Fallece Bill Doss de los Olivia Tremor Control

Bill Doss nació en 1968 y murió el 31 de julio de 2012 por causas que se desconocen.  Formó parte de la banda de pop psicodélico creada en los noventa con el nombre de The Olivia Tremor Control y fue cofundador en Denver (Colorado) en 1991 de la Elephant 6 Recording Company con Robert Schneider (The Apples in Stereo), Will Cullen Hart (The Olivia Tremor Control), y Jeff Mangumde (Neutral Milk Hotel). También fue responsable de un proyecto en solitario llamado The Sunshine Fix. Hace muy poco había actuado en el Pitchfork festival, en Chicago, con los Olivia Tremor Control.

The Olivia Tremor Control se formó en el año 1992 en Ruston (Lousiana) con músicos del grupo Synthetic Flying Machine como Jeff Mangum, baterista, guitarra, voces, el difunto Bill Doss, buitarra, trompeta, percusión, vioces,  y Will Cullen Hart, guitarra, voces.  En 1995 se incorporaron Eric harris, baterista, theremin, guitarra; John Fernandes, bajo, violín, saxo, clarinete; en 1996, Peter Erchick, teclados, bajo, voces; y en 2010, Derek Almstead, baterista, guitarra, bajo.

Durante estos años editaron unos cuantos álbumes a medio camino entre el pop, la psicodelia y la música experimental como “Music from the Unrealized Film Script, Dusk at Cubist Castle (Flydaddy 1996); “Explanation II: Instrumental Themes and Dream Sequences” (Flydadd 1996); “The Late Music Volume One (Camera Obscura record label 1997) y “Black Foliage: Animation Music Volume One· (Flydaddy 1999).

 

En 2011 sacaron nuevos temas que trabajaban desde 2008 como “The Game You Play Is In Your Head, parts 1, 2 & 3”, anticipo para un nuevo disco que tenía previsto ver la luz en 2012.

Con el nombre de Sunshine Fix, Bill Doss grabó varios discos como “A Spiraling World of Pop” (en cassette) (1993), Age of the Sun (2002) y Green Imagination (2004). También participó de otro proyecto llamado Chocolate USA con un disco de 1994 titulado “Smoke machine”.  

Muere el fundador de los Shakers, Osvaldo Fattoruso

Osvaldo Fattoruso nació el 12 de mayo de 1948 en Montevideo y murió el 29 de julio de 2012, fue miembro fundador del popular grupo uruguayo afincado en Argentina, los Shakers. Su carrera musical como percusionista empezó a los ocho años en el trío de su padre, Antonio. Se llamaba el Trío Fattoruso, y en él tocó también su hermano Hugo, hasta el año 1958. De nuevo con su hermano entró en 1961 a formar parte de una banda de dixie llamada The Hot Blowers hasta 1963. Con esa banda de jazz tradicional grabó algunos discos y fueron conocidos en la época. Mas tarde formaría en el año 1964 los Shakers, genial banda de beat, hasta el año 1968. Los Shakers estuvieron formados por él a la guitarra rítmica y su hermano Hugo, a los teclados y guitarra solista, ambos cantando,  Roberto “Pelín” Capobianco al bajo y  Carlos “Caio” Villa a la batería.

El primer tema que registraron fue "My Bonnie", el tema que interpretó Tony Sheridan con los Beat Brothers después conocidos como los Beatles. Influenciados por los Fab Four, tanto musical como estéticamente, empezaron a ser conocidos en Montevideo y la EMI se los llevó a Argentina para grabar  su primer sencillo en su filial Odeon con el tema “Rompan Todo" ("Break It All"). Siguieron con un versión de Del Shannon, con el tema "Keep Searching" hasta que apareció el primer álbum con su nombre a mediados de 1965 con casi todos los temas, menos uno, originales de los hermanos Fattoruso, como por ejemplo los geniales "Don't Aske Me Love", "Everybody Shake" o "Give Me".  A principios del año 1966 la discográfica o Audio Fidelity de Nueva York publicó en los Estados Unidos el Lp “Break it All”, con temas regrabados de su primer disco y otros como "Don't Disturb" pero ese disco no obtuvo el éxito deseado y a los Shakers parece que les dio un poco de respeto actuar por los USA sin el convencimiento de que dominasen bien el inglés.  A finales de ese año tras algunas versiones de los Beatles, apareció se segundo disco para Odeon, “Shakers For You” con toques de ritmos latinos en temas como “Waiting” y otras genialidades como .  "Let Me Tell You", "Do Not Disturb", "Smile Again" o "I Hope You'll Like It".  

En esa época rodaron un par de películas al estilo beatle al mismo tiempo que experimentaban con los ritmos latinos. En el año 1968 aparece su tercer y último Lp: “La Conferencia Secreta del Toto's Bar” donde se pone de manifiesto la influencia del Sgt. Peppers con canciones como "BBB Band", "On A Tuesday I Watch Channel 36" o "Higher Than A Tower".

