Doris Leon "D. L." Menard nació en Erath, Luisiana, el 14 de abril de 1932 y falleció el 27 de julio de 2017 en Scott, Luisiana. Compositor, cantante, y guitarrista, se le conocía como el “Hank Williams" de la música Cajun. Menard fue conocido por la canción "La Porte En Arrière", uno de los temas más versionados y tocado de la historia de la música Cajun.
Hijo único, sus padres eran agricultores. Empezó a tocar la guitarra a los 16 años y al año siguiente ya tocaba en clubes de Luisiana. Embajador de la música Cajun por todo el mundo, tenía un estilo propio de tocar y cantar. Según la experta Ann Savoy existen dos formas de tocar la guitarra Cajun: el antiguo estilo de Cléoma Falcon y el de D. L. Menard. Utilizaba líneas de bajo en los cambios de acordes e incorporaba up-strokes junto a los down-strokes, que son respectivamente ataques de púa hacia arriba y hacia abajo.
D.L. Menard
Menard fue conocido por la canción "La Porte En Arrière", que compuso y tocó regularmente. El folklorist de Cajun Barry Jean Ancelet considera esta canción Cajun como la más tocada y grabada nunca, vendiendo alrededor de 500.000 copias solo en 1962. Ha sido versionada oor decenas de bandas cajun y zydeco y por otros artistas francófonos como Kate y Anna McGarrigle. Menard dijo que la modeló al estilo "Honky Tonk Blues" de Hank Williams y que la compuso en menos de una hora mientras trabajaba en una gasolinera en Erath. También había grabado con artistas no-Cajun, incluyendo Bryan Ferry.
D.L. Menard
En 1993, su álbum “Le Trio Cadien” fue nominado para un premio Grammy en la categoría de álbum folk tradicional. En 1994, fue galardonado con el Premio a la Hermandad Nacional por la Fundación Nacional de las Artes. En 2009, se incorporó al salón de la fama de la música de Luisiana junto con Jo-El Sonnier, Doug Kershaw, y Jimmy C. Newman. En 2010, su álbum “Happy Go Lucky” fue nominado para un premio Grammy en la categoría de mejor álbum de música de Zydeco o Cajun.
Menard y su difunta esposa Louella, tuvieron siete hijos, 17 nietos y un bisnieto. Menard Murió a los 85 años el 27 de julio de 2017. También fue conocido como artesano fabricando sillas hechas a mano con madera de fresno.
Documento sonoro:
Todo un clásico de la música Cajun, "La Porte En Arrière", una canción del difunto D.L. Menard
The Hollers son de esas formaciones de las que muchos han
aprendido, incluso aprehendido, en los últimos años, en especial entre aquellos
dúos de guitarra, voz y percusión, que han explotado los recursos del rock and
roll más salvaje. Pioneros en muchos sentidos, sus canciones aúnan fortaleza e
imaginación, mediante un absoluto conocimiento de causa y un dominio meticuloso del
género. Su ardiente y visceral creación se completa con una interpretación demoledora en directo y una grabación exquisita en los Hollers Analog Studio donde tantas bandas han encontrado lo
necesario para brillar en su “máximo” esplendor. Se trata de un dúo que genera un amplio planteamiento sonoro
que va del primitivismo del blues a la andanada del punk pasando por la
inmediatez del “garage” más oscuro. Acaban
de editar este 2017 un Lp ardiente con el título genérico de “I’ll Do The
Talking” con las discográficas Folc records y Ghost Higway recordings. Un disco impecable que consigue ir más allá
de todo lo conocido; de ahí, ese título genérico que se nos antoja tan
contundente: ahora les toca a ellos hablar
mientras todos los demás vamos a escucharles atentamente.
Trayectoria
The Hollers
The Hollers son Max RB (Máximo Ruiz Bandera), a la voz,
guitarra, armónica, teclados y Salva H.
(Salvador Higuero) aka Howlin Sal a la batería. Se formaron en el año 2005 en
Málaga. Pioneros del punk blues, graban
en los míticos Hollers Analog Studio de Máximo, y publican en 2009 con
Monterrey un split con Little Cobras, en el que aportan los temas “Sinking Low”
y “Soul Between Your Legs”. Le sigue “Holler's
Stomp”, Ep autoeditado. Ya en 2013
recopilan sus grabaciones con el título
de “Forgiven But No Forgotten: Early Recordings” en el que aparece, en algunos
temas, Paco Cloud de The Blackberry Clouds quien aporta órgano. Ese mismo año aparece una grabación en
directo grabada en el Velvet Club, de Malaga, el 4 de abril de 2009 con la participación
de Paco. “I'll Do The Talking”, su primer larga duración, ha sido coeditado
por FOLC Records y Ghost Highway Recordings. Fue también grabado en su propio estudio, The Hollers
Analog Studio. Las fotos son de Errefotografía
y el diseño de Cristóbal Jiménez Trujillo "By Cejota".
Las canciones
The Hollers. Foto: Errefotografia
El disco empieza con el tema que le da nombre. “I'll Do The
Talking “ es una canción cargada de
intencionalidad que empieza a caminar, con la seguridad de los maestros con
ideas claras, entre riffs de guitarra que se combinan con exquisita prestancia
al son de una batería imaginativa. La
voz principal culmina tan excelente corte de apertura con su enérgico fraseo agresivo. Varias líneas de guitarra fuzzcinante se trenzan con una habilidad encomiable con
un final instrumental que regresa al centro de su microuniverso para resurgir entre compases de blues
lisérgico y endemoniado, creciendo compás a compás. Le sigue “All Dead And Gone”
con su certera andanada de distorsión arrasando con todo lo que se halle a su
paso a ritmo de una batería presta a mantener el ritmo con una seguridad
absoluta. Hard blues que explota de forma hipnótica consiguiendo aislar
al atento oyente de su entorno vital para sumirle al imaginario de unos
inspiradísimos Hollers.
