En la exploración sistemática de los estados no ordinarios
de conciencia, la música se manifiesta como medio indispensable para facilitar un
viaje interno a los límites de la psique con resultados satisfactorios, a ser
posible con billete de vuelta incluido, ya sea con o sin substancias alucinógenas
de por medio. Texxcoco son una joven banda formada en 2015 que acaban de editar
un par de discos con el sello almeriense Clifford recordscon los títulos de
“Blu” ( Cd-ep, febrero de 2016) y “Psychonaut” (Mini-lp, diciembre de 2016). Un
total de 11 fascinantes canciones en las que ponen de manifiesto no solo su
gran talante para aprehender maneras y formas de los ritos “chamánicos” que
emparentan el rock and roll, con el punk, el grunge y el indie más
inconformista, sino también una descomunal creatividad que les permite expresarse con una voz propia que evoluciona a
pasos agigantados no de año en año, sino casi de semana en semana. Justo en
este mismo instante que escribimos está reseña, dispuesta a resumirte todo lo que
tienen de especial este grupo, los Texxcoco se encuentran ya delimitando su nuevo
sonido, que a buen seguro superará, aún más si cabe, el que ha sido uno de los debuts musicales más
explosivos y deslumbrantes de todas cuantas escenas “underground” hayamos
conocido protagonizadas por “psiconautas” buscando respuestas a muchas preguntas
vitales.
Trayectoria
Foto de Leonardo Segovia. Edición tipográfica por Poring Poi
Texxcoco es un trio que procede de Las Palmas de Gran
Canaria formado por músicos jóvenes, como Adriana
Moscoso a la guitarra, voz y composición; Joshua Delgado al bajo; Cristian
Muñoz a la batería; y Héctor Pérez a la guitarra. La banda se crea a finales de 2015, por los
tres primeros, allá por el mes de octubre. En noviembre graban el primer Ep con
el título de “Blu”. Un trabajo quenace
como maqueta con Wiener records y se edita en vinilo en febrero de 2016 con
Clifford records. En diciembre de 2015 ganan el certamen Capital Sonora
convocado por el Gobierno de Canarias. En marzo de 2016 se añade a la formación
Héctor y, entre mayo y junio, graban su segunda entrega discográfica que se
edita en mini-Lp en diciembre de 2016 también por Clifford. El nombre de la
banda es una mezcla de Texas y México. Realmente existe una población llamada
Texcoco situada en el estado de México de la República mexicana. Además, la capital
del imperio azteca, Tenochtitlán, fue fundada a principios del siglo XIV sobre
las aguas del lago de Texcoco. Por su parte, ellos añaden esa x para reforzar
su sonoridad.
Portada Ep
Ambos discos están grabados en This Grace estudios de las
Palmas con Mariano Gracia (Myairport, Vicious soul…). El artwork de “Blue” es
de Clara Maseda, artista, arquitecta, de las Palmas,y el del mini Lp de Pablo Alberto Pérez, artista
también de la capital canaria. Actualmente,
los Texxcoco residen en Madrid desde septiembre de 2016 y están preparando
nuevo material.
Las canciones
El Ep “Blu” se abre con “Fire”, tema con original arranque a
base de suculento riff de guitarra respaldado por una no menos descomunal
sección rítmica. Se suma la magnífica voz de la cantante que aporta sugerentes fraseos
entre andanadas de guitarras, momentos instrumentales oscuros y gritos salvajes.
En la misma cara A, está “La Nueva”, canción de pop agridulce con esenciales guitarras,
incluido un momento solista tan minimalista como efectivo, más esa magnífica voz
principal dialogando con inestimable fuerza persuasiva, entre golpes certeros
de percusión, descargando sobre el estribillo dosis energéticas fascinantes a medio
camino entre el punk y el indie más aguerrido.
Texxcoco. Foto de su facebook.
Ya en la B oímos “Green Stranger”, sensacional corte que
hereda de los noventa esos asfixiantes parámetros vitales de bajo y guitarra
retándose a muerte, midiendo los tempos de forma desbordante gracias a una
batería perseverante. Recursos que transforman a su antojo para crear un
universo propio de pop atrevido y rock sensual que te envuelve en una espiral
de sensaciones electrizantes sin desperdicio alguno. Cierra
el disco “I Wanna Let You Down”, otra maravilla con arreglos absorbentes a base
de voz alucinante dando forma literal a las contundentes líneas sonoras que
generan la guitarra, el bajo y la batería con una complicidad pasmosa. Canciones
hechas para el directo que, en este disco, suenan igual de rotundas y convincentes.
Por lo que respecta a “Psychonaut”, el mini Lp se inicia con
“Sunset Eyes”. En este caso empiezan con sonoridades al límite diseñadas por esas,
ya dos, guitarras que generan lamentos que desembocan en una rápida ejecución
de rock and roll divertido, contundente, que invita al baile y a sudar en las
primeras filas de sus aclamados conciertos. Aportan un buen solo de guitarra y
la voz solista sigue siendo uno de sus principales activos. Le
sigue “Larry”, tema de salvaje rock and roll en el que manifestan una destreza
especial para conjugar melodía con recursos instrumentales fieros, con
descargas de guitarras, bajo muy consistente, y batería atenta a cambios
sorprendentes con una solidez muy destacable, incluidos “rallentandos” oscuros
que nos trasportan a enigmáticos momentos “pixielados” dispuestos a su conmovedor
antojo.
