En la exploración sistemática de los estados no ordinarios
de conciencia, la música se manifiesta como medio indispensable para facilitar un
viaje interno a los límites de la psique con resultados satisfactorios, a ser
posible con billete de vuelta incluido, ya sea con o sin substancias alucinógenas
de por medio. Texxcoco son una joven banda formada en 2015 que acaban de editar
un par de discos con el sello almeriense Clifford recordscon los títulos de
“Blu” ( Cd-ep, febrero de 2016) y “Psychonaut” (Mini-lp, diciembre de 2016). Un
total de 11 fascinantes canciones en las que ponen de manifiesto no solo su
gran talante para aprehender maneras y formas de los ritos “chamánicos” que
emparentan el rock and roll, con el punk, el grunge y el indie más
inconformista, sino también una descomunal creatividad que les permite expresarse con una voz propia que evoluciona a
pasos agigantados no de año en año, sino casi de semana en semana. Justo en
este mismo instante que escribimos está reseña, dispuesta a resumirte todo lo que
tienen de especial este grupo, los Texxcoco se encuentran ya delimitando su nuevo
sonido, que a buen seguro superará, aún más si cabe, el que ha sido uno de los debuts musicales más
explosivos y deslumbrantes de todas cuantas escenas “underground” hayamos
conocido protagonizadas por “psiconautas” buscando respuestas a muchas preguntas
vitales.
Trayectoria
Foto de Leonardo Segovia. Edición tipográfica por Poring Poi
Texxcoco es un trio que procede de Las Palmas de Gran
Canaria formado por músicos jóvenes, como Adriana
Moscoso a la guitarra, voz y composición; Joshua Delgado al bajo; Cristian
Muñoz a la batería; y Héctor Pérez a la guitarra. La banda se crea a finales de 2015, por los
tres primeros, allá por el mes de octubre. En noviembre graban el primer Ep con
el título de “Blu”. Un trabajo quenace
como maqueta con Wiener records y se edita en vinilo en febrero de 2016 con
Clifford records. En diciembre de 2015 ganan el certamen Capital Sonora
convocado por el Gobierno de Canarias. En marzo de 2016 se añade a la formación
Héctor y, entre mayo y junio, graban su segunda entrega discográfica que se
edita en mini-Lp en diciembre de 2016 también por Clifford. El nombre de la
banda es una mezcla de Texas y México. Realmente existe una población llamada
Texcoco situada en el estado de México de la República mexicana. Además, la capital
del imperio azteca, Tenochtitlán, fue fundada a principios del siglo XIV sobre
las aguas del lago de Texcoco. Por su parte, ellos añaden esa x para reforzar
su sonoridad.
Portada Ep
Ambos discos están grabados en This Grace estudios de las
Palmas con Mariano Gracia (Myairport, Vicious soul…). El artwork de “Blue” es
de Clara Maseda, artista, arquitecta, de las Palmas,y el del mini Lp de Pablo Alberto Pérez, artista
también de la capital canaria. Actualmente,
los Texxcoco residen en Madrid desde septiembre de 2016 y están preparando
nuevo material.
Las canciones
El Ep “Blu” se abre con “Fire”, tema con original arranque a
base de suculento riff de guitarra respaldado por una no menos descomunal
sección rítmica. Se suma la magnífica voz de la cantante que aporta sugerentes fraseos
entre andanadas de guitarras, momentos instrumentales oscuros y gritos salvajes.
En la misma cara A, está “La Nueva”, canción de pop agridulce con esenciales guitarras,
incluido un momento solista tan minimalista como efectivo, más esa magnífica voz
principal dialogando con inestimable fuerza persuasiva, entre golpes certeros
de percusión, descargando sobre el estribillo dosis energéticas fascinantes a medio
camino entre el punk y el indie más aguerrido.
Texxcoco. Foto de su facebook.
Ya en la B oímos “Green Stranger”, sensacional corte que
hereda de los noventa esos asfixiantes parámetros vitales de bajo y guitarra
retándose a muerte, midiendo los tempos de forma desbordante gracias a una
batería perseverante. Recursos que transforman a su antojo para crear un
universo propio de pop atrevido y rock sensual que te envuelve en una espiral
de sensaciones electrizantes sin desperdicio alguno. Cierra
el disco “I Wanna Let You Down”, otra maravilla con arreglos absorbentes a base
de voz alucinante dando forma literal a las contundentes líneas sonoras que
generan la guitarra, el bajo y la batería con una complicidad pasmosa. Canciones
hechas para el directo que, en este disco, suenan igual de rotundas y convincentes.
Por lo que respecta a “Psychonaut”, el mini Lp se inicia con
“Sunset Eyes”. En este caso empiezan con sonoridades al límite diseñadas por esas,
ya dos, guitarras que generan lamentos que desembocan en una rápida ejecución
de rock and roll divertido, contundente, que invita al baile y a sudar en las
primeras filas de sus aclamados conciertos. Aportan un buen solo de guitarra y
la voz solista sigue siendo uno de sus principales activos. Le
sigue “Larry”, tema de salvaje rock and roll en el que manifestan una destreza
especial para conjugar melodía con recursos instrumentales fieros, con
descargas de guitarras, bajo muy consistente, y batería atenta a cambios
sorprendentes con una solidez muy destacable, incluidos “rallentandos” oscuros
que nos trasportan a enigmáticos momentos “pixielados” dispuestos a su conmovedor
antojo.