A continuación nos ofrecen “Your Only Flaw”, otra maravilla
de blues desértico que se lanza como un
caballo desbocado por las llanuras de tu imaginación saltando por encima de
todos los obstáculos que tu subconsciente disponga en el camino. Batería y guitarra, en absoluta
compenetración rítmica, realzan los arreglos melódicos, entre salvajes momentos
de guitarra y esa voz que desprende una fuerza inusitada. Cierra la cara A, la descomunal “Weird Times”
con la que arremeten entre un ritmo
cercano al rockabilly, más una amalgama de recursos ácidos que agujerean
cualquier prejuicio contra la fusión bien entendida. Momentos instrumentales oscuros que emergen
para crear varias tensiones y que culminan en la línea argumental principal.
The Hollers. Foto: Errefotografía
La cara B arranca con “This Shadow” , toda una sacudida sonora
que te envolverá como si se tratase de una combustión musical espontánea. Toda
una fuente inflamable de acordes, riffs i voz guerrera, marcados por golpes
viscerales de percusión. Un ritmo bronco que perfila un tema conmovedor en el
que no falta una armónica indómita repitiendo un esquema melódico que dialoga
sin tapujos con la guitarra hasta el golpe final. Con “A Place Called All Right”, los Hollers
experimentan con los parámetros del R&B más sucio para darnos en toda la
cara con un tema sublime en el que consiguen enloquecernos con esa tremenda pasión
desaforada. Imperturbables, satisfechos del buen trabajo, transcurren los
movimientos virulentos entre voces ceremoniosas respaldadas por coros de
ultratumba. Seguidamente, nos ofrecen “Peeping
Blues”, blues ancestral que ruge con chulería, marcado a fuego, emanando ciertas
dosis de elegancia implacable, con guitarra, percusión, armónica y voz, entre
el polvo del que camina con paso firme hasta el final del camino. Otra exquisita muestra del talento de este
dúo de indomables músicos que finalizan su disco con “Still I Like It”. Otra
canción que emerge con esa descomunal
guitarra combinada con el tambor en un fin de fiesta propio de un aquelarre de
blues montuoso percutiendo con determinación en tu estómago, consiguiendo que
tus pies se muevan de forma irremediable mientras la banda te roba el corazón
con sus melodías bestiales.
Reflexión final
The Hollers. Foto: Errefotografia
Al oír tan sensacional disco, uno entiende no solo toda la
historia del rock and roll desde sus inicios más primitivos, sino la razón por
la que sus planteamientos de origen nunca han muerto, ni nunca desaparecerán de la faz de nuestras almas aunque nos acechen mediocridades cotidianas varias. The Hollers dan
sentido a nuestra vida, a nuestras filias. Con ello no quiero decir que
perpetúen referentes, parámetros conocidos, aunque los haya. Nada de eso es
relevante. Ni tampoco voy a perder demasiado tiempo en encasillarles aunque
sean, con todas las de la ley, unos auténticos pioneros del blues punk. Con tamaño disco, titulado “I’ll do the
Talking”, da igual todo lo que un crítico pueda decir porque lo más importante
nunca podrá explicarlo. Me refiero a describir en detalle ese veneno que logra sumirte a los pies de
grupos tan extraordinarios como éste. La música está ahí, nunca se ha ido,
permanece latente en nuestros recuerdos así como en nuestros sueños y emerge gracias al trabajo
abnegado de grandes músicos como los que forman este dúo malagueño que nada tiene que envidiar
a mitos y leyendas. Ellos ponen su extraordinario talento compositivo e
interpretativo a tu merced para que todo recobre la fluidez, la pasión y la
lucha por la supervivencia que siempre
ha distinguido a esta música pantanosa, desértica, infernal, guerrera, salvaje,
hipnótica… y otros tantos adjetivos, todos ellos justificables para catalogar las
raíces subterráneas del rock; y si eres de los que consideras que todo está
inventado, hablado, bailado y arreglado, no digas nada antes de escuchar
este increíble trabajo porque vas a meter la pata.
Nota: Puedes escuchar
las canciones en el bandcamp donde también podrás adquirir una copia del disco. Las fotos en vivo son de Rocío Moreno tomadas en las Fiesta 1er Aniversario Asociación Gatomacho en The Nutty Bar en 2015.
Michael Johnson nació
en Alamosa, Colorado, Estados Unidos, el 8 de agosto de 1944 y falleció en Minneapolis,
Minnesota, el 25 de julio de 2017. Cantante de pop, country y folk, compositor
y guitarrista, destacó en 1978 por el tema "Bluer Than Blue". Tuvo más éxitos en las listas Billboard Hot
100 y Hot Country Songs, como los temas de 1986 "Give Me Wings" y
"The Moon Is Still Over Her Shoulder". También co-escribió
"Cain's Blood" con el que en los noventa el grupo de country 4
Runner. En los sesenta se desplazó hasta Barcelona donde estudió guitarra
clásica en el Conservatorio del Liceu.
Johnson empezó a tocar la guitarra a los 13 años y en 1963 asistió
a la Universidad de Colorado para estudiar música. Dos años después ganó un
concurso de talentos con el que consiguió firmar con Epic Records quienes le sacaron el
tema "Hills".
Michael Johnson
En 1966 viajó hasta Barcelona donde se matriculó en el Conservatorio
del Liceu, estudiando con los guitarristas clásicos Graciano Tarragó y Renata
Tarragó. Al regresar a los Estados Unidos, formó parte de los New Society con Randy
Sparks. Estuvieron juntos hasta 1967, año en que se separaron , y entró a
formar parte del Chad Mitchell Trio durante un año. En ese tiempo colaboró con John
Denver convirtiendo el grupo en Denver, Boise & Johnson. Tras finiquitar el proyecto trabajó en la producción
off-Broadway de "Jacques Brel Is Alive and Well and Living in Paris".
En 1971, Johnson firmó con Atco Records para lanzar su
primer álbum, “There Is A Breeze” lanzado en 1973 y producido por Johnson,
Chris Dedrick, Peter Yarrow y Phil Ramone en Nueva York y Toronto, Canadá. Johnson sacó su siguiente disco en 1975, “For
All You Mad Musicians”. Le siguió “Ain't
Dis Da Life” (1977). Trabajó con Brent Maher y Steve Gibson en Nashville,
Tennessee, y creó los temas "Bluer Than Blue" y "Almost Like
Being in Love" que Emi incluyó en el disco “The Michael Johnson Album” en
1978. Su siguiente álbum para EMI, “Dialogue” proporcionó otro gran éxito, "This
Night Won't Last Forever” gabando un disco de oro por las ventas en Europa por
la canción "I'll Always Love You".
