jueves, 23 de marzo de 2017

Fallece Robert “P-Nut” Johnson de la Bootsy’s Rubber Band más las bandas de George Clinton

P-Nut
Nacido en Baltimore en 1947, Robert “P-Nut” Johnson falleció el 12 de marzo de 2017. Cantante de soul y funk formó parte de la Bootsy’s Rubber Band en 1976, más Fred Wesley & the Horny Horns, y a partir de 1977 de varios proyectos de George Clinton como Parliament, P-Funk, o Funkadelic hasta su más reciente disco de 2014.  Dotado de una extraordinaria voz de tenor, tenía facilidad para cantar con la técnica del falsete. 

Tras formar parte de varias bandas de Batimore, grabó dos discos con la Bootsy’s Rubber Band, banda formada en 1976 por Bootsy Collins, con su hermano  Catfish Collins (guitarra), Frank Waddy (batería), the Horny Horns, Gary "Mudbone" Cooper y Robert "P-Nut" Johnson (voz). En los ochenta usaron el mombre de la Sweat Band. 

P-Nut 
P-Nut grabó los discos “Stretchin' Out in Bootsy's Rubber Band” (1976) y “Ahh...the Name is Bootsy, Baby!” (1977), así como con Fred Wesley & the Horny Horns “A Blow For Me, A Toot For You” (1977) antes de entrar a formar parte de los proyectos de George Clinton, Parliament y Funkadelic.

Grabó los discos de Parliament: “Funkentelechy Vs. the Placebo Syndrome”(1977); “Motor Booty Affair” (1978); “Gloryhallastupid” (1979); y “Trombipulation” (1980). Con Funkadelic sacó “The Electric Spanking Of War Babies” (1981); y con la P-Funk All Stars, “Urban Dancefloor Guerillas” (1983); “Live at the Beverly Theater” (1990); “Family Series, Vol. 1: Go Fer Yer Funk” (1993); “Hydraulic Funk” (1995), “Dope Dogs” (1995); T.A.P.O.A.F.O.M.!”(1996); y “How Late Do U Have 2 B B 4 U R Absent?” (2005). También participó en el disco de George Clinton & His Gangsters of Love de 2008 y en el de Funkadelic en 2008, “First Ya Gotta Shake the Gate”, entre otros.  

Documento sonoro: 

Trabajando en el estudio en noviembre de 2016 en el nuevo disco de Parliament. 



"Pole Power", tema del más reciente disco de Funkadelic en el que colaboró P-Nut. 


miércoles, 22 de marzo de 2017

Fallece el saxofonista de jazz, Roger “Buck” Hill

Roger "Buck" Hill  
Roger "Buck" Hill  nació el 13 de febrero de 1927 en Washington, D.C. y falleció el 20 de marzo de 2017 en Greenbelt, Maryland. Saxofonista de jazz, tenor y soprano, empezó a tocar a los 13 años y como profesional en 1943. Durante los cincuenta tocó con Charlie Byrd. Luego tuvo que volver a su trabajo de cartero para mantener a su familia y no fue hasta finales de los setenta que grabaría con su propia formación.   

Con el guitarrista Charlie Byrd grabó "Jazz At The Showboat" (1957), “Byrd's Word!” (1958) y “Byrd in the Wind” (1959). Mientras trabajó como cartero siguió tocando en los clubes de Washington acompañando a los músicos visitantes. 

Roger "Buck" Hill 
Enseñó a los jóvenes del barrio entre los que estaba el batería Billy Hart quien convence al jefe de Steeple Chase para grabarle. El 20 de marzo de 1978 le acompañarían Kenny Barron al piano, Buster Williams al contrabajo y Billy Hart a la batería.  Graban un disco “This Is Buck Hill” (1978) en el que destacan tres temas de Hill, “I'm Aquarius”, “S.M.Y.” y “Two Chord Molly”. Al año siguiente volverían a grabaru n nuevo disco llamado “Scope”.  Después grabaría a su nombre más discos como “Easy to Love” (1981), “layse Europe” (1982), “Impressions” (1983), “Capital Hill” (1989), “The Buck Stops Here” (1990), “I'm Beginning to See the Light” (1991), “Impulse” (1992), “Northsea Festival” (1997), “Uh Huh! Buck Hill Live at Montpelier” (2000), y “Relax” (2006).


En los ochenta también colaboró con Shirley Horn en los trabajos “Close Enough for Love” (1989), “You Won't Forget Me” (1991) y “The Main Ingredient” (1995) , y con Shirley Scott, “Great Scott!” (1991). 

Documento sonoro: 

Roger "Buck" Hill con su cuarteto y el tema "Tokudo"  de Buster Williams.  



Muere Sven-Erik Magnusson de los Sven-Ingvars

Sven-Erik Magnusson
Sven-Erik Magnusson nació el 13 de octubre de 1942 en Slottsbron, Suecia, y falleció el 22 de marzo de 2017. Guitarrista, cantante, compositor, saxofonista y clarinetista formó parte de la banda de rock and roll y “dansband” Sven-Ingvars. Falleció a consecuencia del cáncer que padecía.

Sven-Ingvars fue inicialmente un grupo de baile formado en Slottsbron, Suecia, en 1956 con Sven Svärd (batería), Ingvar Karlsson (guitarra y acordeón), más Sven-Erik Magnusson (voz, guitarra y clarinete).  Después entraron Rune Bergman al bajo y Sven-Olof Petersson al saxo tenor y barítono, y se convirtieron en banda de pop y rock and roll. Grabaron su primer Ep a primeros de los sesenta con el título de “Guitar Boogie”. A mediados de la década fueron muy populares en su país con canciones como "Te' dans me' Karlstatösera", "Ett litet rött paket", "Fröken Fräken", "Börja om från början", "Säj inte nej, säj kanske, kanske, kanske", "Vid din sida", “Önskebrunnen” y muchas otras. Cuando los Beatles visitaron Suecia en 1963, ellos fueron el grupo telonero. 

Sven-Ingvars
Ingvar Karlsson fue el único miembro que siguió en todas las formaciones. En 1977 Sven-Ingvars con Sven-Erik Magnusson grabaron el disco “Åh, Vad Skönt” y en 1987, “Nya Vindar”. En 1990 fueron galardonados con el premio "Dansband of the year", de la categoría de “dansband”, expresión sueca que significa bandas para bailar  jitterbug y el foxtrot con música inspirada en el swing, schlager, country, jazz, y rock. En 2005, Sven-Ingvars recibieron el premio especial del jurado en los Grammis suecos.




Documento sonoro: 

Sven-Ingvars y "Börja Om Fran Början" (1965).

El trío mallorquín Prenatal son punk con mucho ruido y nueces porque quieren y pueden

Portada
El trío mallorquín PreNatal sacaba a finales de 2016 un nuevo álbum con el título genérico de “No ofende quien quiere, sino quien puede”, editado por el sello también balear, Discos Polo.  El enunciado, sonsacado del refranero popular, no solo es un  excelente título para  tan sensacional como excéntrico trabajo,  sino que esconde también una buena fórmula para dilucidar una respuesta esclarecedora  a la controvertida pregunta sobre qué es en realidad el punk. Tras oír las once canciones, la mayoría de las cuales no llega al minuto de duración, al oyente le va quedar muy queda claro que punk es quien puede y no quien quiere. Y los PreNatal, qué duda cabe, nos ofrecen auténticas y demoledoras descargas de punk con trallazos hardcore, humor ácido e ironía políticamente incorrecta, con arreglos demenciales y excesos por doquier.  El resultado es, como ellos mismos apuntan, una “sarta de micro-canciones, sin trampa ni cartón, con mucho ruido y nueces”.  