Foto: Leonardo Segovia
A continuación nos ofrecen “Johnny”, tema que surge de secuencias
interestelares a las que se suma un fascinante ritmo de bajo y batería dando
forma a este espectacular medio tiempo. Su cantante se recrea, una vez más, en las palabras
que conforman un discurso emotivo, arropada por distorsiones y riffs antológicos.
Aportan un afilado solo de guitarra que despierta los sentidos entre voces ciertamente lisérgicas.
Cierra la cara A “Pepper”, otra exhibición de talento para construir canciones
cautivadoras con riffs punzantes que se repiten con destreza a lo largo de una
canción de ritmo marcado e insinuante voz que estalla de forma inesperada
mientras se crece entre arreglos cáusticos con resultados admirables.
Texxcoco. Foto: Leonardo Sego
Ya en la B escuchamos “Eternal Wrong”, canción generada por un juego constante de guitarras
poderosas que tejen momentos incisivos con los que envuelven a la soberbia voz
principal en auténtico estado de gracia. Bajo y batería aportan una
construcción rítmica sensacional con la que completan una canción impecable en
todos los sentidos. A continuación nos sorprenden con “Eleventh” y sus arpegios
corrosivos que nos trasportan directos a esa andanada punk que constituyen mediante
guitarras desbocadas. De este modo dan vida a una canción espeluznante en la
que experimentan con cambios rítmicosmás
alocados solos de guitarra. Finaliza el disco con “Cinnamon”, mediante esa calma
aparente inicial que acompaña a la voz y que va creciendo con una enorme belleza
sonora para explotar en su máximo esplendor en otro tema estremecedor, cargado
de referentes pero al margen de cualquier copia y lejos, muy lejos de simples homenajes,
con el propósito conseguido de dar forma a un viaje muy original y propio.
Reflexión final
Foto: vi-Twins
La lista de “psiconautas” famosos de la historia de la
humanidad es ciertamente tan larga como fructífera. Son muchos los navegantes
de la conciencia,ilustres literatos,
pintores, psicólogos, neurólogos, etc que la cultura dominante reverencia pasando, casi por alto, que consumieron drogas varias durante su
memorable etapa creativa. Otra cosa bien distinta son aquellos que se cuelgan
guitarras, “vociferan” y “aporrean” baterías a un volumen altísimo: esos
jóvenes que, para los mass media y el orden establecido, no van a pasar de meros
drogadictos, las tomen o no.Al margen
de la decisión personal de recurrir a sustancias psicodélicas para facilitar los
viajes de la mente, reivindicamos la música como medio para generar estados de
ánimo, y de paso fomentar situaciones propicias para la indispensable comunicación.
Foto: Leonardo Segovia
Texxcoco nos demuestra que, al límite de la psique, se puede
acceder con una facilidad pasmosa oyendo con detenimiento canciones tan
enriquecedores y vibrantes como las que nos ofrecen en sus dos discos editados
en 2016 en la siempre sorprendente Clifford records. Al igual que muchos “psiconautas” que han estudiado
los usos sagrados y curativos de la etnobotánica mexicana,este grupo de origen canario han iniciado
otro viaje que, por el momento, les ha llevado de las Palmas a Madrid, ciudad
desde donde tienen previsto seguir perfilando una obra propia que se nos antoja
ya memorable para, al menos, elevar a ciertos grados la conciencia cultural de
nuestra actual escena musical.
Nota: Puedes oir y comprar los discos en el bandcamp de Clifford Records entrando en "Blu" o "Psychonaut"
Fumio Karashima nació el Oita (Japón) el 9 de marzo de 1948 y
falleció en Tokio (Japón) el 24 de febrero de 2017 a consecuencia del cáncer. Fue uno de los grandes pianistas de
jazz de su país, reconocido mundialmente tanto por su obra a su nombre como por sus colaboraciones
con Elvin Jones de cuya banda formó parte en los ochenta. También tocó con otros tres
grandes bateristas como son George Ohtsuka, Tony
Williams y Jack DeJohnette.
Empezó muy joven a tocar el piano con su padre que era profesor
de este instrumento en la universidad de Kyushu donde también estudió Fumio. En
los setenta residió en Nueva York y a mediados de la década volvió a Japón. En
1975 se unió a la banda del baterista George Ohtsuka y en 1980 a la Jazz Machine
del baterista Elvin Jones con quien tocó durante los próximos años grabando
varios discos en directo como “Live At Pin Inn” (1985).
Fumio Karashima
En 1976 sacó un disco a su nombre llamado “Piranha”.
Le siguieron otros trabajos
como “Hot Islands” (1979), “Sho” (1980), “Child In The Wind” (1981), “Autumn In
New York” (1985), o “Étranger” (1986). Con formación de trío sacó también los trabajos discográficos "Gathering" (1976) o "Landscape" (1977). Dirigió un quinteto de 1988 a
1991, realizando varias giras y grabando gran cantidad de discos destacando
álbumes como "Great Time"
(2006) con el baterista Jack DeJohnette o "Moon River" (2008). También tocó en los noventa con el baterista Tony
Williams, el cuarto de los grandes bateristas con los que compartió estudio y
escenario. En 2005 ganó el 31º Premio Nanri Fumio.