Michael Johnson
Johnson grabó cinco álbumes para EMI en 1985 y se cambió a RCA Records, anotando
cinco éxitos de country de 1986 a 1989 como "Give Me Wings" y "The
Moon Is Still Over Her Shoulder". Después firmó con Atlantic Records en 1991,
grabando también para sellos más pequeños. Su tema "Cain's Blood" fue grabado
en los noventa por el grupo de country 4 Runner. Interpretó "It Must Be You" con Juice
Newton en 1992 y "Whenever I Call You Friend" con Alison Krauss en
1997. En 1995 sacó el disco "Departure". En agosto de 2007, Johnson se sometió a una operación de bypass
cuádruple con éxito.
Documento sonoro:
Su sensacional "Bluer Than Blue" de 1978.
Geoffrey Gurrumul Yunupingu nació en Galiwin'ku, Elcho
Island, en la costa de la Tierra de Arnhem, al norte de Australia, el 22 de
junio de 1971 y falleció en Tiwi, Darwin, el 25 de julio de 2017. Compositor, guitarrista y
cantante interpretaba sus canciones en los idiomas aborígenes australianos Yolŋu
tales como Gälpu, Gumatj o Djambarrpuynu. Tuvo una gran carrera en solitario y
formó parte de las formaciones australianas Yothu Yindi, y Saltwater Band. Autodidacta,
tocaba la batería, los teclados, la guitarra y el didgeridoo (instrumento ancestral
de viento), cantando con una voz extraordinaria con la que contaba historias de
su tierra.
Nació ciego, nunca aprendió Braille y no tenía un perro guía
ni usaba bastón, y se decía que era muy tímido. Cuando tenía cuatro años,
aprendió a tocar un piano de juguete y un acordeón por sí mismo. Un año más
tarde empezó a tocar una guitarra. A pesar de ser un zurdo, tocó una guitarra diestra, sosteniéndola "al
revés".
Su primer álbum en solitario llevaría por título “Gurrumul” (2008).
Le siguieron otros discos como “Rrakala” (2011) o “The Gospel Album” (2015),
entre otros en directo, con los que consiguió un gran éxito en su país. Yunupingu
murió en el Royal Darwin Hospital, a los 46 años. Sufrió enfermedades hepáticas
y renales durante muchos años. Durante
su vida recibió innumerables homenajes a todos los niveles, asi ccomo un gran
respeto entre el público y músicos. Su carrera artística estuvo marcada por un
inconmensurable amor por su entorno natural, por la tierra, su pueblo, y su
familia con la que compartía todo lo que ganaba como músico.
Billy Joe Walker Jr. falleció el 25 de Julio de 2016 a los
64 años en Kerrville, Texas. Guitarrista, productor y compositor, también
tocaba la mandolina, compuso temas para Eddie Rabbitt, incluidos los singles "I
Wanna Dance with You" y "B-B-B-Burnin' Up with Love". Produjo los tres primeros álbumes de Bryan
White, así como discos de Pam Tillis, Collin Raye, y Travis Tritt. También fue un reputado guitarrista de session
de country, y de 1987 a 1994, grabó varios discos de smooth jazz, easy listening,
country y new-age para varios sellos.
Nacido y criado en el oeste de Texas, Walker aprendió a
tocar la guitarra y a leer música a una edad temprana. Se fue de casa a los 14
años, tocando en bandas de country en Oklahoma City antes de trasladarse a Los
Ángeles. Allí trabajó como músico de sesión para artistas como Glen Campbell,
Merle Haggard y The Beach Boys, así como para el productor de los Beatles
George Martin. También tocó en bandas
sonoras de cine y televisión de Clint Eastwood y Burt Reynolds.
A instancias del legendario productor Jimmy Bowen, Walker se
mudó a Nashville y comenzó a tocar en discos de country o R&B de Ray
Charles, Hank Williams Jr., Randy Travis y las Dixie Chicks. Tras cientos de sesiones, Walker grabó sus
propios álbumes como “Treehouse” (1988),
“Universal language” (1988), “Painting Music” (1989), “The Walk” (1991), “Untitled”
(1992), “Warm Front” (1993), “Life is good” (1995).
Documentos sonoros:
"Defeated Creek" a cargo de Billy Joe Walker Jr. y su banda
Urs “Polo” Hofer nacio el 16 de mayo de 1945 en Interlaken, cantón
de Berna (Suiza), y falleció el 22 de julio de 2017 en Oberhofen am Thunersee, cantón
de Berna, (Suiza), tras librar una
batalla contra el cáncer de pulmón. Cantante, poeta, fue una figura esencial de
la escena suiza 'Mundartrock', compuso una serie de éxitos de rock en dialecto bernés
(suizo-alemán) con sus bandas Rumpelstilz y Schmetterband desde los años setenta
hasta la actualidad. Fue elegido ‘Suizo
del Año’ en 2015.
Hofer introdujo el
dialecto suizo-alemán en el pop a principios de los años setenta. Hasta
entonces, las bandas suizas de pop y rock imitaban en gran medida a grupos
estadounidenses y británicos. Inspirado por la cantante de folk Mani Matter, su primera canción en bernés fue 'Warehuus Blues”. Durante su carrera escribió más de 350
canciones, a lo largo de cinco décadas, incluyendo éxitos como “Kiosk” y “Teddybär”.
Polo Hofer
Formó parte del grupo de pop rock progresivo Rumpelstilz fundado en
1971 por Hanery Amman (piano) y Polo Hofer (voz, letras), junto con Jürg Werren
(guitarras), Sami Jungen (bajo) y Hans Jungen (batería). Hans Jungen fue
sustituido poco después de su fundación por Küre Güdel, y medio año después
René "Schifer" Schafer sustituyó a Jürg Werren. El primer single fue
el mencionado “Warehuus Blues” lanzado en 1973. Dos años después 1975 sacaron el
primer LP “Vogelfuetter”. “Kiosk” se
convirtió en su mayor éxito. La banda
sacó más discos y se disolvió a finales de los ochenta. Hofer llevó adelante
otras formación es como The Jetmen, Drum Circus, Polo Hofer & Die
SchmetterBand, Polo's Pop Tales, o The Alpinistos.
