martes, 10 de junio de 2014

Fallece el guitarrista Jesús “Chucho” Perales, pionero del rock and roll chicano

Chucho con su doble mástil Martín Macías
Jesús “Chucho” Perales nació el día de Navidad de 1935 y falleció el 8 de junio de 2014 en San Antonio (Texas) a consecuencia del cáncer que padecía. Fue miembro fundador de los Mando & the Chili Peppers, una banda pionera del rhythm and blues tejano en San Antonio a mediados de los años cincuenta.  Perales sabía tocar la guitarra y el bajo sexto. La guitarra de la foto con doble mástil fue un encargo a finales de los años cincuenta al prestigioso luthier Martin Macias con 12 y 6 cuerdas. La guitarra se destruyó en un accidente. 

Chucho tuvo su primera guitarra, modelo Gene Autry, cuando tenía 8 años y a los 14 acompañaba al gran músico acordeonista Valerio Longoria. The Chili Peppers fue una de las primeras bandas formadas por músicos americanos de origen mejicano y la primera que actuó en el famoso programa de televisión “American Banstand”. A principios de la década de los cincuenta tocaban versiones de R&B con varios nombres como el de Conjunto San Antonio Alegre o Conjunto México. En 1955 Chucho cambió su guitarra por una Gibson Les Paul e incluso en una ocasión tuvo que tocar con el amplificador de Ritchie Valens porque el suyo explotó en plena actuación.

Mando & the Chili Peppers. Portada del Lp.
En 1956, ya como Mando and the Latineers, tuvieron su propio programa de televisión en el Canal 41, la que después sería Univisión. Ese mismo año ya actuaban en las Vegas donde el productor de Crest Records les contrató para grabar en Nueva York. Sacaron un single con los temas “South of the Border” y “Don’t Say Goodnight”. Obtuvieron un éxito notable y luego grabaron el Lp con el título de “On the Road with Rock ‘n’ Roll”.

En el año 1957 tocaron por el sur de los Estados Unidos con el nombre de Mando and the Chili Peppers. En 1960 se separaron y Armando Almendarez alias Mando Cavallero (bajo y voz) más Chucho Perales se unieron a Eddy Clearwater y The Bossmen en Chicago. Durante muchos años, Chucho dio clases de acordeón, guitarra y bajo sexto.   

Documento sonoro: 

"Baby, Baby I can't believe", tema propio incluido en su Lp editado en mayo de 1957.


El instrumental "Congo Mongo" incluido en su disco "On the Road with Rock and Roll" de 1957.




domingo, 8 de junio de 2014

Fallece Bambi Fossati de los Gleemen, después los Garybaldi

Bambi Fossati 
Bambi Fossati nació con el nombre de Pier Niccolo Fossati en Génova (Italia) el 28 de abril de 1949, ciudad donde falleció el 7 de junio de 2014. Fue miembro de la banda de blues y psicodelia Gleemen con la que grabó canciones de hard blues como "Spirit"; y después los progresivos Garybaldi destacados por temas como  "Maya Desnuda" o "L'Ultima Graziosa".

El sobrenombre de Bambi se lo puso su abuela porque cuando era pequeño solía irse de casa para adentrarse en el bosque. A los 13 años aprendió a tocar la guitarra y en 1965 formó la banda Gleemen  con la que empezó tocando temas de beat y R&B. Grabaron una conocida versión del Lady Madonna de los Beatles y un Lp en 1970 con Mellow records donde se entreveían las influencias de Jimi Hendrix y el blues rock de finales de la década de los sesenta.   Sus componentes eran Angelo Traverso al bajo,  Maurizio Cassinelli a la batería; Lio Marchi, al órgano; más Fossati cantando y tocando la guitarra.  Black Widow Records sacaría en 2013 un disco con canciones inéditas de los Gleemen titulado “Otre… Lontano, Lontano”.