Documento sonoro:
"Landscape" (1977) con el trío de Fumio Harashima.
Leon Ware nació el 16 de febrero de 1940 en Detroit, Michigan
y falleció el 23 de febrero de 2017. Músico, cantante y compositor de R&B, Ware fue muy
conocido por crear éxitos para otros
artistas como Michael Jackson, Quincy Jones, Maxwell, Minnie Riperton o Marvin
Gaye, en especial en el álbum “I Want You” (1976) del que es coautor. En realidad son las demos del que tenía que ser su segundo disco tras sacar uno de título homónimo en 1972. Las cedió a Marvin Gaye, y sacó otro álbum en 1976 que no fue promocionado convenientemente.
Comenzó su carrera como compositor en 1967 y coescribió con
Ivy Hunter y Steve Bowden para The Isley Brothers "Got to Have You
Back". En 1971, Leon colaboraría con Ike & Tina Turner, coescribiendo
seis canciones en su álbum “Nuff Said”. El álbum alcanzó el top 40 de las
listas de R & B y también apareció en las listas de éxitos. Más tarde, Ware
comenzó a colaborar con Arthur "T-Boy" Ross, hermano menor de Diana
Ross. Una de las canciones que escribieron "I Wanna Be Where You Are"
fue grabada por Michael Jackson para su álbum, “Got To Be There”. El single consiguió
un gran éxito en 1972. De este modo le contrata United Artists, lanzando su
álbum de debut homónimo.
Ware escribió para numerosos artistas durante este período,
incluyendo Donny Hathaway y The Miracles. En 1974, Quincy Jones contrató a Ware
como compositor e intérprete de dos canciones del álbum “Body Heat”. La
canción, "If I Ever Lose This Heaven", alcanzó las listas de R &
B en septiembre de ese año. Ware trabajó con Minnie Riperton en el álbum de
Jones y colaboró de nuevo en el álbum de Riperton, “Adventures in Paradise”,
componiendo el éxito de Riperton, "Inside My Love". Ware y T-Boy Ross
trabajaron en demos para el segundo álbum de Ware, que publicará en Motown Records. Una de las
grabaciones "I Want You", fue escuchada por Berry Gordy, quien
decidió que la canción sería buena para Marvin Gaye. Gaye escuchó las otras
demos y decidió grabar gran parte de ellas en lo que sería su próximo álbum, “I
Want You”.
Tras ceder el material para el álbum de Gaye, Ware comenzó de
nuevo en solitario para Motown. El resultado sería su segundo álbum, “Musical
Massage” que salió en 1976. No fue bien promocionado y consiguió poco éxito. Ware
produjo el álbum “Shadows In The Street” para Shadow, que fue lanzado en 1981, también compuso
para Teena Marie, Jeffrey Osborne, Loose Ends, James Ingram, Melissa
Manchester, Krystol, Bobby Womack y Lulu, coescribiendo el
"Independence" de 1993. Por otra parte, Ware ayudó a producir el
álbum de debut de Maxwell, “Maxwell's Urban Hang Suite” (1996), considerado uno
de los álbumes de referencia del llamado neo-soul. Además el hip hop llevó todo su trabajo
anterior al éxito mediante covers y samplers.
Desde 2009, Ware se recuperaba del cáncer de próstata
que padecía.
Documento sonoro:
Leon Ware y su primer disco, con el trema "What's your world" (1972).
Horace Parlan nació en Pittsburgh, el 19 de enero de 1931, y
falleció en Korsør, Dinamarca el 23 de
febrero de 2017. Pianista de jazz, encuadrad en el hard bop, grabó varios
discos a su nombre y colaboró con otros grandes como Charlie Mingus, Lou
Donaldson, Dexter Gordon, Roland Kirk, Archie Shepp, o Stanley Turrentine,
entre otros. En su forma de tocar influyeron y mucho sus raíces de R&B.
También desarrolló una gran técnica tras padecer la polio que paralizó parcialmente
la parte derecha de su cuerpo.
Horace Parlan
Horace Parlan comenzó muy joven a estudiar piano. Contrajo la
poliomelitis y la parte derecha del cuerpo quedó afectada. Siguió con los
estudios con los profesores Mary Alston y Wyatt Ruther, llegando a desarrollar
una técnica sensacional con la mano izquierda llevando a cabo igualmente frases
altamente rítmicas con la derecha. En los cincuenta se inició tocando con
bandas de R&B y tras colaborar
puntualmente en Washington con Sonny Stitt, en 1957 se unió a la banda de Charles
Mingus con quien estuvo un par de años. En esa época se trasladó a Nueva York. A
primeros de los sesenta trabajó con Booker Ervin, y 1962 estuvo en el quinteto
de Eddie Davis y Johnny Griffin. De 1963 a 1966 tocó con Rahsaan Roland Kirk, y
durante toda la década de los sesenta sacó varios discos con Blue Note Records. Destacan “Movin' & Groovin' (1960), “Us
Three” (1960), “Speakin' My Piece” (1960), “Headin' South” (1960), “On the Spur
of the Moment” (1961), “Up & Down” (1961) o “Happy Frame of Mind” (1963).