Tras los Shakers, los hermanos Fattoruso publicaron un álbum en 1969 con el título de “La Bossa Nova de Hugo y Osvaldo” con influencias brasileñas. Pelín y Caio decidiron seguir con el nombre de los Shakers y publicaron “In The Studio Again” en el año 1971. Pronto desistieron como lo harían en los ochenta Hugo y Osvaldo al intentar resucitar el proyecto con el nombre de los "Otros Shakers".  

Tras los Shakers, Osvaldo creó en 1969 en los Estados Unidos el grupo Opa de nuevo con su hermano Hugo y Ringo Thielmann. En esa banda fusionaron los ritmos latinos como el candombe con el rock y el jazz. Osvaldo volvería a la tocar la batería. En los ochenta regresaría a Uruguay y más tarde se establecería en Buenos Aires donde trabajó con los mejores músicos argentinos como Litto Nebbia o Luis Alberto Spinetta, entre muchos otros. En los noventa colaboraría con la cantante uruguaya Mariana Ingold con la que sacaría numerosos discos, y en la década de los dos mil, los dos hermanos Hugo y Osvaldo, recuperarían el Trio Fattoruso con el hijo del primero, Francisco como baterista. En el año 2005 los Shakers sacaron otro álbum llamado “Bonus tracks”, en los estudios Circo Beat de Buenos Aires con doce composiciones en castellano y una versión del famoso “Break it All”.   

Fallece Chris Langeland de Thee Vicars

Chris Langeland

Ha fallecido el guitarrista, cantante y compositor de los Vicars, Chris Langeland. Según algunas fuentes consultadas su cadáver fue encontrado la noche del miércoles 25 de julio de 2012 y no han sido reveladas oficialmente las tristes circunstancias de su muerte.

Thee Vicars son una banda británica de “garage” beat y R&B formada en Bury St. Edmonds (Suffolk. UK) en 2007 por un cuarteto de chavales de 15 a17 años: al bajo y voz, Mike Whittaker; a la batería Jasper Kemp, y a las guitarras, Marcus Volkert y Ruben Kemp. Se estrenaron con un álbum de “garage punk” en 2008 con Dirty Water recrods y titulado “Back on the Streets”. 

En su segundo álbum “Psychotic Beat” (Dirty Water 2009) ya se decantaron por sonidos más pop sixties.Entraron a formar parte de la banda Chris Langeland y el baterista Will Patenden. Actualmente eran un trío integrado por el difunto Chris Langeland más Mike Whittaker al bajo y voz, y Alex De Renzi a la batería. Este 2012 grabaron su tercer Lp llamado “I Wanna Be Your Vicar”, con Dirty Water, con doce excelentes canciones de R&B, beat y “garage”.

La discográfica Dirty Water confirmaba su fallecimiento la tarde del 28 de julio de 2012 con el siguienten mensaje: "It is with great regret and sadness that we learned of the death of our friend, the guitarist in Thee Vicars, Chris Langeland. We at Dirty Water are devastated by his death. Chris was as kind and good a person as anyone we've ever met, as well as being a brilliant young artist. He was highly regarded and much loved by many people including his family, his many friends and by fans of the band. It was an honour and a privilege to have known and worked with Chris, and we already miss him terribly".

Muere Darryl Cotton de los australianos Zoot

Darryl Cotton nació el 4 de septiembre de 1949 y murió el 27 de julio de 2012. Fue un conocido cantante australiano de pop, actor y presentador de televisión. Formó parte de los Zoot, grupo mod que fue evolucionando hacía el pop "bubblegum" y más tarde al hard rock, creado en Adelaide (Australia) en 1965 con el nombre de Dwon The Line. En 1967 cambiaron por el de Zoot y en 1968 se instalaron en Melbourne antes de su disolución en 1971.

John D'Arcy, guitarra y voz, y Gerard Bertlekamp más conocido como Beeb Birtles, en un principio a la guitarra, se unieron mientras estaban en la escuela secundaria con el baterista Ted Higgins y un bajista. Corría el año 1964. Birtles se cambió al bajo y añadieron a Darryl que había sido el vocalista de la banda rival local, los Mermen. Al año siguiente ya tenían montados los Dowen The Line, nombre con el que interpretaban versiones de los Hollies y Roy Orbison. Al poco se les unió a la guitarra rítmica, Gordon Rawson. Su repertorio se basó en versiones de los Move, The Who y los Small Faces presentándose en los clubs de la zona como un grupo mod. Su single de debut en 1967 contaba con el tema "Sadie (The Cleaning Lady)"  y en la cara B, "In My Room", escrito por el cantante Johnny Farnham. Fue entonces cuando cambiaron al nombre de Zoot.