En los últimos tres años, los franceses The Madcaps se han
convertido en una de las bandas más respetadas y seguidas dentro del panorama
de raíces sixties a nivel europeo y en especial en nuestro país donde han
triunfado con sus aclamados directos. Empezaron su andadura musical dando vida a
canciones de corte eminentemente “garajero” y ya llevan editados tres
magníficos discos que ejemplifican una evolución coherente, muy bien ideada, ya
sea desde el punto de vista creativo
como interpretativo. Mediante
un incansable trabajo de grupo y algunos
cambios de formación, la banda ha apostado por experimentar con los parámetros
del R&B y el soul, expandiendo el “Groove” de su obra, con excelentes
resultados, audibles en el Lp “Slow Down” que edita este 2017 las
discográficas Bickerton Records, Howlin' Banana Records y Beast Records.
Contiene once temas propios que destacan por una sensacional amplitud creativa. El grupo, tremendamente
inspirado, da forma a unas canciones impecables con la ayuda indispensable de
una sensacional sección de viento que
logra redimensionar unos brillantes arreglos melódicos y rítmicos altamente
convincentes.
Trayectoria
The Madcaps
The Madcaps se
crearon en 2013 en Rennes (Francia) por Thomas Dahyot quien toma el nombre del primer disco de Syd Barrett, "The Madcap Laughs" (1970). Actualmente son Bastien Bruneau
Larche, guitarra, teclados y voz (empezó tocando el bajo), Thomas Dahyot a la
guitarra y coros, más Leo Leroux a la batería y coros y Wenceslas Carrieu al bajo y coros, incorporados
los dos últimos en 2016. Anteriormente
formaron parte del proyecto Rémi Peltier a la batería, Vincent Henri a la
guitarra, y Glen Millar al bajo. Han
formado parte de otros grupos de su ciudad como Kaviar Special o The Valderamas.
Su primer disco fue un Ep editado en 2014 con el tema “All I
Really Wanna Do” editado por Howlin' Banana Records . Al año siguiente sacan un
single de edición muy limitada, 20 copias, con el tema “Nothing To Do”, e incluyen
una canción “Emily Vandelay” en la segunda entrega de “Baroque World” del sello
You are the Cosmos. Editan su primer Lp, de título homónimo con Howlin’Banana
en 2015. Su segundo álbum, “Hot sauce” (2016)
también lo saca Howlin’Banana y ya incluyen sección de viento.
Edición en vinilo 12"
“Slow Down” lo grabaron en directo y mezclaron en los
estudios analógicos Kerwax con
Christophe Chavanon en octubre de 2016. Fue masterizado por Marlon Soufflet.
Las fotografías son de Titouan Massé (portada) y Thomas Dahyot más Nicolas
Marienne en la hoja interior donde también se incluyen las letras de las
canciones. Les respaldan un grupo de metales formado por Simon Latouche al
trombón, Clément Lemennicier a la trompeta, Lucas Pinabel al saxo tenor y Alexandre
Armand al barítono. El diseño es de
Etienne Motais de Narbonne. El disco ha
sido editado por Bickerton records con Howlin' Banana Records y Beast Records. La edición en vinilo cuenta con insert, más
código de descarga. El disco está
dedicado a la memoria de la cantante Sharon Lafaye Jones (n. 1956- d.
2016).
Las canciones
The Madcaps. Foto: Robbie Ramone
El disco se abre con “No Friend Of Mine” mediante una
combinación muy sensual de melodía y ritmo en la que las guitarras frasean
momentos solemnes que adquieren una fuerza inusitada con la incorporación de
los metales entre persuasivos ritmos marcados con paso firme. La voz principal,
arropada por coros, nos cuenta esta historia de amigos indeseables que aparecen
a las tantas y nos fastidian la fiesta. Le
sigue “Come”, una brillante combinación de recursos “garajeros” con guitarra
afilada, con solo aguerrido de R&B, y “beat” de escuela dando forma a un tema bailable con persistente
piano, entre ritmos saltarines. En este
caso, el protagonista quiere conocer a esa persona especial: “entrar en tu
mente para ver lo que puedo encontrar, para poder hacerte mía”.
The Madcaps. Foto: Sammut
A continuación nos ofrecen “She's So Hot” con su arranque
oriental que deriva a un divertido tema de R&B marcado con “groove” a
raudales para describir a esa chica
“venenosa, deliciosa, astuta ... tan caliente que podría quemarme vivo”. Una
combinación de poderosas líneas de bajo, ácidos fraseos de guitarra y voces contundentes
más un ritmo persistente. Con “Fair Enough” las guitarras definen un rock and
roll guerrero, un “llenapistas” de melodía envolvente y tempos suculentos. En
este caso nos hablan de una relación: “Me estoy cansando de nuestras peleas
interminables… me gusta el rock'n'roll, está en mi cuerpo, está en mi alma… O
me aceptas o sal de mi vista”. Cierran
la cara A mediante “Le Passe Muraille” inspirada en la novela fantástica del
mismo título de Marcel Aymé editada en
1941. En la canción se resume la historia
de un hombre, de nombre Dutilleul (Mister D.), un escribiente gris con la
facultad de atravesar las paredes, poder que ejerce para vengarse de un déspota
que trabaja en su oficina para después aprovecharse para realizar fechorías que
le llevarán a la cárcel. El tema hilvana la historia sobre una base sonora
envolvente prevaleciendo el valor narrativo combinado excelentemente con el
sonoro mediante arreglos propios de banda sonora de misterio.
The Madcaps. Foto: Sammut
Abre la cara B “Slow Down”, espectacular balada a medio camino entre el
blues y el jazz, con aires carnavalescos.