Trayectoria 

PreNatal. Foto de su facebook
El trío PreNatal se crea en Palma de Mallorca en 2012 alrededor de la figura del veterano bailarín guayaquileño “Tachuela” (Mario Rolando Espinosa), el guitarrista y cantante Jonatán Uría de ascendencia asturiana, conocido por otros proyectos como Monta-Man o los Bélmez y responsable del sello Discos Polo, más el uruguayo Marcelo Víquez a la batería,  pintor, dibujante, escultor y creador de vídeo arte.  Tras grabar varias maquestas que comparten en la red, sacan los discos “Etiqueta negra” (2012), “Sin” (2013), y “Contentos con poco” (2015).    

 

Su nuevo trabajo, titulado “No ofende quien quiere, sino quien puede” se grabó en los estudios Special Forces Rock and Roll de Gin Spectra (Ginés Fernández) en 2016.  A destacar el artwork con un sensacional y divertido dibujo de una mujer con aureola y coletas, en cuya contraportada se aprecian detalles sobre sus órganos genitales que, con el agujero del centro del Cd, adquieren una mayor dimensión. 



Las canciones

Prenatal en directo 
Abren con “nadie va a hacerte daño II” (la primer parte salió en su anterior disco), tema instrumental en el que confluyen una guitarra salvaje acompañada por una batería desaforada. Una sucesión de riffs conectados por la mala leche y fuerza descomunal nos trasporta hasta “la misma piedra”, segundo corte con tajantes momentos de eléctrica y ritmo marcado de percusión. Nos dicen: “Esto me pasa, por confiar en ti”. Le sigue “porc negre”, canción en la que comentan “tenemos que cambiar” con momentos afilados y oscuros de guitarra after punk, sin más pero también sin menos.       


PreNatal en directo
A continuación nos ofrecen “a George” tema igual de descarado en el que “me jode matarte… mejor será darte una larga y mala vida”.  A destacar esa entrada rítmica muy bailable y secuencias de guitarra desgarradas que descargan sobre tus oídos con ataques viscerales de punk rock. Llegamos a la “escopeta”, con su propuesta de hardcore de calidad. Su única y contundente frase es: “déjame el contrato sobre el mueble de las escopetas que por la tarde te lo firmo”. Sensacional.   Llegados al “country club”, disfrutamos de ese tempo marcado con  guitarra de pulsación “tejana” que retruena en el cerebro con paso soberbio dando forma al segundo momento instrumental del disco.  Ipso facto, nos demuestran que “tenía que pasar”, otra exhibición de microcuento de punk minimalista en la que nos anuncian que “una mañana fría llegó” y ya está. Escasos segundo antes de dejar claro de que “en la mesa no se habla ni de droga ni de política”.  Viene al caso porque el protagonista se “aleja de la izquierda, y te acercas a la droga”. Alegato en favor o en contra de lo que prefieras, sin desperdicio alguno, entre riffs imaginativos y ritmo cautivador. Con “lady?” nos topamos con más guitarras agresivas que van tejiendo divertidos e hirientes acordes entre gritos y preguntas que nos llevan hasta el “abismo”.  “Siempre lo mismo”, nos cuentan, “me veo el ombligo y no el corazón” en este tema de influencia hard rock llamado “los niños y las mujeres después”. 

Va finalizando el disco con ese movimiento funk ácido con recitado hip hop. El tema se llama “el ritmo del ji ji (El Fary)” y en él nos explican entre otras expresiones de elevado lirismo marca de la casa: “soy un hombre jaranero y para la fiesta me apunto el primero… me gustan las cuarentonas, las de dieciocho, vestidas y en cuero… Si tuviera dinero me compraría un velero lleno de mujeres guapas con buenas defensas y un cocinero… soy muy bueno en el amor, chiqui chiqui pon, y no paro de funcionar”.  

Reflexión final 

Y eso es todo, amigos. “Eso te vas a llevar, jiji… jajaou”, como dicen en la última de las frases de este fabuloso disco de auténtico punk sin contemplaciones. Me imagino que si eso mismo se vendiera dese algún media especializado como nueva tendencia en literatura “post-indie” de micro-relatos; o si las frases fueran en inglés a cargo de un grupo que edita casetes en, por ejemplo, Denver (Colorado), habría muchos más seguidores de lo vanguardista que se entusiasmarán con el proyecto. Pero ni son yanquis, ni encabezan ningún movimiento arty, ni nada que se le parezca. Son PreNatal, trío de Palma de Mallorca, que no solo pueden sino quieren  hacer punk.  Si te viene a mano, no te pierdas uno de sus aclamados directos y si quieres una copia de tan suculento objeto de coleccionista, al menos para saber dónde coincide cierto agujero con el centro del Cd, pues igual si les escribes, te venden uno y te lo dejan encima del mueble de las escopetas.   

Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp del grupo.  El viernes 24 de marzo de 2017 actúan (+ info) con Bernie Tenor Ligero en Sabotage (Palma de Malorca). 

lunes, 20 de marzo de 2017

“Come Clear” de The Fingersmiths, un trabajo sincero con la garra rítmica del punk y la musicalidad del pop poderoso

Portada
El nombre genérico de un disco puede obedecer a múltiples factores que surgen tras una decisión muy meditada o son consecuentes con el mero capricho del momento, creando un amplio abanico de razones personales y potencialmente  justificables. En el caso del segundo trabajo de los Fingersmiths, el epígrafe escogido corresponde con el título de la primera canción que abre el álbum editado en 2016 gracias al esfuerzo conjunto de nada menos que 11 sellos: seis de ellos españoles, Sweet Grooves Records, Ghost Highway, Borx Records, Magazine, Devil Records y KOTJ Records, conjuntamente con Dingleberry Records (Alemania), Hovercraft (USA), Monster Zero (Austria), 59SRS (Rusia), y Dead Punx Records (Bélgica). Más allá de esa evidente condición de apertura, se intuye en la sinceridad de la letra de "Come Clear" una necesidad imperante de compartir, de poner en claro las ideas, de plantear una relación verdadera ya sea con la persona amada o con todos los oyentes mediante la garra rítmica del punk rock y la musicalidad del pop poderoso.  Ahora bien, estoy convencido de que si los oyentes pudieran escoger un segundo título para este sensacional álbum a cargo de este quinteto valenciano, optaríamos con unanimidad en destacar el título de la tercera de las canciones, esa “Goose Bumps” porque resume a la perfección la sensación física que vas a experimentar al oír todas y cada una de sus magníficas canciones. 