A principios de 1968 D'Arcy fue sustituido a la guitarra por Steve Stone. D’Arcy entró a formar más tarde de los Allison Gros and Drummond, después conocidos como Mississippi y más tarde los Little River Band. Se trasladaron a Melbourne para triunfar en el mercado discográfico pero pese a ser una de las bandas más populares de la época, los críticos les tacharon como banda de “teenybopper” o “Light bubblegum”, algo así como fácil y sin consistencia apta solo para los teenagers a raíz de una campaña de promoción de su siguiente single en la que los músicos estaban vestidos completamente de rosa. Zoot firmó con Columbia Records/EMI  y grabaron un single con el tema  "You'd Better Get Goin' Now", una versión de Jackie Lomax. Su siguiente sencillo con el tema "1 × 2 × 3 × 4", salió en diciembre de ese año y se incluyó en el Ep de 1969, titulado “4 Shades of Pink”. Rick Brewer entró a la batería y Roger Hicks fue substituido más tarde por Rick Springfield. Siguieron otros singles pero también proliferaron numerosas burlas homofóbicas en los medios de comunicación hasta que en los setenta en un programa de televisión le prendieron fuego a los trajes de color rosa y hasta sacaron una canción para reírse de si mismos y de sus trajes con el título de “Hey Pinky”. A principios de los setenta sacaron un álbum llamado “Just Zoot” y una versión del  “Eleanor Rigby” de los Beatles que en 1971 se convirtió en su canción más popular. Su siguiente single  "The Freak" / "Evil Child", ya tenía más toques de hard rock. RCA quiso llevarles a los Estados Unidos para grabar pero tuvieron problemas con los permisos de trabajo. Finalmente se separaron sin poder distanciarse de la imagen de grupo “rosa” pese a sus esfuerzos por tocar hard rock. 

Después de Zoot, Springfield empezó una carrera en solitario y triunfó a partir de 1972 en los Estados Unidos. Birtles y Darryl formaron un grupo llamado Frieze patrocinados por una empresa de ropa y finalmente Birtles se unió a los Mississippi que se convirtieron en los Little River Band en 1975 y Darryl creo los Cotton Keays & Morris antes de entrar en el mundo de la ópera y la televisión . Brewer estuvo en multitud de bandas entre los que destacan los Ferrets en 1976. La banda volvió a unirse en 2011. 


Vídeo de la televisiòn con el tema  "You'd Better Get Goin' Now", una versión de Jackie Lomax.  

 

Su original versión del "Eleanor Rigby" de los Beatles, de 1970.

La monobanda Tumba Swing, arte y emociones desbordantes con “Solo y Mal Acompañado”

Portada del disco

Tumba Swing es el nombre de la monobanda trash blues con la que el polifacético Don Rogelio J., conocido músico y dibujante valenciano, da rienda a sus dotes artísticas en solitario mediante excelentes canciones con detalles de oscuro rock and roll ancestral, y primitivo rockabilly sensual. Con una guitarra omnipresente, voz desgarrada, y percusión en los pies nos ofrece un nuevo trabajo titulado “Solo y Mal Acompañado”, editado por Discos Calamidad y distribuido por Disundead Records. Mediante 15 canciones, que van de un minuto escaso a poco más de tres, y tan solo una versión, logra convertirnos en testigos de excepción de un microuniverso a veces trágico, otras radiante, en ocasiones desolador pero siempre envolvente y misterioso.

Tumba Swing empezó siendo una revista de ilustración e historieta editada por Willy a muerte Ediciones. Su responsable, Don Rogelio también es factótum de otros proyectos, a cuál más interesante, en la prestigiosa escena valenciana de rock and roll y punk como son los grupos llamados Tracahombres, Aullido Atómico, o anteriormente Desguace, entre otros. Diseña tatuajes e incluso ha participado en proyectos de guitarras con los luthiers de Nz Custom. Con esta monobanda, tiene editado en 2011 un mini álbum con seis temas en los que la slide chatarra y el blues trahs más rabioso se dan la mano para ofrecernos un producto original, vibrante y enigmático como pocos. Las canciones incluidas en ese disco son ‘Tanatory Party’, ‘El Insomnio’, ‘La Oreja para el Toro’, ‘La Parada de Jesús’, ‘Oh mama, bablabli!’ y ‘Aquí no!’. 

Dos de estos temas aparecen también en este nuevo álbum aunque con arreglos diferentes, y son “Tanatory Party” más “Aquí no”. El resto, hasta las quince canciones que forman parte de este álbum son temas originales de Don Rogelio menos una versión del "Tuti frutti" de Little Richard. El disco fue grabado y mezclado en el Sótano de Dani Cardona (Valencia) el 28 de marzo de 2012. Fue masterizado por Vicente Mezquita en Millenia y Don Rogelio se encarga del artwork con todo un lujo de personajes, escenas, detalles figurativos,  y composiciones visuales propias de su estilo inconfundible. Pero eso no es todo, se añade al disco un libreto con 15 páginas, una por canción, con el trabajo pictórico de la élite actual de dibujantes valencianos que ilustran los temas del álbum. Nada menos que podemos dsifrutar de escenas y trazos geniales de la mano de prestigiosos artistas como Mik Baro y Rotor; D. Rogelio J. y María Pedro; Viktor Dunkel y Sento; Saoia y Luis Demano; Galbis y Laura Höldein; Ricardo Cavolo y Dani Cardona; Raquel Aparicio y Gema Germen; más Martin.

