del auténtico valor étnico, social y lúdico de la música jamaicana.  Solo aquellas mentes abiertas dispuestas a dejarse sorprender por la calidez de los ritmos y la sensualidad de sus líneas melódicas van a ser capaces de conectar con las vibraciones que desprenden grupos tan imaginativos como estos Kriptolites.  Esa banda jienense tiene todos los componentes esenciales para dar vida a canciones inolvidables.  Oyendo atentamente sus creaciones, se pone en evidencia un dominio instrumental claro, una actitud propia de los combos apasionados por la música jamaicana y, sobre todo, unas ganas esenciales de comunicarse con todos nosotros con toda la claridad y pasión imprescindible. Sin lugar a dudas,  merecen estar sonando en el universo de los amantes de los sonidos caribeños. Incluso se me antoja que, pese a toda la experiencia que acumulan y que no es poca, para ellos acaba de empezar una larga trayectoria en la que ese corazón, que late fuerte pero que raramente engaña, va a marcar el ritmo de nuevas y fascinantes ediciones  musicales.

Nota: Se puede adquitir el single en Le Freak Trip (Madrid); Brixton Records (Bilbao), Discos La Futura (Vigo), Elektra Comics & Discos (León), y también está en Spotify, Apple Music, Itunes, Deezer... Puedes solicitar una copia del single en las direcciones de correo de Discos Adulterados  discosadulterados@gmail.com Y en la de Kriptolites kriptolites@gmail.com

Te invitamos a visionar el genial videoclip del tema "Vacaciones en el Kalahari" realizado por Lorena Anguita y Daniel Garvín.

Muere Carlos Gómez de los Hi-Strung Ramblers

Carlos Gómez
Carlos Gómez murió trágicamente en un accidente de moto el 25 de septiembre de 2015 y su pérdida ha afectado especialmente a la escena mundial del rockabilly. Era el cantante y guitarrista del grupo de los Angeles, The Hi-Strung Ramblers, con varios discos editados por Wild records. La banda destacaba por su destreza para combinar los recursos del rockabilly con los del blues. Aparte de músico también regentaba una barbería, oficio que dominaba,  llamada “American Vintage" muy conocida por sus cortes clásicos y ubicada en Long Beach (California).

Según informa en su web Wild records, los Hi-Strung Ramblers estaban formados por Carlos Gómez, voz y guitarra solista,  Jesse Gómez a la percusión, los bajistas Iggy García y Alex Vargas más el guitarrista rítmico  Dandy Sutphin.   En 2005 sacaron su primer disco “Hobo Bop”, una mezcla de rockabilly con blues boppers.  El segundo álbum salió en 2008 con el titulo de "Boy Run Run", con el que consiguieron una repercusión muy notable.  En 2011, fue editado "I'm a Rambler", otro trabajo que confirmaba el gran talento de sus responsables para crear canciones con raíces en los años cincuenta. Existe una edición limitada de los dos discos “Hobo Bop”  y “I’m a rambler” juntos.  

La barbería American Vintage abrió sus puertas en 2011 en Belmont Shores, Long beach (California)  y está especializada tanto en cortes clásicos como modernos.  

Documento sonoro:

Los Hi-Strung Ramblers con dos de sus temas más característicos en los que mezclan con gran talento el blues y el rockabilly, "Hobo bob" y "Run boy Run".



viernes, 25 de septiembre de 2015

Fallece Antonio Tenas de los Vocoder

Antonio Tenas Gregorio falleció el 25 de septiembre de 2015 en Zaragoza a los 60 años de edad.  Muy conocido en el mundo cultural de la capital aragonesa, formó parte del grupo de tecno pop de los ochenta, Vocoder. Tenas también fue promotor de conciertos, coleccionista de discos, locutor musical de Radio Juventud, mánager del grupo zaragozano Días de Vino y Rosas, comercial de sellos discográficos, y fan de Tolkien, entre otras ocupaciones como policía municipal.  El pasado 11 de abril celebraba sus 60 años  pinchando en Linacero Café bajo el eslogan: “La vida comienza a los 60” según informa Aragón Musical.com en el obituario que le dedica en su web.