Horace Parlan
En los setenta, debido al auge que experimenta el jazz en
los países nórdicos, se trasladó a Copenhague y graba varios discos con Steeplechase
Records, ya fuera con músicos locales o americanos residentes como él en
Dinamarca de la talla de Dexter Gordon o Archie Shepp. A mencionar discos como “Arrival” (1974), “No
Blues” (1975), “Frank-ly Speaking” (1977), “Goin' Home” (1977), “Trouble in
Mind” (con Archie Shepp) (1977), “Blue Parlan” (1978), “Hi-Fly” (1978), “Musically
Yours” (1979), o “The Maestro” (1979). Destacan asimismo los dúos con el
saxofonista Archie Shepp, incluido el disco “Goin' Home” (1977), con detalles
de música góspel.
Se establecería en el municipio de Rude, Zealand. En 1974 giró
por Africa con Hal Singer. Ya en los ochenta grabó con Red Mitchell, Frank
Foster y Michal Urbaniak. A
mencionar trabajos como “Pannonica” (Enja Records|Enja, 1981), o siguiendo con Steeplechase:
“Like Someone in Love” (1983), “Glad I Found You” (1984) o “Little Esther
(Black Saint/Soul Note|Soul Note, 1987).
En el año 2000 recibió el Ben Webster Prize otorgado por la fundación
de Ben Webster.
Documento sonoro:
"Us Three" (1960) del Horace Parlan Trio con George Tucker al contrabajo y Al Harewood a la batería.
Nacido en Rossford,
Ohio, David Yorko tocó la guitarra con Johnny & the Hurricanes grabando
temas conocidos como “Red River Rock” y “Beatnik Fly”. Falleció el 17 de
febrero de 2017 a los 73 años, tras padecer un enfisema pulmonar, en Heartland of
Waterville (Ohio). Johnny & the Hurricanes ya habían conseguido un éxito en
1959 llamado “Crossfire” cuando Yorko dejó la escuela para unirse a ellos a los
17 años. Tocaron por todos los Estados Unidos y se hicieron muy populares en el
programa de Dick Clark, American Bandstand. Sus amigos dicen de él que no fue un
músico típico a la búsqueda de fama y riqueza. Cuando se cansó de estar en la
carretera, se procuró una vida más normal. Tocaba porque le gustaba y cuando
tuvo suficiente, se acabó y dejó a los Hurricanes.
Aprendió a tocar la guitarra con Elmer Sanders en Toledo. Fue uno de los 300 músicos que formaron parte del grupo en su historia. Los Hurricanes, banda de rock and
roll instrumental, se crearon en 1959 en Toledo por el saxofonista Johnny Paris.
El resto de componentes fueron Paul
Tesluk al Hammond, Dave Yorko a la
guitarra, Lionel "Butch" Mattice al bajo, y Bill "Little
Bo" Savich a la batería.
Johnny & The Hurricanes
El primer single que grabó Yorko con ellos fue “Red River
Rock”, una de las canciones más exitosas del grupo llegando al quinto puesto
del Hot 100 y R&B Singles a mitad de 1959. La canción vendió más de un
millón de copias y alcanzó el número 3 en Gran Bretaña. A principios de 1961 la
banda colocó nueve singles en el Hot 100. En un país segregado racialmente, Yorko y
suscompañeros de banda Paul Tesluk y
Lionel “Butch” Mattice preferían la compañía de músicos negros con los que se
lo pasaban mucho mejor.
Johnny & The Hurricanes
Tras abandonar a los Hurricanes, volvió a Rossford y formó
parte de varias bandas locales como BG
Ramblers, Kay Yeager and the Dominoes, Dave and the Orbits, The Fascinators con
Mattice y Tesluk, y The Downtowners.
Desde 1967 a 1997 trabajó para la Libbey Owens Ford Glass
Company. Tras dejar la música a nivel profesional, Yorko tocó dos veces en
público, ambas a principios de los años 2000: una reunión de Johnny & the
Hurricanes y un evento para celebrar la renovación del Teatro Maumee Inddor, (Ohio).
Documento sonoro:
El gran éxito de Johhny & Ther Hurricanes, "Red River Rock".
De modo muy esquemático, suele asociarse al trovador con el
autor, y al juglar con el intérprete. Si hablamos de punk rock, ambos roles coinciden
en una sola banda, los Ramones. Desde su creación a mediados de los setenta hasta
su disolución en los noventa, este grupo neoyorquino, de imprescindible
referencia, ha sido reverenciado, copiado, manoseado, elogiado y adaptado a las
necesidades propias de proyectos posteriores que se adaptan a sus directrices creativas,
con más o menos fortuna, pero siempre con la irreprochable ilusión de perpetuar
el legado de tan fundamental combo, al margen del ingente negocio que aún
genera su “memorabilia” así como de
ciertos homenajes de dudosa credibilidad. Los Ramones son incluso el grupo que
más canciones atesora con alusiones directas a su nombre, el de sus componentes,
y en general a su memoria. Entre esos homenajes puntuales, destaca una canción reciente
compuesta por el grupo F.A.N.T.Acon el título de "Nunca vi en directo a los Ramones”.Se incluye en su sexto disco, titulado de
forma genérica como“¡Más rápido!”, editado
a principios de 2017 en vinilo por Rufus recordings y Monster zero records
quien también lo saca en Cd con Rumble records, y Waterslide records. Contiene diecisiete canciones, a cuál más imaginativa, que
nos transmiten lo mejor de su talante
creativo e interpretativo mediante una indudable identidad propia que aporta
originalidad al rol de marcado carácter
“ramoniano”.
