Al Supersonic & The Teenagers presentan un disco, “masterpiece” de soul, titulado “It’s Alright”

Con el bagaje adquirido mediante sus aclamados directos y sus siempre sorprendentes trabajos de estudio, Al Supersonic & The Teenagers se han convertido en  una banda con garantía de calidad y diversión a raudales. Nos parece que la categoría de mejor combo estatal de soul ha quedado más que superada y, en estos momentos, pueden presumir, con creces, no solo de contar en sus filas con uno de los mejores cantantes del ámbito internacional sino también con unos de los mejores instrumentistas más allá del papel de acompañamiento que realizan con elevada profesionalidad. Acaban de sacar al mercado discográfico su segundo disco con el título genérico de “It’s Alright!”, editado por los alemanes Unique. Se trata de un magnífico álbum de soul con raíces en los sesenta que contiene doce temas, diez de ellos son originales y dos versiones con arreglos tan extraordinarios que las redimensionan con su propio criterio,   impregnándolas de una huella absolutamente memorable. Pero antes de hablaros del disco, creemos que es importante repasar cómo han llegado hasta donde están tras más de una década dedicada a la música del alma.   

Más de una década del mejor soul  

Al Supersonic & The Teenagers son una banda de Granada formada por Al Olmedo, cantante y guitarra; Vanesa Spin, órgano, piano; Javi Frías, batería; Gustavo Fernández, bajo; Juan Almendros, saxo tenor y barítono; y Victor McManaman, trombón. Debutaron en 2001 con un concierto en la Planta Baja de Granada. Desde entonces han actuado en las mejores salas, han participado en numerosos festivales, han acompañado a estrellas como Tommy Hunt, Dean Parrish o PP Arnold y sobre todo han creado un estilo propio original que les distingue tanto temática como melódicamente.

Su primer trabajo es un single de 2007, editado con Rock On, titulado ‘Waiting for the First Bus in the Morning’ con el tema "I Don’t Know (Where Is My Girl?)" en la cara A y en la B, ‘Mess Around’, producido por Carlos Díaz y los Teenagers. Contaron con la participación de Jimmy García a la trompeta. Su segundo single lo edita Unique en 2009 con los temas ‘Keep on walking’ en la cara A y ‘Lean on me’ en la B. Con esta discográfica alemana sacan su primer Lp “Not Too Young” en 2010 grabado en Madrid con Carlo Coupé en los estudios Funkorama que contiene 11 canciones originales, más una versión instrumental de la canción que lo abre ‘To be young’, todos ellas verdaderas gemas del soul actual con raíces sixties al que recuerdan también con algunos guiños en los títulos como por ejemplo ‘Stand by me’, o ‘Mercy Mercy’. Con una habilidad instrumental sorprendente, un uso original y muy emotivo de los parámetros de la música negra más una excelente producción convirtieron ese disco en uno de los mejores de 2010 a nivel internacional. Contaron con la colaboración del trompetista Jimmy García y el percusionista Jorge Byron Dutton. A destacar, la portada y contraportada por la fotografía, el colorido y al artwork tan propio del disco.

Un año antes, en 2009, salía otro single con una inestimable colaboración en este caso con el cantante jamaicano Roy Ellis (Pyramids / Symarip) para el sello Liquidator con el que graban en los estudios Funkorama el tema conjunto ‘Let me take you Higher’ en  la cara A más otro  con solo los Teenagers titulado ‘The Sweetest Rumour’. En 2010 ganaron el premio Pop-Eye del festival de Cáceres al mejor grupo de música negra y el de Mejor Álbum de Música Urbana de 2010 de los III Premios de la Música Independiente. Tras su gira de presentación “Not Too Young European Tour 2010” que les llevaría por Alemania, Francia, Suiza, Portugal y España, entran de nuevo en el estudio para grabar “Only One Life”, a petición de la banda alemana Superpunk, una revisión de su tema  ‘Ich Weigere Mich, Aufzugeben’ para formar parte de un álbum tributo ‘Oh Dieser Sound – Stars Spielen Superpunk (Tapete Records).

Como adelanto de este segundo álbum, en diciembre de 2011 sacaban con el sello alemán, Unique records, un single con el tema "Paint Yourself in the corner” en la cara A y su versión instrumental en la Cara B. En ese sencillo ya pudimos intuir la fuerza y pasión que nos depararía, como así ha sido, el nuevo disco, con la riqueza instrumental de grupos como los Texas Southern University (TSU) Tornadoes o también conocidos como Toronados, más la intensidad vocal de Archie Bell & The Drells, combos estelares de Houston.

