Fallece Mike Taylor de los Quartz

Taffy Taylor 

Mike “Taffy” Taylor falleció el 27 de septiembre de 2016 según confirmaron sus ex compañeros de banda en las redes sociales. Fue cantante, miembro fundador, de la banda de heavy metal británica Quartz con la que grabó entre finales de los setenta  y principios de los ochenta dos discos antes de dejarles y montar su propia banda, la Taffy Taylor’s Big Roll Band.

Taylor cofundó Quartz en Birmingham, antes llamada Bandy Legs, a mediados de los setenta con el guitarrista Mick Hopkins, el bajista Derek Arnold, el baterista Malcolm Cope y el teclista y guitarrista  Geoff Nichols. Tras cambiar de nombre firmaron con Jet records y debutaron en 1977 con un disco de título homónimo, producido por el guitarrista de Black Sabbath, Tony Iommi. A pesar de su apoyo y la colaboración de otros grandes como Brian May y Ozzy Osbourne en un tema llamado “Circles”, la banda no obtuvo el respaldo merecido de público y ventas.  La canción no fue incluida en el disco pero formaba parte del sencillo con el tema  "Stoking the Fires of Hell". Durante esa época fueron habituales en festivales como el Reading en el que tocaron en los años 1976, 1977 y 1980.    

Quartz

En 1980 grabaron otro disco con el título de “Stand Up and Fight” tras el que Taylor les dejó para fundar la Taffy Taylor’s Big Roll Band.  Geoff Bate le reemplazó como cantante y guitarrista, y grabaron en 1983 “Against All Odds” .  La banda estaba formada también por Mike Hopkins a la guitarra, Steve Mcloughlin al bajo, Malcolm Cope a la percusión. Geoff Nicholls les había abandonado en 1979 pasó a tocar con los Black Sabbath y grabó el disco . Quartz se reunió en 2011 sin Taylor y un nuevo cantante llamado David Garner. Sacaron un par de discos más con los títulos de“Too Hot to Handle”, con material grabado en los ochenta, y “Fear No Evil” (2015).

Documento sonoro: 

"Circles", de los Quartz con Brian May de los Queen a la guitarra y Ozzy Osbourne a los coros. 

Fallece Kashif Saleem, grande del R&B de los ochenta

Kashif Saleem  

Michael Jones aka Kashif Saleem, nombre que adoptó cuando se convirtió al Islam,  nació el 26 de diciembre de 1959 en Nueva York y falleció el 25 de septiembre de 2016, en Los Ángeles.  Cantante, compositor, multi-instrumentista y productor dio forma a la música de baile en los años ochenta.  Su carrera comenzó en el año 1974 como cantante y teclista de la banda de funk BT Express. En 1978 les dejó para tocar con la cantante de soul Stephanie Mills. Su música es básica para entender el electro-funk con éxitos, entre otros, como “I Just Gotta Have You (Lover Turn Me On)”, "Stone Love", "Help Yourself to My Love" y "Love Changes," con la cantante Meli'sa Morgan.  También escribió y produjo grabaciones de estrellas del pop como Evelyn "Champagne" King, Whitney Houston y Kenny G. entre muchos otros. Colaboró también con Dionne Warwick, o Melba Moore.   

Kashif Saleem 

Nació en el barrio de Harlem. Con una infancia difícil, en casas de acogida, padeciendo maltratos, aprendió a tocar la flauta, la tuba, la trompeta, el saxo, y el piano. A los 15 años entró en la banda BT Express (originalmente Brooklyn Transit Express) como teclista y cantante. Se trata de una banda de funk formada en Brooklyn en 1974 por la que pasaron músicos como el guitarrista Richard Thompson, el saxofonista tenor Bill Risbrook, el alto Carlos Ward, el bajista Louis Risbrook, el percusionista Dennis Rowe, el baterista Terrell Wood o la vocalista Barbara Wood. Destacaron por temas como "Here Comes The Express" y "Do It ('Til You're Satisfied)" de Billy Nichols. Luego se añadió Leslie Ming a la batería y Michael Jones a los teclados.

En 1978 dejó la banda y se convirtió en teclista de la banda de Stephanie Mills. A principios de los ochenta se unió a Morrie Brown y Paul Laurence para crear Mighty M Productions, Ya en 1983 formó con Arista records. Firmó éxitos como “I Just Gotta Have You (Lover Turn Me On)”, "Stone Love", "Help Yourself to My Love", y "The Mood".  Debutó con disco homónimo en 1983 y en 1984 sacó el disco “Send Me Your Love” con el que consiguió nominaciones a los Grammy.   En 1985 sacó “Condition of the Heart” y en 1986 “Love Changes”.  Ya en 1989 vio la luz otro álbum de título homónimo, en 1998 “Who loves you”  y en 2003, “Music from my mind”.  

Su aportación fue básica en la música de los ochenta. Introdujo los sintetizadores y las cajas de ritmo en el R&B, en especial en la música disco, sentando precedente para los sonidos electrónicos que revolucionarían la música pop unos pocos años más tarde, incluido el hip hop. Durante sus últimos años de vida se centró en la defensa de los niños y adolescentes de las comunidades más pobres. Fundó la Universidad Kashif en 2006, un programa de arte y música ubicado en el campus de Morningside High School en Inglewood, California. 

Documento sonoro: 

Los BT Express en 1977 en el programa Soul Train.

“I Just Gotta Have You (Lover Turn Me On)” de Kashif Saleem 

“Esquelas sonoras” (Lenoir Ediciones) con pasión erudita a cargo de Dani Llabrés entre magistrales ilustraciones

Portada con el dibujo de M. Bontempi

Ante la proliferación de libros en español sobre música, aparecidos en los últimos tiempos en el mercado nacional, muchos de ellos  sin siquiera hablar con sus protagonistas biografiados y, en demasiadas ocasiones, constituyendo poco más que refritos voluntariosos de anteriores ediciones en inglés, se agradecen obras tan ejemplares como “Esquelas Sonoras” de Dani Llabrés quien, con su absoluto conocimiento de causa y su indiscutible dominio narrativo, nos ofrece una visión diferente, con elegante ironía y pasión erudita, sobre los decesos de algunos de los más grandes músicos de la historia del rock and roll. 