Trayectoria 

The Fingersmiths. Foto: Sergio Andrés
The Fingersmiths son Edi Cadenas (voz), Rubén Santatecla (Guitarra), Tim Burmeister (guitarra), Vicente López (bajo) y Joan Clausell (batería). Se formaron en Valencia en 2011 como cuarteto con Antonio a la guitarra, Vis al bajo, Juanlu como batería y Edi a la voz principal. Graban su primer disco "The First One, Six Songs", en 2013, con seis canciones.  Al año siguiente, Tim substituye a Antonio,  y al poco se suma al proyecto Rubén.  Su segundo disco,  "Come Clear"  fue grabado y producido en directo en un solo día en los estudios Milensia de Valencia, por Rubén y la banda, y mezclado más masterizado por Vicente Sabater. Los temas son propios, y las letras de Edi más Gisela Hurtado.  El artwork, con esos puños y brazos juntos dando una imagen de cohesión y fuerza, es de Mik Baro. El disco incluye una hoja interior con las letras de las canciones más una foto de la banda a cargo de Sergio Andrés.  Se han prensado 500 copias del LP, de las cuales 300 son en vinilo negro, 100 en rojo y otras 100 en azul.

Las canciones 

The Fingersmiths. Foto de su facebook
El disco empieza con “Come clear”, tema sincero que debes de oír dispuesto a dejarte llevar por esta banda cargada de “high energy”.  Ellos te hablan y tocan para ti desde la honestidad: “Soy un caballero pero no llevo ninguna lanza” pero si unas guitarras poderosas, una sección rítmica consistente y una voz inmejorable, entre cambios armónicos y crescendos espectaculares.  El resultado es una conjunción de riffs y arreglos generosos, con un excelente solo de guitarra, que obedecen a prolíficas referencias pero que se expanden desde un punto de vista propio, ejemplar, “severo, sin miedo”. Le sigue “Through my window”, aguerrido corte de guitarras desaforadas, momento solista incluido que resulta muy emotivo, acompañadas por una sección rítmica que respira con fiereza, y esa voz principal que despega magistralmente para cantarnos lo que ve desde su ventana: “personas perdiendo sus vidas, sus trabajos… personas que tienen sus derechos”.   Nadie debería de olvidar eso que parece tan sencillo y a su vez resulta tan complicado.       

The Fingersmiths. Foto de su facebook
Continuamos tan aguerrido y concienciado álbum con “Goose Bumps”, que arranca con magistral riff de guitarra para absorbernos en un tema que conjuga preceptos de powerpop y punk pop. Una maravillosa canción ideal para esos días inspirados en la que se nos obsequia con una jornada embriagadora para que podamos  llevar a cabo nuestros planes con buenas vibraciones y la piel de gallina. De nuevo, otra aportación a tener muy en cuenta de la guitarra solista más la inmejorable voz principal, en todo momento muy presente. El siguiente corte lleva por título “Sweet Olivia Song”, tema cariñoso dedicado a esa mujer que llena de “amor nuestra vida”. “Un sueño hecho realidad… de la que fluye su sabiduría… todo lo haces me hace sentir alegre… cuando me das rock and roll”.   Musicalmente, descargan las guitarras con enorme pasión agrandando el poderío melódico de un tema sublime que invita a saltar, y a gritar al mundo entero con esa plena satisfacción  al tiempo que enloquecemos mediante otro momento solista de guitarra.    

Llegamos de este modo a “Way to go” en el que nos hablan sobre “el camino a seguir para comenzar una revolución….todos estamos respaldando una causa aunque nadie sabe cómo ha crecido ese sentimiento y para qué es este grito”.  Demoledor tema de punk salvaje, con los componentes precisos para convertirse en un himno coreado en las primeras filas de esa revolución que “todos estamos pensando”. Adquiere una vertiente más oscura y se carga de afilada guitarra descerrajando notas por doquier.   Cierra la cara A “Forgotten and forgot”, otra maravilla de punk acercándose ya al post-punk de raíz ochentera, con un dominio rítmico espeluznante a cargo de bajo y batería, más procedentes guitarras tajantes y esa gran voz principal contándonos una historia sobre la “pequeña y ocupada vida” de un hombre olvidado con todas sus consecuencias.  

The Fingersmiths. Foto de su facebook
La cara B arranca con “Breath on Me”, para sentir el aliento de esa persona especial de la que queremos saber si quiere acompañarnos.  Disparan las guitarras desde el primer compás en esa sensacional mezcla de pop poderoso y resolución punk, avanzando sin titubeos, con entrega descomunal, a la búsqueda de ese estribillo que, con el solo correspondiente de guitarra, logra que todo estalle en secuencias de ritmos desbocados que nos ponen los pelos de punta hasta llegar a un final verdaderamente apoteósico. A continuación nos ofrecen “She never  phoned back”, en la que regresa el desamor como principal fundamento, en forma de esa llamada que esperamos, pero que nunca llega, de esa chica que conocimos una noche de verano. Entonces nos asalta la duda de si tiene el número equivocado, o quizá no quiera en realidad volvernos a ver. La banda avanza de nuevo imperturbable con registro de punk pop aunque nos sorprende con riffs imaginativos y cambios armónicos muy sugerentes. De este modo, logran  agasajarnos con varios patrones en una amplio despliegue de método bien aprehendido y acción a raudales. 
          
El siguiente tema se titula “I Know what you want”, con el ímpetu de quien afronta las rupturas, “la misma vieja canción”,  con las palabras rebotando en la cabeza, sin sentirse un perdedor.   Y así lo transmiten las guitarras en varias voces, riffs fascinantes combinados con acordes agresivos, dando cobertura a la voz principal, arropada por una sección rítmica imparable. Como viene siendo habitual en tan descomunales temas, no falta el lucimiento de la guitarra solista y esos finales tan contundentes.  Y cuando podía parecer que conocíamos todas las estrategias de esta enorme banda, van y nos anonadan con “Please don’t let me drown” y ese irrefutable comienzo, más posterior seguimiento, de bajo y batería con el que nos bombardean tan gratamente desde el primer segundo.  Un tema al que podríamos añadir parafraseando el título: “por favor no dejes de sonar”, aunque en este caso la ayuda solicitada sea otra, en este caso de tipo amoroso hacia una persona a la que no pensamos renunciar. “Te amo tanto y voy a gritarlo”. Un gran tema que muta en otra andanada de guitarras oscuras y solemnes que rugen de forma marcada hasta que desaparecen en la inmensidad del futuro que espera a ese amor complicado.   

The Fingersmiths. Foto de su facebook
Va finalizando el disco con “I can’t do it”, un grito justificado en busca de “una vida mejor para vivirla” expresando esos verdaderos sentimientos que dan sentido a canciones tan cautivadoras como esta en la que confluyen lo mejor del pop irredento y el punk más emotivo.  Fuerza y pasión aunadas con arreglos deslumbrantes, riffs en segundo plano que no pasan desapercibidos, voz principal y guitarra solista en estado de gracia, y batería más bajo manteniendo el tempo sin titubeos, siempre constantes como un metrónomo alocado pero seguro.      

Cierra el álbum “Whimper in the wind”, la última de las maravillas sonoras de este disco, un auténtico lujo para los sentidos, ya sea con el propósito de dejarse llevar por la garra de sus guitarras, el ímpetu de la sección rítmica, o el coraje de su cantante con coros añadidos.  Un tema en el que la letra nos recuerda esas incertidumbres, esos sollozos que se lleva el viento, cuando no tenemos claro dónde ir, sin saber qué hacer, buscando un lugar donde estar.      