Vocoder
Vocoder arranca en el año 1981 formado por Antonio Tenas con otros componentes como Jesús Aparicio e Ildelfonso Alarte. En sus inicios tuvo que aguantar algún que otro recibimiento poco comprensivo con el uso de las máquinas para el pop. La primera remodelación les convierte en trío con Jesús Aparicio, Javier Morgales, y Antonio. Ya se referían a su música como “rock electro sinfónico”.   Cambian de nuevo la formación y con Tenas están  Antonio Laval (teclados), Pilar Pellicer (cantante) y Alfonso Olarte (teclados).  Juntos graban y editan con DRO en el mes de octubre de 1984 el maxi con “What Happens Now?” y “Radio”, la primera cantada en inglés y la segunda en francés. DRO inaugura con ellos el  subsello Neon Danza, con el que pretende colarse en las discotecas de la época con música disco electrónica y de calidad.  Aparecen en programas televisivos de ámbito nacional como  ‘Tocata’ y ‘La bola de cristal’, y en enero de 1986 sacan el segundo maxi con las canciones “Mindanao”  y “Amor de robot” también para DRO. Tras ese disco vería la luz el primer y único álbum del grupo, con título homónimo que sale en el mes de abril de 1987 con temas populares como  “Mi chica tiene un lío con Satán”.

Vocoder
El cuarteto se separa en 1988 de mutuo acuerdo. Con la década de los noventa, Tenas se dedica al montaje de conciertos con su productora Vocoder, un trabajo que ya había iniciado en 1985. Como promotor destacó por traer a los Ramones a Zaragoza el 19 de marzo de 1993. En 2012 se reeditaran los dos maxisingles primeros del grupo en los Estados Unidos gracias a Flemming Dalum, amante del tecno de los ochenta quien les descubre. Con el también seguidor de la música disco, Josh Cheon, propietario del sello Dark Entries Records, reúne las canciones bajo el título de ‘Cuadro sinóptico’.

Nota: los datos biográficos han sido extraídos del Blog alojado en el Heraldo de Aragón con el título de La Voz de mi amo, firmado por Matías Uribe.

Documento sonoro: 

Los Vocoder y uno de sus primeros temas, en inglés, en el videoclip de “What Happens Now?”


Los Vocoder cantando en francés en esta actuación para la televisión con el tema "Radio".



Los Vocoder interpretando ahora en español "Mi chica tiene un lío con Satán".


Feedbacks crean con “Skyway blvd” un fabuloso mundo imaginario de canciones perfectas