Editado por la siempre cabal y valiente Lenoir Ediciones, el libro recopila 140 laudatorios póstumos, mediante 180 páginas ilustradas con dibujos firmados por una veintena de geniales artistas.  Alejandro Díez “Cooper”, conocido líder de los extintos Flechazos, se encarga de prologar tan singular obra y nos dice en su acertado texto: “El libro nos propone un excintante viaje por los guettos de Trench Town en Jamaica, las mansiones del elegante barrio de Chelsea en el Londres ultramoderno, los pasadizos azules y subterráneos de Chicago o los hoteles de mala muerte frente a Birdland en Broadway, NY”. Momentos y lugares de la historia musical donde vivieron y nos dejaron, de múltiples y variadas formas, grandes como Charlie Parker, Brian Jones, Elvis Presley, Marvin Gaye, Keith Moon, Screaming Lord Sutch, Chet Baker, Graham Bond, Steve Marriott, Jacjkie Wilson, LaVern Baker,  Don Drummond, Billie Holiday, Marc Bolan, Jimi Hendrix o Robert Johnson, entre otros. 

Dani Llabrés. Foto de su facebook.

Su autor es Dani Llabrés, conocido ya por los lectores de este blog, al que seguimos con auténtica pasión no solo para aprender de su enorme bagaje cultural sino también para disfrutar de su extraordinario dominio del oficio literario.  Nacido en Valencia en el año 1971, reside actualmente en Medellín (Colombia).  Tiene publicados otros libros como una recopilación de relatos cortos “Pequeños Freaks” (Chez Nobody), la novela “El día que a Dios le dio por existir” (Lulu) (+ info), el diccionario enciclopédico “Mods-Guía para  una vida elegante” (Leonir)  (+ info), y "Navidades suicidas" (Base) (+ info), escrita con la colabortación de su amigo Max Martí. Llabrés  ha ganado  varios premios de narrativa breve y de ensayo. También ha realizado numerosas colaboraciones periodísticas y literarias para diversas publicaciones y ha dirigido programas de radio, fanzines, así como un galardonado cortometraje titulado “Tarde de Dominó”. Por otra parte es autor y factótum de la página web realmodworld.com, entorno informativo de referencia para la comunidad mod.

Por lo que respecta a los ilustradores, las reproducciones están firmadas por prestigiosos artistas de la talla de Berto Martínez, Darren Merinuk, Tobi Dahmen, Marcos Torres, Marcel Bontempi, Pedro Poyatos, Alex Barbarroja, Javier Cámara, Max Galli, José “Mardi” Lledó, Maic Milkway, Fernando Mirrors, Tete Navarro, Jaime Pantoja, Marco Recuero, Julia Sáinz Cortés o Lupo Sol.    

Contraportada

“Esquelas sonoras” tiene los datos biográficos precisos para situarnos, como inquietos y atentos lectores, en cada una de las historias personales de sus esenciales protagonistas. El autor de tan emocionante libro también procura, con esas dosis nada desdeñables de cariño, que vayamos más allá de las circunstancias mortuorias con el propósito conseguido de nutrirnos con sus conocimientos musicales mediante una visión diferente y realmente enriquecedora.  Un trabajo imaginativo con el que, en cierto modo, también resucita a héroes y antihéroes con  el talento que le caracteriza. De este modo, con apenas un par de páginas por personaje, entre ilustraciones ciertamente originales, Llabrés consigue lo que demasiados aprendices a musicólogo no logran con todo un libro sobre su ídolo de cabecera: Nos convierte en cómplices de su pasión por la música. Un propósito que articula, sin aspavientos que valgan, por medio de frases brillantes, reflexiones personales tan solo posibles tras un minucioso estudio erudito de años, y una evidente complicidad “modernista”.  Ingredientes indispensables que forman parte de su idiosincracia, con los que recuerda, incluso imagina, el final de nuestros ídolos del rock and roll para que su muerte constituya una parte a tener muy en cuenta de su indispensable legado.

Nota: Puedes adquitir "Esquelas sonoras" en tu librería favorita o pedirlo a Lenoir sin gastos de envío  (los títulos editados por Lenoir Ediciones están exentos de gastos de envío para la Península y Baleares. Hay que poner la palabra LENOIR en el apartado Código del Cupón al realizar tu pedido. Para clientes de fuera de la Península y resto del mundo se descontarán 3,90 € de los gastos de envío).

Fallece el músico de rockabilly, Joe Clay

Claiborne Joseph Cheramie, más conocido como Joe Clay, nació en 1939 y su muerte fue anunciada el 27 de septiembre de 2016. Compositor, cantante, baterista y guitarrista de rockabilly de  Gretna, Louisiana, tuvo una carrera en solitario que nunca tuvo la repercusión merecida a consecuencia de la poca promoción que se hizo de sus canciones. Llegó a tocar con Elvis Presley, y en los ochenta con el revival rocker fue reivindicado saliendo un Lp con lo mejor de su obra y el título de “Ducktail”.   

Clay empezó a actuar a los 12 años formando parte de una banda de country que actuaba en la radio local WWEZ. Empezó tocando la batería y luego aprendió el bajo y la guitarra. Vik Records subsidiaria de RCA firmó con él años más tarde, cuando aún era adolescente. Grabó en Nueva York con los guitarristas Mickey Baker y Skeeter Best, el bajista Leonard Gaskin, y los bateristas Bobby Donaldson y Joe Marshall. En 1955 tocó en el Louisiana Hayride de Shreveport.  Se editaron singles con los temas “Get On The Right Track/Cracker Jack”, y “Duck Tail/Sixteen Chicks”, ambos en 1956. También grabó acompañado de un combo llamado The Wigglers temas como  “Be-Bop-Boogie-Bop/Rock Little Lilly”.