Reflexión final 

The Fingersmiths. Foto de su facebook
"Come Clear" de los Fingersmiths es un disco de punk rock perfecto: pensado, estructurado e interpretado como mandan los cánones de varias épocas, desde mitad de los setenta hasta la actualidad pasando por las diferentes escenas de los ochenta y noventa. No faltan matices procedentes del pop más poderoso con el propósito de pulir los detalles más melódicos e incluso resultan muy convincentes, por trabajadas, las consabidas distorsiones ante las que no se dejan llevar innecesariamente evitando las recurrentes cortinas de rabia de otros proyectos similares mucho menos intereantes que el suyo. Los arreglos resultan sublimes porque cuidan todos y cada uno de los detalles, desde la perseverancia impactante de la sección rítmica a cargo de bajo y batería, con esas fascinantes guitarras deleitándonos mediante comedidos solos de antología entre riffs imaginativos, hasta  la poderosa voz principal que establece un registro propio y natural francamente muy enriquecedor. El resultado es cautivador y nos atrevemos a afirmar que obedece a un trabajo de equipo meticuloso durante el que, tanto los detalles solistas como el sonido combinado de toda la banda, está pensado para ponernos, como bien dice el título de uno de sus temas la piel de gallina, altamente seducidos por unas canciones enérgicas, de letras cuidadas, que te ayudarán a vivir mejor esa vida que bien te mereces.         

Nota: Puedes escuchar las canciones y adquirir una copia en los sellos Sweet Grooves, KOTJ, Devil records, Magazine, Borx Records o Ghost Highway Recordings.  

domingo, 19 de marzo de 2017

Muere Chuck Berry, leyenda del rock and roll

Chuck Berry 
Charles Edward Anderson “Chuck” Berry nació en Saint Louis, Misuri, el 18 de octubre de 1926, estado donde falleció el 18 de marzo de 2017. Leyenda del rock and roll y uno de sus representantes más influyentes de la historia de la música, se le recordará por una larga lista de grandes éxitos como "Maybellene" (1955), "Roll Over Beethoven" (1956), "Rock and Roll Music" (1957) o "Johnny B. Goode" (1958).  Los servicios sanitarios de emergencia recibieron un aviso de emergencia a las 12.40 hora local (las 18.40 hora peninsular española) en la calle Buckner de St. Charles. Cuando llegaron Berry estaba inconsciente. Intentaron reanimarlo sin éxito. Certificaron su muerte a las 13.26 hora local (19.26 hora española peninsular).

Su madre era profesora y su padre contratista y diácono baptista. Tercero de seis hermanos, estudió en la Summer High School, escuela de secundaria para afroamericanos del oeste de Mississippi donde hizo su primera actuación con la versión de "Confessin' the Blues" de Jay McShann. Aprendió a tocar con un libro de guitarra, Nick Manoloff's Guitar Book of Chords, y con la ayuda de sus vecinos y un maestro llamado Ira Harris. En 1944 en un viaje a Kansas City con dos amigos, fue detenido por un delito de robo a mano armada y fueron sentenciados a 10 años de prisión. Berry cumplió tres años en un reformatorio juvenil de Algoa, cerca de Jefferson City. Salió en 1947 y se casó con Themetta Suggs. En 1950 nacería su hija Darlin Ingrid Berry. En ese tiempo trabajaría de conserje, estilista, fotógrafo o carpintero, sin dejar la música.

Chuck Berry 
Ya en 1953 entró en la banda de R&B Sir John Trio, liderada por el pianista Johnnie Johnson, que con el tiempo se llamaría Chuck Berry Combo. Dos años contactaría con Chess Records para grabar su primer disco y preparó "Ida May" (versión de la canción de country "Ida Red"), y un tema de blues "Wee Wee Hours".  En julio de 1955 lanzaron el sencillo "Maybellene", cuya base es el ritmo de "Ida May". El sencillo vendió más de un millón de copias. La mayoría de las grabaciones con Chess Records, las hizo acompañado por el pianista Johnnie Johnson, el productor de discos Willie Dixon al bajo, Fred Below a la batería y él a la guitarra así como cantando.

Apareció en la película “Rock, Rock, Rock” (1955), donde canta "You Can't Catch Me", y le siguieron sencillos con "Thirty Days", "No Money Down" y "Too Much Monkey Business".  A finales del mes de junio de 1956 sacó "Roll Over Beethoven" y después "School Days", con la que mantuvo también los primeros puestos en las listas llegando a las inglesas.  Ya en 1957 se edita su primer Lp “After School Session”, aperece en la película “Mister Rock and Roll”, participa en una gira nacional “Biggest Show of Stars, y saca el tema "Rock and Roll Music". Al año siguiente salen sus grandes éxitos "Sweet Little Sixteen"  y el mítico "Johnny B. Goode", canción inspirada en su compañero de banda Johnnie Johnson. Berry también aparecería en la película “Go, Johnny Go!” (1959) interpretando "Johnny B. Goode", "Memphis Tennessee" y "Little Queenie".

Chuck Berry 
En 1959 conoció a una joven apache llamada Janice Norine Escalanti en Juárez (Texas) quien le dijo que tenía 21 años cuando en realidad tenía 14. Le ofreció trabajo en su club Bandstand, después fue detenida por ejercer la prostitución y Berry, de paso, también por infringir la ley de  "transportar a una menor de edad a través de la frontera del estado para fines inmorales". Fue condenado a cinco años de prisión, que pasaron a tres, y una multa de 5000 dólares. Salió en octubre de 1963. Al año siguiente sacó  "Nadine", "No Particular Place to Go", "You Never Can Tell" y "Promised Land".  Le siguió un disco con Bo Diddley, titulado “Two Great Guitars”. Y en 1965 su exitoso "Dear Dad", que fue la última canción de Berry en entrar en lo alto de las listas en unos siete años. Al año siguiente firmó con la compañía discográfica Mercury Records. Sacó más discos incluido uno en directo “Live at the Fillmore Auditorium” acompañado por la  Steve Miller Band.


Chuck Berry 
Ya en los setenta volvió a Chess con el disco “Back Home”. En 1972 sacó "My Ding-a-Ling", con el que volvería a lo más alto. Y tras alguna que otra polémica por su contenido, editaría en 1975 un álbum de título homónimo tras el que firmó con Atco Records en 1979 y su último disco hasta el momento, “Rock It”.  Chucck Berry siguió tocando, fue invitado a la Casa Blanca, tuvo problemas con la ley por evasión de impuestos. A finales de los ochenta abrió un restaurant  en Wentzville, Missouri, al que llamó The Southern Air.  En octubre de 2016, durante la celebración de su 90º cumpleaños, Chuck Berry anunció el lanzamiento de su nuevo disco, previsto para este 2017, con temas nuevos en 38 años y con sus hijos formando parte de la banda. 