Después crearon los Garybaldi, banda de rock progresivo, con los mencionados músicos, y en 1971 sacaron un single con los temas “Marta Helmuth” y “Corri, Corri, Corri” al que siguió otro sencillo con las canciones  “Shilaila Dea Dell' Amore” y “ Un' Amica (Gleemen)”.  En 1972 vio la luz su primer Lp, con la famosa portada del dibujante de comic, Guido Crepax, y bajo el título de “Nuda” (CGD). Al año siguiente entró a tocar el bajo Sandro Serra y editaron su segundo disco de estudio, “Astrolabio” (Fonit).  Ese año se separan y Fossati crea la Bambibanda E Melodie con los que graba un Lp con Fonit,  de título homónimo. El resto de componentes eran Roberto Ricci al bajo; Maurizio Cassinelli a la batería; Rasandiran Somusundaram a la percusión; y Roberto Cecconi a la flauta. En 1977 formó un proyecto, con un álbum, llamado Acustico Mediterraneo.

Portada y contraportada de Guido Crepax para el Nude de Garybaldi
En los noventa, Fossati reformó la banda con Maurizio Cassinelli (batería); Marco Mazza (guitarra) y
Carlo Milan (bajo)y volvió a los escenarios.  Desde entonces se han incoporado otros músicos y han publicado otros trabajos  como “Bambi Fossati and Garybaldi” ( Artis 1990); ““La ragione i el Torto” (Il Polpolo del Blues 2000); o Note Perdute” (BTF 2009), con inéditos, versiones alternativas y temas grabados en directo en 1973 y 1998.

Documento sonoro: 

Versión del "Lady Madonna" en italiano de 1968 a cargo de los Gleemen.




 "Spirit", uno de los temas incluidos en el álbum de 1970 de los Gleemen.


"L'Ultima graziosa" canción incluida en el primer Lp de los garybaldi, "Nuda" de 1972.



sábado, 7 de junio de 2014

Fallece Steve Becker, baterista de los Southside Johnny And The Asbury Jukes

S. Becker
Nacido con el nombre de Stephen E. Becker el 7 de noviembre de 1952 en East Orange, Nueva Jersey, falleció el 1 de junio de 2014. Fue baterista de la Southside Johnny And The Asbury Jukes con los que grabó discos y tocó en directo entre 1979 y 1986. Como bien sabes, fue la otra banda insigne de Nueva Jersey en los setenta en la que tocaron algunos miembros de la E Street band y colaboraron muy estrechamente con Bruce Springsteen quien escribió varias canciones para ellos. Becker tuvo un estudio propio y grabó con la banda de funk y soul de los 80, Mtume.

Southside Johnny Lyon creció en Ocean Grove, al lado de Asbury Park, en la costa de Nueva Jersey. Empezó tocando rhythm and blues y rock'n'roll con detalles del blues de Chicago.  Durante la primera mitad de los años setenta estuvo en varios grupos con miembros de la E Street Band y creó los Asbury Jukes. Su primera banda se llamaría Sonny Kenn Blues Band en 1967, después estuvo con  la Blackberry Booze Band con el cantante y guitarrista Steve Van Zandt.  Esa banda se convirtió en los Asbury Jukes con Kenny Pentifallo (batería), Alan Berger (bajo), Carlo Novi (saxo tenor), Kevin Kavanaugh (teclados) y Billy Rush (guitarra).

Southside Johnny And The Asbury Jukes.
Cuando el más insigne de los músicos de Nueva Jersey, Bruce Springsteen consiguió la fama, la zona se puso de moda  y Epic contrató a la banda de Johnny mientras que Steve van Zandt se pasaba  la E Street Band. Grabaron “I d'on't want to go home”  en 1976 y Springsteen les regaló dos  temas con los títulos de “You mean so much to me” y “The Fever”. El primer álbum de los Asbury Jukes està repleto de R&B con temes propios y versiones de Steve Cropper, Ray Charles, o Solomon Burke, entre dúos vocales con  Lee Dorsey, y Ronnie Spector. Le siguió otro gran disco de R&B “This time it's for real” (1977), con aportaciones de The Drifters, The Coasters y The Five Satins, más otros temas de  Springsteen.

Luego vendría 'Hearts of stone' (1978) con más temes firmados por el Boss y Van Zandt, entre los propios de la banda.  Con pocas ventas, Epic rescindió el contrato tras publicar 'Having a Party' (1979), recopilatorio con un tema inédito, y firmaron con  Mercury. Grabaron “The Jukes” con un soniodo de rock and roll más duro. Se incorporó Steve Becker (batería) y Joel Gramolini (guitarra rítmica). Consiguieron una notable repercusión y después sacaron otros álbumes como 'Love is sacrifice' (1980) y el doble en directo 'Reach up and touch the sky' (1981). En 1986 editarían “At Least We Got Shoes” , último trabajo con Becker a la batería.