“El Blues de la Buena Muerte” es el título del tema que abre el disco con ese sonido añejo de slide guitar acompañado por un ritmo arrastrado y desértico que desemboca en un punteo misterioso que nos acompaña por una carretera larguísima en mitad de la nada. Allí nos sorprenderá por vez primera una voz desgarradora que mutará en algunos temas. Le sigue la “La Soledad del Niño Vampiro”, un buen rockabilly oscuro que atrapa por su eterna crudeza instrumental. A continuación, “Oh Marilin”, es casi una canción de amor, más melodiosa, no exenta de ese toque ácido que nos transmite su historia. A destacar la guitarra solemne del tema, “La Suit en llamas”, moviéndose entre golpes de percusión con el objetivo de crear un ambiente siniestro acompañado por esas lamentaciones de los coros. “El Tren Rojo” es otro tema de rockabilly ancestral que, si se nos antoja, podría retrotraernos a la escena que en los ochenta se creó aquí con los legendarios Desechables como uno de sus principales exponentes. “Mala Suerte (las hay peores)” sigue en esa estela enérgica y penetrante propia del estilo a tumba abierta de esta monobanda capaz de conseguir con pocos recursos, emociones desbordantes. “Irse de aquí” es otro de los temas más carismáticos del disco con esa guitarra más folk con raíces americanas, que va rodando hasta encarrilarse en un buen rock and roll con una melodía pasional y con la emigración económica a consecuencia de la crisis como principal componente temático.

“Tanatory Party” abre la cara B del disco y es una canción que recupera a esa Tumba Swing más desenfrenada, cruda, con juegos de guitarra aparentemente sencillos pero infinitamente atractivos así como entradas contundentes de batería igualmente efectivas desde su minimalismo visceral. Como hemos apuntado al principio, este tema ya aparecía en su anterior disco aunque cabe destacar que se trata de un arreglo diferente mucho más trabajado y completo. En “Algo va mal”, siguiente canción, la tradición del rock and roll reposa con guitarras entre susurros y ese aire trágico que nos advierte, precisamente, que algo va mal en nuestro presente. “La cruz del violador” despliega esos recursos guitarreros peculiares que se desplazan como serpientes venenosas al acecho de la presa, y con los que consigue crear un clímax de desenfreno hipnótico.  Con “Ey Tumba Swing” vuelve a situarnos en su faceta más oscura y profunda, tan siniestra como apabullante. “Aquí no!!!” es una canción que incluye detalles country y silbidos vaqueros procedentes del enigmático sur, y que sirven para definir un precioso concepto melódico que perfila el tema genérico alrededor de la muerte y la felicidad. Se trata de otro arreglo diferente al mismo tema ya publicado en su anterior trabajo, que si bien antes era más triste y lento, ahora se convierte en mucho más pasional y rápido. “El Barrio del Valadre”  es una canción peculiar en la que se incorpora un banjo siniestro y esas voces trágicas que engrandecen la dimensión sonora del corte. “Tuti frutti” es una alocada versión del conocido tema de Little Richard con una letra en la que no se escatima una considerable vehemencia sexual.

El disco finaliza con una extraña pero fascinante interpretación, ubicada en un posible directo, llamada “Rabat”, que bien podría ser tomada como un posible himno a modo de solemne final para  cerrar este impresionante disco. Se trata de un recorrido musical curioso que incluso puede que nos recuerda a un Tom Waits, en su momentos más underground, acompañado por una marcha de moros y cristianos acorralados por coches de policía.

Sin lugar a dudas, hay tantos detalles de cualidad en este disco que podríamos escribir páginas y páginas con cada nueva escucha, así que os proponemos la necesidad de escucharlo en vuestra casa solos y mal acompañados, según os plazca,  mientras vuestros sentidos se van deleitándose con un desparrame de creatividad visual y sonora gentileza de esta convincente Tumba Swing. 

Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp.

Los Granadians rozan la perfección universal con Reggaláctico, cuarto álbum, editado con Liquidator

Los Granadians del Espacio Exterior acaban de editar un nuevo álbum titulado“Reggaláctico” con la etiqueta Reggae Sideral, subsello que recoge sus propias producciones dentro de la compañía discográfica Liquidator. Tal y como dicen ellos mismos en el recitado final que cierra este disco: Te guste o no lo que hacen, son únicos en adaptar esos tradicionales ritmos jamaiquinos del reggae y el rocksteady al modo beat de los años sesenta con dosis de R&B, y cantando en castellano. Se trata de su cuarto álbum, la undécima entrega discográfica, que confirma la faceta estelar de este gran grupo más allá de lo humanamente previsible. Siguen echando mano de unos esquemas rítmicos que para los neófitos pueden parecer muy poco flexibles, pero lo cierto es que con cada nueva entrega, nos ofrecen una muestra más de un estilo único e inimitable.