“It’s Alright! se grabó en los estudios Hollers de Málaga con Maxi The Holler y en el Circo Perrotti de Gijón con Jorge Explosion. Contó con la producción y masterización de Mike Mariconda, excepto unos cuantos temas que fueron producidos por Charly Diaz y los Teenagers en Producciones Peligrosas de Granada. Todos los temas han sido compuestos y arreglados por Al Olmedo menos “We’re not too Young” que es original de R. Beavers y J. Teasly. Se trata de una canción que interpretó Karen Striblin y Jackey Beavers para Jaber en 1968, con arreglos de Al Olmedo; y “The Loser” que es un rocksteady de 1967 (Crystal/Islands) de Derrick Harriott que cuenta también con arreglos de Al Olmedo quien ha compuesto la letra con Danny Evans. Vanesa Spin ha participado en la composición de “Farewell at Dawn”.

En la grabación ha colaborado Otto Pinto a la trompeta y fiscorno; Jorge Explosión a los coros y Mike Mariconda también ha puesto guitarras en “Scandal Marketplace”. De la fantástica fotografía de la portada en blanco y negro, de A. Krüger, cabe resaltar toda su fuerza, captando ese momento preciso tan pasional de los directos. Las simpáticas caricaturas de la contraportada son de Alex Barbarroja, y el elegante diseño global es de José María Rubio, así como los textos son de Daniel Evans.

Las canciones con alma Teenagers

El disco empieza con la fabulosa “It's Alright”, un tema repleto de elegancia soul, con arreglos fascinantes en los que destacan metales, una sección rítmica impecable, una guitarra ágil y un órgano sentando las bases armónicas, así como más de un detalle de cualidad al Hammond,  para dar vida a una de las mejores canciones del disco. Y dirigiendo toda esa sensacional orquesta la voz principal de Al Olmedo que nos ofrece, en todas y cada una de las canciones, una absoluta exhibición de amplio registro vocal, propio de los legendarios mitos de los sesenta pero también a su manera, con un timbre peculiar que le garantiza un bien ganado espacio entre los más grandes cantantes de la historia de la música negra.  

Le sigue “You've Been Hurt”, tema en el que inciden en esa capacidad para emocionarnos mediante melodías que nos arropan con esos excelentes recursos instrumentales que se entrelazan magistralmente entre sí. Con ello consiguen una cobertura emocional donde todo aparece y desaparece con un cálculo milimétrico entre pedales de puro soul y vibrantes  momentos de metal muy bien definidos como los que nos encontramos en el siguiente corte, “I'll Always Be There”, en el que sobresale también esa guitarra distribuyendo el ambiente con rítmicos rasgueos.

A continuación nos ofrecen “Scandal Marketplace”, preciosa canción que se crece por momentos a medida que se incorporan cada una de las secciones hasta que pasan a rendir homenaje al tema principal con el entusiasmo de su solista seguido de cerca por trombón y saxo más unas pinceladas finales casi de soul psicodélico con la guitarra . El siguiente corte lleva por título “These Little Things” y es una preciosa balada diseñada con lo mejor del género. Contribuyen a ese preciado objetivo, un tierno órgano, una sección rítmica tremendamente precisa y esos crescendos tan bien gestionados con los que alcanzan el cénit musical con una maestría descomunal.  A destacar ese extraordinario solo de fliscorno que, en pocos compases, consigue emocionarnos, y el final conjunto que se pierde en la lejanía no sin antes ponernos los pelos de punta. 

“Under Construction” tiene todos los componentes precisos para convertirse en todo hit sensual, con ese encantador piano acompañando a su cantante, más esos coros tan Northern Soul, incluidos los graciosos falsetes uuuu…. Excelente también el concepto rítmico tan vibrante de “We're Not Too Young” destinado a las mejores pistas de baile aunque siempre desde los parámetros del soul sin recurrir a los arreglos hipnóticos del funk. Con ese final para ser coreado hasta saciedad nos preparan para “That's Not The Way To Say Goodbye”, en el que hasta podríamos pensar que han partido de un toque de bossa nova dirigido por un excelente piano y órgano al que sucede una no menos impactante sección de metal. Todos los músicos responden con extraordinaria soltura mientras el gran Al Supersonic acaba declarándose, con su gran estilo, mediante ese “I'm In Love With You”. Sin duda, se trata de otra muestra más del extraordinario dominio instrumental de esta banda que, en este segundo disco, comparte con todos nosotros, con generosidad y entrega, su gran valúa y capacidad para ser considerada a la misma altura de los mejores combos de la historia de la Black Music. 