El éxito se esfumó y no fue hasta en 1991 cuando sacaron otra gran obra de R&B y rock’n’roll titulada “Better Days” con Max Weinberg al a batería, Garry Tallent al bajo, Little Steven a la guitarra y Rusty Cloud al piano. Springsteen volvió a componer para ellos. Southside se trasladó a Nashville donde potenció su coleccionismo de discos buscando por tiendas y subastas hasta que en 1999 decidió volver a los estudios para grabar otro álbum ayudado por su amigo Tallent pero este fue llamado por el Boss para acompañarle a la gira de ese año y 2000. Ese disco se llamó “Messin' With The Blues” (2000) y salió con su propio sello Leroy Records. Le siguieron hasta la actualidad “Going to Jukesville” (2002);  “Into the Harbour” (2006); “From Southside to Tyneside” (2008) y “Grapefruit Moon: The Songs of Tom Waits” (2008) con la Bamba’s Big Band.  En 2010 vería la luz el disco “Pills and Ammo”.

Steve “Bam” Becker  también tuvo un estudio de grabación propio y grabó con los Mtume los discos “You, Me And He” de 1984 y “Theater Of The Mind” (1986).

Documento sonoro: 

Southside Johnny and the Asbury Jukes interpretando en directo "Without love" (1977) con su potente sección de metales y su grandioso R&B.   

Y aquí ya con un sonido más rock and roll y con Steve Becker a la batería tocando "All I Want Is Everything" en 1980.


Muere Don Davis, músico, compositor y productor de R&B

Don Davis 
Don  Davis nació en 1938 y falleció el 5 de junio de 2014 en Michigan. Empezó siendo guitarrista de sesión para la Motown donde tocó en varios éxitos como el "Money (That's What I Want)" de Barrett Strong y en el tema interpretado por Mary Wells' "Bye Bye Baby". Después se trasladó  a Memphis donde trabajó como productor para Stax. Ganador de un Grammy, fue también presidente del  First Independence Bank de Detroit.

Cuando era niño su madre le compró un piano . Nunca tomño una leción pero siempre tocó. En la escuela también aprendió saxofón y trompeta al mismo timepo que practicaba guitarra. Empezó trabajando con los sellos seminales de Detroit: Northern, Thelma, Golden World, Ric-Tic, Revilot y el suyo propio Groovesville. En 1966 fue uno de los guitarristas en la grabación del mítico "Cool Jerk" con los Capitols acompañado por otros Funk Brothers. También colaboró con los componentes de la banda Black Merda, por entonces músicos de sesión, en canciones como "I Will Fear No Evil" interpretada por Robert Ward en el año 1967.

Don Davis 
En 1968 fue contratado por Stax para convertirse en jefe de producción y se trasladó a Memphis. Ese año consiguió un gran éxito como compositor de la canción "Who's Making Love" que interpretó Johnnie Taylor. En 1971 compró United Sound, un estudio de grabación de 1933 en Detroit. En 1975 dirigió el sello Tortoise International, distribuido por la RCA. Grababa artistas como First Fire, The Rockets o los Skyliners.  En 1976 escribió y produjo otro de los éxitos de Taylor, “Disco Lady”.  Fue el primer disco certificado como platino, más de 200 mil copia, por la  Recording Industry Association of America.  Ese mismo año trabajó con Larry Santos para Casablanca records y en 1977, Davis produjo el tema interpretado por Billy Davis Jr. y Marilyn McCoo "You Don't Have to Be a Star (To Be in My Show)"

En 1997 entró a formar parte del Alabama Music Hall of Fame.  Durante 28 años fue presidente del First Independence Bank de  Detroit aunque no dejó la música y siguió colaborando con artistas de R&B como las Destiny Child  en su disco de 2004, "Destiny Fulfilled". Martha Reeves lamentó su pérdida y dijó de él que era un hombre con clase, gracia, aplomo. En 2009, Davis decía en una entrevista que: "la industria de la música me eligió a mi".  

Documentos sonoros: 

Don Davis toca la guitarra en este éxito de Barrett Strong, "Money (That's What I Want)".