El disco, editado en vinilo con Cd de regalo, contiene 10 canciones emocionantes, ideales para el baile, la reflexión amorosa, el misterio, o el goce auditivo de cualquier persona sensible a dejarse llevar y sorprender por un trabajo sonoro fascinante e hipnótico. Fue grabado en Soultoasting Studio en 2012 por los seis Granadians: Glambo, al bajo; Zortom, piano y órgano; Vintage Paul, batería; The Great Sebastian, saxofón; más Peter “Boogie” Parker y Doctor tema, a las guitarras. Cantado con varias voces, han contado con la colaboración de Kid Martin a la trompeta. El disco fue producido por el grupo y Oscar Martos, masterizado por Mike Mariconda y está dedicado a la memoria de Desmond Dekker ( nacido el 16 de julio de 1941 en Kingston, Jamaica, y fallecido el 25 de mayo de 2006 en Londres, Inglaterra.

Destaca ya por su portada con una espectacular foto en color del grupo, incluida una de similar en otro escenario desértico en el encarte en blanco y negro, con los músicos ataviados con trajes originales que harán las delicias de los amantes de los diseños sixties. Incluye también los peculiares “backflaps” que son esas pestañas exteriores en la contraportada, características de esos LP’s de los sesenta. También podrás disfrutar de una extraña historia que acrecenta el misterio que envuelve a esta seminal banda, donde se relacionan de una manera tan creíble como divertida, al mago Zortom con el malagueño Bernardo de Gálvez, virrey de Nueva España a finales del siglo XVIII, más un portal interdimensional; incluido el heroico comportamiento de Teddy “Dos dedos” García salvando a sus amigos Granadians; más la circunstancia, ya prevista en las escrituras, que la banda sean seis como seis son las palabras de reggae así como seis fueron los Niños Héroes de la Dimensión-G.

Se abre el disco con “Problemas”, del que han confeccionado un espectacular videoclip con mucho colorido, donde ya marcan algunos de los esquemas rítmicos que nos acompañarán durante todo el álbum. Destaca la presencia del órgano y juegos instrumentales tan variados como sugerentes. Curioso resulta también esa dicción en la frase “tú traes…tú traes…” que engancha en ese juego vocal tan propio de los sonidos jamaiquinos. Le sigue “Escucha tu Corazón” otro tema donde el amor y el desamor vuelven a ser el principal motivo temático con frases como: “no hagas caso de los demás, ven conmigo baby, ya verás, yo no soy tan malo, cuidaré de ti…”. A destacar ese toque de trompeta que engrandece el tema. A continuación nos ofrecen “Qué voy a hacer”, un reggae en todo su esplendor con solo de saxo esplendoroso y versos de amor y resignación: “quiero tenerte junto a mí, pero no puedo cambiar, qué voy a hacer, me dices que ya no puedes más… solo me queda llorar”. El siguiente corte llamado “Ultimo amor” nos devuelve esa alegría amorosa mediante todo un hit del verano repleto de esperanza: “estamos juntos, baby y el mundo es nuestro”. Acaba la cara A con un instrumental titulado “El Gallo negro” con despliegue de recursos instrumentales convincentes, ingeniosos y muy sensuales.

La Cara B se inicia con el tema “Dímelo” con ese conseguido falsete, toques latinos y soul, con el que el protagonista inquiere a la amada: “ahora todo marcha bien, y es fácil amar, pero si yo caigo, ¿me vendrás a levantar?”. Le sigue “R.E.G.G.A.E”, todo un magnífico himno al estilo: “sabes lo que quiero escuchar...reggae todo el tiempo...los chicos bailan con las chicas, ya nunca les podrán parar...”. Con un irresistible ritmo arrastrado jamaicano nos ofrecen un “Es peligroso” para avisarnos sobre la línea que no se debe cruzar. La siguiente canción instrumental, llamada “Fragmentos de otros mundos”, nos acerca todo su macrouniverso sonoro “para los jóvenes de la Tierra” y cierran el disco con un memorable “Los Chicos de Oro” en el que recitan una serie de postulados y principios fundamentales para el rocksteady y el reggae a nivel internacional, sin desperdicio alguno. Entre ellos: la frase que abre esta reseña sobre su inconfundible estilo; advertencias para aquellos que sacan la lengua a pasear, para que la vuelvan a enfundar donde la espalda pierde su nombre; o como dijo el sumo sacerdote Laurel Aitken, "si quieres leche, bebe leche.. pero deja en paz a la vaca”.