Documento sonoro: 

En 1958, con el "Johnny B. Goode", quizá el tema más estelar del rock and roll con uno de los riffs más influyentes de toda la historia, a cargo de todo un maestro que lamentablemente nos deja.   


viernes, 17 de marzo de 2017

Fallece Maxx Kidd, cantante, compositor y productor de Go-Go

Maxx Kidd
Carl Lomax  “Maxx” Kidd nació  el 18 de agosto de 1941 en West Virginia y falleció el 13 de marzo de 2017 en Chevy Chase, Maryland. Cantante, compositor, y productor, se le recordará principalmente por su contribución a la llamada música Go-go, mezcla de funk, rhythm and blues y hip-hop, que tuvo su época dorada desde mediados de los sesenta y setenta en el área de Washington DC. Formó parte de la banda de soul The Enjoyables y produjo así como compuso para otros combos como Chuck Brown and the Soul Searchers.

Kidd creció  en Virginia Occidental y conoció a Nat "King" Cole " en un club nocturno propiedad de su padre. En 1960 empezó su carrera musical  cuando se trasladó a Washington, DC tras un período en el ejército.  Fue allí donde Kidd aprovechó su etapa anterior de cantante de Calypso para convertirse en miembro de un grupo local llamado The Enjoyables, banda de soul en el que estuvieron  Keni Lewis, Sidney Hall, James Johnson, William Britton, y Gerald Richardson. Grabaron un par de singles con los temas “Push A Little Harder” y “Shame” más “I'll Take You Back”. 
 
Trabajó de productor con los  Curtom Records de Curtis Mayfield , donde colaboró ​​con artistas como Jerry Butler , Gene Chandler y Chuck Brown and the Soul Searchers .  Dos éxitos de R&B de Brown, "Blow Your Whistle" y "We Need Some Money" están entre las producciones más conocidas de Kidd.   Kidd desempeñó un papel muy importante en la producción y apoyo del llamado sonido “go-go”, trabajando no solo con el mencionado Brown & The Soul Searchers, sino también con Trouble Funk y EU (Experience Unlimited) .
 

Maxx Kidd

Fue también  productor de la  película de 1986 “Good to Go”, un thriller policial que protagonizó Art Garfunkel con la escena go-go de DC como telón musical de fondo. Kidd coprodujo la banda sonora de la película, con Chuck Brown, Trouble Funk, EU, Sly Dunbar y Robbie Shakespeare, Ini Kamoze y Redds & the Boys (de los que formó parte Kidd). Creó también una discográfica propia TTED Records, y se convirtió en un promotor colaborando con O'Jays , Temptations, Lou Rawls , Van McCoy , Johnnie Taylor y Shalamar . 

Documento sonoro: 

"Shane", es un tema de Kidd que compuso, grabó y produjo con  The Enjoyables.
 

Otro de los temas de Kidd, "Blow Your Whistle" a cargo de Chuck Brown and the Soul Searchers.


Muere el armonicista James Cotton

James Cotton
James Henry Cotton nació el 1 de julio de 1935 en Tunica, Mississippi, y falleció el 16 de marzo de  2017 en Austin, Texas, a consecuencia de la neumonía que padecía según indicó su mánager. Prestigioso músico de blues, intérprete de armónica y cantante,  tuvo una larga carrera musical que abarca seis décadas durante la que  formó parte de las bandas de Howlin’Wolf  y Muddy Waters.  Hizo sus primeras grabaciones en Memphis para Sun Records, bajo la dirección de Sam Phillips, y creó sus propias formaciones a partir de mediados de los sesenta como el Jimmy Cotton Blues Quartet. 

Creció trabajando en una plantación de algodón en Mississippi y quedó huérfano de padre a los nueve años. Por entonces ya tocaba la armónica que su madre le había conseguido.  Tras oír a Sonny Boy Williamson II en la radio, un tío le llevó a West Elena (Arkansas) donde le conoció y tocó en su banda hasta que Williamson les dejó para trasladarse a Milwaukee, Wisconsin.  También empezó tocando la batería.  

A principios de los cincuenta tocó en la banda de Howlin’Wolf.  En 1953 grabó para Sun records y su primer single contenía el tema "Cotton Crop Blues", con un solo de guitarra de Pat Hare. Alrededor de 1955 comenzó a tocar con la banda de Muddy Waters temas emblemáticos como “Got My Mojo Working"  y "She's Nineteen Years Old", aunque no en las grabaciones originales. Su primera grabación conjunta fue en 1957 y alternó con Little Walter hasta el final de la década. 

James Cotton



En 1965 formó el Jimmy Cotton Blues Quartet, con Otis Spann en el piano, para grabar entre conciertos con la banda de Waters. Sus actuaciones fueron grabadas por el productor Samuel Charters en el volumen dos de la grabación para Vanguard “Chicago / The Blues / Today!”. Tras abandonar la banda de Waters en 1966, Cotton viajó con Janis Joplin para abrir en sus giras y creó la James Cotton Band  en 1967.  Se ganó la admiración de los grupos psicodélicos de finales de los sesenta, y colaboró con otros grandes como Led Zeppelin.  

James Cotton
En la década de los setenta, Cotton grabó varios álbumes para Buddah Records. Interpretó la armónica en el álbum de Waters ganador de un Grammy en 1977 “Hard Again”, producido por Johnny Winter. En la década de los ochenta grabó para Alligator Records en Chicago, sello con el que volvió a grabar en 2010.  Recibió más nominaciónes al Grammy por sus discos de 1987  “Live from Chicago: Mr. Superharp Himself!”  con Alligator y “Take Me Back” para Blind Pig Records. Consiguió un Grammy en 1996 el disco “ Deep in the Blues”.  En 2006, fue incluido en el Blues Hall of Fame en una ceremonia llevada a cabo por la Fundación de Blues en Memphis.  Ha ganado o compartido diez Blues Music Awards.  A pesar de un cáncer de garganta a partir de los noventa, siguió haciendo giras, usando otros cantantes o miembros de su banda como vocalistas. Cotton vivió sus últimos años en Austin y sacó su último disco en 2013, "Cotton Mouth Man".

Documento sonoro: 

Primera grabación de James Cotton para Sun records.



 James Cotton en directo en 1973. 


jueves, 16 de marzo de 2017

Bienvenidos al “Modern Hall” de los Pasapogas Hammond Quartet, tercer y exquisito single de mod jazz

Portada
Con "Modern Hall", ya son tres los singles que los Pasapogas Hammond Quartet han grabado desde 2012 hasta la actualidad con canciones propias en el más puro estilo “mod jazz”, es decir, música bailable e intuitiva que deja atrás la era del swing para dar forma a un nuevo estilo jazzístico avant-garde que arranca en la década de los cuarenta del siglo XX con el bebop, se embebe de pop soul y llega a nuestros días de la mano de proyectos tan imaginativas como éste que te presentamos. Los tres sencillos editados hasta el momento por su propia discográfica Tweed Jackets records son una muestra irrefutable de la elegancia, pasión y habilidad que trasmite este excelente combo formado por unos intérpretes con recursos instrumentales ciertamente espectaculares. En esta tercera entrega nos ofrecen cuatro temas propios a cargo de cinco grandes músicos, de excelente criterio, con no menos destacable bagaje, que brillan por separado y de forma conjuntada aunando esfuerzos para dar vida a magistrales arreglos con los que consiguen conjuntar cautivadoras voces solistas mediante un fascinante acompañamiento rítmico y melódico.