En el año 1956 apareció en el Ed Sullivan Show, unos meses antes que lo hiciera Elvis Presley. Tocó una versión del éxito de los Platters  "Only You".  Más tarde tocaría la guitarra en algunas grabaciones de Elvis y su manager nunca le permitió ir más allá del área de New Orleans, y no llegó a ser conocido.  Incluso se cuenta que, en alguna ocasión, ocupó el puesto de baterista en el combo de Presley.   

Después de RCA, continuó grabando y actuando en New Orleans durante 30 años. Ya en los ochenta, con el revival del rockabilly revivió sus mejores momentos y estuvo tocando por Inglaterra en 1986.  Ese año se editó un Lp con el título de 'Ducktail' por Bear Family Records en Alemania.  Durante quince años, condujo un autobús escolar en Nueva Orleans.  Algunos de estos detalles se cuentan en la contraportada del disco “Ducktail” escritos por Ian Wallis.  En 2008 apareció en un documental titulado “Rockabilly 514” dirigido por Patricia Chica y Mike Wafer explicando su afición por el rockabilly y sus inicios.  

Documento sonoro: 

"Ducktail" (1956) a cargo de Joe Clay 

Este 2016 El Toro records seleccionaba, editadas en vinilo, cuatro pistas de una grabación de 2004 en Inglaterra con el título genérico de "The Legend is now".   

Zoketes, “Un mal año” a tope con un Ep de nueve estremecedoras canciones

Portada 

Zoketes es una banda de hardcore punk de León, “ciudad olvidada” que acaban de sacar un Ep con nada menos que nueve canciones a cuál más salvaje y directa, con las palabras y los acordes precisos.  Se trata de una edición conjunta entre los sellos Rufus recordings, Hombre Montaña, A Tope Records, La Humanidad es la Plaga y Theia records. Un disco para bailar y gritar siempre “a tope”  no apto para “nazis atontados y cobardes” al “margen de las normas de esta puta sociedad”, para que “arda el poder” y “no perder el tiempo lloriqueando” aunque se haya perdido “todo sentimiento” y estemos “todos jodidos”.    

Trayectoria 

Foto: Javier Caulfield

Zoketes se forman en León en 2014, influenciados por bandas de hardcore punk creadas en los noventa como los Zeke, combo de Seattle. Sus cinco componentes proceden de bandas conocidas de la escena leonesa como Ultrapus, Hachazo, y Sulfators, Sulfators, Jürgen Division, Trust Nothing, o El Camino más Largo.  Ellos son Carlos a la batería, Javin al bajo, Tejo a la  guitarra y coros, Jorge a la guitarra solista y coros, y Gonzalo a la voz.

Tienen grabado un álbum anterior llamado “Patada en los dientes” grabado en Pig Farm Studios en abril de 2014, mezclado y masterizado por Kollapse Studio en junio de ese año.  Fue coeditado por La Humanidad es La Plaga, Secret Bridge, Peor es Nada, y A-Tope! Records.  "Un mal año"  fue grabado en Kollapse Studios (Madrid) entre septiembre de 2015 y febrero de 2016, y masterizado en Audiosiegue (Portland. Oregón) en abril de 2016. A destacar una magnífica edición con vinilo grueso, con espectacular portada en la que un personaje vomita  el nombre del grupo más en la contraportada, un tenedor pinchando un ojo arrancado de su cuenca.  Se incluye una hoja interior con las magníficas letras de las canciones. 

Las canciones 

Foto: Javier Caulfield

La cara A empieza con  “A Tope”, primera de las nueve descargas de este Ep en la que guitarras desaforadas, ritmos poderosos, y una voz principal extraordinariamente poseída por el poder agresivo que desprenden los arreglos, descerrajan tempos rapidísimos en poco más, o incluso menos, de un minuto.  En este tema nos cuentan que “no hay nada que me guste más que bailar y gritar con los míos… nunca nada nos podrá parar”.  Le sigue “Fulano”, una andanada de guitarras, solo incluido, y percusión rapidísima para hablarnos de ese “demonio engendrado por el mismo Satanás…un héroe, un villano, el rey del disfraz”. Llegamos así a “Gañan”, obsesiva canción de poco más de medio minuto, entre “gente rara que no recoge maíz ni ordeña vacas”. “¿Dónde tomarás un copín entre semana?”, le preguntan a ese personaje vestido “con castellanos y camisa lino”.  Le sigue “Muerte”, crítica colérica contra los intolerantes, ese “facha capullo, señorito español, toros, bandera, fuera la inmigración… eres un mierda, te crees superior… muérete!”. Otra demostración de sonido conjuntado medido con destreza, raudo y veloz, entre algún momento solista de guitarra y esa voz punzante   encabezando el recorrido mortal. Acaba la cara A con el “Potro” de Vallecas, dedicado al boxeador Poli Díaz que cambió “el ring por putas y jaco”.  Todo un “crack que la puta droga ha echado a perder” al que piden que “vuelve a pelear otra vez”.  De nuevo, la guitarra solista reverbera con seguridad agresiva respaldada por una banda de órdago.       