Foto: José Albornoz

En la recta final del disco tres temas sin desperdicio alguno como son “The Loser” con el que invitan al baile ensoñador entre cantos de sinceridad apoyados por coros, pedales y unos compases de piano que marcan el tiempo rítmico así como algunos efectos melódicos con secuencias muy profesionales, mientas que otro solo de saxo añade un detalle de gran cualidad a la genial ambientación sonora. Un fascinante final de fiesta discográfico en el que también nos regalan una extraordinaria versión para el álbum de su propio tema “Paint Youself In The Corner” con principio de órgano, voces de ambiente, más una trompeta y trombón fantásticos. Un tema que redimensionan para homenajear a su fiel público presente con esos entusiasmados vítores. A destacar un solo de batería que nos faltaba para descubrirnos, con todo lujo de detalles, la absoluta precisión de su percusionista principal. Y para terminar, otro de sus temas más sensuales, titulado “Farewell At Dawn”, canción romántica en el que dialogan los instrumentos mientras su vocalista principal nos da las últimas muestras de elegancia y poderío vocal entre congas, trompeta con sordina, metales balanceándose al unísono y otro toque emotivo  de órgano más saxo.  

Foto: Sergio Castillo

A modo de conclusión, nos gustaría destacar que “It’s Alright” es ante todo un disco de soul, una auténtica “masterpiece” del mejor soul, y creemos que los detalles de funk que se nos pueden antojar en algunas de las canciones, sobre todo en sus partes más bailables, son meros espejismos conceptuales. Podríamos seguir hablando de este disco porque material de análisis no nos falta, y eso que fue grabado con menos tiempo y sin apenas intermedios comparado con su anterior y también excelente trabajo. Sin lugar a dudas suena, como suele decirse, fresco, inmediato, comunicativo, directo, divertido, y un sinfín de adjetivos positivos más; pero que eso no nos lleve a engaño porque solo pueden hacerse las cosas así cuando están muy claras y se cuenta con una imaginación desbordante, una capacidad casi milagrosa de plasmarlo con todo lujo de detalles y por supuesto, con una gran voz y un conjunto instrumental  en la que todos y cada uno de sus componentes responde con profesionalidad y devoción, como es el caso de estos siempre maravillosos Al Supersonic & The Teenagers. 

Nota: Puedes escuchar el disco en el bandcamp.

Vídeo del tema "I'm in love with you" dirigido por Roger Crunch.

Muere Bengt Hallberg, gran pianista de jazz

Bengt Hallberg nació el 13 de septiembre de 1932 en Gotemburgo (Suecia) y se anunciaba su defunción el pasado 2 de julio de 2013. Fue un extraordinario pianista de jazz y uno de los más grandes instrumentistas suecos. También tocaba el acordeón.

Cursó estudios de piano clásico y a los 13  años escribió su primer arreglo de jazz. En 1949 grabó con el saxofonista Arne Domnérus con el que colaboró en más ocasiones.  Durante la década de los cincuenta acompañó en directo a todas las estrellas norteamericanas del jazz que visitaban Suecia como el trompetista Clifford Brown, el saxofonista Stan Getz o el directo y compositor Quincy Jones.  

Con Alice Babs en 1963

Con su formación de trío debutó en 1952 para el sello Metronome y siguió sacando varios sencillos para esa discográfica y para Cupol. En esos primeros cincuenta también tuvo una formación de cuarteto y una banda llamada His Swedish All Stars. En 1954 sacó su primer Lp titulado “Dinah” con Philips. Durante los sesenta grabó varios discos de estudio y en directo, en solitario o colaborando por ejemplo con la cantante holandesa de jazz, Rita Reys, la danesa Birgit Brüel o con la sueca Alice Babs. Siguió grabando álbumes en los setenta como los homenajes a Bacharach, Cole Porter y Duke Ellington. Su extenso catálogo discográfico siguió en los ochenta, con colaboraciones con la cantante Karin Krog, noventa y década de los dos mil. En los ochenta también formó el Trio con Tromba con Jan Allan (trompeta), y Georg Riedel (contrabajo).