Trayectoria

Pasapogas Hammond Quartet
Pasapogas Hammond Quartet se crea en Elche en 2012 con experimentados músicos procedentes de bandas como Los Circulos, Afterglow, o Goldfingers.  Ellos son Ángel Soriano (órgano Hammond), Jero Colomina (guitarra), Santiago Vilella (batería) y Ricard Chumillas (saxo tenor, flauta travesera y percusión). Tras los Círculos, insigne banda mod de los noventa, Ángel, quien cambia la percusión por el órgano,  y Juanvi González (después en Summer Riders y Paisley Expres) a la guitarra crearon Afterglow en 2001 con Santi Vilella a la batería, Patricia Miralles (después en les Pick-Ups) a la voz solista y numerosos bajistas como  Paco Bernabeu, Alejandro Orts y finalmente el también ex-Círculos, Jero Colomina. Grabaron cuatro maquetas y se separan en 2005.  Volverían a tocar en un único concierto el 18 de abril de 2015, con motivo del 25 aniversario del Circles Club, la sociedad Modernista de su ciudad, en La Gramola de Orihuela. Por su parte Ricard tocó con la banda de soul valenciana Goldfingers, creada en los noventa, en la que también tocaron Sergio Albentosa (órgano), Jorge Belenguer (guitarra), Carlos Ruíz (bajo) y Diego Alanzabes (batería).



Pasapogas Hammond Quartet
El nombre de la banda es un homenaje a la sala Pasapoga de Elche, abierta en la década de los cuarenta y cincuenta  que a su vez se inspiraba en el legendario Pasapoga de La Gran Vía de Madrid donde se podía oír jazz y swing en los duros años de la posguerra.  Empezaron recreando versiones de clásicos  como “Almost Grown” de los Small Faces, “Blow up” adaptado por el James Taylor Quartet o el “Green Onions” de Booker T. and  the Mg,s.  Grabaron un Ep “Dancing Time” ( + info) en enero de 2014 con la ayuda de José Manuel Maldonado en los estudios Eurotrack (Elche) y masterizado en los estudios Sacramento (Alicante). Todos los temas son originales de la banda con producción propia y editados por Tweed Jackets records, una discográfica que han creado ellos mismos con el propósito de sacar su música pero también con el objetivo de crear un catálogo con otras bandas afines.  Desde entonces Maldonado colabora en la banda tocando percusión.

Ricard Chumillas
Su segundo sencillo con el título de “Groovin On” fue grabado y mezclado por Maldonado en los  ilicitanos Eurotrack, en diciembre de 2014 y masterizado en los también mencionados estudios  alicantinos Sacramento. Contiene un tema original y una versión de Billy Larkin and The Delegates. Angel Soriano nos vuelve a ofrecer una de sus excelentes portadas  tan a lo “Blue Note” y muy apropiadas para su música. En la contraportada, una foto de la banda en Le Bal des Minets (París) a cargo de Paco Steady.  Puedes leer una reseña de ese sencillo aquí

Este tercer sencillo ha sido de nuevo grabado en los mismos estudios en julio de 2016, con cuatro temas propios, y masterizado de nuevo en Sacramento. Cuenta con otra fantástica portada a cargo de Angel Soriano, más una foto en directo el 12 de diciembre de 2015 en CCCE L’Escorxador de Elche tomada por Juanvi Circles. 


Las canciones

Santiago Vilella. J.M,. Maldonado y Angel Soriano
Solo por el inicio visceral del primer tema de la cara A, “Modern hall” ya vale la pena conseguir una copia de este sensacional disco.  La música arranca de las entrañas de ese poderoso Hammond y se suma la rítmica guitarra más la perseverante batería para dar cobertura a ese saxo que nos ofrece una lección de riffs combinados con fraseos sensuales. Le sucede la no menos imaginativa guitarra con líneas sinuosas y el órgano que aporta la sobriedad cautivadora de acordes amplios y filigranas que inciden en ese indudable componente bailable presentado con una técnica inmejorable en la que ni siquiera faltan compases de percusión que ejercen de puente con una brillantez destacable. Le sigue “Serie Z”, otra exhibición de talento con, de nuevo, un Hammond que, con la ayuda de la flauta, desgrana una melodía lisérgica con motivos selváticos, dando forma a una posible BSO de serie B realmente exquisita, con acompañamiento rítmico de batería y demás instrumentos de percusión  sensacionales.   

Angel Soriano y Jero Colomina
En la cara B nos ofrecen “The Cocrodrive”, grandiosa canción en la que el saxo vuelve a tener una parte protagonista aportando a la consabida brillantez jazzy, detalles latinos y de bossa nova fascinantes, tras los que deja paso a la imaginativa guitarra recurriendo a ejercicios de estilo cargados de pasión. Se añade a la gran fiesta sonora ese esencial Hammond que aporta secuencias envolventes y oníricas que, sin lugar a dudas, embelesarán a cualquier amante de la buena música. Cierra el sencillo “Palm Girl”, que bien podría servir de banda sonoras de tu serie favorita, para amenizar un cocktail de auténtico lujo cultural, como para invitarte a la pista de baile de tu “allnighter”, público o privado, de cabecera. Sus solistas vuelven a hacer alarde de un destreza impresionante con la que dibujan improvisaciones cargadas de las notas imprescindibles y suficientes que te llegarán al alma al tiempo que despertarán los sentidos moviendo tu cuerpo al compás de una música arrebatadora.               

Reflexión final

Pasapogas Hammond Quartet. Fotos: Juanvi Circles
Entre todas las excelencias que reúnen los Pasapogas Hamond Quartet, hay una que realmente me conmueve de manera extraordinaria y es esa facilidad deslumbrante que tienen para conseguir que las soberbias improvisaciones protagonistas adquieran más poderío, aún si cabe, gracias a un acompañamiento de constitución  firme a la par que moldeable, compás a compás, según la intencionalidad del momento. Prevalece un mensaje seductor, indudablemente refinado, pero también embriagador y visceral por su gran intensidad. La banda completa una construcción sonora sumamente perfecta gracias a un amplio abanico de matices que moldean la ambientación de cada una de las canciones. Todo ello nos permite disfrutar de un sonido y un estilo propio que identifican a un combo instrumental único y magnífico, al que considero entre los más  grandes no solo de la actualidad sino, si se me permite, de cualquier época y escena pop, soul o jazzística. “Modern hall” así como los tres restantes temas que figuran en éste, su tercer sencillo, autoeditado por su propia discográfica Tweed Jacket Records, constituyen una auténtica maravilla de canciones pensadas e interpretadas para perdurar en el imaginario compartido de mods y/o amantes del jazz, sean expertos, simpatizantes o neófitos, y de forma genérica en todas aquellas personas sensibles, como tú, para las que la música es una indispensable razón de vida, una de las mejores.          