Foto: Javier Caulfield

La cara B arranca con redoble de batería y el resto de la banda se suma para dar forma a una tormenta de sonido titulada “Cuerpo Escombro”: soflama a favor de “no perder el tiempo…la vida es corta y se te va a escapar, solo te oigo lloriquear”. Toda una lección para “vagos…cuya consola es tu única realidad. Comes, duermes, y no haces más. Toda la vida en casa de papá”.   A continuación, nos descubren su devoción por el “Fuego”: “que ardan los imperios… quema el congreso, que arda el gobierno, quema los bancos con los banqueros dentro…que ardan los curas, los maderos, el poder, los racistas, los puteros, los que matan en nombre del dinero”.  Luego, los Zoketes nos describen a su “Ciudad Olvidada”, ese León, “ciudad del frío, un puto agujero… nuestro hogar… paraíso de mods y niños pijos donde todos te juzgan por tu apariencia”.  Un lugar que “apesta”, un “cruce de caminos” por el que sienten “amor y odio” al mismo tiempo.  Otro temazo en el que podrás percatarte incluso, con todo lujo de detalles, del poderío de esta banda con especial interés por ese bajo que dispara notas en posición de ráfaga. Finaliza la cara B con “Tierra”: el último de los argumentos indiscutibles de este concluyente combo, con sucesión de riffs compenetrados con coros, solos de orfebrería anárquica, sección rítmica impecable y voz solista firme. Nos cuentan “el progreso nos hundió.. el camino hacia la destrucción. La tierra se muere por dentro. Se ha perdido todo sentimiento… ¿Qué va a pasar?”.        

Reflexión final  

Los Zoketes con las chicas de la Clint Eastwood Band

Tal y como nos dicen en el primero de los nueve fabulosos temas que se incluyen en este Ep de los Zoketes, “el punk siempre a tope hasta el final”. Y eso que puede parecer tan sencillo como berrear en el estudio y descalabrarse en los escenarios encajonados en un par de acordes y un ritmo trepidante, no siempre resulta tan convincente ni mucho menos tan original como en el caso que nos ocupa. Ya sea arriba como debajo de los escenarios encontramos grupos y seguidores que  resultan agresivos pero aportan poco más que el rechinido que se produce al arañar una pizarra.  No todos los combos que presumen de punk nos impresionan de igual forma ni logran convencernos con la misma facilidad que este gran grupo leonés. Darse de bruces con bandas tan magníficas como los Zoketes es una auténtica delicia, un auténtico bofetón al conformismo, a la estupidez y a la mediocridad. Con sus canciones consiguen que esos momentos creativos propios de auténtico descontrol resulten no solo creíbles sino que aporten las dosis más que imprescindible de actitud y acritud, mediante esa indiscutible rabia y fuerza con la que logran dar vida a execraciones del orden establecido con letras tan salvajes como reivindicativas.  Así que antes de que esto sea el mismo infierno, no consientas que tu cuerpo sea un escombro y deja ya de perder el tiempo. Sigue los consejos de los Zoketes con el loable objetivo de que, al menos, no se pierdan los sentimientos y el punk sirva para bailar, gritar y, si se te antoja, incluso pensar.     

Nota: Puedes adquitir y escuchar las canciones en el bandcamp de Rufus Recordings. 

Nos deja el gran acordeonista, pianista y compositor, Buckwheat Zydeco

Buckwheat Zydeco

Stanley Dural, Jr. nació el 14 de noviembre de 1947 en Lafayette (Louisiana) donde falleció el 24 de septiembre de 2016 a consecuencia del cáncer que padecía. Más conocido como Buckwheat Zydeco, fue un gran acordeonista, pianista, y compositor de zydeco, mezcla de la música “cajun” con el blues, así como de R&B, funk o soul. A su nombre tuvo muchos éxitos respaldado por la banda Ils Sont Partis. También acompañó al piano a otros grandes como Joe Tex, Clarence Gatemouth Brown, Little Richard o Clifton Chenier. 

Buckwheat Zydeco

Hijo de un agricultor que tocaba música tradicional con el acordeón, el joven Stanley se interesó por el R&B.  Aprendió a tocar el órgano y a finales de los cincuenta ya acompañaba a Joe Tex o Clarence “Gatemouth” Brown. En 1971 creó Buckwheat & the Hitchhikers, banda de funk que dirigió durante cinco años antes de dedicarse de pleno al zydeco sacando el sencillo “It’s Hard To Get” en un sello local. En 1976 entró a formar parte de la Clifton Chenier’s Red Hot Louisiana Band. A partir de aquí empezó con su propio proyecto con el pseudónimo de  Buckwheat Zydeco. En 1983 fue nominado al Grammy por “Turning Point” y en 1985 por  “Waitin’ For My Ya Ya”.  Firmó con Island Records, siendo la primera formación zydeco que grababa con una major, y sacaron “On a Night Like This” con el que también fue nominado para el Grammy. En 1987 apareció en la película “The Big Easy” y su mñusica ha sido banda sonora en numerosas filmaciones de cine y televisión.  

Buckwheat Zydeco

Desde entonces colaboró, grabó o tocó en estudio y también en directo con Eric Clapton, Keith Richards, Robert Plant, Willie Nelson, Mavis Staples, David Hidalgo, Dwight Yoakam, Paul Simon, Ry Cooder, the Cherry Poppin' Daddies, entre otros. Durante los noventa y dos mil grabó en su propio sello, Tomorrow Recordings. En 2009 sacó el disco “Lay Your Burden Down” para Alligator Records, que también fue nominado para el Grammy, y en 2010, “ Buckwheat Zydeco's Bayou Boogie” para Music for Little People.

Documento sonoro: 

"Hey ma petite fille",  Buckwheat Zydeco en el festival de Montreux en los ochenta.

Muere la cantante de country y Honky Tonk, Jean Shepard

Jean Shepard

Ollie Imogene “Jean” Shepard nació el 21 de noviembre de 1933  en Pauls Valley, Oklahoma, y falleció el 25 de septiembre de 2016. Cantante y compositora de Honky Tonk y pionera del country, firmó 73 singles que  se situaron en las listas de lo mejor del country.  Entre 1956 y 1981 grabó un total de 24 álbumes de estudio. Defensora de la música americana de raíz  fue la mujer más longeva como miembro del Grand Ole Opry durante 60 años.  