 Sin lugar a dudas, este nuevo álbum de los Granadians les eleva más allá de lo previsible en el altar de los devotos seguidores de los ritmos jamaicanos, con ese dominio indiscutible del reggase, el rocksteady, más esas imprescindibles pinceladas de soul y beat. Es una verdadera gozada escucharlo una y otra vez, empaparse de ritmo, y gozar de la melodía, tanto para enamorarse como desamorarse con sus letras ingeniosos y mediante esos juegos bien sea instrumentales como vocales. Una vez más, como dicen en el tema que cierra este imprescindible disco: “Tony Face es nuestro hombre, Liquidator nuestro sello.. todos juntos vamos a degüello”.

 "Por mucho que pasen los años..." 

 Los Granadians del Espacio Exterior empezaron con la pasada década entusiasmados por la música reggae jamaicana de la época 1968 a 1973 y poco a poco se fueron convirtiendo en una banda pop con el reggae como principal fundamento rítmico. Consideran a Lee 'Scratch' Perry y Joe Meek como unos de sus principales guías, y sus referentes los encontramos en las grabaciones de mitos como Robert “Dandy” Livingstone Thompson y la cultura skinhead. Antes de llamarse los Granadians, la banda grabó en 2001 con el nombre de Psico Rude Boys del Espacio Exterior un Ep titulado “Número 2 en Inglaterra” con los temas ‘Granadian reggae’, ‘Labios de miel’, 'Shuriken boogalo’ y ‘Lady Jane Silver’.

Su primer trabajo ya como Granadians bajo la etiqueta "Reggae Sideral" es un single con toda una leyenda Derrick Morgan y los temas ‘What it take to love white me’ más una versión instrumental en la cara B. Se grabó en el "Laboratorio del Reggae" en un lugar desconocido en el año 2003. Le siguen cuatro versiones de villancicos populares bajo el título de “Feliz Navidad con...”. Al año siguiente, 2004, sacan también con Liquidator un álbum "El Temperamental sonido de..." con once canciones, diez de ellas inéditas en disco, como son "Reggae Clam Clam","Yo No Miento","Todo Lo Que Quiero Eres Tu","Teddy Dos Dedos García", entre otras. Ese disco les hace famosos en México desde donde se extiende su éxito por el resto de países de América Central y del Sur. Ese mismo año graban un single con otro mito, Dave Barker, el llamado “James Brown de Jamaica", y los temas ‘Peach Green Reggae’ más otro instrumental en la cara B llamado ‘Monster’.

 En 2008 sacan un 10” bajo el título de “Space is Different” con el éxito ‘Una chica me dijo una vez’ entre otros temas como ‘Hanna’ y ‘Te puedes marchar’. Ese mismo año, sacaron su primer disco para el mercado japonés publicado por Ska In The World Records, bajo el titulo de "Los Granadians. Del Espacio Exterior". Se trata de una antología de 15 temas en formato Cd.

  "Donde Ningún Hombre Ha Llegado Jamás", es el tercer disco de larga duración que publican bajo el sello Liquidator Music en 2009. Grabado en "Circo Perrotti" de Gijón, con Jorge Explosion y Mike Mariconda, productor y guitarrista de los Raunch Hands, contiene 11 nuevas canciones como “El Humanoide’, ‘La chica más dulce’ o ‘Sonda Phoneix’.

 Después editaron un Ep en 2010 como complemento a su anterior álbum y preludio del próximo, con cuatro canciones versiones de algunos de sus temas como ‘New York City’, ‘Mercurio On The Rocks’, (inédita) ‘Dimensión-G’ y recuperaron su gran éxito ‘Sonda Phoenix’. Su single de 2011: "Por Mucho Que Pasen Los Años / A 6.000.000 de Años Luz" se agotó a los pocos días de su lanzamiento. Este 2012 presentan su nuevo álbum "Reggaláctico" del que ya han realizado un videoclip de uno de sus temas estrella "Problemas", ataviados con sus lujosos trajes y comiendo melón en la playa. Su música no puede ser, de ninguna manera, de este planeta. Es música de otros mundos para jóvenes de la Tierra como se especifica en la portada de este imprescindible disco que acaban de editar con Liquidator.

Fallece Maurice Davis, trompetista de los Funk Brothers

Maurice Davis, trompetista principal durante más de 15 años de la legendaria banda The Funk Brothers murió el día 13 de julio de 2012 a los 71 años. Había nacido en Memphis, Tennessee en 1941. Grabó más de 1500 canciones principalmente para la Motown Records y acompañó en grabaciones y giras a numerosos artistas y grupos como Tony Bennett, Sammy Davis Jr., los Temptations,. Stevie Wonder, Aretha Franklin o las Supremes. Una de sus interpretaciones más conocidas podemos escucharla en el tema de los Temptations, “Papa Was a Rollin’Stone” de 1972. 