Nota: Puedes escuchar las canciones y comprar el sencillo en la web el sello Tweed Jacket Records  

    

Fallece Jim Fuller de los Surfaris

Jim Fuller, conocido como “El padrino de la guitarra surf”, nació el 27 de junio de 1947 y murió el 3 de marzo de 2017 en Monrovia, California. Fue guitarrista de la banda de rock and roll The Surfaris formados en Glendora, California, en el año 1962. Se les recuerda principalmente por un single con dos temas legendarios que destacaron en la lista de éxitos de Los Ángeles, California y que se convirtieron en hits a nivel nacional, incluso internacional, con Dot Records en el mes de mayo de 1963.  Nos referimos a los magistrales "Surfer Joe" en la cara A y "Wipe Out" en la cara B.

Los miembros originales de la banda fueron Ron Wilson (batería), Jim Fuller (guitarra solista), Bob Berryhill (guitarra rítmica) y Pat Connolly (bajo). Tras exitoso single, se les unió el saxofonista Jim Pash grabando sus sesiones en Pal Studios.  Forsi Ken sustituiría al bajo a Pat Connolly.  Fuller contaba con 15 años y en diciembre de ese año entraron a grabar “Surfer Joe” más su “Wipe Out”, en los estudios Powell de Cucamonga. 

Como bien sabes, "Wipe Out" arranca con el sonido de una tabla de surf partiéndose (se encargó el padre de Berryhill), y la risa loca del mánager Dale Smallin quien dice “borrar” para dar entrada al soberbio momento de batería que marcó una época, a cargo de Wilson. Originalmente iba a ser titulada “Switchblade (navaja de muelles), y se vendieron más de un millón de copias, consiguiendo un disco de oro.

El sencillo salió primero con los sellos locales como DFS y después Princess. Con Dot records se distribuyó a nivel nacional llegando al segundo puesto de las listas tras otro artista aún más joven, Stevie Wonder y  “Fingertips”.  Después consiguieron otros éxitos menores con temas como “Point Panic”. 

La banda se separó en 1966 aunque se reunieron posteriormente en varias ocasiones contando con el gran Fuller.  Tras la separación tocó brevemente en los famosos Seeds, volvió con los Surfaris y recientemente creó una banda llamada Jim Fuller and The Beatnik. 


Documento sonoro: 

"Wipe Out", de los Surfaris, todo un clásico de la escena instro surf.


Fallece Ritchie Adam de los Fireflies y compositor

Ritchie Adam
Richard Adams Ziegler aka “Ritchie Adam”, cantante y guitarrista de The Fireflies y compositor, nació el 15 de diciembre de 1938 y falleció el 6 de marzo de 2017.  También compuso o grabó con los nombres de Rick Chambers o Richard Ziegler. Algunos de sus mayores éxitos con la banda fueron los temas “You Were Mine” (1959) y “I Can't Say Goodbye” (1960). También triunfó como compositor con canciones como “Tossin' & Turnin'” que Bobby Lewis llevó al número uno en 1961 y “After The Lovin'” que interpretó Engelbert Humperdinck, llegando al octavo puesto de las listas en 1977.


The Fireflies
The Fireflies fueron un grupo de doo-wop que se formaron en 1957 en Long Island, Nueva York, con el productor  Gerry Granahan quien fue cambiando los componentes hasta que en 1959, se estableció la formación con Adams, Paul Giacalone (cantante bajo y baterista, nacisdo en 1939 y fallecido en 2013) , Lee Reynolds (guitarra y voz), John Viscelli  (saxo y voz) y Carl Girsoli (guitara y voces).  Tras los dos éxitos antes mencionados, Adams les dejó y se dedicó a la composición al tiempo que grabó algunos singles para los sellos Beltone, Congress, Imperial y otros pero sin excesiva repercusión.  Donde sí consiguió algunos hits fue en sus obras interpretadas por otros como ese "Tossin' and Turnin'” en manos de Bobby Lewis que también llevaron a lo más alto The Ivy League en 1965 y Bunny Sigler en 1973; o “Fly By Night” interpretada por Andy Williams en 1961; “Happy Summer Days” por Ronnie Dove en 1966; “Sugar (Don't Take Away My Candy)” a cargo de  Jive Five en 1968; “After the Lovin'” por Engelbert Humperdinck  en 1976; “Lover's Holiday” de nuevo por Engelbert Humperdinck en 1977, entre muchas otras;  o “Kentucky Mornin'” y “The Next Hundred Years” con  Al Martino en 1977.

Adams también trabajó como compositor en programas infantiles como el de los Archies y el de Banana Splits. Con los Archies canto la canción “Love is Living in You”.

Documento sonoro:

"You Were Mine", tema a cargo de los Fireflies, compuesto y cantado por Ritchie Adam.



“Tossin'& Turnin'”, tema que compuso Adams con Malou Rene y que llevó al número 1, Bobby Lewis.



martes, 14 de marzo de 2017

“We are The Oddballs”, Lp de debut de esta fabulosa banda de insurrectos malagueños con su grandioso frat-punk rock

Portada
En una secuencia de la memorable película “Kelly's Heroes” (1970) dirigida por Brian G. Hutton y titulada aquí como “Los Violentos de Kelly”, uno de sus protagonistas más carismáticos, el sargento Oddball, recibe un consejo exigente: “tienes la oportunidad de ser un héroe, ¡no seas gallina!” a lo que el personaje que interpreta el gran Donald Sutherland contesta: “-¿Qué crees que es un héroe?, ¡Un bocadillo de carne picada!”.   Solo es uno de los muchos ejemplos a destacar de este film  manifiestamente antimilitarista ambientado en la segunda guerra mundial.   Pues bien, de ese peculiar sujeto, toman su nombre genérico este combo malagueño de garage punk: The Oddballs, quienes en 2016 presentaban su primer álbum editado por Folc Records. Contiene 12 contundentes canciones que ejemplifican la enorme fuerza de estos músicos, antihéroes cuyo campo de batalla está en los bares o en sus magníficos como descalabrados directos. Conciertos en los que se entregan hasta lo indecible para que el respetable acabe hecho picadillo, pero de tanto bailar y vociferar sus grandes éxitos, ejemplos magistrales de frat-punk rock. 

Trayectoria 

The Oddballs, Fotos: Carlos Preil y Mario Vivancos.
Los Oddballs son Jose al bajo, Javi a la batería y coros, Juanillo a la percusión, Mario a la guitarra, voz principal y coros, y Dani a la voz principal, coros, y saxo.  Algunos de sus componentes habían tocado en bandas malagueñas ya disueltas  como Mister Moto, Toxic Womb o Alphajet, tras las que crean a finales del 2009 el grupo Puño Americano & His Puñettes, en uno de los múltiples encuentros y fiestas en el bar de Dani, el Drunk-O-Rama de Málaga.  Sacaron con Sleazy records un par de discos grabados en los Hollers Analog Studios de Málaga: un Cd en 2012 de versiones con el título genérico de “Helio Shake”, canción de Dani, más un Ep en 2013 con temas propios bajo el nombre de “Caveman”.   Tras cinco años de múltiples conciertos, esta banda se disuelve por  compromisos laborales y razones personales de las Puñettes (Inma, Irene, y Rocío substituyendo a Eva). Se despidieron el 27 de febrero de 2015 en un concierto celebrado en el Boogaloo Club de Granada durante una fiesta organizada por el Great Googa Mooga. El resto de la banda recupera a su antiguo batería, Juanillo, para hacerse cargo de tocar las maracas sobre un Golliat o timbal base, con el que se refuerza la pulsación rítmica salvaje en su brillante mezcla de rock and roll con garage punk.  