Creció en Visalia, California y en 1948 formó parte de una banda en la que todas sus componentes eran mujeres, The Melody Ranch Girls, donde tocaba el bajo.  La descubrió Hank Thompson y la ayudó a que firmara con  Capitol en 1952. Grabó su primer single en 1953, “Crying steel guitar waltz” con el que no tuvo el éxito esperado. 

Jean Shepard

Después formó un dúo con Ferlin Husky, cantando “A dear John Letter” con el que llegó al número uno. Fue la primera grabación de una artista tras la segunda guerra mundial en vender más de un millón de copias. Grabaron otros temas con los que siguieron entrando en los primeros puestos de las listas. Por entonces era menor de edad y sus padres dieron su consentimiento para que fuera de gira.  

Ya en 1955 salió su primer trabajo, “Songs of a love affair” y consiguió su primer hit en solitario con el tema “A satisfied mind” al que siguieron otros como “Beautiful lies!, o “I thought of you”. Ese mismo año fue invitada al Grand Ole Opry, institución del country en la que solo estaban por entonces Kitty Wells y Minnie Pearl. 

Jean Shepard

En 1960 se casó con Hawkshaw Hawkings quien falleció tres años después en el accidente de avión en el que también perecieron Patsy Cline y Cowboy Copas. Un mes antes alumbró al hijo de ambos, Hawkshaw Jr. tambiñen mñusico. Durante esos años su sonido Honky Tonk no tuvo tanto éxito por tener más repercusión el estilo de Nashville. Volvería a tener éxito en 1964 con el tema “Second fiddle (to and old guitar)” y volvería al top cinco en 1973 con “Slippin’ away” en el cuarto puesto. Tras enviudar, se casaría con el cantante Benny Birchfield. 

En 2011 ingresó en el Country Music Hall Of Fame con Reba McEntire y Bobby Braddock. En noviembre de 2015 se convirtió en la primera artista femenina miembro del Grand Ole Opry durante 60 años consecutivos. Esa noche se retiraría de los escenarios. 

Documento sonoro: 

 “Second fiddle (to and old guitar)” (1964)

Fallece Hagen Liebing de los Die Ärzte

Hagen Liebing

Hagen Friedrich Liebing, conocido con el sobrenombre de  "The Incredible Hagen”,  nació el 18 de febrero de 1961 y falleció el 25 septiembre 2016 en Berlín. Músico y periodista fue bajista de la banda de punk  Die Ärzte, grupo que añadía mucha comedia a sus espectáculos y que triunfó con temas como "Schrei nach Liebe", "Westerland", "Komm zurück", "Zu spät" o "Deine Schuld".  En 1986 le invitó a entrar al combo el  baterista  Bela B. Se conocían de los primeros años de punk en Berlín. Tras separarse la banda en 1988, Liebing empezó una carrera como periodista  escribiendo para Tagesspiegel.  También  fue editor de la revista Tip Berlin.  No formó parte de la formación de la banda cuando se reunió años después  pero si volvió a tocar en 2002 como invitado.  Al año siguiente publicó sus memorias con el título de  "The Incredible Hagen - My Years with Die Ärzte".  De 2003 a 2010 dirigió el gabinete de comunicación y relaciones públicas del club de fútbol Tennis Borussia Berlin.  

Die Ärzte

La traducción literal de Die Ärzte es Los Médicos, aunque nada tuvieron que ver con la profesión.  Al parecer echaban de menos una banda en las cubetas de discos que empezara por Ä.  La banda fue fundada en 1982 por Farin Urlaub ( Jan Ulrich Max Vetter), Bela B. (Dirk Felsenheimer) y Sahnie (Hans Runge). Bela  (vocalista, batería y coros) y Farin (vocalista, guitarra, bajo y coros) se conocieron en la discoteca "Ballhaus Spandau" cuando Farin se unió a la banda de Bela "Soilent Grün".  Cuando se separaron,  Bela B. y Farin Urlaub crearon con el bajista Sahnie, Die Ärzte.  Su primer disco fue un Ep titulado “Zu schön um wahr zu sein”.  Actuaron en una casa ocupada en 1982 en el Berlín occidental, ganaron  un premio de 10.000 DM (5112,92 euros) en un festival berlinés Senatsrock y grabaron el Mini-LP "Uns geht's Prima" (1984) con un logo que acabó siéndoles prohibido por ser similar el color con el de la Cruz Roja.  En 1985 grabaron su álbum debut "Debil" y un segundo trabajo llamado "Im Schatten der Ärzte". Al año siguiente abandona  Sahnie por discusiones internas y entra Liebing con el que graban otro disco llamado "Die Ärzte" con el que también tuvieron problemas de censura administrativa y comercial, principalmente por el contenido sexual de sus temas.  Como reacción, la banda sacó  en 1987 el Mini-LP "Ab 18" y el LP "Ist das alles? (13 Höhepunkte mit den Ärzten)".  Antes de separarse en  1988 sacaron un  álbum triple en vivo "Nach uns die Sintflut".  

Die Ärzte

Desde 1988 hasta 1993 Farin y Bela formaron bandas como King Køng y Depp Jones también  conocida como S.U.M.P.  pero sin conseguir el mismo éxito.  Ya en 1993 Bela y Farin se unieron al guitarrista de Depp Jones, Rodrigo González, para que tocara el bajo en los nuevos Die Ärzte.  Grabaron el álbum "Die Bestie in Menschengestalt" con un single de éxito llamado "Schrei nach Liebe".  En 1994 editaron el disco "Das Beste von kurz nach früher bis jetzte"  y en 1995,"Planet Punk" más "1, 2, 3, 4 – Bullenstaat!" y sacan en 1996, "Le Frisur".  Después crean su propia discográfica en 1998 "Hot Action Records" y editan su álbum "13" consiguiendo un número uno con  "Männer sind Schweine".  Poco después se vuelven a separar.  