Don Davis coescribió y produjo este hit de Johnnie Taylor, "Who's Making Love".



jueves, 5 de junio de 2014

Pow Pow Pows recrea a sus “Animales Fantásticos” con un disco que aúna imaginación y maestría

Portada del Cd 
En la vida de cualquiera melómano, las oportunidades de sorprenderse ante un disco son proporcionales a las ganas que se tengan de empatizar con las sucesivas novedades musicales que se cruzan en nuestro camino. En el caso del rock and roll esa complicidad, que surge de forma natural, es producto de una actitud no exenta de compromiso y solidaridad con aquellos con los que se comparte esa pasión irreductible. Aunque parezca un proceso sencillo,  no lo es en absoluto. Los sentidos perciben un riff que sustenta una melodía arropada por unos arreglos ingeniosos, acompañada de un ritmo contagioso, y nuestra mente se organiza para descifrar el mensaje. En esa conexión sensorial entran en juego múltiples factores, internos y externos, pero el más determinante de todos es el estado anímico en el que nos encontramos. No es magia, es un proceso comunicativo intenso en la que entra en juego nuestra capacidad de sensibilizarnos ante la belleza de discos como “Animales Fantásticos” que colman nuestras vidas mediante la imaginación y el talento de grupos como los magistrales Pow Pow Pows.  

Pow Pow Pows
Los Pow Pow Pows son una banda de reciente formación, aunque está creada por experimentados músicos procedentes de combos claves en la escena estatal de las  últimas décadas como son los míticos Electric Riders, Mermaid, Señor No, Silencio Absoluto o Bizardunak, entre otros. Bandas estelares con las que han protagonizado algunos de los mejores capítulos de rock and roll, la psicodelia, el pop y el folk de nuestra historia musical. Acaban de autoeditarse un álbum fabuloso con el nombre genérico de “Animales Fantásticos” en el que aúnan talento, experiencia y una imaginación sin parangón alguno. De este modo han dado vida a once antológicos temas, repletos de  preciosas armonías vocales entre momentos instrumentales gloriosos y arreglos monumentales, en los que hilvanan con enorme destreza referencias estilísticas procedentes principalmente del powerpop con tintes lisérgicos y a ritmo del mejor beat.

Trayectoria 

Pow Pow Pows. Foto: Xavier Lekunberri
La banda se crea en Pamplona en 2012 y está formada por Adolfo Alcocer (guitarra y voz), Chechu Brainloster, (bajo y voz), Xavi Garre (guitarra y voz), y Aitor Omenal (batería y voz).  Adolfo Alcocer fue fundador, compositor y guitarrista de los Electric Riders, mítica banda psicodélica española formada en 1999 y activa durante 11 años en los que sacaron cuatro discos: “Get You Experience”; “Messengers”, “Music for a Family Gathering” y “The Trial”. Alcocer también formó parte de los Royal Canal durante dos años en los que también grabó otro disco además de ser el bajista y guitarrista de Bizardunak en los últimos dos años con otro álbum grabado. Chechu Brainloster fundó los Mermaid con los que grabó de 1997 a 2003 tres discos, un single y un 10”. Más tarde formó parte de Basque Country Pharaons con los que sacó un 10” y de los Green Manalishi con los que también editó un par de trabajos discográficos. En todas esas formaciones fue el principal autor de los temas. Su siguiente proyecto fue en los mencionados Bizardunak con los que editó un par de álbumes más un single, y finalmente estuvo en Cantina Bizarro, combo con  el que grabó otro disco. Xabi Garre empezó en La Perrera en 1988 y sacó un par de discos más un single. Siguió tocando con Señor No con los que publicó cinco discos y ocho singles, y en Las Brujas. También colaboró, en un disco y un single, con Roy Loney de los Flaming Groovies así como con Xabi Ta Petti. Aitor Omenal empezó en 1997 con  Afilando Machete con los que creó un disco. Tres años después entró en los Silencio Absoluto y en seis años grabó un par de discos. Formó parte de los Exhale con dos discos y Sorkun con tres álbumes más. Finalmente formó parte de los Vice Presidentes con los que dio vida a  tres álbumes.