Foto: Leonardo Segovia
A continuación nos ofrecen “Johnny”, tema que surge de secuencias
interestelares a las que se suma un fascinante ritmo de bajo y batería dando
forma a este espectacular medio tiempo. Su cantante se recrea, una vez más, en las palabras
que conforman un discurso emotivo, arropada por distorsiones y riffs antológicos.
Aportan un afilado solo de guitarra que despierta los sentidos entre voces ciertamente lisérgicas.
Cierra la cara A “Pepper”, otra exhibición de talento para construir canciones
cautivadoras con riffs punzantes que se repiten con destreza a lo largo de una
canción de ritmo marcado e insinuante voz que estalla de forma inesperada
mientras se crece entre arreglos cáusticos con resultados admirables.
Texxcoco. Foto: Leonardo Sego
Ya en la B escuchamos “Eternal Wrong”, canción generada por un juego constante de guitarras
poderosas que tejen momentos incisivos con los que envuelven a la soberbia voz
principal en auténtico estado de gracia. Bajo y batería aportan una
construcción rítmica sensacional con la que completan una canción impecable en
todos los sentidos. A continuación nos sorprenden con “Eleventh” y sus arpegios
corrosivos que nos trasportan directos a esa andanada punk que constituyen mediante
guitarras desbocadas. De este modo dan vida a una canción espeluznante en la
que experimentan con cambios rítmicosmás
alocados solos de guitarra. Finaliza el disco con “Cinnamon”, mediante esa calma
aparente inicial que acompaña a la voz y que va creciendo con una enorme belleza
sonora para explotar en su máximo esplendor en otro tema estremecedor, cargado
de referentes pero al margen de cualquier copia y lejos, muy lejos de simples homenajes,
con el propósito conseguido de dar forma a un viaje muy original y propio.
Reflexión final
Foto: vi-Twins
La lista de “psiconautas” famosos de la historia de la
humanidad es ciertamente tan larga como fructífera. Son muchos los navegantes
de la conciencia,ilustres literatos,
pintores, psicólogos, neurólogos, etc que la cultura dominante reverencia pasando, casi por alto, que consumieron drogas varias durante su
memorable etapa creativa. Otra cosa bien distinta son aquellos que se cuelgan
guitarras, “vociferan” y “aporrean” baterías a un volumen altísimo: esos
jóvenes que, para los mass media y el orden establecido, no van a pasar de meros
drogadictos, las tomen o no.Al margen
de la decisión personal de recurrir a sustancias psicodélicas para facilitar los
viajes de la mente, reivindicamos la música como medio para generar estados de
ánimo, y de paso fomentar situaciones propicias para la indispensable comunicación.
Foto: Leonardo Segovia
Texxcoco nos demuestra que, al límite de la psique, se puede
acceder con una facilidad pasmosa oyendo con detenimiento canciones tan
enriquecedores y vibrantes como las que nos ofrecen en sus dos discos editados
en 2016 en la siempre sorprendente Clifford records. Al igual que muchos “psiconautas” que han estudiado
los usos sagrados y curativos de la etnobotánica mexicana,este grupo de origen canario han iniciado
otro viaje que, por el momento, les ha llevado de las Palmas a Madrid, ciudad
desde donde tienen previsto seguir perfilando una obra propia que se nos antoja
ya memorable para, al menos, elevar a ciertos grados la conciencia cultural de
nuestra actual escena musical.
Nota: Puedes oir y comprar los discos en el bandcamp de Clifford Records entrando en "Blu" o "Psychonaut"
El insigne Jules Renard (1864-1910) , al que Sartre situaba en el origen
de la literatura contemporánea, afirmaba en sus notas sobre el oficio de
escribir que “el prosista no se libra de
la música, sin ella no sería nada”. Ya sea
en forma de banda sonora imaginaria a cargo del lector, o real sugerida por el mismo autor, los momentos
sonoros aparecen en los libros, de forma imprescindible y necesaria, para comprender
el auténtico significado y propósito comunicativo de cualquier obra literaria
que se precie. Prueba irrefutable de
ello es, sin lugar a dudas, esta novela titulada “Sin pedir permiso” que la periodista,
escritora y activista Conchi Moya(Madrid 1971) acaba de editar en 2015 con
Libros.com y la ayuda del pequeño mecenazgo, con una preciosa portada a cargo de Marino Masazucra. Completa el libro un Cd a cargo del grupo formado para este proyecto, precisamente Cierre por Impago, con cuatro canciones a modo de banda sonora con letras de la autiora y música de Miguel Bastante.