Trayectoria
Gabi, Beto, Oscar F.A.N.T.A. Foto: Deivid Tutusaus.
F.A.N.T.A. se forma en el año 1999 en Santa Coloma de Gramenet "Santako" (Barcelona) por Noe (bajo), Beto (batería) y Oscar (guitarra). Influenciados
por los Ramones, graban su primera maqueta con el título de “Quiero ser tu
Johnny Ramone”. En 2001 sacan tres demos más con los títulos de “Mi chica salió
de la morgue”, “Operción Bikini” y “He creado un Ramone”. Al año siguiente,
2002, la bajista Noe deja el grupo y es substituida por Gabi. Graban otra
maqueta “Solo quedamos tu y yo” previa a su primer álbum de 2003 titulado
“Vacaciones en marte” primera referencia del sello 'Música para Top'. Cabe
destacar que fue producido por Joaquín Rodríguez, bajista de Los Nikis y Los
Acusicas. Entre tantas canciones memorables, podemos citar temas como “Berlín”,
“Manicomio”, “Mi novia fue actriz porno”, “Solo quiero”, “Vacaciones en Marte”,
“No muerto” o “La chica del metro”. Contaron también con la colaboración de
Baby Horror más Nacho y Mauro Canut quienes les regalan una canción titulada
“Si yo soy un robot”.
F.A.N.T.A en sus inicios. 1998
En 2005 saldría su segundo álbum titulado "Nada volverá
a ser como antes” con grandes temas como “Bruce Lee”, “Soy un idiota”, “Bazar
Oriental”,“Yo quiero ser un Zombi”,
“Halloween”, entre otras, también con el sello 'Música para Top' producido, en
este caso, por Pelayo de los DDT. El grupo también participa en el homenaje a
los Nikis “10 años en Sing Sing”o en el
de los castellonenses Depressing Claim titulado "Radio Surf
Resintonizado".Su música se
incluye en recopilatorios como ¨Viva el Pop¨ de Subterfuge records o en el
Bublegum World Compilation. En 2007 vería la luz “El Chico con Rayos X en los
Ojos” con temas como el que le da título, más “Iker Jiménez”,“Adicto a tu fotolog”, “Cambio
climático”,“Mi coche fúnebre”, “Ya no
quieres verme más”, “2084 Planeta Tierra”, o “Cómics de Marvel”. En 2009
publican el split ¨Now I Wanna Sniff...Some Sun¨(Rumble Records) compartido con
los finlandeses Blitzkrieg Boys. En 2010 sale su álbum titulado “Está escrito
en tu mano” con canciones como “Código azul”, “Metas Volantes”,“Este invierno va a ser largo”, “Hombre lobo
en la Barceloneta”, “Pegado a ti”,o “Yo
maté a miss mundo”, entre otras perlas sin desperdicio alguno que figuran en el
catálogo del mejor punk pop internacional.Un año más tarde, sacan cuatro canciones nuevas en el split compartido
¨Bcn Punk Rock Sounds¨ (Picnic Records).
Uno de los primeros ensayos con Gabi al bajo
En 2013 veía la luz un nuevo álbum titulado “Así no vamos a
ninguna parte”, editado en vinilo por Rufus Recordings con un tema más, y en Cd
por Rumble Records con distribución en el Japón a cargo de Waterslide Records.
Puedes leer uan extensa reseña del álbum entrando aquí en el Magic Pop.En 2013 ve la luz un Split con Bit Of,
Rivelles, y Estupas, con el título homenaje de“Hey Kids! Pi Pop Sicles” (Rumble records).
Su nuevo trabajo “¡Más Rápido!” ha sido grabado en los Gabba
Studios (Santa Coloma de Gramenet) durante los meses de febrero y abril de
2016. Producido, mezclado y masterizado por Oscar F.A.N.T.A., todas las
canciones son originales. Javier y Eva Pelayo han colaborado en los teclados y
efectos en los temas "Una vida normal", "Te lo advertí", y
Tablakamon I" (El Dios de los surfetas). En eta última canción ha puesto
voces Joaquin Rodriguez.
Lp de F.A.N.T.A.
Por lo que respecta a la magnífica ilustración de la
portada, entre acciones bélicas, carreras de motos, platillos volantes, y
dinosaurios, es obra de Carme Morgendoffer. Ivan Castro se ha encargado del
diseño. La foto de la contraportada es de Deivid Tutusaus y la foto en directo
de la hoja interior es de Joaquin Rodríguez. En la mencionada hojas se pueden
leer las letras de las canciones. Se incluñia con las primeras copias del vinilo una postal con una foto de grupo. Por último destacar que el álbum está
dedicado en la memoria de Paco Rufus y Luquero DDT.