“Animales Fantásticos” se grabó ente junio de 2013 y febrero de 2014 en Montreal Studios y Estudios K por Hans Kruger y Alberto Porres. En los Estudios K y en los Estudios Idemm se mezcló por José López Gil quien también se encargó de masterizarlos en Sound Experience Studios. Colaboran en la grabación José Fco. Moreno Silva tocando el Mellotron, secuenciador y Farfisa en varias canciones; Iñigo Ortiz de Zárate, aporta Rhodes, Farfisa y Hammond; y Juan Carlos Palazón del Amo, toca el teclado Arp Solina en un tema. Del sonido en directo se encarga Julio Perutxena, y los temas, con sus arreglos y armonías vocales, son originales de la banda. La portada, con los retratos de los componentes, es original de Bukene García; la maquetación de Patxi Antón y la fotografía de Xavier Lekunberri.

Las canciones 

Pow Pow Pows. Foto: Xavier Lekunberri
El disco empieza con “Villanos”, tema brillante con arpegios de west coast en el que sobresalen esos “gigantes que viven y bailan en la oscuridad” a ritmo marcial de powerpop con aires sixties. Destacan los primeros detalles de psicodelia que presagian ya una excelente visión onírica y existencialista de la vida con ácidos solos de guitarra y momentos de Mellotron, entre maravillosos juegos vocales que van a acompañarte durante todo el disco. Le sigue “Anna’s Suicide”, con sus sensacionales detalles de country psicodélico. Un tema cantando en inglés con arreglos minuciosos, riffs espaciosos e intensidades rítmicas fabulosas. Contiene una parte instrumental central en la que destacan motivos lisérgicos procurados con acústicas, eléctricas, Mellotron, y espectaculares efectos atmosféricos.

A continuación nos ofrecen otro magnífico tema titulado  “Dios Monocolor” con, de nuevo, esos exquisitos recursos vocales entremezclados con guitarras envolventes y arropadas por un incisivo Farfisa de auténtico lujo. Pop estratosférico sustentado por recursos propios que les permiten volar mediante una ligereza conceptual que se crece por momentos y que descarga sobre solos eléctricos de enorme poderío. A destacar también esos toques de bajo tan sensuales, y esas secuencias rítmicas perfectas. Con “Fin de semana” nos presentan un curioso como emocionante juego, casi un homenaje, a uno de los riffs más conocidos de los “bravos” sesenta españoles con el que perfilan  un tema propio que adquiere una dimensión original al margen ya del indiscutible referente. Una canción que respira powerpop auténtico y que actualiza los preceptos sixties para adecuarlos a su propio universo multicolor y multifuncional. Como ya es preceptivo en ellos, no está exento de detalles psicodélicos intransferibles que forman torbellinos de notas con una facilidad pasmosa.

Pow Pow Pows en el Helldorado
“Fotogramas”, título del siguiente corte, contiene un arranque inicial enérgico gracias a unas guitarras que dominan el espacio sonoro con su rasgueo hiriente. En esta canción, ese “niño que un día fui” resurge entre espacios ácidos y detalles progresivos a base de secuenciador. “Francisco de Goya (El Corral de los Locos)”, su siguiente canción, aporta un pausado como inquietante comienzo de bajo y batería, más teclados, a los que se suma un soberbio solo de  eléctrica antes de la entrada de las voces que me recuerdan a la, siempre añorada como mítica, banda de Los Pasos. Un tema genial en el que se entremezclan varias líneas sonoras argumentales para dar forma a uno de los momentos álgidos de este flamante disco entre bellos movimientos de guitarra que resuena con absoluta ingravidez hasta descansar en paz entre unos toques finales como esplendorosos de órgano. Los Pow Pow Pows siguen recreando sus múltiples fantasías con esa “Muerte el Asesino”, canción con guitarras, bajo y batería aunados en una grandiosa como meticulosa conjunción tanto melódica y rítmica. Directos y sin parsimonias, logran articular, una vez más, una canción penetrante en la que destacan no solo las formas melódicas genéricas sino también los detalles instrumentales propios aque se completan con efectos de cuerda, entre coros apasionados con los que logran tejen momentos francamente inolvidables.    