Conchi Moya
Conchi Moya tiene publicadas tres obras sobre el Sahara
Occidental y ha sido antóloga de varias compilaciones de poesía del grupo de
escritores saharauis Generación de la Amistad, dentro de su activismo cultural y de información en una causa noble en la que lleva ya quince voluntariosos años de trabajo. Como periodista licenciada, fue una de las
fundadoras de Radio Resistencia en 1997 con
amigos de la escuela de Radio Imefe, un proyecto de radio libre, asamblearia,
que nació al estilo de emisoras como Radio
Vallecas, Latina y otras muchas.
“Sin pedir permiso” es su primera novela y en ella se narran las peripecias de unos jóvenes que se relacionan en el ámbito personal y en el colectivo mediante una emisora libre madrileña llamada Radio
Akra en la que la protagonista, Marina, conoce al resto de personajes Natalia, Animal, Jota, Germán, y en especial a
Marcos con el que entabla una relación sentimental complicada. Precisamente es Marcos quien pronuncia la frase de la que se extrae el
título de la novela, por otra parte extensible al carácter independiente de las
emisoras radiofónicas. Dice: “el amor llega y te jode la vida sin pedir permiso”.
Conchi preparando la edición
La historia se sitúa en la década de los noventa, en Madrid, con sus movimientos asamblearios, el inicio de las ONGs, la inmigración, la situación de crisis que
se vivía en esos años, con locales como el Penta o la Via Láctea, las radios piratas, las casas ocupadas, los centros sociales... En la novela seguimos también
los pasos de una banda amateur de rock and roll llamada Cierre por Impago, de
la que forma parte el mencionado Marcos, que sirve de ejemplo de aquellos grupos que subsistieron en los noventa sin las facilidades de los media ni el
apoyo institucional que tuvo la llamada “movida” de la década anterior.
Pese a que la autora fue testigo de excepción de esa época, no se
trata de un libro autobiográfico tal y como deja bien claro en entrevistas como
ésta, realizada por radio Paralela, que puedes leer aquí. Junto a vivencias reales, surgen personajes
inventados y situaciones cambiadas para que encajen en una trama fresca y viva,
muy bien narrada, que discurre con un dominio del oficio que no se corresponde,
para nada, con el de una debutante, y ensamblada por bien encajados aforismos
musicales extraídos, en su mayoría, de canciones del momento en el que se sitúa la trama.
En la presentación a finales de 2015
El resultado es un libro cautivador, que se deja leer y
querer con facilidad, mediante sus divertidas anécdotas, con sus tensiones
emocionales, y esos recuerdos de un pasado que para el lector actual, si no
tuvo la suerte de haber vivido esos años, puede que le resulte
ciertamente increíble ya no tanto por las actividades “underground” que se
llevaban a cabo sino por la capacidad de reclamo que tenían entre una juventud
inquieta que aún se relacionaba, sin necesidad alguna de las actuales redes
sociales.
Con Migüel Bastante a la guitarra
Aclaraba también Jules Renard en sus notas sobre el oficio de escribir que: “mi literatura
es como un conjunto de cartas a mí mismo que os permitiera leer”. Precisamente en este sentido, comenta también Conchi Moya
en la mencionada entrevista que: “a mí me gustaba hacer mucho una especie de
cartas que plasmaban si habíamos hecho alguna fiesta, evento o algo similar, he
recuperado muchas de ellas y están en el libro”. Y ese método de trabajo, tan predispuesto como metódico, derivó con los años en esta magnífica novela donde la ficción tiene un poso vital muy emotivo y cariñoso que nos sorprende gratamente
y que nos cautiva desde la primera a la última página “a fin de que todo vuelva empezar”
tal y como se aclara en la frase final de esta genial obra altamente recomendable.
Completa el libro un Cd a cargo del grupo formado para este proyecto, precisamente Cierre por Impago, con cuatro canciones tituladas "Hecatombe vacacional", "Empátika y Diplomátika", "Vallekas 83", e "Ira del Dios Menor". Con letras de Conx Moya, la música es de Miguel Bastante quien toca la guitarra y el bajo, y canta, con Cristian Chilo a la batería quien las grabó y mezcló en Chilhue Estudios. El diseño del Cd es de Juarma.
Nota: Las fotos han sido extraídas del facebook personal de la autora. Puedes adquirir una copia del libro en la web de Libros.com
En las últimas décadas, no han sido pocas las bandas que han basado su
proyecto musical en la obra y gracia de la mítica Velvet Underground aunque, eso sí, con variadas como notables diferencias
de planteamiento. Mientras unos se
limitan a reproducir, de forma más o menos acertada, los conceptos melódicos y
rítmicos que distinguieron a esa legendaria banda neoyorquina, otras
formaciones son capaces de reinterpretar, con muy buen criterio y gusto, esa reconocible
dinámica creativa que, desde la Factory de Warhol, tantas razones y motivos ha dado para que
naciera el rock alternativo, el post punk o el llamado sonido indie. La banda Esplendor no solo es fiel heredera
de esos parámetros que surgieron, principalmente, de la fértil imaginación de
Lou Reed y John Cale, sino que va más allá aportando una visión propia
exquisita, contundente y penetrante, con
el propósito de explicar su propia realidad existencial. Tras iniciar el proyecto en formato dúo, ahora
ya son un cuarteto y han pasado del inglés de su anterior grupo a expresarse en español,
al tiempo que han potenciado la vertiente pop en sus convincentes esquemas “velvetianos”
. Este magnífico combo malagueño acaba
de editar este 2015 con los almerienses Clifford Records un Ep de debut con el título genérico de “Tara”. Veamos que
les une con el pasado y que les distingue en presente para que sus canciones
resulten ya memorables antes de que llegue su futuro más que prometedor.