Las canciones
Oscar
El disco se abre con “Fatal” mediante ese arranque
cautivador de acordes grandiosos de guitarra entre ritmos muy bien perfilados
por bajo y batería que nos rescatan del vacío sentimental y nos ensalzan el
ánimo con un conmovedor estribillo. “Yo no te he olvidado, para mí todo sigue
fatal… por qué te fuiste, por qué no volviste?”. Le sigue “Nunca vi en directo
a los Ramones”. Tema que nos atrapa ya desde ese descomunal inicio de bajo y
por su ritmo acelerado tan bien mantenido.“Ya lo sé, tú eres mucho más punk rocker. Mírame, me ganas en aspecto y
pose”. No vieron a los Ramones en el Zeleste de Barcelona pero sí a los Queers.
Incluyen un potentesolo de guitarra de
pocos pero suficientes y alocados compases.
Le sigue la demoledora “Turista en Hiroshima”, canción con
otra magnífica melodía que nos pone en alerta y nos despierta los sentidos con un
entusiasmo irreductible. Tras cometer un homicidio, “me fui con tus ahorros, me
ocultaré en Manila, seré un monje en Nepal, turista en Hiroshima, o un nuevo
rico en Kurdistán…Jamás me encontrarán. ¡Cabalgaré mil olas en Hawaii!”. Y
hablando de cadáveres, el de ese “Amor en descomposición”: curiosa forma de
describir una historia de desamor. “Hay algo que apesta… no es una rata, no son
las cloacas, tampoco son mis pies, es insoportable, es desagradable, los dos
sabemos lo que es… es nuestro amor en plena descomposición”.
Gabi
“Te lo adverti” es el título del siguiente corte en el que
nos hablan de ese chico que acumula mucha rabia dentro de sí.“Aunque ponga buena cara, suelo mentir. Hoy
salgo en las noticias, hoy nadie se explica que un chico como yo hiciera algo
así. Mi foto en los diarios, mi cuerpo acribillado. No te sorprendas… ¡ya te lo
advertí!”. Aquí la guitarra comparte protagonismo con los teclados, arropado
por una sólida base rítmica. En “T.O.C.” vuelven a echar mano de ese descomunal
bajo que arremete con poderío. “Tengo un trastorno obsesivo ¡compulsivo!...
como Joey Ramone”, nos cuentan. Secuencias de guitarra bravía y ritmos, que nos
trastornan de forma compulsiva, nos llevan hasta “La línea Maginot”,
inalterable como los arreglos de esta gran banda, o como ese amor
“impenetrable, inalcanzable” ante el que gastamos toda “la munición” hasta
firmar nuestra rendición. Por suerte, nos queda la posibilidad de: “Coge una
Ouija y a dos amigas más. No perdáis tiempo, buscadme en el más allá. Me siento
solo, aquí está oscuro. Hacedme regresar ¡de entre los muertos!”. “Búscame en
el más allá”, que así se titula el tema, nos dice que “sabrás que estoy
presente por la señal que voy a darte en el radiocasete: Skulls de los Misfits
sonará”.
Beto
Cierra la primera cara “El pozo de la chica muerta”, otra
exhibición de talento compositivo así comode combinación rítmica y melódica, con estribillo conmovedor y letras
tan políticamente incorrectas como ésta: “Llevo un dineral gastado en el pozo
de la chica muerta donde los enamorados prueban suerte con sus monedas”, nos
cuentan,“Y aguantaré otro mes y si no
se cumplen (los deseos), pues iré a buscarte ¡y allí te arrojaré!”. Sea cual
sea el final de esta historia amorosa, parafraseando la canción, queda claro
que al menos “por ahora”, con tamaña cara A, hemos tenido suerte con un disco
tan deslumbrante como éste.
La Cara B arranca con “Mientras duermes”, canción que nos
advierte de un comportamiento demente en aquél que nos observa “esa sensación
de paz que das…” mientras le asaltan “pensamientos homicidas que no entiende”.
Tempos ágiles y juegos melódicos rabiosos nos invitan a seguir degustando el
disco con esa maravilla de temazo que es “Una vida normal”, quizá el mejor de
los cortes del disco. “Basta ya de
excursiones nocturnas al cementerio. No más espiritismos, ni nada de
ocultismos. Yo quiero tener una vida normal”.Con un maravilloso estribillo luminoso, añaden efectos paranormales con
los que nos invitan a enloquecer con este memorable corte en el que citan a Santiago Camacho, colaborador del programa "Cuarto Milenio".