En los 2000 volvieron a unirse de gira y sacan un álbum de estudio "Runter mit den Spendierhosen, Unsichtbarer!" y en 2003 el disco “Geräusch”.  Tras recopilatorios varios sacan en 2007 el álbum "Jazz ist anders" siguiendo de gira. 

Documento sonoro:

"Ist das alles? (13 Höhepunkte mit den Ärzten)" (1987)

Fallece John D. Loudermilk, compositor de pop, folk y country

John Loudermilk 

John Loudermilk nació el 31 de marzo de 1934 en Durham, Carolina del Norte, y falleció el 21 de septiembre de 2016. Cantante, guitarrista y compositor de folk y country, fue más conocido por las versiones que hicieron de sus temas cantantes como George Hamilton IV o Eddie Cochran, entre muchos otros.  Utilizó también el pseudónimo de Johnny Dee y colocó una D. entre su nombre y apellido. Entre sus canciones destacan las famosas “Tobacco Road”,  “A Rose And A Baby Ruth”, “Sittin' In The Balcony”, “Indian Reservation”, “Ebony Eyes”, “Waterloo”, y “Angela Jones”.

John Loudermilk 

Influenciado por los cánticos eclesiásticos, miembro de una familia del Ejército de Salvación,  se forma en la Universidad Campbell, colegio privado de la Iglesia Baptista. Sus primos  Ira y Charlie Loudermilk fueron conocidos artísticamente como  The Louvin Brothers.   Siendo un niño aprendió a tocar la guitarra y una emisora local emitió su tema “A Rose And A Baby Ruth”. Le oyó el cantante de country George Hamilton IV quien la versionó y la colocó en el Top Ten de 1956. Después, Eddie Cochran versionó su “Sittin' In The Balcony”, entrando en el  Top 20. John D. Loudermilk la había grabado con el seudónimo de Johnny Dee para el sello Colonial de Carolina del Norte con menos repercusión en 1957.  En 1958 firmó con Columbia y sacó unos cuantos sencillos sin apenas conseguir éxito.  Ya en 1961 se pasó a RCA Victor  donde obtuvo una notable repercusión con canciones como "Language of Love" (1961), “Thou Shalt Not Steal" (1962), "Callin' Doctor Casey" (1962) y “Road Hog" (1962). En 1963 escribió "Abilene" con la que triunfó de nuevo George Hamilton.

John Loudermilk 

Durante el resto de los sesenta y setenta compuso numerosos temas con los que triunfaron grandes Everly Brothers, Paul Revere & The Raiders, The Lennon Sisters, Johnny Duncan & The Blue Grass Boys, Skeeter Davis, The Browns, Johnny Cash, Johnny Ferguson, Chet Atkins, Roy Acuff Jr, Sue Thompson, Marianne Faithfull, Norro And The Nor-Folks, Jimmy Newman, The Nashville Tenns entre otros…. Por citar unos cuantos, "Indian Reservation", llegó en 1971 al número uno con Paul Revere & the Raiders; "Tobacco Road" de 1964 fue top 20 con  The Nashville Teens; y "Then You Can Tell Me Goodbye", llegó al Top Ten en 1967 con The Casinos y al número 1 de la lista de country con Eddy Arnold al año siguiente. A destacar i¡un trabajo a su nombre con influencias psicodélicas bajo el título de "The Open Mind..." (1969).   

Documentos sonoros: 

Versión original de "Tobacco Road", tema de John D. Loudermilk. 

"Indian Reservation",  tema que compuso Loudermilk como agradecimiento a unos indios Cherokees que le auxiliaron en la carretera, y que llevó al exito Paul Revere and The Riders. 

"More Than He'll have to Give", tema que abre su disco de 1969, "The Open Mind...". 

Fallece Earl Smith “Dj Spank-Spank” de Phuture

Dj. Spank-Spank

Earl Smith Jr. más conocido como Spanky, o DJ Spank-Spank, murió el 21 de septiembre de 2016 según se informa en las redes sociales. Se desconocen las causas de su muerte aunque recientemente había padecido problemas graves de salud. Formó parte de los Phuture, combo de Chicago considerado pionero del acid house de los años ochenta.  Su tema “Acid tracks” está considerado como la primera de las piezas de baile del estilo que revolucionó las discotecas americanas y principalmente británicas los siguientes años.   

Phuture también conocido como Phuture 303 es un grupo de acid house de Chicago fundado en 1985 por Spanky, DJ Pierre (Nathaniel Pierre Jones) y Herb J (Herbert Jackson). Su tema de 12 minutos “Acid Tracks” (1987) está considerado como el primer tema de acid house de la historia.  El elemento central del acid house es el sonido producido por la línea de bajos del sintetizador Roland TB-303. Por este colectivo de Dj’s, aún en activo, han pasado otros como Professor Traxx (Damon Nelomns),  Jay Juniel, L.A. Williams, Phill Little, Roy Davis Jr., o DJ Skull (Ron Maney).  

Phuture

Al parecer Spanky, DJ Pierre y Herb J, tres adolescentes, compran a precio de saldo, unos 40 dólares,  una Roland TB-303, que salió al mercado en 1983,  y como no sabían usarla la manipulan de forma aleatoria creando, de uno de los patrones de demo, un sonido crudo y marcado que les impacta. La TB-303 complementaba a la caja de ritmos TR-606, pero fue en un principio una decepción para la compañía porque no conseguía el sonido pretendido de un bajo real.  Los tres van al club The Muzic Box donde le pasan a un conocido Dj llamado Ron Hardy una cinta con el experimento. Lo pincha esa misma noche. Al principio nadie lo baila pero antes de que acabe la noche ya tiene la pista llena.  Empieza la historia del acid house. 