Trayectoria
Esplendor. Foto: Mayi Montes
Esplendor es una banda malagueña que empezó en formato dúo
en 2011 con Pedro Ruiz Martín (voz, guitarra), e Isabel Guerrero (voces,
batería). Tras un par de maquetas se incorpora el bajista Daniel Pérez Doblas
con el que graban su disco de presentación con Clifford y en 2015 se integra un
segundo guitarrista, Sergio Higuero, exguitarrista y cantante de Trinidad, entre
otros grupos. El proyecto nace tras una
experiencia anterior llamada Severine,
banda de shoegaze y psicodelia de Málaga. Adoptan el nombre de la
película “Esplendor en la hierba” (1961) de Elia Kazan. Empezaron grabando una demo entre mayo y
agosto de 2012 en la que destacan canciones como “El Horla” inspirada en un
relato de Guy de Maupassant más una
primera versión del tema “Quédate” incluido en su más reciente 7”. Con esta
maqueta quedaron semifinalistas del
proyecto Demo del FIB. Entre noviembre de 2013 y abril de 2014 graban una
segunda maqueta “Sin título” con dos temas incluidos en su debut y que son “Te
esperaré” más “Escupe fuego”. La música
es de Pedro, autor de la letra con la colaboración de Isabel. Las canciones fueron
grabadas, mezcladas y masterizadas por Maximo RB en The Hollers Analog Studio
de Málaga. El ideal artwork es de Mía López
quien ha realizado un bonito trabajo visual con la foto de “Tara”, a
quien está dedicado el disco
Las canciones
Esplendor. Foto de su facebook
El Ep se abre con el tema “Quédate” , tema de rítmica marcada
a juego con esas persistentes guitarras que logran convertir lo sencillo en
envolvente mientras las voces nos explican que “siempre hay un lugar mejor, donde
puedes vender tu amor”. Tema reflexivo donde
se finge el dolor, se cae sin red, y uno puede asomarse al filo del rencor, entre otras
construcciones líricas tan precisas como afiladas. Completa la cara A “Te
esperaré” , canción de calma tensa en la que los tambores marcan el paso siniestro
mientras las atmosféricas guitarras consiguen que nos dejemos llevar. Persisten en esos sutiles juegos de palabras muy
inspirados como: “Te perdiste ayer, lejos de tu fe. Las secuelas son charcos de
dolor”. El tema va creciendo paulatinamente tejiendo su descarga emocional hasta
convertirse en casi un susurro, con un estribillo medido con sugerente acompañamiento
de bajo tras el que vuelven a remontar con gran fuerza para llevarnos hacia el explosivo
acorde final.
Esplendor. Foto: Mayi Montes
Ya en la cara B regresan a ese martilleo de percusión milimetrada
con vocación electrónica que aporta un más que considerable valor bailable para
una fantástica canción llamada “Escupe fuego”. Las guitarras y los efectos siguen creando una
sólida pared de armonías que enfundan con energía a unos brillantes juegos de
voces entre Pedro e Isabel. Nos hablan
de la soledad, del orgullo, del “infierno
de ignorantes”, y de la posibilidad de escapar,
o al menos darle la espalda, a ese ser que se siente importante a nuestra costa.
Cierra el Ep “Maldición”, tema de sufrimiento que surge del legado temático de
la Joy Division, en el que los sueños nos revelan el temor que nos espera.
Versos cargados de emoción para compartir con nosotros momentos tan
escalofriantes como éste: “En tus caricias siento maldad pero no puedo dejarte
atrás”. Con respecto a la versión de su anterior demo,
prevalece el componente rítmico y las guitarras suenan mucho más fascinantes
mientras que la voz principal demuestra una mayor seguridad demostrando el gran trabajo
realizado para la consecución y grabación de este magnífico Ep de presentación.
Esplendor. Foto: Mayi Montes
Reflexión final
Esplendor ha realizado un trabajo que se nos antoja incansable
en los últimos años consiguiendo definir un proyecto propio que ha ido
creciendo a medida que han aparecido las necesidades interpretativas
consecuentes a una intensa labor creativa. Su música, si bien responde a unas
referencias claras, con especial predilección por el legado de la Velvet
Underground, no cae en la tentación de
copiar sino más bien llega a conformar un microuniverso sonoro propio con el
propósito, a nuestro entender conseguido, de ir dejando una huella artística
constatable mediante originales letras,
suculentos juegos vocales, profusos acompañamientos rítmicos, y arreglos ácidos
que convierten esas melodías pop en hipnóticas luces no exentas de sombras
existenciales. Solo hace falta comparar
los temas de las maquetas con su resultado final editado en este Ep con Clifford
records para darse debida cuenta de que en Esplendor, como su nombre bien
indica, sus artífices buscan ese máximo grado de intensidad o grandeza que les
permita situarse lo más cerca posible de la perfección.
Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp y adquitir una copia en la web de Clifford Records
Por lo general estamos habituados a oír discos en los que sus artífices vierten los impulsos creativos con un único, a lo sumo un par de criterios estilísticos a los que pueden, en su caso, añadirles detalles referenciales de otros géneros en un amplio abanico que oscila entre el integrismo y la fusión. Son bastantes menos los músicos que no se conforman con ninguno de esos extremos y necesitan imperiosamente un espectro más amplio para comunicarse con nosotros mediante sus canciones. Me refiero a artistas que, desde su irrenunciable situación de melómanos eclécticos, nos ofrecen un trabajo tan variado que en cada una de sus obras han sido capaces de reinventarse con resultados sorprendentes. Son álbumes con variados esquemas temáticos, incluso tan diferentes que a veces parecen pertenecer a distintos proyectos a cuál más imaginativo. A ese mundo de geniales creadores y creadoras, capaces de generar olas propias con las que mecen o zarandean sus ilusiones, pertenece este Ep, aún no editado, con el título de “The Wave” protagonizado por una gran compositora así como cantante que responde al nombre artístico de Sand Ula.
Trayectoria
Sandra Socias. Foto: Marco Gracia
Sand Ula es el psuedónimo artístico que identifica, de forma genérica, el proyecto personal de la compositora, cantante y teclista barcelonesa Sandra Socias, quien anteriormente había sido voz solista de bandas como los Moviemakers y The Hitbacks, un poderoso trío de “garage” con los que grabó un disco con el título de “Rock’n’Roll Reset” (2012). “The Wave” es su primer Ep y contiene siete temas de los que es autora tanto de la música como de las letras. También canta en todas las canciones y se encarga de los coros. Los temas se grabaron recientemente en La Atlántida Estudio (Barcelona) con el productor Edgar Beltri (Los Tiki Phantoms) quien también interpreta todos los instrumentos (guitarras, batería) más Carla Santacreu (The Lizards) en algunos coros adicionales, y Albert Contra quien aporta guitarras adicionales en tres de los siete temas. La masterización ha corrido a cargo de Mario Patiño, también en la mencionada Atlántida Estudio. El artwork es de Carla Santacreu (Csdsing) y destaca por ese genial juego de imagen entre las olas del mar y el pelo de Sand Ula, fotografiada por Marco Gracia.
Las canciones
Yendo hacia el estudio.
El disco arranca con el tema “Song For The Cure” y lo hace con la personalísima voz de Sandra acompañada por acordes enérgicos que la mantienen flotando con una gran habilidad. Un tema de aires americanos en el que los arreglos van adquiriendo una trascendencia descomunal mediante un crescendo medido con una destreza de auténticos profesionales. Con la entrada de la batería es inevitable que los pelos vayan erizándose uno a uno hasta que en el clímax del tema principal, la música cabalgue sobre un medio tempo de una belleza extraordinaria con una sentida gravedad de la que emanan sensacionales momentos melódicos con unas combinaciones de voces extraordinarias. El tema nos habla de curación, víctima de acoso, de momentos de intimidad, de soledad, meciéndose lentamente, viéndose a sí misma caminando por la orilla, con los recuerdos mezclándose con los pensamientos, y las partes del cuerpo.
Edgar Beltri con la steel guitar
Dejamos atrás la oscuridad del anterior corte, y entramos en la luminosidad playera de “Leaves And Feathers” con ese ritmo sencillo, casi de habanera con influencias hawaianas, sobre el que Sandra canta un tema cariñoso que deriva en su mitad a una excelente descarga de rock contundente entre golpes de guitarra combinados con potente batería. En esta ocasión la protagonista se sitúa en un paraíso sin tarjetas de crédito, rodeada de pájaros, cascadas, durmiendo con una cama de hojas… oyendo a Johnny Cash. El siguiente corte lleva por título “The Bride”, con una mortuoria entrada instrumental sobre la que Sand Ula volverá a dejarnos anonadados con su excelente registro vocal en un tema de vocación siniestra sobre el que los coros van acrecentando su trascendencia entre oraciones, campanas a muerte, y maleteros de coche con sorpresas. “My Home, My Grave” incide en ese claro componente argumental y musical del outlaw country, con esenciales momentos oscuros, para contarnos historias de personas que arrastran cadenas por caminos polvorientos mientras el sol resulta muy difícil de aguantar. En esos momentos tan duros, hasta el alma resulta difícil de soportar. Unos momentos musicales cercanos al recitado que transmiten ese desespero con exactitud milimétrica y que acaban por descargar la agonía sobre ese estribillo pensado con detalles de góspel y respaldado por efectos sonoros viscerales.