F.A.N.T.A en directo. Foto: Joaquin Rodríguez
“Colecciono monstruos”, siguiente canción, es una salvajada
rítmica con todas sus consecuencias. “Tengo a Michael Myers, Frankenstein, al
hombre lobo, al hombre alto también, Freddy Krueger, Norman Bates, Nosferatu,
Pennywise, la momia, Fu-Manchú. Me falta Hannibal Lecter y ¡También me faltas
tú!. Y de esa suculenta colección de monstruos a un cementerio de chatarra con
“Esqueletos de metal”, donde hallarás vehículos amontonados con asientos libres
para hacer el amor. Detalles surfers, entre matices siniestros y coches retro,
dan para imaginar un secreto en “tú y yo”. De nuevo, “Otra vez” nos descubre a
los FANTA más desbocados sin que por ello merme su capacidad para dar forma a
melodías fascinantes.“Mil sensores,
luces infrarrojas, cámaras ocultas, minas antipersona…” no sirven de nada
frente una presencia indeseable que se ríe de nosotros en la cara. Por suerte
nos queda la oportunidad de hacernos ricoscon el siguiente corte, “Los locos del Canonball”, carrera donde“no hay reglas, no existen los amigos. Si me
adelantas te saco del camino. Las malas artes y el sabotaje caracterizan mi
pilotaje”. Si sabes correr, como FANTA, nada impedirá que llegues a L.A. y nada
frenará tu Pontiac Trans Am para al final levarte la Cannonball.
F.A.N.T.A. Foto: Deivid Tutusaus
Llegamos a los penúltimos surcos del disco con “Vuelve a mi”,
entre riffs de guitarra brillantes, sonoridades navideñas al margen de lo
previsible. Momentos musicales que inspiran alegría en contraste con letras
ciertamente tristes: “Aquí solo, un año más pensando en ti y tú no estás. ¿Cómo
quieres que me alegre?. No hay nada que celebrar”. Acaba el disco con la última
de las múltiples excelencias del álbum mediante detalles estilísticos un tanto
sorprendentes, procedentes del instro surf y del “garage” sixties más
monstruoso, órgano obsesivo incluido. “Tablakamon I (el dios de los surfetas)”
que así se titula es una maravilla de tema en el que nos cuentan la historia de
un faraón especial que quiso ver mundo y tres años después regresó con una
tabla en los pies. “Tablakamón I, el faraón surfero. ¡Era conocido por su
cuerpo de modelo!. Todo el mundo al río, dejad ya los cultivos. ¡El dios de los
surfetas quiere ver al pueblo unido!”. Hilarante canción construida sobre una
base musical nada desdeñable y muy original. Gracias a él, mucho tiempo
después… “el surf está de moda otra vez”.
Reflexión final:
Foto contraportada.Deivid Tutusaus
Tras una larga trayectoria que arranca en 1998 con seis
discos en el mercado, contando éste “¡Más Rápido!”, sin tener en cuenta las seis
maquetas grabadas entre los años 1999 y 2002, la inmensa y fructífera labor de
F.A.N.T.A resulta, como poco, un orgullo para la comunidad de amantes del punk
rock, a nivel internacional, sean o no fans irreductibles de los Ramones.
Probablemente, con tantos años en la brecha, las responsabilidades y las
obligaciones de su realidad cotidiana
habrán añadido las consabidas trabas que tratan de lastrar la ilusión por seguir
luchando en defensa de un proyecto propio al margen de la mediocridad reinante.
Sin embargo, este poderoso trío no ha visto mermadas sus capacidades creativas
y su nuevo álbum continúa siendo igual, o incluso más, ingenioso, conmovedor y
deslumbrante que cualquiera de sus anteriores trabajos. Ellos dicen, desde la
más sincera modestia, que están contentos porque siguen siendo capaces de
“hacer lo que nos gusta, o sea, lo mismo de siempre”. Desde el convencimiento
de hallarnos frente a un trabajo discográfico impecable a cualquier nivel que
se analice, ya sea compositivo, interpretativo, como técnico, los F.A.N.T.A han
sido capaces, una vez más y por muchos años, de tocarnos la fibra más sensible mediante
la hábil impronta del que no se conforma con ser un mero juglar sino que
atesora tablas más que consolidadas como para ser considerado un magistral trovador
del mejor punk rock “más rápido!”.
Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp de Rufus recordings odne podrás adquitir una copia del vinilo. Han
sacado un videoclip de “Turista en Hiroshima”, realizado por David Tutusaus
ganador del premio “Sangre” en el Festival Horrorvision 2012 con el
cortometraje “Venganza Maligna: Baño de Sangre 2”. Fue grabado en el Centre de formación musical
“El Molinet” de Santa Coloma de Gramenet.
Poco a poco, el rock
and roll con raíces en la década de los cincuenta y sesenta del siglo pasado, va dejando de
ser, para el gran público y los media, un divertimento meramente festivo y
anecdótico para pasar a engrosar la cultura contemporánea con igual o mayor credibilidad
que otras ofertas actuales que pretenden deslumbrarnos con supuestas ideas “novísimas”.Con el uso consciente de las cepas
originales, la música no pierde inmediatez, ni mucho menos frescura, sino que,
posiblemente, mantiene mucho mejor ese poderoso valor artístico intrínseco que otros
estilos han perdido al supeditar, sin escrúpulos, su frágil supervivencia a las
exigencias de un negocio discográfico insensible y culturalmente demoledor. Frente
a esos parámetros comerciales, con los principios artísticos muy claros, bandas como los barceloneses Dirty Rockets crean
Ep’s tan sugerentes como el que Clifford records ha editado este 2017 bajo el
título de “4”. Contiene tres canciones de cosecha propia, cantadas en catalán,
inglés y castellano, más una versión con la que logran redimensionar un tema muy
conocido de los Sonics, de los que son un auténticos expertos, para adaptarlo
a un microuniverso propio siempre
elegante y, a la par, salvaje. Una música, la suya, realmente exquisita, muy bien
interpretada, que surge de “la guarida” para “tras analizar todos los hechos” correr
“con amor” por el “margen espacial” de la vida.