Portada
Los Feedbacks acaban de sacar este 2015 un nuevo álbum, de la mano de la discográfica Pretty Olivia Records, en el que vuelven a hacer gala de un exquisito buen criterio para dar vida a canciones de powerpop absolutamente perfectas con un inmejorable trabajo imaginativo así como interpretativo.  Pocos grupos, a nivel internacional, atesoran el talento, la elegancia y el gusto que demuestra esta banda asturiana en cada una de sus creaciones. Disco tras disco,  consiguen momentos musicales de una belleza que resulta deslumbrante y nos tocan las fibras más sensibles con melodías y ritmos apasionantes.  El título “Skyway blvd” de tan fantástico trabajo es, por una parte, el homenaje a una canción de los Replacements, llamada “Skyway” (1987), pero sobretodo hace referencia a una calle imaginaria a la que, en momentos poco propicios, siempre puedes regresar con el propósito de recuperar la merecida felicidad, arropado por la gente que quieres y oyendo la música que te gusta: Esas canciones inolvidables que te enriquecen el pensamiento al tiempo que te engrandecen el alma tal y como lo consiguen estos sensacionales Feedbacks en el disco que te comentamos a continuación.    
Trayectoria 
Foto: Iñaki Serpico
The Feedbacks se crean en Turón, Mieres (Asturias) en noviembre de 1994 con Adolfo García, (cantante, guitarra y compositor), su hermano Carlos, (bajo y voz), más dos amigos, Javi Cimadevilla, (guitarra), y Diego Fresno (batería) que sería substituido a partir de 2004 por Pablo González “Pibli” (Doctor Explosion). Sus primeros temas son ya una extraordinaria mezcla de punk y power pop. Pronto empiezan a destacar por la composición de canciones propias. Tres de sus primeros temas los graban en los estudios Odds de Paco Loco y se convierten en su primer EP, titulado "The Chords Are The Same".  A principios de 1996 se publica su segundo single "Summer again" con un número del fanzine Rock Indiana. Fue entonces cuando se pone en contacto con ellos el sello alemán  "Screaming Apple" e incluso hablan de sacar todo un Lp pero ya lo tenían comprometido con No Tomorrow. Al final se editaría un nuevo 7" de cuatro temas propios llamado "Pop Invaders".  A finales de 1996 saldría un split single con The Cheeks, y en ese trabajo se incluye un tema llamado "She goes down" y una versión de un raro tema de los Hollies, "Can´t get nowhere with you". El 7" se llama "A fix of fun". Ese año 1996 también graban su  LP de debut “Ready, Steady, Bang” que edita No Tomorrow.  Tres años después, 1999, sale su segundo álbum con Rock Indiana, “Speedway”. Su tercer trabajo se titula “Nothing a little pop won’t cure” (2002) y el cuarto “My own revolution” también editado por Rock Indiana en 2005. Al año siguiente sacan “Sunday morning record” y en 2011 “Give a tree your name”, editados por la mencionada discográfica. De ese último disco puedes leer una reseña en Magic Pop aquí.

En el estudio, grabando el nuevo disco
“Skyway blvd.” se edita en vinilo, más Cd gratuito, en septiembre de 2015 por la discográfica Pretty Olivia Records.  Grabaron Javier Cimadevilla a las guitarras y armónica; Carlos García al bajo y eléctrica en “Way back home”; Adolfo García a la voz solista, guitarra acústica y eléctrica en “Mixtapes”; Pablo González a la batería, percusión, y coros más voz solista y guitarra eléctrica en “Ahead of this time” y “Isolated”; y Paco Loco a la eléctrica, pedal steel, slide guitar, piano, Hammond B-3, Fernder Rhodes, y Vox Continental.       

Se grababa y mezclaba en octubre de 2014 por Paco Loco, encargado también de la producción, en su estudio del Puerto de Santa María.  Los temas son originales de Adolfo García excepto “Cowgirl in reverse” y “Way back home”,  cuya música es de Carlos García y la letra de Angel Kaplan.  Por su parte, Pablo González es autor de “Ahead of this time” y “Isolated”.  El artwork contiene unos magníficos dibujos en tinta muy detallistas de una calle de los Ángeles que forma parte del recuerdo sentimental de Adolfo García.  Se incluye una hoja interior con los detalles técnicos y, a modo de agradecimiento al oyente, los primeros versos del tema, de Alex Chilton con Big Star, "Thank you friends" incluída como bien sabes en el disco  Third / Sister Lovers (1978):  “Thank you, friends, Wouldn't be here if it wasn't for you, I'm so grateful for all the things you helped me do”



Las canciones 
Los Feedbacks en directo. Facilitada por la banda
El disco empieza  con “I told a lie” con un medio tiempo  extraordinario donde se mezclan con una soltura fascinante recursos de powerpop con elementos de country folk mediante guitarras amplias arpegiando o emergiendo con acordes envolventes alrededor de una melodía sensacional. Completa tan apasionante tema un juego de voces memorable, una rítmica especialmente sensible para reforzar los crescendos y unos magníficos toques de Steel guitar.  Le sigue “Way back home”,  una exhibición de pop rabioso, enérgico, con bajo descomunal, aportación de armónica y unas guitarras esenciales que interpretan los arreglos con una determinación especial al tiempo que la voz solista nos ofrece otra muestra de su innegable  dominio de la situación.   