En los ochenta fue elegido miembro de la Real Academia sueca de Música.  La forma de tocar de Bengt era muy versátil y se adaptaba con facilidad a numerosos estilos. Intérprete también de música clásica, en los últimos años de su trayectoria musical se dedicó a componer música para cine y televisión. En 2010 volvía a los escenarios y en 2011 sacó un nuevo disco en directo “Live at Jazzens Musuem” grabado en Strömsholm (Suecia).    

Documento sonoro:

Bengt Hallberg interpreta al piano el tema “I Found A New Baby” incluido en si Lp “Dinah” de 1957. Se trata de un tema de Jack Palmer y Spencer Williams que interpretó Sidney Becket con su saxo soprano, entre otros. Le acompañan Gunnar Johnson al contrabajo y Anders Burman a la batería.

 

Fallece el cantante de folk Gary Shearston

Gary Rhett Shearston nació en Inverell, Nueva gales del Sur, Australia, el 9 de enero de 1939 y murió el 1 de julio de 2013 de un derrame cerebral. Fue un cantante y compositor australiano que destacó dentro del llamado revival folk de los años sesenta, sobre todo versionando canciones tradicionales australianas con su peculiar estilo. Tuvo su gran éxito en 1974 con una versión de un tema de Cole Porter titulado "I Get a Kick out of You", incluida originalmente en el musical de los años treinta “Anything Goes”.

Mientras su padre combatió en la segunda guerra mundial, residió en Tenterfield  y a los 11 años su familia se trasladó a Sidney. Tras su paso por la universidad, trabajó en el mundo del periodismo, colaboró con un espectáculo de títeres llamado Tintookies  y fue actor con el Theatre Ensemble de Hayes  Gordon.

Se interesó por la música y con su guitarra aprendió un repertorio de temas populares australianos que versionó. A los 19 años ya era un cantante profesional. Empezó cantando por los hoteles y se unió al espectáculo de góspel y blues de John Sellers.  En 1962 firmó un contrato con Leedon Records  y en 1963 ya formaba parte del repertorio de artistas de la CBS.
  
En marzo de 1965 por las radios de Sydney se escuchaba con mucha frecuencia su single con el tema  "Sydney Town". Ese año también grabó otro tema conocido con el título de “Sometime  Loving”.  Las ventas no le fueron nada mal y en los años 1966 y 1967 fue el intérprete australiano de folk más famoso en su país. Incluso tenía un programa de televisión propio. 

Viajó a los Estados Unidos e Inglaterra donde residió algunas temporadas. En 1972 grabó varios temas en la capital inglesa, para un Lp que se tituló “Dingo”, entre ellos la versión de Porter que más éxito le supuso.  En los ochenta regresó a su país y se convirtió en predicador de la Iglesia Anglicana de Australia para las zonas rurales de Nueva Gales del Sur. En los noventa recibió un premio honorífico por toda su carrera.

Documento audiovisual:

Tuvo su gran éxito en 1974 con una versión de un tema de Cole Porter titulado "I Get a Kick out of You", incluido en un álbum que se titularía "Dingo".

Fallece el legendario bluesman, Texas Johnny Brown

El 1 de julio de 2013 moría a los 85 años John Riley Brown más conocido como Texas Johnny Brown, una de las figuras legendarias del blues americano. Fallecía en su casa de Houston a consecuencia del cáncer que padecía.

Empezó su carrera en Houston a mediados de los cuarenta tocando la guitarra en los Aladdon Chickenshackers, banda de acompañamiento de Amos Milburn con el que grabó muchos temas para Aladdin Records y para Atlantic Records entre finales de los cuarenta y principios de los cincuenta. También participó en las primeras grabaciones de Ruth Brown para Atlantic como su "Rain Is A Bringdown" en el que también tocó el piano Amos. Atlantic tambiñen editó a finales de los cuarenta algunos de los temas de Johnny como los destacados “There Goes the Blues”, “Bongo Boogie” y “Blues Rock”. 

Durante los cincuenta y sesenta estuvo de gira con Bobby "Blue" Bland, fallecido recientemente (+ info), y Junior Parker y fue músico de estudio para Duke/ Peacock Records, creado por Don Robey en Houston, con los que grabó su tema “Snakehips and Suspense”. También estuvo tocando la guitarra para muchos artistas como los mencionados Bland, Parker, Lavelle White, Buddy Ace y Joe Hinton. Cabe destacar que compuso el famoso "Two Steps from the Blues" que interpretó Bobby Bland.