Pow Pow Pows en el Helldorado
“Páralo” es un extraordinario tema de powerpop con un leve deje de rock americano. Su concepción es vitalista, entre piruetas de guitarras, “parando el tiempo” y sorprendiéndonos con detalles de R&B de “mi generación”, y entradas “progresivas” que rompen los esquemas preestablecidos para redimensionar el tema a su libre albedrío. Con “Separate Worlds”, siguiente corte, nos ofrecen un rápido recorrido instrumental de bajo, guitarra y batería, con instructivo diálogo a varias voces. Un tema que adapta la “byrdmania” a su propio lenguaje genético con una amalgama de recursos procurados por todos y cada uno de los instrumentos sin excepción alguna. En “La Tierra Olvidada” penúltimo momento musical del disco, la banda se muestra especialmente inspirada “proyectando sonidos con la mente” alcanzando unas cotas inimaginables. Un tema de peso que interrumpe su peculiar concepción poderosa con un breve momento más propio del country folk  al que le sigue una sensacional demostración, sin medias tintas que valgan, de cómo una banda metamorfosea sus argumentos compositivos con  desarrollos psicodélicos sin perder por ello el valor melódico esencial.

Cierra el disco la culminante “Sculptures”. Una demostración magistral de popsike argumentado con propuestas de ensueño aportadas por guitarras gloriosas, oscuras voces tratadas, percusión de orfebrería y golpes sonoros de efecto con los que esculpen otra memorable recreación sobre un motivo principal que deriva hacia un final apoteósico, a ritmo de funk lisérgico, que pone los pelos de punta.

Reflexión final 

Los Pow Pow Pows sonriendo al futuro
“Animales Fantásticos” es un inolvidable compendio de canciones sublimes ideadas por unos músicos  magistrales. Sin lugar a dudas, se trata de una banda que no solo atesora experiencia contrastada, sino que además es muy capaz de dar forma a ideas nuevas con una enorme convicción y una imaginación desbordante. A veces nos preguntamos si es posible la evolución de los sonidos sixties, su adaptación a los tiempos presentes; esa necesaria reinvención para, al menos, evitar repetirse sin sentido. Nunca he dudado de que ese proceso evolutivo sea factible, y lo he apoyado con entusiasmo para contradecir a aquellos que, desde la ignorancia,  se empeñan en considerarlo erróneamente como “revival”. Discos como este hacen que uno se sienta muy orgulloso de nuestra escena y, a su vez, tremendamente agradecido por trabajos así de emocionantes y, a su vez, tan enriquecedores. Para resumirlo en una sola frase: los Pow Pow Pows han conseguido satisfacer todos mis sentidos con uno de los mejores discos que he oído en mucho tiempo, y os puedo asegurar que, pese a todo lo expuesto en esta reseña, me faltan palabras para describir, con exactitud, todo su enorme esplendor.

Nota: Se pueden escuchar algunos temas en el bandcamp y conseguir una copia del Cd, formato Digifile, por 10 euros más gastos de envío dirigiéndote al email: newrising10@gmail.com

Fallece Ralph Pruitt, componente de los Fantastic Four

Ralph Pruitt fallecía el 3 de junio de 2014 a los 74 años. Formó parte de The Fantastic Four, también conocidos como Sweet James and The Fantastic Four, banda de R&B y soul de Detroit formada en 1965 por "Sweet" James Epps, más los hermanos Ralph y Joseph Pruitt, y Wallace "Toby" Childs. Childs y Ralph Pruitt fueron reemplazados por Cleveland Horne y Ernest Newsome.

Su primer single para Ric-Tic contenía el tema "The Whole World Is a Stage" y fue su único gran éxito llegando al número 6 de las listas de R&B en 1967. Después sacaron otros singles con los temas "You Gave Me Something (And Everything's Alright)," y "I Love You Madly". Antes de que terminara la década, la Motown compraría Ric-Tic con los que habían conseguido más éxito que Edwin Starr. Tamla Morown sacaría un Lp con sus mejores temas en 1969. Se reeditaría en los noventa pero el vinilo original es una codiciada pieza de coleccionista.

The Fantastic Four
En la era disco, a mediados de los setenta, volvieron a tener una moderada repercusión con discos editados por Westbound con temas como  "Alvin Stone (The Birth & Death of a Gangster)" y "I Got to Have Your Love". El prestigioso músico Dennis Coffey les produjo el disco "B.Y.O.F. (Bring Your Own Funk)" en 1979, pero apenas consiguieron éxito aunque se colaron en las listas inglesas en 1979. Wallace "Toby" Childs fallecía en septiembre de ese año.  