Trayectoria
Dirty Rockets. Foto: Angel Nájera
Dirty Rockets son Edu Rocket al saxo, voz y armónica; Varo Dirty
a la guitarra y coros, Sergio Rivero al bajo y coros, y Sergi Moreno a la
batería y coros. La banda se forma en el
año 2009 en Cornellà de Llobregat (Barcelona). Empiezan versionandotemas clásicos y otros más oscuros del rock
and roll y el “garage punk”, de finales de los cincuenta a los sesenta , aunque
con una forma muy personal que ya daba muestras de un poderío y una imaginación
propia.Su primer grabación es el Ep
"Play the Sonics" (2009) con el que rinden homenaje a la legendaria
banda de Tacoma.Debutaron en directo en
el XXIII festival de Blues de Cerdanyola (2010),para tocar desde entonces en múltiples
salas.Después sacaron su segundo
Epcon temas propios, bajo el título
genérico de "Electric Shock".También colaboraron con Morfi Grei en lapresentación del libro "Letras Petreas", escrito por el
mencionadocantante de la míticaBanda Trapera del Rio, con el que también
interpretaronen directo varias
canciones de la mencionada formación de Cornellà.Edutambién forma parte de la banda Mossén Bramit i els Morts.Por su parte Sergi forma parte de los Motorzombis.En 2016 sacaban el disco “Death or fun” (Clifford
records) del que puedes leer una amplia reseña en el Magic Pop entrando aquí.
El Ep “4” fue grabado, producido, mezclado y masterizado por
Mike Mariconda y Marc Tena en Sol de Sants Studios de Barcelona. Las fotografías
de los componentes de este genial cuarteto que puedes ver en la portada son de
Angel Nájera y el diseño del Ep corrió a cargo de la banda.
Las canciones
Dirty Rockets. Foto: Ferran descarrega
En la cara A nos ofrecen “La Guardia”, interpretado en castellano,
con el que caemos “en la guarida del sutil capitán” que nos agarra y nos
paraliza, “sucumbiendo al placer ultra sensorial” de la música de este gran
cuarteto. Perfectos riffs de “instro” a cargo de la guitarra, más sensacionales momentos de saxo “garage”, entre
ritmos de bajo y batería que marcan el tempo con una enorme seguridad. Acompañan
a la genial voz principal que desgrana la melodía principal de forma cómplice
con el magnífico solo de saxofón. Le sigue en la misma cara “You’re wrong again”,
con letra en inglés. Oscuro tema de “garage” y “punk rock”, irreverente con los estereotipos,
que juega con cambios de ritmo convincentes, más esas guitarras imaginativas, y
la magnífica voz solista que nos habla de comprender nuestra historia, analizando
todos los hechos, para evitar equivocarnos.
Dirty Rockets. Foto: Manuel Alférez
En la B, nos regalan una versión contundente del “Have Love,
Will Travel” de los Sonics, canción de 1959 de Richard Berry. Al conocido riff
de guitarra, añaden un solo de armónica fabuloso y un tratamiento de punk en
esencia con el que consiguen redefinir tan conocido tema con el máximo respeto
a sus míticos creadores al tiempo que aportan su impronta indisoluble personal.
Acaba el Ep con un tema cantado en
catalán, “Pel marge espacial”. Otra muestra de indudable talento en el que el
rock and roll adquiere matices lisérgicos, con voces alocadas, solos de saxo
ácidos, rítmica penetrante, y arreglos instrumentales dignos de mención. El
resultado es un tema altamente psicodélico que nos cuenta una trayectoria vital
de alguien que “salió corriendo de pequeño y no paró, pensando que sus sueños
nadie los detendría”. Aún le falta camino por recorrer y se para a descansar.
Es el momento de ofrecerle una mano para “correr juntos por el margen espacial”.
Reflexión final:
Dirty Rockets. Foto de su facebook.
Ante discos tan buenos como éste, la palabra revival se nos
antoja ya completamente prescindible corroborando lo que venimos insistiendo desde
hace tiempo: no puede revivir lo que nunca murió. Al margen de la “modernez”
entendida desde conceptos equívocos de experimentación con el propósito de renegar
de los orígenes sin otra pretensión que la de ser más raros que nadie, Dirty
Rockets nos aportan canciones de cabo a rabo, bien ideadas, fascinantes tanto
melódica como rítmicamente, con excelentes letras que invitan a la reflexión. Cuatro
grandes razones más para afirmar, sin tapujos que valgan, que el rock and roll
mantiene la fuerza, el valor comunicativo, y la capacidad de hacernos la vida,
si no más fácil, sí mucho más divertida. Solo tienes que pinchar tan
sensacional Ep y una amalgama de recursos instrumentales muy sólidos,
combinados mediante dosis memorables de ingenio, dando vida a resultados tan joviales
como salvajes, con los que tu vida adquirirá una dimensión placentera ciertamente
“ultra sensorial”.
Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp del sello
Clifford Records donde podrás adquirir una copia del vinilo con código de
descarga digital.