El disco fue grabado, mezclado y masterizado por Max RB, quien también se ha encargado de la producción con la banda,  en los  Holler Analog Studios en julio de 2016. El diseño de la carpeta, con ese fabuloso dibujo de la portada y contraportada, es de  Cristóbal Jiménez  “Cejota”. 
         
Las canciones 

The Oddballs. Foto: Toni Losas
El disco se abre con “Last Song”,  desparrame de sonidos cautivadores a base de batería y percusión bien compenetrada, saxo insistente, guitarras alocadas con ácidos momentos solistas más un bajo ciertamente persistente. Todos ellos dando cobertura a la gran voz solista que desgrana la melodía de este tema tan embriagador.  Le sigue “Dead Deers”, con su sabia mezcla de recursos de R&B, rock and roll, e instro-surf con los que conforman un excelente corte bailable y a su vez tarareable marcado con recursos primitivos y endiabladamente broncos. Incluyen buenos solos de guitarra que desarrollan los motivos principales respaldados por una banda que se posiciona con una contundencia brutal.  A continuación nos ofrecen “Fireball Stomp”, otra memorable muestra de cómo crear temas aguerridos, con ese ritmo de bajo y batería inicial, más perceptibles detalles de percusión selvática, que redimensionan el espíritu R&Bluesero de temas como “Peter Gunn” para adaptarlo al brillante universo salvaje de unos instrumentistas que sacan fuego de sus alocadas interpretaciones al saxo o a las guitarras.  El tema va creciendo con una seguridad aplastante hasta llevarnos al éxtasis colectivo.

The Oddballs en dirrecto. Foto de su Facebook
De este modo llegamos a “Broken Teeth” con su sensacional momento inicial de bajo que no nos abandona en todo el corte precediendo a una entrega absoluta por parte de la banda dando forma a otra maravilla de punk and roll desmadrado a base de frases tajantes y riffs afilados que cortan con solo mirarlos. Las guitarras insisten en esa especial capacidad de capturar nuestra atención con motivos montuosos al tiempo que el saxo no cesa en sus filigranas minimalistas de alcance sideral. Con “Sherman vs Tigerman” adaptan su vertiente más “garajera” con un tema que suena a banda sonora de disparatados dibujos animados de los sesenta a ritmo punk. Una maravilla de melodía y ritmo combinados con desfachatez y muy buen criterio profesional.  Finaliza la cara A con “Lonely Star”, adaptación del tema de los Saicos. Aquí los Oddballs consiguen que enloquezcamos a ritmo, convenientemente acelerado mediante magistrales arreglos, de este enorme tema que los legendarios peruanos editarían en 1965 como cara B de su mítico “Demolición”.    

The Oddballs. Foto: Toni Losas
La cara B comienza con “Slowly Killin’Me”, grandioso arranque con riff de bajo que nos recuerda al “Psycho Killer” de los Talking Heads que muta en un tema propio de punk oscuro y cavernícola. Espectacular manera de reconvertir un clásico en algo propio gracias al gran talento de estos músicos que tallan referencias con su natural idiosincrasia. Continúa con el tema que le da título “We Are The Oddballs”, un auténtico rompepistas o una traca de sonidos musicales con los que lograr que salten por los aires de la primera a la última fila de sus desmadrados conciertos. 

Le sucede un tema cantado en castellano,  “No sé bailar”, otra exquisitez para amantes del “garage” más alocado en el que saxo, solo free incluido, guitarra con fuzz a mansalva, y percusión irreprochable, más desgarrada voz principal, construyen un tema cautivador en el que si bien nos dicen que no saben danzar, queda muy claro que sí saben cómo lograr que tú bailes hasta desfallecer.  Llegamos ya extasiados a la versión del conocido tema de los Chicos, “We Sound Amazing But We Look Like Shit”, canción que puedes encontrar en el disco editado en 2010.  Si bien conserva todos los detalles que identifican a una de nuestras mejores bandas de rock and roll, como son los Chicos, no hay duda que podrás reconocer también muchas de las muestras de identidad de unos Oddballs inspirados y dispuestos a rendir un merecido homenaje con inusual humildad personal que no instrumental.    

The Oddballs triunfando en el Bule Bule 2015
Vamos cerrando tan fantástico trabajo con “Nazi Zombies Ate My Baby”, con otra entrada punk de batería más guitarra y saxo diseñando motivos de powerpop vertiginoso. Una de las canciones más bonitas del disco en la no nos pasa desapercibido el gran trabajo del bajo, la locura impresa por el saxo y en conjunto, la gran coordinación de todos y cada uno de los componentes de este fascinante banda.  Finaliza el disco con “Whisky a Go Go”, la última exhibición entre garajera y ritmablusera de los Oddballs, tomando como referencia el riff “tequilero” para reconvertirlo y encajarlo dentro del amplio abanico de sonidos de este combo que despierta pasiones con esos magníficos combinados de saxo y guitarra, bajo y batería, con irredenta percusión reforzada, y voz principal redondeando tan divertido como convincente proyecto de buen rock and roll.    

Reflexión final:

The Oddballs. Foto: Carlos Preil y Mario Vivancos.
Puede que os suene a comentario fácil, demasiado recurrente y, por tanto, prescindible pero los Oddballs son de esas bandas clave que explican, sin reservas, que es un auténtico combo de rock and roll.  Sin ir más lejos, el otro día  cruzaron todo el país de sur a norte, en dos días escasos, desde su Málaga natal hasta Santander para tocar en la fiesta del treinta aniversario del Rock-Beer The New. Para aquellos que saben, por poco que sea, algo de cómo están hoy en día las cosas, creo que no es necesario aportar excesivos justificantes de su autenticidad y actitud, pero para los que aún duden de su perseverancia y energía, les recomiendo que visionen ese video colgado en las redes sociales en el que se aprecia como el amigo Juanillo sigue aún de fiesta, dentro del vehículo de transporte, tras tamaña doble jornada maratoniana.  Porque para los Oddballs, la música es una gran fiesta a la que todos estamos convidados a bailar y disfrutar del momento, incluso para olvidamos por unos instantes de los problemas con los que nos llenan las mochilas de la infancia y la adolescencia en ese cacareado y, en muchos casos, absurdo camino de convertirnos en adultos responsables y serios. Si no has tenido el enorme placer de verles actuar en alguno de sus aclamados conciertos, te invitamos a que acudas cuanto antes a alguna de sus ceremonias de “Tank-Rock’n’Roll”; aunque si no puedes esperar, que lo entendemos, te recomendamos igualmente que consigas una copia de tan sensacional Lp, editado por Folc records, con el que también podrás extasiarte al grito de “We are the Oddballs!!”. Y si no te ves, siempre te queda la posibilidad de convertirte en bocadillo de carne picada de héroe, como diría el sargento Oddball… tú mismo.   

Nota:  Puedes escuchar las canciones en el bandcamp de Folc records donde también podrás conseguir una copìa del disco. Puedes leer tambiñen una entrevista en Staf Magazine.