Magnífico solo de trompeta, piano coqueto, voz emocionante, sección
rítmica precisa y ese saxo que emerge de la alma. Deriva el tema en un rock and
roll en la más pura tradición años cincuenta, primitiva y jazzística. Una
advertencia en toda regla, “tómatelo con
calma o me busco a otra…no me gusta que me traten como un tonto”. Después nos
ofrecen la salvaje “Silver & Gold”, conflicto de intereses entre los gustos
y las prioridades de uno y otro. Una canción que deslumbra por su entrega, con
esa fabulosa sección de metal completando un tema caldeado que va creciendo en
intensidad, con detalles de jazz bailable, consistentes momentos de bajo,
guitarras rítmicas, y esa batería midiendo el tempo con enorme seguridad. No
falta un tremendo solo de trombón con
sordina y esos coros a capella que nos llevan a “Chill Pants”. Otra excelente
canción de soul psicodélico que empieza con la aportación del bajo, momentos
sublimes de teclados, síncopas de
metales, guitarras rasgando con elegancia, y la gran voz principal culminando
los arreglos entre originales cambios de tempo.
The Madcaps. Foto: Sammut
Le sucede “Hold On” con su movimiento tropical que evoluciona
a momentos lisérgicos con un fascinante solo de guitarra y una sección rítmica
impecable. Otra canción ardiente para aferrarte a tu alma, a lo que tienes,
fiel a tus principios “porque siempre encontrarás
personas ralentizando tus pasos, arrastrándote
hacia abajo”. Llegamos a “Lost Morning
Blues”, otra maravilla de arreglos
oscuros, penetrantes, y misteriosos. Guitarras y percusión consuman una
ambientación sonora conmovedora completada por la voz solista y el devaneo
muscular de la banda zarandeando las neuronas con sus peculiar entrega melódica,
ideal para esos momentos de la mañana siguiente en la que nos encontramos confundidos
y aturdidos con nuestra mente en una bruma. Acaba el disco con la vibrante “Devil
Money” y su peculiar secuencia de órgano definiendo líneas electrificantes que,
con el apoyo de la tenaz batería, más el imaginativo bajo, lograran que enloquezcas
de pasión desde el primero al último de los compases, entre secuencias
instrumentales estratosféricas y voces turbadoras. Un final apoteósico para un álbum
cautivador, novedoso, con “Groove” a mansalva, integrado por melodías y ritmos excitantes.
Reflexión final
The Madcaps. Foto: Sammut
En una entrevista para el medio especializado francés Les
Inrockuctibles, Dahyot contesta, a la
pregunta sobre la estrategia tomada por la banda para lograr sacar tres discos
en tres años, que “nunca se es tan productivo como cuando se tienen objetivos.
Si uno está en una especie de latencia, se toma su tiempo, cómodo y sin una
meta”. Y sigue explicando que, tras un par de discos que vieron la luz de
forma natural, “creo que hemos conseguido que éste tenga algo muy coherente a
pesar de los cambios de formación y su contenido variado”. Francamente, no puedo estar más de acuerdo con
su propia visión del álbum. “Slown Down” es un trabajo que transita por el camino de la creatividad de forma
congruente, dispuestos a evolucionar de
cara a esa meta tan clara, a la que aluden, que no es otra que la eclosión de
una banda compenetrada que conoce muy bien sus referentes sixties pero que no
está dispuesta a repetir esquemas por muy apetecibles que resulten para todos,
músicos y público, expertos y neófitos. Su
nuevo disco es un excelente trabajo de superación, un proceso que nunca tiene
fin, ante el que todo artista que se precie debería considerarse atraído y
motivado. El rock and roll no puede ni debe sentirse hipotecado por el pasado.
No importan cuantos pasos se den hacia atrás para coger fuerza, sino cuantos
logramos dar en el salto con nuestros propios recursos, y los Madcaps acaban de
dar unos cuantos de muy buenos gracias a un impulso creativo como
interpretativo que se nos antoja fascinante.
Nota: El grupo volverá a visitarnos en octubre de 2017 de la
mano de Mongo Producciones y lo hará para presentar su nuevo sencillo con un
par de temas nuevos que edita en exclusiva
Bickerton.
Puedes adquirir y escuchar las canciones del disco en el
bandcamp.
Abby Nicole, cantante de country de 25 años ha muerto en un
accidente de UTV( Utility Task Vehicle) unas horas después de actuar
en un festival de música country en Nebraska.
El accidente se produjo el día 23 de julio de 2017 de madrugada. Los servicios
de emergencia recibieron una llamada hacia las cuatro en la que se les informaba de
una joven herida al lado de la pista de carreras. Fue trasladada al hospital
donde se certificó su muerte. La joven
cantante estaba relanzando su carrera tras haberle extirpado un tumor en el
cerebro un par de años antes.
Abby Nicole
Abby Nicole Uecker, nació y se crió en Norfolk, Nebraska, y
cantaba desde muy joven. Se graduó en artes escénicas por la Universidad de
Nebraska-Lincoln. Le detectaron un tumor cerebral en diciembre de 2014 y
necesitó de cirugía inmediata. El tunor
estaba en el lado izquierdo del cerebro, donde se controla el habla y la
memoria. Abby sabía que esa intervención ponía en riesgo su vida y su futuro como
cantante. La operación salió bien y
volvió a cantar con su banda, Abby Nicole and County Road, en abril de 2015. El 30 de junio de 2016, en su 24 cumpleaños, salió
su primer single titulado "Cool", coescrito por Abby y Jesse Lee. Tenía
pensado mudarse a Nashville, Tennessee, para volcarse en su carrera como
cantante.
Las autoridades investigan en estos momentos las
circunstancias del accidente. Fue trasladada al centro médico del condado de
Thayer donde se certificó su defunción.
Paapa Yankson nació el 22 de junio de 1944 en Winneba en la
región central de Ghana y su familia anunció su muerte el 21 de julio de 2017 en
Accra. Músico y productor ghanés de highlife, música originaria de su país, ganó
múltiples premios por sus canciones incluyendo reconocimientos gubernamentales
en su país.
Hijo de músicos, tras graduarse de la escuela comercial, realizó
varios trabajos incluido el de taquígrafo y en una subsidiaria de la United
African Company (UAC) en Samreboi donde tenían una banda de trabajadores, The
Big Sound Band de la que se convirtió en su cantante durante los cuatros años
en los que estuvo trabajando en los años sesenta.