En 1998 se editó su primer álbum “Nothin' But the Truth” con Choctaw Creek Records con nueve composiciones originales y una versión instrumental  Aretha Franklin de su “Ain 't No Way”. Desde los noventa recibió numerosos premios y se encontraba en activo hasta muy recientemente acompañado por su Quality Blues Band.  

Documento sonoro:

Single de Amos Milburn And His Aladdin Chickenshackers titulado "One Scotch, One Bourbon, One Beer / What Can I Do?

También participó en las primeras grabaciones de Ruth Brown para Atlantic como su "Rain Is A Bringdown" en el que también tocó el piano Amos.

Con Duke/ Peacock Records de Houston grabó su tema “Snakehips and Suspense”.

Es autor también de la canción "Two Steps from the Blues" con la que triunfó Bobby Bland.

Para finalizar un fragmento de una actuación suya muy reciente celebrando su 85avo cumpleaños en febrero de este año 2013. 

Fuerza, pasión y arte sin límites, aspectos inmanentes en el álbum "TRES" de las Rodilleras



Artwork: Don Rogelio J.

Aquellos quienes, allá por los ochenta, adquirimos los discos de Parálisis Permanente, las Vulpes, Seres Vacíos, Desechables, Décima Víctima, o Gabinete Caligari, lo hicimos porque nos gustaban, atraídos por su revolucionaria aportación artística dentro de lo que, por entonces y ahora, conocemos como after o post punk. No solo destacaban por un original tratamiento musical, dentro del amplio espectro del rock and roll, sino que también se distinguían por un código ético y estético que resultó francamente revulsivo para la época, y eso los convertía en más apasionantes aún si cabe. En mi caso, recuerdo perfectamente que, a parte de esa realidad tangible, tuve la visión premonitoria de imaginarme que aquellos sencillos, maxis y Lp’s valdrían, con los años, una suma considerable de dinero tal y como ha sido el caso. Pues bien, con el segundo trabajo de las valencianas Rodilleras, titulado genéricamente con el número “3” y editado este 2013 por los sellos Flexidiscos, Discos Calamidad, más Solo para Punks, he recuperado esas mismas y extraordinarias sensaciones. No solo porque nos ofrecen un disco repleto de detalles musicales y conceptuales memorables e inmanentes, sino que encima está envuelto en un magnífico artwork, incluido un libreto donde podrás leer las letras ilustradas por grandes dibujantes de la escena valenciana, y que convierten a este fabuloso álbum en algo verdaderamente original.

Detallados los habituales referentes musicales, que siempre vienen bien pero que al fin y al cabo acaban por ser un tanto prescindibles, tengamos en cuenta que las Rodilleras no son ni las Vulpes, ni Parálisis Permanente, ni siquiera los Desechables. Las Rodilleras tienen un estilo propio, bien definido, con un extraordinario valor poético con el que rezuman pasión a raudales con una inmejorable voz principal, entre arreglos potentes de guitarra y bajo, más una contundente aportación de una precisa batería. Por otra parte, su disco está muchísimo mejor grabado que las obras de las leyendas mencionadas y el artwork le da cien vueltas a la gran mayoría de los publicados en esos ya lejanos ochenta. Lo único que las sitúa en inferioridad de condiciones es que, en esa época, esos grupos formaban parte de una escena con numeroso público, y ahora me temo que no.

Las Rodilleras

Las Rodilleras se formaron en Valencia en 2009 y cuentan con María Pedro a la batería, María Inglés al bajo y voces, y Gema Germen, guitarra y voz, conocida cantante de Putilatex, así como parte fundamental de otros proyectos como Redentoras Humilladas, o Permafrost. Tras una maqueta, en 2011 sacan su primer álbum titulado “Horror Pleni” coeditado con Disundead, que contiene trece tremendas canciones, once originales y dos versiones: del “She said destroy” de Death in June, y del “Forming” de los Germs. A destacar que el diseño de la portada corrió a cargo del gran artista, músico y dibujante, Don Rogelio J. (Tumba Swing, Tracahombres, Aullido Atómico,...) quien también se ha encargado del artwork de este segundo álbum. Puedes leer nuestra reseña que publicamos en su día de ese disco de debut en este mismo blog (+ info).  