Foto facilitada por la banda
“Echo park “ camina con ese envolvente fraseo acústico sobre el que la banda desarrolla su mensaje melódico con una gran ternura completada con punteos elegantes más elementos solistas a cargo de conmovedores  guitarras eléctricas, más pedal Steel, completados por sensuales pedales de órgano que acaban en un ritmo de batería cautivador.  A continuación nos conquistan con ese fascinante “Welcome to the real world”, otra descarga de poderío  eléctrico entre espacios acústicos, con ritmos contundentes, una voz principal en estado de gracia, solos eléctricos soberbios y unas distorsiones medidas con extrema exquisitez. Añaden un cambio de tempo final muy original que nos traslada extasiados hacia el siguiente corte, esa “Miss me when i´m gone” en la que los Feedbacks consiguen una canción de ritmo bien marcado acompañando a una melodía llamativa reforzada por el peso armónico del órgano entre acordes que nos disparan el entusiasmo y un solo de guitarra eléctrica con toques lisérgicos que crece hasta la inmensidad. Cierra la cara A la fantástica “Cowgirl in reverse” y lo hace con un movimiento sinuoso muy americano, mediante instrumentación de country folk, un ritmo para cabalgar por extensas llanuras, y cantos de raíz western realzados por coros muy pop.        

En el estudio. Foto de la banda
“Isolated”, es una majestuosa canción de powerpop de raíces californianas y setenteras con una melodía endiablada que nos vuelve locos desde el primer compás y que tiene su punto culminante en ese estribillo que pone los pelos de punta.  Acompañada por una rítmica impecable, la voz ataca con agudos muy convincentes entre descargas de riffs hirientes y un solo ácido de guitarra que eleva el tema hasta cotas inimaginables.  Con “The  Rainfall” el grupo incide de nuevo en su vertiente más combativa  mediante distorsiones combinadas, eso sí, con momentos acústicos igual de sensacionales. El resultado es altamente enriquecedor: una mezcla de recursos marca de la casa que mantiene la pasión con inusual fuerza comunicativa y que convierte el estribillo en el punto culminante para atrapar definitivamente al sensible oyente.   

A continuación nos ofrecen “Mixtapes”, otro recorrido de guitarras colosales que diseñan un plano sensorial sobre el que el cantante solista se explaya con pura poesía de  aires beats que nos retrotraen a esos sesenta en los que el folk de la costa oeste americana se daba la mano con el pop británico, con extraordinaria compenetración sonora.  Vuelven a ofrecernos un peculiar final de batería perfilando movimientos en forma de solo complementario nada desdeñable. 

Los Feedbacks en directo. Facilitada por la banda
Y de este modo llegamos a “Ahead of this time”, otra excelencia acústica más, a tener muy en cuenta, con esa extraordinaria voz en un registro agudo, acompañada por piano,  guitarras envolventes, y el ritmo peculiar  que mide compás tras compás con recursos que van más allá del ya por si preciso acompañamiento de tempo y contratempo.  “Ordinary love” es el título de la penúltimo corte y en él, la banda se muestra especialmente cautivadora con esa melodía de pop cariñosa en la que juegan un papel muy importante todos y cada uno de los instrumentistas de la banda aunando esfuerzos para que todo suene, como debe ser, con sencillez  y a su vez conectando con nuestra alma con una precisión encomiable.   Finaliza el disco con la sentimental “The end” otra prueba más de la sensacional capacidad de esta banda para aunar momentos intimistas y acústicos con otros de grandiosos en los que guitarras, percusión y voces explotan como un castillo de fuegos artificiales para ofrecernos un final de fiesta verdaderamente genial.     
Reflexión final 
Los Feedbacks triunfando en Fuengirola 2015
No os voy a negar que los Feedbacks son uno de mis grupos favoritos porque consiguen emocionarme con unas canciones tan sumamente perfectas en las que ritmo y melodía, momentos intimistas y grandiosos, acústicos y eléctricos, se combinan con una facilidad, una frescura y un poder de convicción extraordinario. Pero eso no es todo. Hay en ellos mucho más: no solo atesoran un repertorio propio de canciones sensacionales sino que además, entre esas excelentes muestras de talento siempre sobresalen, como mínimo, tres auténticos éxitos  que se me antojan atemporales, de esos por los que la inmensa mayoría de músicos lo darían todo para que constara su firma. 