En los setenta, C. K. Mann, el líder de la formación The Carousel Seven, convenció al director de
la banda, Anis Mubarak, para que contratara como cantante a Yankson. En 1975 se matriculó en la Academia Nacional
de Música de Winneba y se graduó con un diploma en música. Tras graduarse,
trabajó durante nueve años como profesor de música en la Unidad de Educación del
Burma Camp, sede de las fuerzas armadas ghanesas, en Accra. En 1991, Ebo Coker,
un hombre de negocios contrató a Paapa Yankson para su banda Western Diamonds, y
se trasladó a Takoradi. Les dejó en 1993
y tras para por otras formaciones como Golden Nuggets, empezó su carrera en
solitario. Paapa Yankson grabó más de 15
álbumes durante su carrera con canciones como “Wiase Mu Nsem”, “Show Your Love”,
“Wo Yere Anaa Wo Maame” y “Tena Menkyen”. En 1997 compuso “Yaaba”, que ganó el premio
a la mejor composición en los premios Komkomba.
En 2006, Paapa Yankson fue galardonado con la Gran Medalla
de Ghana durante la Ceremonia Nacional de Honores y Premios de 2006 por el Presidente
John Kufour en reconocimiento a su contribución a la música ghanesa. El 21 de julio de 2017, su familia anunció su
muerte mientras dormía en su casa en Dansoman en Accra.
Simon Carter Holmes nació en Melbourne el 28 de marzo de
1963 y falleció el 13 de julio de 2017 en Sydney. Fue el cantante y guitarrista
principal de la banda australiana de pop de los años ochenta Hummingbirds. También formó
parte de los Her Name in Lights, Fragile y los Aerial Maps.
Pasó su infancia con su familia en Bentleigh, Melbourne,
antes de trasladarse a Turramurra, Sydney, en 1967í, antes de irse al
extranjero durante tres años, al norte de Nueva York. Luego la familia se
trasladó a Ginebra, Suiza. Simon pasó la siguiente parte de su infancia en
Canberra y luego se mudó a Sydney a principios de los años ochenta. Comenzó a
estudiar antropología y arqueología en la Universidad de Sydney, pero lo dejó a
los dos años, disconforme con las peleas internas departamentales.
The Hummingbirds
Después formó los Hummingbirds con el bajista John Boyce y
el baterista Mark Temple en 1986, componentes de los Bug Eyed Monsters. Después
entró la guitarrista y cantante Alannah Russack y Boyce fue substituido por la bajista Robyn St. Clare. Debutaron con el single "Alimony"
con otros tres más para Phantom records. Con rooArt sacaron el single “Blush” en 1988 y su primer Lp llevaría por nombre “LoveBUZZ” (1989). Le siguió el disco “Va Va Voom” con el mismo
sello rooART (1991). Shane Melder se haría cargo de la batería en 1992. Tocaron su último
concierto el 11 de diciembre de 1993, en el Hotel Central Club en (Richmond)
Melbourne.
En la década de los noventa participó en varios proyectos
alternativos en Sydney, así como en la gestión de la librería Half A Cow en
Gleben, Sydney. En octubre de 2004 fue miembro de la banda indie Her Name in
Lights y grabó su disco de debut “Into the Light Again”, para Laughing Outlaw
Records. A finales de los noventa colaboró con los Fragile y en los dos mil con los Aerial Maps.
Tras 17 años, la banda Hummingbirds se
reunió para un concierto el 27 de enero de 2011, en el festival Big Day Out en
Sydney. La formación incluyó Holmes, Temple y Russack. La banda tocó en un
concierto de tributo a The Cure, celebrando el 25 aniversario del lanzamiento
del álbum 'Wish'. El concierto tuvo lugar en el Factory Theatre de Sydney el
sábado 15 de abril de 2017. Este fue el último concierto de The Hummingbirds.
Charles “L.C.” Cook falleció el 21 de julio de 2017 a los
85 años. Hermano menor de Sam Cooke prescindió de la “e” tal y como era, en
realidad, el apellido familiar. Cantó con su hermano en SAR Records, y fue
miembro de Soul Stirrers, el grupo familiar de gospel. Fue el quinto de los diez
hijos del Rev. Charles Cook y su esposa Annie Mae. Vivió en Chicago. Formó parte de The Magnificents. A pesar de tener una voz excelente, incluso
parecida a la de su hermano Sam, nunca tuvo éxito.
A finales de los años treinta, Sam organizó un grupo llamado
Singing Children con dos de sus hermanas. Más tarde se les unió LC para hacer
un cuarteto de gospel. Los dos cantaron juntos también en los Nobleairs, y
lograron cierto éxito juntos a finales de los cuarenta como miembros de la
Highway Q.C. Dejaron de cantar juntos cuando el hermano mayor de LC fue
reclutado en las filas de los Soul
Stirrers en 1951.
L.C. Cook
En 1956, Cook se unió al grupo vocal de R&B de Chicago, The
Magnificents, que había sido formado por Johnny Keyes un año antes. En ese
momento, grabaron para Vee-Jay Records y estaban disfrutando de un gran éxito con
"Up on the Mountain". Cook también comenzó a grabar a su nombre, sacando
el sencillo "I Need Your Love" para Chess Records. En 1960, firmó con
el recién formado sello SAR Records de su hermano. Cook grabó varios singles
para SAR, pero a pesar de las extrañas similitudes entre su voz y la de Sam Cooke,
no tuvo ningún éxito. "The Wobble" y "Put Me Down Easy",
ambos escritos por Sam Cooke y grabados por su hermano en 1963, no lograron triunfar,
pero al menos tuvieron cierta repercusión como melodía de baile. Irónicamente, Cooke tuvo un gran éxito con la canción
de Chester "Howlin 'Wolf" Burnett "Little Red Rooster" que LC rechazó. Tras la muerte de Sam Cooke a
finales de 1964, LC Cook siguió grabando, pero su carrera nunca llegó a nada
parecido a su hermano, ni como cantante ni como compositor.