“One Week Of Boredom” tiene una concepción rítmica muy original y juega de nuevo con ese componente coral tan bien trabajado e ideado por la artista y sus acompañantes instrumentistas capaces de dotar de una enorme vida el motivo central mediante sencillos pero efectivos punteos. Nos cuenta en el tema: “Condenada a una semana de aburrimiento… sin alimento para el alma, susurro el canto que me viene a la cabeza”. “Farewell”, siguiente canción, tiene un aire más folk con momentos ácidos. Guitarras y voces moviéndose con enorme destreza, con paradas para contemplar el camino recorrido mientras se aleja de la ciudad. Otra belleza melódica que nos lleva al tema final, esa “The Wave” que da título al disco y que nos sorprende con una descomunal creación de powerpop. Un auténtico temazo, de esos que identificamos a la primera como un éxito seguro, en el que melodía y ritmo se conjugan con un trenzado de genialidades que invitan al baile y a la reflexión, esperando esa ola que nos lleve a la tierra de los valientes, y desparecer…
Reflexión final
“The Wave” es un álbum en el que Sand Ula ha volcado una necesidad imperiosa de expresar sus sensaciones vitales orquestadas con un amplio abanico de géneros que han forjado su experiencia artística. No hay duda de que tiene un gran talento para componer melodías atractivas con letras pensadas a conciencia, pero no es menos destacable esa ingeniosa forma con la que sus acompañantes crean una tensión emocional mediante crescendos imaginativos o la incorporación paulatina de instrumentos en arreglos que parecen sencillos pero que contienen una fuerza fascinante. Por otra parte, a modo de detalle a tener en cuenta para entender una parte muy significativa de algunas de las letras del disco, cabe mencionar que el disco fue concebido durante un periodo de convalecencia de su creadora.
Sandra Socias. Foto: Marco Gracia
Según nos cuenta la propia Sandra Socias, entre sus prioridades figura la autoedición de este disco entre finales de este año o principios de 2016 aunque cabe la posibilidad de que antes, se haya interesado alguna de nuestras valientes discográficas con el objetivo de sacarlo al mercado discográfico con todo lujo de detalles. Sea cual sea la opción en la que llegue a nuestras manos su soporte físico, por el momento puedes disfrutar de las canciones en elbandcamp. Personalmente, tengo que añadir que sus temas me cautivaron desde la primera audición y estoy convencido de que su visión ecléctica, con la que se hace patente el dominio de un amplio abanico de estilos asociados con el rock and roll, creará en ti un efecto altamente reconfortante con el que te sumirás en varios estados emocionales al ritmo de canciones ágiles, creadas con la determinación de un excelente criterio musical, e interpretadas con el dominio propio de unos profesionales. “The Wave” resulta un disco fascinante en el que tienen cabida aspectos reflexivos e ilusiones dando vida, mediante arreglos ingeniosos y una voz solista magnífica, a propósitos vitales y artísticos expresados con canciones de gran belleza que resultan tan comunicativas como conmovedoras.
Si me preguntaran el nombre de los cinco mejores compositores de canciones pop de nuestra escena estatal, nombraría sin lugar a dudas a Rafa Skam; y si en esa lista solo pudieran figurar los más incombustibles, continuaría destacando, entre los tres primeros, a este enorme compositor, cantante, guitarrista y teclista, creador de los Yellow Melodies, entre otros proyectos, así como principal factótum de sello Discos Imprescindibles, o del fanzine, también programa de radio, Planeta Amarillo. Y si esa lista de persistentes incitadores de emociones, genios capaces de conectar con nuestros corazones con una facilidad deslumbrante, auténticos maestros de la melodía en su máxima brillantez, se ampliara al ámbito internacional, deberíamos guardarle un puesto de honor a Duglas T. Stewart, líder de los escoceses BMX Bandits. Imaginad pues el placer que resulta de la conjunción musical de ambos en un mismo disco como el que acaban de grabar los Yellow Melodies con el título genérico de "Students Of Life: A Tribute To BMX Bandits". Se trata de un álbum, con seis canciones, editado por Sweet Grooves Records (2015), que va más allá del siempre comprensible homenaje mediante versiones con el que algunos rinden pleitesía con más o menos atrevimiento. El trabajo realizado por Skam y los suyos no solo ha conseguido redimensionar las canciones del admirable y, a la par, humilde Stewart, sino que encima, todo, absolutamente todo ( arreglos, artwork, entrevista, fotos), está tratado con tal exquisitez e imaginación, que el resultado podría considerarse como parte de lo mejorcito de unos BMX Bandits reinterpretados con la misma esencia emocional aunque con otras formas no menos fascinantes. Trayectoria
The Yellow Melodies
The Yellow Melodies, excelente grupo pop con una trayectoria impecable, se forma en Murcia a finales de la década de los noventa. El grupo lo forman actualmente Rafa Skam (voz y guitarra), Pilar (bajo y coros), y José Ángel (batería), tras dejarles recientemente su teclista Mª del Mar. Rafa Skam, grabó su primera maqueta en 1989. En los noventa formaría H-Boria y Lovely Dolores, y en el 92 crea Sensatos y su continuación con De Cualquier Manera. En 1994 funda La Especie y en 1996 Takiqardia. Ya en 1996 nace un Rafa nuevo con un grupo que lleva por nombre Skam y forma parte de los Unlikes. También en 1996 y 1997 crea los Beat-Loss, germen de los Yellow Melodies creados en 1997. De forma paralela a éstos, ha dado vida a los Newsies en 1997, Vacaciones en 1998, y Minibar en 2006, Little Rusia en 2007, Wavefield en 2008, y Terryball en 2010.