Foto: Iñaki Serpico

Sin lugar a dudas, esta banda asturiana consigue convertir sus ideas en genialidades exquisitas que desprenden un poder sensual sin parangón alguno.  Ese trabajo compositivo se refuerza con una impresionante capacidad de comunicación que genera una empatía imprescindible no solo con sus fans sino también con todos aquellos que disfrutan de las buenas canciones de powerpop.  “Skyway blvd” es un gran álbum y creo fehacientemente que no solo es uno de los mejores de este año, incluso a nivel internacional, sino que también es uno de los trabajos discográficos más destacados de la larga y creativa estirpe de grupos powerpop  que nos conmueven con su música como si nos conocieran de toda la vida. El regalo que nos ha hecho esta formación asturiana, con su fascinante mundo imaginario, no tiene precio. Su nuevo disco se ha convertido ya para mí, como seguro que lo hará para muchos de vosotros y vosotras, en la banda sonora ideal para los buenos momentos vitales pero también en el recurso conceptual para sentirse confortado en esos otros instantes de nuestra vida en la que añoramos la felicidad ausente y necesitamos con urgencia unas buenas canciones que, con su enorme belleza, nos devuelvan la confianza en nosotros mismos.      

Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp y adquitir una copia del disco en la web de Pretty Olivia.

jueves, 24 de septiembre de 2015

Blue Ash, cuando el tiempo recupera la genialidad con “Hearts and Arrows” de powerpop

Portada del doble Lp (2015)
Dijo una vez Woody Allen, y no es el único al que se le atribuye la máxima, que el tiempo convierte la tragedia en comedia. De este modo, tras años del suceso de  una catástrofe pueden aparecer  incluso chistes que nos la recuerden con tono jocoso o satírico. Un efecto parecido, al menos por lo que respecta al efecto determinante temporal, sucede con el rock and roll. Grupos que en su día fueron considerados como modestos, o sea con escasas ventas, resurgen décadas más tarde, de una forma u otra, bien sea con reunificaciones o con recopilatorios muy cuidados, generando cierto entusiasmo mediático. Siguen sin tener demasiado éxito pero, al menos, los críticos se dan cuenta de su enorme valor y ensalzan, a los cuatro vientos, la importancia y la relevancia de su aportación creativa. Uno de sus casos  es el de los Blue Ash, combo de powerpop de Ohio formado en 1969 que en su primera época tan solo sacó un par de Lp’s pero que atesora una ingente cantidad de canciones, más de 200, igual de memorables y esenciales como las que se incluyen en esos mencionados dos álbumes que grabaron antes de retirarse una década después de haberse creado. Algunas de esas canciones inéditas fueron recuperadas en formato Cd por la discográfica Not Lame (Forth Collins, Colorado). Ahora, en este año 2015, otra discográfica, You are The Cosmos (Zaragoza) las recupera de nuevo, pero esta vez en formato vinilo mediante un doble recopilatorio de auténtico lujo con el título genérico de “Hearts and Arrows” al que añaden un 7” con temas acústicos que nunca habían visto la luz. Cabe recrodar también que el mismo sello español editada el año pasado, 2014, un Ep con otros temas de los Blue Ash grabados en 1972.