“3” se grabó, mezcló y masterizó en los estudios Millenia de Valencia. Contaron con la colaboración de Aullador Thurston III cantando en el tema “Mr.& Mrs. Marmite” y Don Rogelio J. tocando slide en “Aprieta”.  El grupo también agradece la colaboración de la Residencia, Pedro Navarro y Rocco Rodríguez (videos), Pedro Serra (bajo) y Bernar (puerta). A parte del curioso diseño físico que rompe con la habitual carpeta cerrada de los vinilos, cabe resaltar también la inclusión de un libreto con las letras de las canciones ilustradas por geniales artistas como Carmen Burguess, Martín López, Susi Quiu, Raquel Aaparicio, María Gea, Jorge Parras, Gema Germen, Mortimer, Luis Galbis, Ernest Graves, Tono Inglés, Luis Demano, Mik Baro y el mencionado Don Rogelio J. quien también es el responsable de una portada impactante por su fantástica sencillez y, a su vez, por esa impresión tan retorcida, y enigmática que logra transmitirnos con motivos vegetales, propia del romanticismo más oscuro y tenebroso.      

Pues bien, tras comentaros algunos de los detalles, a nuestro juicio importantes, de este nuevo trabajo, ha llegado el momento de intentar resumir con palabras qué sensaciones nos transmiten las canciones.

"Amparo surfea sola su propia ola... las canciones"

 

Artwork: Don Rogelio J.

Abre el disco una fascinante “Amparo” quien se nos presenta acompañada de ritmos tribales, bajo penetrante y guitarras desbocadas, marcando los pasos de una excelente voz siniestra pero a su vez muy melódica “templando la tenacidad…sin rehuir el dolor, con veneno en el corazón, masturbándose con devoción”.

Le sigue “Ansiedad relativa 99,9%”, tema que relaciona la “humedad de Valencia” y el vacío existencial: “mi cuerpo está vacío, qué me vas a contar, no seas cretino, tú estás hueco igual”. Gran tema con pared de guitarras distorsionadas que da paso a “La carta”, con guitarras más ambientales, propias del after punk, para referirse a “una mujercilla flaca y ruin, por ti olvidé todo lo que fui”. A continuación nos ofrecen una canción llamada “Ernesto”, a modo de himno amoroso punk dedicado a ese tal Ernesto por el amor del cual “irían a patinar, tomarían un batido y hasta dejarían los cigarrillos”.

“Vida Social” es el título del siguiente tema, tremenda descarga de adrenalina punk con melodía casi pop para hablarnos de la basura que nos envuelve, el vertedero en que se ha convertido la sociedad… “te crees que mola, pero NO”. Tema corto pero muy contundente que precede a otra erupción volcánica de guitarras y batería persuasiva, cantado a dos voces, y con el título de “Mr & Mrs Marmite”. Se trata de una dura canción de desamor para recordar esos momentos en los que “la avaricia rompió la pasión… tus frías lágrimas no traerán redención…y solo tu cuerpo muerto me dará la solución”.   

Artwork: Don Rogelio J.

“El Picaporte” es el penúltimo tema de la cara A. Se trata de una canción de pura poesía existencialista punk que empieza recitando unos hirientes versos que dan paso a un pequeño instrumental al que se suma la voz principal “enfadada” para explicarnos que “tu cabeza está fatal, no me quiero contagiar, no soporto esta vida, quema, agobia, duele e irrita”. Cierra la cara A uno de sus temas más coreados en sus directos, ese contagioso  “La la la la” construido con aires de rock and roll primitivo de los cincuenta.

La Cara B se abre con  “Yo soy la justicia”, donde destaca un elemento principal, ese “hombre honrado que salda sus deudas, que mata por honor”. Fascinante tema de punk con detalles siniestros, interpretado con su peculiar estilo, mezclando referentes sonoros históricos, con un notable componente melódico amplificado por ese arreglo final donde toma protagonismo los coros siguiendo a la voz principal.  “La sangre corre” y se convierte en “deseo que atraviesa el cuerpo” en el siguiente corte llamado “Inmanencia”, concepto filosófico que significa el ente intrínseco de un cuerpo, opuesto a toda trascendencia, y que para el caso nos lo presentan cargado de imágenes tremendas como “aplastada en la autopista, pasan los camiones por encima”. Por otra parte, añaden unos acordes que nos recuerdan a ese famoso y vitoreado after punk cañí de los ochenta.