The Yellow Melodies
Por los Yellow Melodies han pasado otros músicos como los bateristas Fran Vázquez (2013 y 2014); Miguel Ángel (2009 a 2012); Jesús ( 2003 a 2009), Ángel Pop (2001 a 2002), e Ismael (1996 a 2001). También han tocado en la banda Jaime, teclados (de 2007 a 2009); Mª del Mar la viola y coros (de 2001 a 2004); Lauraa los teclados y coros (de 2001 a 2002); Raúl al bajo (de 1996 a 2001); Nacho a la guitarra y coros (de 1996 a 2001); y Carlos a los teclados (de 1996 a 1998).
The Yellow Melodies
Los Yellow Melodies tienen editados un total de siete álbumes que son: “Repertorio B” (Pussycats, 1998); “High” (Jabalina, 2000); “New Identities” (Discos Imprescindibles, 2010), la serie de “Fan #1, #2 y #3 (Discos Imprescindibles, 2013) y "Alternate Identities" (Jigsaw Records, 2014), recopilatorio de las caras B de los singles extraídos de "New Identities". En los mencionados tres discos de versiones se indluyen brillantes adaptaciones de temas de David
Bowie, Comet Gain, The Magnetic Fields, My Bloody Valentine, Ramones, Rem, La
Buena Vida, Pic Nic, Nico Fidenco, etc (Fan #1); The Smiths, The Primitives, Aztec Camera, The
Vaselines, Erasure, Family, Papas Fritas, y Modern Talking (Fan #2); más The
House Of Love, Teenage Fanclub, The Wedding Present, Pink Floyd, The Delgados,
Décima Víctima, A-ha, Vacaciones, The Velvet Underground, Madonna... (Fan #3).
Repertorio B
También han sacado varios Mini Lp's, Ep's y singles, entre versiones físicas y digitales, como “Surprise” (Mini-CD. Jabalina, 2002); “The championship cup” (Mini LP. Clifford, 2008); ‘Split’ con The Postcards (Cloudberry, 2009); ‘New Identities Ep’ (Clifford, 2009); ‘Found Your Smile Ep’ (Bubbletone, 2010); ‘You Make Me Fall In Love’. Edition 59 (Vollwert Records, 2011); "It's Only Love" (Discos Imprescindibles, 2011); "I'll Never Understand" (Discos Imprescindibles, 2011); "The Story Of My Life" (Discos Imprescindibles, 2011); "Friday Night" (Discos Imprescindibles, 2011); "No More Parties" (Discos Imprescindibles, 2011); "So Well Together" (Discos Imprescindibles, 2011); "Keep Away From Me" (Discos Imprescindibles, 2011); "My Wedding" (Discos Imprescindibles, 2011); "How Television Personalities Learned To Love" (The Beautiful Music, 2012) y finalmente, hasta el momento, "Students Of Life: A Tribute To BMX Bandits" (Sweet Grooves Recrods 2015).
New Identities
Las canciones de The Yellow Melodies han aparecido en numerosos recopilatorios, se han podido oír en directo en multitud de salas y festivales como el Easy Pop Weekend al que le dedicaron un tema, así como en televisión y en Radio 3. Tienen grabados varios videoclips de canciones como “Believe”, “The championship cup” y “You make me fall in love”, dirigidos por Martin Ellerbeck; “I’ll never understand”, dirigido por Teo Kinema; y “New Identities”, “It’s only love” y “Mr Sand and Mrs Sea” dirigidos por Faustino Fdez.. Este último fue galardonado con el Premio al “Mejor Vídeo-Clip” dentro de los premio Pop-Eye 2009 de la música independiente.
Primer entrega de Fan
Discos Imprescindibles es el nombre que en su
día escogió Rafa Skam para su compañía discográfica y su primera referencia fue
el segundo álbum del grupo paralelo Vacaciones, titulado ‘Emmaboda’. Rafa
también es el responsable del fanzine de pop El Planeta Amarillo que empezó a
editarse en 2000. En 2010 formaría parte de Pulsa radio presentado por Isabel
Cañavete y Rafa Skam y actualment se emite en formato podcast.
Contraportada de Students of life
En este disco que te presentamos, los Yellow Melodiesversionan temas de los primeros discos de BMX
Bandits: "Your Class" y "Whirlpool", ambas incluidas en “Totally Groovy Live Experience!” (1989 Avalanche Records) y "C86"
(1990); "Students Of Life", "Extraordinary" y "Think
Tank" de "Star Wars" (1991 Vinyl Japan); más "Girl At The Bus Stop",
aparecida en el EP "Gordon Keen And His BMX Bandits" (1992 Sunflower Records) y
compuesta por Dan Treacy de Television Personalities para la formación
escocesa. El disco fue grabado por
Rafa Skam en el estudio de su casa, producido por él mismo, mezclado por Pepe
Moreno y masterizado por María del Mar Soto en PM Studio (Murcia). El artwork es obra de Jamie Nordstrand. En la portada, unos chavales juegan a canicas mientras que en la contraporada se ve a la banda echada sobre la hierba y rodeados por variso discos de BMX Bandits. En la carpeta interior se puede leer una entrevista que le hizo Rafa a Duglas (en inglés y castellano) con fotos inéditas de 2011 y 2012 (año en que los BMX Bandits actúan en el Microcosmos de Murcia) del archivo personal de los protagonistas.