Portada del Ep (2014)
El resultado de este trabajo de compliación es ciertamente deslumbrante a todos los niveles,  ya sea visual mediante uno de los artworks más bonitos que he visto en la vida, asi como editorial y, por supuesto musical con una edición exquisita que rescata auténticas perlas de powerpop a cargo de un grupo que, en su día, no despuntó con las ventas de discos ni tampoco obtuvo críticas muy efusivas. Incluso hoy en día, se le considera como una banda “modesta”, suponemos que refiriéndose a su escasa repercusión. Pese a todo ello, la realidad es que atesoran canciones de melodías fascinantes y ritmos enérgicos  por las que la mejor de las formaciones de cualquier época, incluida la actual, daría lo que fuese para que constaran como originales en su propio repertorio.  

Trayectoria 

Los Blue Ash  en 1969 
Los Blue Ash se crearon en 1969 en Ohio con el bajista y cantante Frank Secich,  más el guitarrista y cantante Jim Kendorz,  Bill “Goog” Yendrek como guitarrista, reemplazado en 1970 por Bill "Cupid" Bartolin, y David Evans a la batería.  Nacido el 14 de junio de 1951 en Sharon (Pensilvania), Frank Secich es todo un mito viviente del powerpop. Empezó a formar parte de la legenda del rock and roll a mediados de los sesenta con bandas como The Electrons que se convertiría en The City Jail en el año 1966.

Los Blue Ash debutaron en el "The Freak Out",  un club de Youngstown, Ohio, el 3 de octubre de 1969. Estuvieron tocando por numerosos escenarios de Pennsylvania, New York, Ohio y  West Virginia, al tiempo que los compositores Frank Secich y Bill Bartolin acumularon un considerable repertorio propio. En junio de 1972 firmaron con Peppermint Productions de Youngstown y empezaron a grabar y enviar a sellos sus demos.  Paul Nelson de Mercury records les contrató a finales de 1972 y en mayo de 1973 sacaron el clásico “No more no less”, grabado en los Peppermint Studios, Youngstown,  con diez temas propios y dos versiones, "Dusty Old Fairgrounds" de  Bob Dylan y "Any Time at All" de The Beatles. El disco fue reeditado en 2008 por Collector's Choice Music.  Pese a ser uno de los mejores trabajos discográficos de powerpop, las ventas no fueron las deseadas y dejaron Mercury en 1974.


Blue Ash 1970 
La banda continuó y ese mismo año Jeff Rozniata reemplazó a David Evans y estuvo formando parte de la banda hasta 1976. De 1976 a 1979 colaboró con el grupo el teclista Brian Wingrove. Ya en 1977 firmaron con Playboy Records y sacaron el single "Look At You Now"  que se convirtió en todo un éxito en Texas, Oklahoma, Louisiana, Mississippi, Ohio y Pennsylvania.  Con Playboy editaron un Lp “Front Page News” grabado en Los Ángeles en agosto de  1977 y editado en octubre de ese mismo año.  El sello desaparece y Blue Ash se quedan de nuevo sin editor en 1979. Desde 1977 a 1979 Bobby Tocco se haría cargo de la batería.

En el verano de 2003 Frank Secich, David Evans, Bill Bartolin y Jim Kendzor volvieron a reunirse para grabar y tocar en directo  en el International Pop Overthrow en el Khyber Club de Philadelphia.  En el año 2004 sale un disco llamado “Around Again (Rarities From The Vault 1972-79)” editado por Not Lame Recordings.  En los conciertos de reunión hasta 2009 Frank Secich pasaría a tocar la guitarra y completaría la formación Brian Wingrove (piano) y Jeff Rozniata (drums) con Bobby Darke (bajo) y Bartolin a la guitarra. Volverían a tocar en el IPO en Youngstown (2008). El 3 de octubre de 2009 fallecía Bill "Cupid" Bartolin, nacido el 23 de abril de 1951, a consecuencia del cáncer que padecía, con el que termina de forma triste la historia de los Blue Ash.