Bobby Taylor nació el 18 de febrero de 1934 en Washington,
DC. y falleció, a consecuencia del cáncer, el 22 de julio de 2017 en Hong Kong
donde residía desde 2014. Fue el vocalista principal del
grupo Bobby Taylor & the Vancouvers, que obtuvo éxito con el tema "Does
Your Mama Know About Me" en 1968, y por descubrir a The Jackson 5, uno de las formaciones más relevantes
del soul de todos los tiempos.
Fue criado en Washiongton y siendo joven se trasladó a Nueva
York. Taylor empezó su carrera en los
cincuenta colaborando con cantantes que más tarde formarían bandas de doo wop como
Little Anthony & The Imperials y Frankie Lymon & The Teenagers. En 1958
empezó a cantar con The Four Pharaohs. A principios de los años 1960, Taylor conoció
a Little Daddy and the Bachelors, compuestos por el vocalista Tommie Melton, el
guitarrista Tommy Chong, el bajista Wes Henderson, el pianista Bernie Sneed, y el
baterista Floyd Sneed (más tarde el baterista de Three Dog Night ). Mientras
que en Calgary eran conocidos como The Calgary Shades. Las “sombras” hacía
referencia al hecho de que la banda era interracial. Chong, de origen oriental, se hizo más tarde famoso con el dúo de comedia
Cheech y Chong. Los otros miembros eran negros, blancos e indios. Taylor era de
ascendencia afroamericana, puertorriqueña y nativa americana.
Little
Daddy & The Bachelors grabó un
sencillo con "Too Much Monkey Business" / "Junior's Jerk". Melton y Chong inauguraron un salón de
baile en Vancouver en 1962 llamado Blues Palace, que antes era un cine. Después pasaron a llamarse Four Niggers and a
Chink antes de ser conocidos como Bobby
Taylor y los Vancouvers. En 1965, las Supremes
Mary Wilson y Florence Ballard escucharon a la banda, cuyo repertorio consistía principalmente en versjiones
de Motown, en Vancouver. Les gustó y se lo comentaron a Berry Gordy, Jr. quien los fichó para Motown Records en Detroit, Michigan. En ese momento eran Taylor, Henderson y Chong,
junto con el guitarrista Eddie Patterson, el organista Robbie King y el
baterista Duris Maxwell (alias Ted Lewis), los tres últimos llegaron cuando se
fusionaron con otro grupo local, The Good Shepherds.
El grupo grabó su álbum de debut, con título homónimo, y su
single de debut, el tema de Tommy Chong "Does Your Mama Know About
Me", que alcanzó el puesto número 29 en el Billboard Hot 100, y el 44 en
Canadá. En julio de 1968, abrieron para
ellos los Jackson 5. Impresionado con el
grupo, Taylor personalmente los llevó a Detroit y organizó una audición con la ejecutiva
de Motown con la que firmaron de inmediato.
Bobby Taylor
Los Vancouvers sacaron dos singles más, "I Am Your
Man", producido por Nickolas Ashford y Valerie Simpson, y el tema de Smokey
Robinson "Malinda". Después respaldaron
a Chris Clark. Tommy Chong y Wes
Henderson fueron despedidos por el productor de Clark, Johnny Bristol por haberse
perdido un concierto por no tener las tarjetas de residencia. El grupo se separó poco después, cuando Chong
intentó que el contrato de los Vancouvers se redujera a la mitad con Taylor y
Henderson, mientras que Robbie King, Eddie Patterson y Ted Lewis serían
considerados como músicos de estudio. Entonces, Taylor hizo una audición para entrar
a formar parte de los Temptations tras la salida de David Ruffin, pero fue
rechazado.
Siguió cantando en solitario temas como "Oh, I've Been
Blessed". Se convirtió en el mentor de los Jackson 5 y ayudó a producir el
debut del quinteto, y abandonó la Motewn a principios de los setenta. Taylor siguió actuando en solitario en los
últimos años, y se reunió brevemente con The Vancouvers en los años ochenta para
grabar en el Reino Unido con los Motorcity
Records de Ian Levine.
Documento sonoro:
"Does Your Mama Know About Me" (1968).
"Oh, I've Been Blessed" (1970) interpretado por Bobby Taylor
Albert Geoffrey McElhinney nació el 20 de diciembre de 1922 en
Surrey Hills, Melbourne, (Australia) y falleció el 21 de julio de 2017 en
Benowa, Queensland, Australia. Más conocido como Geoff Mack, fue un cantante y
compositor de country, autor del tema "I've Been Everywhere" que fue
un gran éxito australiano cantado por Lucky Starr en abril de 1962 y después se
hizo popular en los Estados Unidos cantado por Hank Snow en noviembre de ese
año. Se calcula que se han grabado más de 130 versiones.
Se alistó el 4 de junio de 1942 en la RAAF y fue entrenado
como mecánico de aviones durante la segunda guerra mundial. Se licenció en 1946
con el rango de cabo. En 1944 mientras servía en Borneo, destacó por su capacidad
para tocar la guitarra y cantar. Realizó
numerosos espectáculos para entretener a las tropas, con las estrellas que les visitaban. Destacó con interpretaciones vocales en
canciones como "In Der Fuhrer's Face ". Al final de la guerra, Mack se
fue al Japón y fue destinado a la Radio WLKS como la voz de las Fuerzas de
Ocupación de la Commonwealth Británica. En agosto de 1950, volvería a Australia después
de actuar por varios países.
Geoff Mack
Su canción de 1959, "I've Been Everywhere", se
convirtió en un éxito en Australia en 1962 interpretada por Lucky Starr. Más
tarde llegó a la cima de las listas de canciones en Estados Unidos, Alemania y
Japón. La canción ha sido grabada en 131 versiones diferentes, destacando
algunas como la del álbum de 1996 de Johnny Cash, “Unchained”. En 1971 vería la
kluz su disco de título homónimo para Jam records.
Mack entró a formar parte del salón de la fama de
compositores en Nashville, Tennessee en 1963, y recibió otros honores como la
Medalla de la Orden de Australia en 2005 por su servicio a la música country, y
su apoyo a la comunidad y los grupos de personas mayores. En 2013, Mack fue
galardonado por la Country Music Association de Australia en su ceremonia anual
de premios en Tamworth.