Las canciones
The Yellow Melodies, Foto: Estudio Muñoz
El disco se abre con la versión de “Students of love”, un tema que en el original de los BMX Bandits tiene una concepción diáfana de pop folk y que, en manos de los Yellow Melodies, adquiere una considerable carga eléctrica con unas guitarras más punk. La voz de Rafa destaca por su entrega mientras los recorridos de batería aceleran el tempo con destreza. De los estudios aplicados sobre la vida y el amor pasamos a “Extraordinary”, una canción idónea para todos aquellos y aquellas que pasan de la amistad al amor y se sienten un tanto confundidos por el entorno aunque muy seguros de sus sentimientos. En este caso, los Yellow Melodies persisten en destacar su gran valor melódico con acompañamiento rítmico más ligero y alegre, substituyendo los acordes de piano y la parte solista de flauta por guitarras y teclados. En “Girl at the bus stop”, nos cuentan la historia de un joven que coincide con una chica en una parada donde toman diferentes autobuses. Una chica hermosa de la que espera que algún día tome su mismo bus. Aquí se explayan en su versión más acústica sobre la que incorporan piano, pedales de órgano, y acompañamiento de bajo, pandereta, defectos de cuerda, y esa voz tan exquisita de Rafa Skam.
The Yellow melodies. Foto: Estudio Muñoz
Ya en la cara B nos ofrecen “Your Class”, otro tema de amor profundo, con algo de resignación porque “si no puedo estar con la chica que amo, no voy a amar a la chica con la que estoy”. La preciosa melodía adquiere, con el tratamiento cariñoso de los Yellow Melodies, una nueva dimensión menos envolvente que la original pero más directa, cambiando la noción rítmica con criterios sonoros diferentes, prescindiendo en este caso de los detalles de cuerda. Le sigue “Whirlpool” en la que avivan el ritmo con un extraordinario riff de bajo, unas guitarras más punk pop que en el original y unos fantásticos efectos psicodélicos a base de teclados, con solo incluido, más algunos detalles de flauta . Un enorme trabajo que convierte el tema en propicio para llenar la pista de baile. Aquí la letra nos advierte de medir bien nuestras posibilidades al enamorarnos. Quizá la chica está más lejos de lo que pensábamos cuando nos tiramos a nadar en su dirección. Finaliza el disco con “Think thank” con esas afectuosas guitarras acústicas, entre efectos electrónicos y arpegios de piano. El juego de voces y el pequeño solo de órgano en lugar del de guitarra, no son menos destacables dentro del concepto revisado de otra canción de amores imposibles, al menos por el momento, con los pensamientos ocupados en la persona querida. Aquí, los arreglos derivan del modo "new wave" en el original a otro más folk intimista en la genial adaptación.
Reflexión final
Foto de la visita de Douglas Stewart en 2012. Rafa a su derecha.
A la espera de ese nuevo disco que los Yellow Melodies han empezado a preparar tras haber superado algunas dificultades como son la pérdida de la teclista, la falta de local de ensayo y la lesión de su baterista, este álbum de versiones de los BMX Bandits se convierte en una posibilidad más para disfrutar del talento de Rafa Skam, en este caso como arreglista e intérprete con una capacidad innata para captar la esencia de un tema ajeno y reinventarlo a su propio criterio. "Students Of Life: A Tribute To BMX Bandits" es un excelente trabajo de versiones con el que no solo se reivindica a otro grande del pop como es Duglas T. Stewart sino que también se pone de manifiesto la destreza y la imaginación de una banda que adapta las canciones, con excelentes resultados, a su propio microuniverso de temas deslumbrantes en los que sentimientos y las complicadas relaciones interpersonales adquieren un protagonismo ineludible y cotidiano. Tal y como se menciona en el tema que da título genérico a este exquisito recopilado de adaptaciones, todo se reduce a un estudio de la vida y al amor, y en ese contexto debe entenderse este fantástico homenaje que no debería faltar en las colecciones particulares de los fans de ambos genios, o simplemente en la de cualquiera al que le guste el pop en su máximo esplendor luminoso.
Nota: Esta misma semana publicarmeos una entrevista con Rafa Skam en la que nos cuenta más detalles sobre este disco, entre otros aspectos de la actualidad discográfica y su carrera muscial. Puedes escuchar las canciones en el bandcamp de los Yellow Melodies o en el bandcamp de Sweet Groove Records.También puedes adquirir una copia en vinilo en la web de Sweet Grooves Records y en formato Cd en Beautifulmusic.
Finalmente te invitamos a ver un videoclip del tema "Girl At The Bus Stop", de los BMX Bandits adaptado por los Yellow Melodies, y dirigido por Isabel Cañavate.