Blue Ash  1975 
Como bien sabes, Secich también estuvo en la banda de Stiv Bators. Cuando los Dead Boys se separaron a finales del año 1978, Stiv Bators y Frank Secich, que ya se conocían desde los sesenta, empezaron a componer y grabar temas. Greg Shaw les fichó para Bomp Records.  En 1979 la banda estaba formada por Stiv Bators, Johnny Blitz, Cheetah Chrome y Jimmy Zero. Secich entró en lugar de Jeff Magnum. George Cabaniss substituyó a Cheetah y Blitz fue reemplazado por David Quinton Steinberg.  Stiv, George, David y Frank grabaron el fantástico “Disconnected” (1980).  Frank también grabó con Stiv Bators entre 1979 y 1980 las canciones del disco recopilatorio “The Lord And The New Creatures” (1983).

Blues ash, reunión del IPO en la década de los dos mil
Tras esa iniciativa, vino el grupo  Club Wow formado por Frank con Jimmy Zero, Jeff West de los Testors, más Billy Sullivan, quien había formado parte de una reunión de los Raspberries así como con los Herman´s Hermits. Solo sacaron un single “Prettiest Girl” entre los años 1982 y 1985. Después, Frank colaboró con The Infidels hasta 1990.  Tras fallecer Greg Shaw en octubre de 2004, Patrick Boiselle y Suzy Shaw del sello Bomp le proponen crear una banda para grabar un tributo musical a Shaw. Reúne a los músicos de Ohio, Pete Drivere y John Koury de The Infields, más Dave Swanson de Rainy Day Saints, David “Quinton” Steinberg y George Cabaniss de la “Disconnected” banda, Jimmy Zero de los Dead Boys, Billy Sullivan de Club Wow y de la banda de reunión de los Raspberries, y Bill “Cupid” Bartolin de Blue Ash.  Realizaron un disco de versiones de temas que le gustaban a Greg y que, con un libro, se llamó “He Put The Bomp!”.

El siguiente proyecto de Secich  serían los Deadbeat Poets que empezaron a rodar en 2006, acompañado por su amigo Terry Hartman de las bandas de Cleveland The Backdoor Men y Terry and The Tornados (guitarra rítmica, voz) más los mencionados John Koury (batería), y Pete Drivere (guitarra solista, voces).  Ficharon con Pop Detective Records.  Desde entonces han editado seis discos “Notes From The Underground” (2007); “Circus town” (2010); “Youngstown Vortex Sutra” (2011); “A Deadbeat Christmas” (2011); “American Stroboscope” (2012); y “Hallelujah Anyway” (2014).  Su último disco hasta el momento es un sencillo editado por Kotj Records del que te hablamos aquí.  Secich tambien ha escrito un audio libro autobiográfico llamado "Circumstancial Evidence" editado este 2015 por High Voltage Publishing y Zero Hour records.

El recopilatorio y el Ep 

Anteriormente a este recopilatorio de los Blue Ash que te recomendamos,  You are the Cosmos  ya sacó en 2014, con edición limitada a 525 copias, un Ep  con cuatro canciones grabadas en 1972 tituladas “She’s So Nice” (cara B del single de 1974, con el “Anytime At All” de los Beatles en la A).  El resto son tres temas que nunca habían sido editados en vinilo, como “Halloween Girl” completando la cara A, y en la B, “With You On My Mind” más “Silver Horses”.  Aparecieron anteriormente en Cd en el recopilatorio de Not Lame.  La edición en 7” de la discográfica zaragozana incluye las letras de las canciones más fotos del grupo.