Empezó en el mundo de la enseñanza y en 1965 se trasladó a Detroit donde entra a formar parte de la banda de músicos de sesión de la Motown. El grupo se formó en el año 1959 por Berry Gordy, propietario de Motown, con músicos de la escena jazzística de Detroit como el pianista Joe Hunter, el bajista James Jamerson o Bob Babbytt fallecido el pasado 16 de julio de 2012, y el batería William "Benny" Benjamin. En 1962 se integraron los guitarristas Robert White, Eddie Willis y Joe Messina, más el baterista Richard "Pistol" Allen, los percusionistas Jack Ashford y Eddie "Bongo" Brown, y el pianista Earl Van Dyke, entre muchos otros. Por los Funk Brothers también han pasado una nutrida sección de viento en la que figuraban los trompetistas Maurice Davis, Herbie Williams, John "Little John" Wilson, Marcus Belgrave, entre otros; los saxos: Henry "Hank" Cosby, Andrew "Mike" Terry, Norris Patterson, Thomas "Beans" Bowles, entre muchos más;  o los trombones: Bob Cousar, George Bohanon, Paul Riser, Jimmy Wilkens, etc...

Los Funk Brothers con Stevie Wonder

A finales de los sesenta, con la dirección  del productor Norman Whitfield y el guitarrista Wah Wah Watson, las producciones se adaptaron a un sonido más psicodélico, en el que tuvo un papel importante Maurice Davis, ya sin Jamerson ni Benjamin que murió en 1968.  

El baterista Uriel Jones cobró más protagonismo y se incorporó Bob Babbitt para suplir al influyente Jamerson. El grupo seguiría hasta 1972, año en que Gordy traslada el sello a Los Ángeles abandonando sin más a la banda. Pero antes grabarían en 1971 el increïble “What's Going On” de Marvin Gaye.  

Tras disolverse el grupo, algunos de sus músicos siguieron trabajando como músicos de estudio en Detroit y algunos se retiraron. James Jamerson y Eddie Brown fallecieron en 1983. Earl Van Dyke nos dejaba en 1992 y Robert White en 1994. El resto se unieron en 2002 para la grabación de un documental de homenaje. También fallecieron ese mismo año, 2002, el baterista Richard "Pistol" Allen y el pianista Johnny Griffith. También nos dejaron el teclista Joe Hunter en 2007 y Uriel Jones en 2009. 

 

Maurice grabó el disco "Masterpiece" 

El sonido de los Funk Brothers se forjaba con los parámetros del gospel, del soul y del pop, y eran unos excelentes instrumentistas. La mayoría habían firmado contratos de exclusividad con el sello y raramente aparecían en los créditos de los discos. Fueron responsables de la grabación de muchísimos éxitos de los artistas de la Motown. La banda tenía un grupo más o menos estable aunque pasaron otros muchos instrumentistas más para tocar en las giras de los artistas. Tras el traslado de la Motown a Los Ángeles en 1972, se creó otra banda The Funk Brothers, pero no tenía relación con la primera.  

Davis también tocó en la banda de jazz del saxofonista Tony Zamora, trabajó en grabaciones para Columbia Records, ABC, CBS, RCA, y MCA, donde tocó la trompeta en 1982 para la canción "Cutie Pie" de One Way. También se dedicó a la enseñanza durante más de treinta años en Detroit hasta que se retiró en 1997 y se convirtió en un pastor religioso, oficio desde el que recaudaba fondos para realizar tareas humanitarias internacionales.   



Actuación en directo de los Temptations interpretando su conocido "Papa Was A Rolling Stone".

Muere Bob Babbitt de los Funk Brothers

Robert Kreinar, más conocido como Bob Babbitt,  nació el 26 de noviembre de 1937 en Pittsburgh, Pennsylvania, y murió el 16 de julio de 2012 en Nashville, Tennessee. Este bajista fue miembro de los Funk Brothers, banda de sesión estadounidense de soul, conocida por haber participado en casi la totalidad de las grabaciones de los artistas de la Motown.

La banda se formó en el año 1959 por Berry Gordy, propietario de Motown, con músicos de la escena jazzística de Detroit como el pianista Joe Hunter, el bajista James Jamerson y el batería William "Benny" Benjamin. En 1962 se integraron los guitarristas Robert White, Eddie Willis y Joe Messina, más el baterista Richard "Pistol" Allen, los percusionistas Jack Ashford y Eddie "Bongo" Brown, y el pianista Earl Van Dyke, entre muchos otros. Por los Funk Brothers también han pasado una nutrida sección de viento en la que figuraban los trompetistas Maurice Davis, fallecido el 13 de julio de 2012, Herbie Williams, John "Little John" Wilson, Marcus Belgrave, entre otros; los saxos: Henry "Hank" Cosby, Andrew "Mike" Terry, Norris Patterson, Thomas "Beans" Bowles, entre muchos más; o los trombones: Bob Cousar, George Bohanon, Paul Riser, Jimmy Wilkens, etc...