The Fantatic Four

En 1992 el sello ingles Motorcity les editó un álbum titulado “Back in Circulation” en el que estaba otro de sus mejores temas, "Working on a Building of Love". Supuso la vuelta de la banda aunque el 13 de abril de 2000 falleció uno de sus componentes, Cleveland Horne, de un ataque al corazón. Ese mismo año, el 11 de septiembre de 2000, moría también de un paro cardiaco su principal vocalista, "Sweet James" Epps, con lo que decidieron retirarse. Años más tarde volverían con el nombre de The New Fantastic Four. Joseph Pruitt fallecía en noviembre de 2008 y en 2013, Ralph volvería cantar con ellos en un concierto.  


Documento sonoro: 

"The Whole World Is a Stage" uno de sus más grandes éxitos, de 1967. 

  
"Ain't No Soul Left In These Old Shoes" tema incluido en el disco de 1992 "Back to Circulation".  


miércoles, 4 de junio de 2014

Muere Weldon Myrick, uno de los mejores intérpretes de “steel guitar”

Weldon Myrick
Weldon Myrick nació en Jayton (Texas) el 10 de abril de 1939 y falleció el 2 de junio de 2014 tras sufrir un derrame cerebral. Fue un prestigioso músico de steel guitar, considerado como uno de los más grandes e influyentes, que también cantaba y tocaba el teclado así como el dobro. destaca tanto por su discografía a su nombre como por colaboraciones estelares con grandes del country como Chet Atkins, Willie Nelson, o del rock and roll como Elvis Presley, Roy Orbison o Wanda Jackson, entre muchos otros. Su trayectoria musical abarcaría más de medio siglo y forma parte del salón de la fama tanto del Country así como del de los instrumentistas de steel guitar.

Myrick comenzó a tocar la Steel guitar a los ocho años después de que su hermano mayor, Tex, se uniera a la Fuerza Aérea y le dejara su instrumento.  Cuando tenía trece años, Myrick compró su propia steel guitar Rickenbacker y se unió al grupo Henley Diggs and the Double Mountain Boys con el que tocó regularmente en la radio de Stanford, Texas. En esa época tocó con músicos como Ferlin Husky, Minnie Pearl y Jim Reeves.

Weldon Myrick
En 1956, Myrick se trasladó a Big Spring, Texas, donde comenzó grabar con el compositor y productor Ben Hall. No le pagaban bien y tuvo que buscarse un trabajo en la policía local donde estuvo durante tres años.  De 1963 a 1965 formó parte de la Bill Anderson's Po' Folks Band. Auspiciado por el productor Bob Ferguson, en 1964 tuvo su primera sesión de grabación con Connie Smith y el tema “Once a day” (escrita por Anderson).  A partir de entonces se convirtió en reputado músico de estudio con un estilo propio que le distanciaba de los intérpretes de steel guitar más comerciales.  Se convirtió en uno de los mejores músicos de estudio de Nashville y durante más de tres décadas fue muy solicitado por múltiples músicos como Chet Atkins, Willie Nelson, los Statler Brothers y Tanya Tucker, así como Elvis Presley, Roy Orbison,  Wanda Jackson, Kris Kristofferson, Delbert McClinton, las Pointer Sisters, Paul Siebel  o Cat Stevens.

En 1966 se unió al también steel guitarrista Hal Rugg para actuar en el Grand Ole Opry y durante los siguientes treinta y dos  fue miembro de la banda del mencionado y prestigioso programa de radio de música country hasta 1998. Myrick también grabaría varios discos en solitario como “Pedalman” (1979); “Grand Ole Steel & Guitar (Jimmy Capps / Weldon Myrick)” (1990); “Texas to Tennessee” (2001) y “The Other Side of Me” (2007). Entró a formar parte del Steel Guitar Hall of Fame en 1997 y en el del Country Music Hall of Fame en 2009.

Documento sonoro: 

Connie Smith interpretando con Weldon Myrick "Once a day" en 2008. 


Y los mismos protagonistas unos cuantos años antes, en 1966, con otra canción llamada "The Hurtin's all over".