Ilustración de Raquel Aparicio

“Las queremos lejos” es otro temazo del álbum, sin desperdicio alguno, con guitarras que arrojan acordes desgarrados para deshacerse de indeseables, “maniacas, bastardas, retorcidas, colas de rata”.  Para ello utilizarán su talento, como bien dicen en el tema, el mismo con el que componen un “Aprieta” que arranca con preciso bajo y batería, tétricos y elegantes a la vez, y en el que nos dicen cosas tan extraordinarias como “ es la conciencia su mayor debilidad, flexible órgano en función de la frivolidad”. Le sigue “La incomunicación del abandonado cuerpo”, otro ejemplo de su extraordinaria destreza para conjurar letra y música con el objetivo de regalarnos momentos perdurables que en principio parecen intrascendentes “no quiero sol ni calor” pero que se retuercen con frases como “camino hacia el infierno encontré mi redención…ofrecí mi alma al diablo y no la aceptó…la soledad dio acceso a mi salvación”. A continuación construyen un curioso rock and roll llamado “Nº 29 pta 37”, “la última canción que canto para ti, olvida tu sufrimiento, olvídate de mi”. Una divertida forma de esperar a la muerte aunque, llegado el momento, cambiarán el DNI para que se “te lleve a ti”.  



Artwork: Don Rogelio J.

En la parte final de este gran disco, con muchísimas cosas que comentar como seguramente apreciaras tú mismo o misma tras una atenta escucha, tenemos el tema “La verdad está ahí fuera” que en el libreto se convierte en toda una fotonovela. Se trata de una disparatada historia de abducciones extraterrestres, con un desastre de marcianos que devuelven a la protagonista al año equivocado, antes del primer disco de las Rodilleras  y sin la carrera aprobada!!!. Acaba el álbum con toda una declaración de intenciones, entre ritmos de surf, para quitarse de encima a esos típicos plastas ligones, a los que alejan con esa advertencia: "déjame surfear sola mi ola…”. De este modo llegan a otro final genial propio de todo un himno de punk pop.

Las Rodilleras

Con respecto al anterior trabajo, ese no menos fascinante “Horror Pleni”, cabe destacar que las Rodilleras han profundizado más en ese efecto melódico inmediato, buscando incluso el estribillo para convertirlo en uno de los principales pilares de las canciones aunque, eso sí, sin perder ni un solo ápice de su gran valor pasional y energético siempre presente mediante ritmos contundentes, un bajo omnipresente y una guitarra espeluznante acompañando a una voz ideal y siempre convincente.

Como comentaba al principio de esta reseña, han pasado unos treinta años desde que me hice con una copia del single que compartieron Parálisis Permanente y Gabinete Caligari, con sus famosos temas “Autosuficiente” y “Golpes” respectivamente. Recuerdo que lo escuché en innumerables ocasiones, entusiasmado por unas canciones muy originales, rabiosas, con las que muchos y muchas logramos sentirnos muy identificados. Esa misma empatía y admiración puedo experimentarla, en estos precisos momentos, oyendo este nuevo disco de las Rodilleras titulado "3". Espero que no tengan que esperar otros treinta años más para lograr la excelente repercusión artística que bien se merecen porque no solo será tarde sino completamente injusto aunque sus discos sean, como preveo, lujoso material de coleccionista.  

Nota: Puedes escuchar el disco en el bandcamp.

Fallece el pianista de jazz, Paul Smith

Paul Smith nació en San Diego (California) el 17 de abril de 1922 y murió el 29 de junio de 2013 en Torrance (California). Fue un prestigioso pianista de jazz con una notable carrera como solista que también será recordado por acompañar a otras grandes estrellas como por ejemplo a Ella Fitzgerald en diversas ocasiones. Pese a tener una fabulosa técnica nunca figuró entre la élite de pìanistas de jazz quizá porque nunca le interesó demasiafo la fama.

En 1941 empezó colaborando con el compositor Johnny Richards y tras su paso por el ejército, trabajaría con el guitarrista Les Paul de 1946 a 1947 y con el trombonista Tommy Dorsey de 1947 a 1949. Después se trasladó a los Ángeles donde se convirtió en un reputado músico de estudio colaborando con infinidad de grandes del jazz como Dizzy Gillespie, Anita O'Day, Buddy DeFranco, Louie Bellson, Steve Allen, Stan Kenton, Mel Tormé entre otros.