Dj. Spank-Spank

En 1987 se publica “Acid Tracks” editado por el sello norteamericano Traxx records, propiedad de Marshall Jefferson. El E.P contenía una cara A con “Acid Tracks” y una cara B con “Phuture Jacks” y “Your only friend”. Le siguieron otros trabajos como “We Are Phuture” (1988), “Slam / Spank Spank” (1988), “The Creator” (1988), “Phuture Presents III Phase - Do You Wanna Get Funky” (1989), “Rise From Your Grave” (1992), “Inside Out” (1993), “Spirit” (1994), “Mental Breakdown” (1994) o “Your Only Friend (Felix Da Housecat Remixes)” (1997). 

Documento sonoro: 

"Acid tracks", de los Phuture, orígenes del acid house. 

The Upshitters presentan su “Cosmic reggae” orbitando con una ejecución penetrante y misteriosa

Portada

Quienes opinen que la música jamaicana se repite hasta la saciedad no están, en absoluto, al tanto de la actualidad de nuestra extraordinaria escena estatal, ni mucho menos de proyectos tan sorprendentes como  el que nos ofrece esta banda catalana llamada The Upshitters de la mano de la discográfica segoviana El Paso Records. Se trata de un Ep con el título genérico de “Cosmic reggae” que contiene cuatro espeluznantes canciones instrumentales, tres propias y una magnífica versión, en las que se rinde homenaje al Coronel Gagarin,  las misiones soviéticas Vostok, el Lute, y una conmovedora adaptación del conocido hit de los ochenta “Words” en forma de besos orbitando en Andrómeda. Estas que leerás a continuación son algunas de las posibles impresiones de un trabajo que rezuma buen gusto y creatividad altamente original. 

Trayectoria    

      

The Upshitters

The Upshitters son Albert Beneït "Lapelldeldiable" a la batería, sintetizadores y producción (Goldfinger & The Mush Potatoes,  Maesedub, Reverendo Sound System, Herois de la Katalunya Interior); Marc Serrats "Xerramequ" a la guitarra y hammond (Goldfinger & The Mush Potatoes, conjunt Badabadoc, L'Home Llop & The Astramats,  Dijous Paella, Som Aborigens, Dos Pardalets, Gots de Tuba, Cia Xerramequ...); y Xavi Angulo "St. Ignatius" a los retardos y reverberaciones (The Oldians, Dring Dublé, St Ignatius Conspiracy Dub, Dub Kennedys).  Tienen otros temas grabados como el remix Skacid de "Això és Ska" con Carles Belda, "En Quico" con Berro Banton, o "S'apropa l'Homenot", etc...

Han colaborado en la grabación de este disco Dennis Al'Cabrone, deejay en "El retorno del Lute" y "Vostok1 bop", armónica, melódica; Sergi Ribé al bajo en "Vostok1 bop" y "Petons fugissers orbitant Andròmeda"; y Salvador Beneït, deejay intro en "Vostok1 bop". Fue grabado en el año 2015 en los estudios Mini Ark (Moià, Barcelona), producido por Lee Perro. Raph Dumas realizaría la mezcla y la masterización corrió a cargo de Esteban Descalzo (Aggrotones) en Kingston factory. La portada, con ese astronauta flotando en el espacio amarrado a su nave, es de Txarly Brown. La producción en vinilo de 7" corre a cargo del Paso Records, manufacturado por Liquidator.

Las canciones 

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La cara A arranca con “Vostok1 Bop” aka”Rocksteady Peach”, con ese sincopado de teclado que se superpone al discurso soviético y que tras añadirse la metódica batería se funde con un solo de órgano. Juntos generan un “riddim” envolvente, misterioso, cosmológico, que te eleva al espacio ulterior con aportación de armónica e hipnóticas escalas con guitarras y bajo percutiendo en el exterior de la nave.  Le sigue “El retorno del Lute”, sensacional momento de “reggae” con aires latinos, casi de cumbia, con melódica fantasmagórica, voces que parecen surgidas del subsconsciente, y otra melodía conmovedora más un ritmo posesivo con el que tendrás la imperiosa necesidad de ponerte a bailar.  Secuencias de dub, efectos varios, toques orientales, se entremezclan con una originalidad desbordante.   

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Ya en la cara B oímos el Tributo Sideral al Coronel Gagarin”, otra maravilla sin parangón alguno que surge del imaginario soviético y que mezcla la psicodelia con el reggae con momen tos de guitarra ácidos, teclados estratosféricos y ritmos milimetrados, entre efectos sonoros varios y  voces solemnes… un placer onírico espeluznante que nos transporta a “Petons Fugissers orbitant Andròmeda”, con la que cierran el disco. Descomunal, divertida y fascinante versión de un clásico de discoteca de los ochenta que con el desparpajo de los Upshitters no solo se redimensiona para seguir siendo un clásico de la escena jamaicana sino que incluso podría volver a las listas de éxitos para encabezarlas de nuevo en las siguientes décadas. De nuevo, ritmo y teclados se combinan con una agilidad desbordante y con el sello personal de este gran banda.   

   

Reflexión final

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Los componentes de The Upshitters llevan años combinando los ritmos jamaicanos con un amplio espectro de sonidos y estilos.  Tanto sus versiones como sus temas propios ejemplifican un arduo trabajo de composición, arreglos, e imaginación que desborda buen humor, sensibilidad y buen criterio para lograr canciones tan espectaculares como las que conforman este Ep de “Cosmic Reggae”. Cada una de sus composiciones despierta los sentidos y logran no solo momentos rítmicos que invitan al baile sino incluso inspiran situaciones oníricas que te envuelven para transportarte a otros mundos posibles. Dentro del cada vez más atractivo catálogo de los segovianos El Paso, y con la ayuda inestimable de la gran Liquidator, esta banda catalana con vocación universal,  nos ofrece una visión cosmológica de la música jamaiquina que encaja a la perfección en cualquier ámbito cultural más allá de las fronteras de géneros y escenas.      