Los Blue Ash en 1971 
Las canciones de este compilado en doble vinilo con el título genérico de “Hearts and Arrows”  que incluye un 7” en acústico fueron grabadas por Bill Bartolin a la guitarra y voces, Frank Secich al bajo y voces; David Evans en la batería y voces, y Jim Kendzor como cantante solista.  Colaboran en algunas de las canciones el teclista Brian Wingrove (1976-1979); y los bateristas Jeffrey Rozniata (1974.-1976) más Bobby Tocco (1977-1979). Los temas se grabaron en los Peppermint Studios de Youngstown (Ohio) con el ingeniero de sonido Gary Rhamy y la producción de John Grazier con la banda.  El sensacional artwork de este recopilatorio, con todo su colorido y magníficos dibujos, corre a cargo de Jesús Saiz. Con portada abierta, se puede leer también un texto de Eduardo Ranedo (Ruta 66) quien nos explica la trascendencia y valor creativo de esta banda.

Cabe destacar que se incluyen temas inéditos en vinilo como “Baby I Just Want You” o versiones de canciones emblemáticas  como  el “Smash My Guitar” con las que se abre y se cierra la cara A del disco “No More No less”. Entre estos dos temas podemos disfrutar de otras maravillas como  “Look At You Now”, “Plain To See” (primer disco), “Things Have Changed Now”, y “Around Again”.   En su cara B se escuchan de ese primer disco “I remember A Time”,  más otras maravillas como “You’d Better Find Someone Else”,    “It’s so Easy”, “I’m a bad actor”, “Of dom’t bother me”, y “If were ever minus you” que lo cierra.

Los Blue Ash a mediados de los setenta.
Ya en el segundo álbum nos ofrecen en su cara A “Abracadabra (Have you seen Her?) incluida en “No more No less”  más las canciones “When You rock”, “It Won’t Be long Now”, “When I Come Home”, “She’s Isn’t There” y “Tired Of Pushing” que también cerraba su segundo disco “Front Page News”. Y en la cara B de ese segundo  vinilo se recogen: “The boy Won’t Listen”, “Magic Words”,  “Elementary Dr. Watson”, “Day and Night”, “Can’t ger her off my mind”, y “Pleasant dreams”.
Y por eso fuera poco, nos regalan un 7” con canciones acústicas tituladas “Everywhere I Go” más “A millions Miles Away” en su cara A más “Instantly I Knew That i Loved You” y  “Make Sure You Give It back” en su cara B.  Ninguna de esas canciones fueron ni siquiera añadidas en el recopilatorio en Cd de Not Lame.    

Reflexión final 

Es evidente que el encanto de los Blue Ash empieza precisamente en esa mezcla, muy de la época de finales de los sesenta hasta mediados de los setenta, del beat de las bandas inglesas con las raíces americanas folk de los combos de la costa oeste. Hasta aquí, nada nuevo bajo la siempre emocionante sombrilla del powerpop que nos protege de una excesiva luminosidad pero que permite que llegue hasta nosotros el reconfortante calor de melodías emocionantes.   Sin embargo,  los Blue Ash ni suenan exclusivamente a Beatles ni a Byrds, ni siquiera a Badfinger como tampoco a Big Star.  Los Blue Ash  son tan originales y únicos que las comparaciones acaban hasta por resultar desconcertantes.  Las 28 canciones que se incluyen en este magnífico recopilatorio de “rarezas” resultan tan vibrantes y cautivadoras, que les distancian de todo lo que hayas podido oír hasta el momento y estoy convencido que al oírles, por vez primera, vas a considerarles como uno de los mejores grupos que hayas podido disfrutar en tu vida.  Su pop poderoso  conmueve los corazones con la misma facilidad que entusiasma con esas flechas rítmicas que transmiten acción y te ponen en movimiento de forma imparable. Dejar pasar la oportunidad de escucharles en la intimidad de tu casa o en la pista de baile, es confabularse con la injusticia de un momento histórico que no supo ver en ellos uno de los mayores grupos del momento, cuyo inmejorable arte resulta imperecedero.      

Nota: Puedes adquirir una copia del disco en la web del sello y seguir también las novedades de You are the Cosmos en su facebook entrando aquí.  En el blog Fantail Música puedes leer una muy interesante entrevista a Frank Secich a cargo de Prof. Jatobite.