Documento sonoro:
Johnny Cash cantando el tema de Geoff Mack, "I've Been Everywhere"
Errol Dyers murió el 21 de Julio de 2017 a los 65 años en Ciudad
del Cabo (Sudáfrica) a causa de un enfisema pulmonar que padeció durante años. Prestigioso compositor y guitarrista
sudafricano, fusionó el "Capejazz" con la
música tradicional del Goema, Ghomma o Gomma, tambor utiizado en los carnavales
de la ciudad sudafricana.
Dyers creció en una familia de músicos y a aprendió a tocar
en las calles de Ciudad del Cabo siendo uno del os músicos pioneros del llamado "Capejazz" (jazz de Ciudad del cabo). Grabó discos con la banda Sheer All Stars con
Paul Hanmer, McCoy Mrubata, Sipho Gumede, Frank Paco, y Louis Mhlanga. Colaboró con el compositor
y multi- intrumentista Hilton Schilder y el guitarrista Steve Newman. También
tocó con Jack Momple y su banda de jazz, el pianista George Wernes, el bajista
Peter Ndlala y el baterista Carlo Fabe. Su colega músico Molly Baron lo
describió como "un genio" de la guitarra y dijo que "si Errol
hubiera nacido en Inglaterra o en América, habría sido reconocido como uno de
los mejores guitarristas del mundo".
Documento sonoro:
"Sonesta", a cargo de Errol Dyers, pionero del Capejazz.
Kenny Shields fallecía a los 69 años en el hospital de Winnipeg (Canadá) por complicaciones en
una operación cardíaca de urgencia. Cantante canadiense formó parte de la banda
Streetheart. Los Streetheart son una formación canadiense de rock, de Winnipeg,
Manitoba, que comenzó su carrera en Regina, Saskatchewan en el año 1977. Sus canciones más conocidas son "Action",
"Hollywood", "Teenage Rage", "One More Time", "What
Kind of Love is This", y las versions del "Tin Soldier" (Small
Faces Cover), "Here Comes the Night" (Them), y sobre todo el cover del
tema de los Rolling Stones "Under My Thumb".
El teclista Daryl Gutheil y el bajista Spider (Ken Sinnaeve)
formaron una banda llamada Witness Incorporated en Regina, antes de refundarla
en Winnipeg, con el cantante Kenny Shields. Cambiaron de nombre por el de Witness,
y finalmente por el de Streetheart en 1977 con el guitarrista Paul Dean y el
baterista Matt Frenette. La banda sacó “Meanwhile
Back in Paris” en 1978 al que siguió “Under Heaven over Hell” en 1979, tras el
que Frenette les dejó para unirse a Paul Dean en su banda Loverboy. John Hannah tocó la guitarra en “Under Heaven Over Hell” (1979), “Quicksand
Shoes” (1980), y “Drugstore Dancer” (1980). En 1980, la banda ganó el premio Juno
a "Most Promising Group of the Year".
Kenny Shields
Le
siguieron otros discos como “Action: Best of Streetheart” (1981), “Streetheart”
(1982), “Dancing with Danger (1983)”, y un doble en directo “Live After Dark”
(1983). Consiguieron seis álbumes
de oro y cuatro de platino en Canadá. La banda se separó en 1983, tras lo que
salió una colección de canciones inéditas con el título de “Buried Treasures”
(1984). Volverían a tocar juntos en 1999.
Kenny Shields se sometió a una cirugía de emergencia por una
dolencia cardiaca grave, lo que obligó a la banda a cancelar todos sus planes
de gira para 2017. La banda tiene previsto
dar un concierto final de despedida el 29 de agosto de 2017 en Winnipeg.
Chester Charles Bennington nació en Phoenix, Arizona, el 20
de marzo de 1976 y falleció el 20 de julio de 2017 en Palos Verdes Estates, Los
Ángeles, donde fue encontrado su cuerpo sin vida. Según las primeras informaciones, se habría
suicidado ahorcándose en el domicilio. Fue cantante de la banda de rock Linkin
Park, formó los Dead By Sunrise y fue vocalista de los Stone
Temple Pilots de 2013 a 2015.
Chester empezó cantando en una banda local de rock llamada
Grey Daze en el año 1993 ganando algún prestigio en Phoenix. En 1998 les dejó
por desavenencias creativas y conoce a
Jeff Blue, vicepresidente de Zomba Music, quien le informa sobre las audiciones
para formar parte de Linkin Park. Se muda a Los Ángeles en 1999 con el
propósito de entrar a formar parte de Xero que era el nombre inicial de la
banda creada en 1996. Le aceptan como vocalista, en sustitución de Mark
Wakefield. Ya habían grabado un disco de
título homónimo y Jeff Blue, ya
vicepresidente de Warner Bros, logra que firmen un contrato con la
discográfica.
Linkin Park
Cambiaron de nombre por Hybrid Theory con el que graban un
Ep. Después adoptaron ya el de Lincoln
Park, pero al coincidir con el de un dominio de internet, se modificó la
ortografía para ser Linkin Park. El resto de la formación inicial eran Mike
Shinoda, Dave Farrell, Joe Hahn, Brad Delson, y Rob Bourdon. En el año 2000
sacan su primer álbum de estudio “Hybrid Theory” al que han seguido “Meteora”
(2003), “Minutes to Midnight” (2007), “A Thousand Suns” (2010), “Living Things”
(2012), “The Hunting Party” (2014), y “One More Light” (2017).
Chester también creó en 2005 Dead By Sunrise, banda que
cuenta con Ryan Shuck, Amir Derakh, Brandon Belsky y Elias Andra, de Julien-K,
con el que sacó un par de singles y el álbum “Out of Ashes” (2009). En mayo de 2013, Chester se unía en directo a
los Stone Temple Pilots, convirtiéndose
en su nuevo vocalista. En 2015 Chester dejó la banda por no
perjudicar su trabajo con Linkin Park.
Documento sonoro:
"Runaway" del disco “Hybrid Theory” de Linkin Park