Con el trío de Les Paul

También grabó con sus propias formaciones de trío y cuarteto, Comcel álbum “By The Fireside” de 1956 y con su propia orquesta como el disco “Brazilian Detour” de 1966, o el álbum “Heavy Jazz” en 1977

Entre 1956 y 1984 acompañó al piano y director de banda a la maravillosa Ella Fitzgerald. Con Ella grabó grandes álbumes como “Mack The Knife: Ella in Berlin” que ganó dos Grammys en 1960. El concierto inauguraba la gira europea el 13 de febrero de 1960 en el Deutschlandhalle del por entonces Berlín Oeste y contiene detalles memorables como la versión de “Mack The Knife”. A mitad de la canción se le olvidaría la letra y Ella improvisó de forma magistral.  

El resto de la banda de Ella estaba formada por el mencionado Paul Smith, y en ocasiones por el pianista Lou Levy; Jim Hall y Barney Kessel (guitarra); Wilfred Middlebrooks (contrabajo); y Gus Johnson (batería).  Jim Hall, Wilfred Middlebrooks y Gus Johnson formaban parte del cuarteto de Paul Smith. Tambièn formó un cuarteto con Tony Rizzi (guitarra), Sam Cheifetz (bajo), e Irv Cottler (batería).

Paul Smith escribió numerosos libros sobre el piano jazz y estuvo casado con la también pianista y cantante Annette Warren con la que grabó en varias ocasiones.

Documentos sonoros:

En este audio podemos oirle formando parte del trío de Les Paul en 1947 con Cal Gooden a la rítmica, y  Bob Meyer al contrabajo.

En 1960 grabaron juntos Ella y Paul, un disco intimista llamado “The Intimate Ella” que editó Verve, con standars interpretados por la gran voz de Ella acompañada solo por el delicado piano de Paul.   

Una de las grabaciones de uno de los cuartetos de Paul Smith, en 1953,  con Tony Rizzi (guitarra), Sam Cheifetz (bajo), e Irv Cottler (batería)

Nace el Imperio del Perro, proyecto sevillano que busca su propio espacio con dinamismo y frescura

El Imperio del Perro es una banda sevillana recién creada cuya música discurre sobre excelentes riffs de guitarra y bajo, con una voz poderosa, ritmos envolventes y melodías conmovedoras.  La banda está  formada por Diego Cabeza Montiel (voz y guitarra), Javier Casanueva Martos (guitarra), Pedro Ortiz Soto (bajo y Coros) y Juanma García (batería).  Sus componentes proceden de la banda Charlesttines de la que ya te hablamos en su día en el Magic Pop (+ info), menos el baterista que formó parte de los Neorama.  

En mayo de 2013 grabaron un par de temas en el estudio Pelícano, en Mairena del Aljarafe (Sevilla),  producidos por Jesús Chávez.   Tal y como nos comenta su cantante principal y guitarrista, Diego,  con “El Imperio del Perro es un proyecto con apenas tres meses de vida, y los dos temas que hemos grabado son una declaración de intenciones  buscando el dinamismo y la frescura.


Foto: DM Lobo

Su música tiene detalles de indie, after punk, britpop, new wave, garage, y estamos convencidos que encontrarás algo que te recordará a tu grupo de cabecera pero también nos aventuramos a predecir, si nos lo permites, que no van a consentir que te regodees demasiado en tu sabio juicio porque, ipso facto, van añadir algo que te romperá el esquema en pro de un sonido más ecléctico y original. "No hay más salida" es un tema sensacional, donde se pone en evidencia esa mencionada mezcla de estilos, del “garage” al indie pasando por el britpop, combinados de tal forma que generan una estructura fascinante. A destacar ese fantástico riff de bajo con el que se abre el tema y que no nos abandonará en toda la canción, más esos precisos cambios de ritmo con los que definen un tema ideal tanto para el directo como también para la pista de baile.  Por su parte, la canción con el título de "Humano" tiene una melodía pop muy pegadiza que la convierte en casi un himno de los ochenta pero actualizado con esa contundencia rítmica y esos riffs de guitarra que consiguen añadir una poderosa visión eléctrica.

 

En ambos temas destaca la poderosa voz de su cantante principal y al igual que en su anterior proyecto, Charlesttines, siguen mostrando un gran talento para construir buenas canciones, con letras cuidadas, aunque en este caso, con el Imperio del Perro, los resultados se nos antojan mucho más originales, buscando ese espacio artístico propio que les permita posicionarse con ideas sorprendentes en este complicado mundo de la música pop.   

Nota: Podrás verles en directo el próximo 20 de septiembre de 2013 en el festival sevillano Alamedeando. Por el momento, puedes escuchar los dos temas de presentación en el bandcamp.