Nota: Puedes escuchar el disco en el bandcamp de El Paso dodne también puedes conseguir su Ep en vinilo así como en Liquidator.  Remixes y versiones en su web: www.upshitters.com

Fallece Jerry Corbetta de los Sugarloaf

Jerry Corbetta 

Jerry Corbetta nació el 23 de septiembre de 1947 y falleció el 16 de septiembre de 2016 a los 68 años en Denver. Fue miembro original, cantante, compositor y teclista, de la banda de rock psicodélico, Sugarloaf, creada en Denver, Colorado a finales de los sesenta.  Antes formó parte de la banda de “garage”, The Brambles que se convirtieron en The Voices of Mute, The Moonrakers y de los Chocolate Hair.  Los Sugarloaf consiguieron un par de grandes éxitos con los temas "Green-Eyed Lady" (1970) y " Don' t call us, We' call You" (1975). 

Jerry Corbetta y el guitarrista Bob Webber tocaban en la banda de Denver, Moonrakers. The Moonrakers sacaron cuatro singles de “garage”, con Tower.  La banda había evolucionado de la formación de primeros de los sesenta The Classics (antes The Surfin' Classics, grupo de instro surf).  The Moonrakers sacaron un disco en 1968 llamado “Togheter With Him” (Shamley) en el que Corbetta tocaba la batería en algún tema. Al bajo estaba Joel Brandes, otro batería era  Bob Saunar, las guitarras Bob Webber y Randy Walrath, más al piano y órgano más voces Dennis Flannigan. Un álbum de “garage” psicodélico al que antes habían salido varios singles con los temas “I'm All Right / Come On, Let's Move” (1965), “I Was Wrong / You'll Come Back” (1965), “Trip And Fall / Time And A Place” (1966), y “Baby Please Don't Go / I Don't Believe” (1966).  Todos ellos para Tower.  En 1969 editaron par Shamley un single con los temas “He's A Comin' My Lord / Love Train” y el que daba título al disco LP en 1968.

A finales de 1968, Corbetta y Webber formaron la banda Chocolate Hair con le bacteria Myron Pollock y el bajista Bob Raymond. Firmaron con Frank Slay y después pasaron a formar parte de Liberty records. En 1969 abandona Pollock y entra el batería de The Surfin' Classics, Bob MacVittie. Entra el cantante Veeder Van Dorn. Enpezaron a greabar su álbum de debut pero la discográfica consideró que Chocolate Hair podría considerarse un nombre racista y lo cambiaron por Sugarloaf , nombre de una montaña a las afueras de Boulder, Colorado, donde Bob Webber residía.  Sacaron el single Green-Eyed Lady"  y llegaron al tercer puesto de la lista  Billboard en octubre de 1970. Sacaron ese primer álbum con el mismo título con el que también triunfaron y después incorporaron al cantante, guitarrista y compositor Bob Yeazel. Yeazel habñia formado parte de Superband con Jimmy Greenspoon, quien tocó con Three Dog Night.  Yeazel grabó el segundo disco de Sugarloaf, “Spaceship Earth” (1971), del que se extrajeron los singles "Tongue-In-Cheek" y "Mother Nature's Wine".  En esos años giraron por toda Norteamérica y se ocnviertieron en un sexteto con el bajista  Bobby Pickett. En 1972 tocaron el single "I.O.I.O.", cover de Bee Gees grabada por el actor de television Butch Patrick con la producción de Frank Slay. A mediados de 1972 Yeazel y Pickett dejaron Sugarloaf para incorporarse a varios proyectos. Al año siguiente solo quedaba Corbetta quien empezó a grabar un tercer disco “I Got a Song” que acabó contando con la colaboración de Webber y Raymond más le baterista Larry Ferris.

Sugarloaf 

En 1974 Corbetta y Slay grabarían  el tema  "Don't Call Us, We'll Call You", con músicos de sesión como Paul Humphries (baterista), Max Bennett (bajo), Ray Payne (guitarra) y un grupo llamado Flying Saucers (Jason Hickman, Mikkel Saks y David Queen) a las harmonías vocales. Al parecer como les habían rechazado los de la CBS, el tema contiene los tonos telefónicos de un número privado de la discográfica más otro, casualmente,  de la Casa Blanca.  Ese año Corbetta   tocó con los Disco-Tex y The Sex-O-Lettes en el  hit "Get Dancin'",  producido por Bob Crewe, entre otros proyectos como Chinook.

Sugarloaf 

Otro single "Stars in My Eyes" consiguió cierto éxito en 1975 a nombre de los Sugarloaf con  Corbetta, Webber, Raymond y el baterista de los  Chocolate Hair, Myron Pollock . ese año también grabaron en vivo. "I Got a Song", tema de su disco de 1973, fue editada en single en 1975.  Un single de Corbetta, "You Set My Dreams to Music", formó parte de la película de 1977 “The Legend of Frank Woods” y el ultimo trabajo sencillo de la banda  "Satisfaction Guaranteed", salió en 1976.

En 1985 volvieron a tocar Corbetta, Myron Pollock, Bob Yeazel más Larry Wilkins (guitarra) y Bryan Grassmeyer (bajo). Corbetta formaría más recientemente los Classic Rock All-Stars y en 1009 se vio obligado a dejarlo por la enfermedad de Pick, de tipo neurológico similar al Alzheimer.  Por su parte Bob Webber se convirtió en ingeniero aerospacial y el baterista Bob MacVittie se trasladó a Arkansas donde se dedicó al negocio de la restauracion.  

Documento sonoro: 

"Green-Eyed Lady" (1970) de los Sugarloaf