A finales de los sesenta, con la dirección  del productor Norman Whitfield y el guitarrista Wah Wah Watson, las producciones se adaptaron a un sonido más psicodélico ya sin Jamerson y Benjamin que murió en 1968. El baterista Uriel Jones cobró más protagonismo y se incorporó Bob Babbitt para suplir al influyente Jamerson. El grupo seguiría hasta 1972, año en que Gordy traslada el sello a Los Ángeles abandonando sin más a la banda. Pero antes grabarían en 1971 el increïble “What's Going On” de Marvin Gaye. 

Tras disolverse el grupo, algunos de sus músicos siguieron trabajando como músicos de estudio en Detroit y algunos se retiraron. James Jamerson y Eddie Brown fallecieron en 1983. Earl Van Dyke nos dejaba en 1992 y Robert White en 1994. El resto se unieron en 2002 para la grabación de un documental de homenaje. También fallecieron ese mismo año, 2002, el baterista Richard "Pistol" Allen y el pianista Johnny Griffith. También nos dejaron el teclista Joe Hunter en 2007 y Uriel Jones en 2009.  

El sonido de los Funk Brothers se forjaba con los parámetros del gospel, del soul y del pop, y eran unos excelentes instrumentistas. La mayoría habían firmado contratos de exclusividad con el sello y raramente aparecían en los créditos de los discos. Fueron responsables de la grabación de muchísimos éxitos de los artistas de la Motown. La banda tenía un grupo más o menos estable aunque pasaron otros muchos instrumentistas más para tocar en las giras de los artistas. Tras el traslado de la Motown a Los Ángeles en 1972, se creó otra banda The Funk Brothers, pero no tenía relación con la primera.  

De 1968 a 1970, Bob Babbitt formaría con Mike Campbell, voz, Ray Monette, guitarra,  y Andrew Smith a la batería la banda Scorpion, y entre sus líneas de bajo más conocidas como músico de sesión están los temas "Signed, Sealed, Delivered I'm Yours" de Stevie Wonder, "War" de Edwin Starr, "The Tears of a Clown" de Smokey Robinson & the Miracles, "Mercy Mercy Me (The Ecology)" y "Inner City Blues" de Marvin Gaye, "Band Of Gold" de Freda Payne, "Ball of Confusion (That's What the World Is Today)" y “Just My Imagination (Running Away With Me” de The Temptations.

Murió víctima de un cáncer en el cerebro el 16 de julio de 2012 a los 74 años. 

Actuación en 1970 de Smokey Robinson & the Miracles cantando el "The Tears of a Clown".

Vídeo con el tema "Mercy, Mercy, Me (The Ecology)" de Marvin Gaye 

Y su riff ede bajo más conocido en el  "Ball of Confusion (That's What the World Is Today)" de los Temptations. 

Fallece Jon Lord de los Artwoods y los Deep Purple

Jonathan Douglas Lord,más conocido como Jon Lord, nació en Leicester, el 9 de junio de 1941 y murió en Londres el 16 de julio de 2012. Formó parte de los legendarios Artwoods y los Deep Purple. Con su piano y sobre todo con su órgano Hammond definió algunos de los pasajes musicales más conocidas de estas dos bandas británicas, la primera de R&B y la segunda desde su prolífica evolución del rock psicodélico al hard rock con detalles progresivos e incluso clásicos. Empezó a tocar el piano siendo muy joven, a los 9 años. A principios de los sesenta estuvo tocando en combos de jazz como The Bill Ashton Combo, y The Don Wilson Quartet, que más tarde se llamarían Red Bludds Bluesicians. Sus inicios estuvieron muy influenciados por organistas como Jimmy McGriff, John Patton, Jack McDuff y Jimmy Smith.

Después formó en 1963 parte de la banda The Art Wood Combo con el hermano mayor del conocido miembro de los Rolling Stones, Ron Wood. Esa formación se llamaría a partir de 1964, The Artwoods, uno de los grupos de R&B más respetados de la escena mod que en 1966 sacaron un álbum con Decca llamado "Art Gallery". Por esa banda pasaron también Malcolm Pool al bajo y los bateristas Keef Hartley y Coolin Martin. Art Wood murió en 2006 con 69 años.Antes de separarse se cambiarían el nombre por el de Saint Valentine´s Day Massacre, grabando un sencillo. Jon también estuvo con la Santa Barbara Machine Head y fue miembro de The Flower Pot Men, con quienes tocó en directo pero nunca grabaría.

En el año 1968 entraría en los Roundabout, con una oferta del cantante de los Searchers, Chris Curtis, que unos meses más tarde cambiarían su nombre por el de Deep Purple. la primera formación estaba compuesta también con Ritchie Blackmore a la guitarra, Ian Paice a la batería, Rod Evans vocalista, y Nick Simper al bajo. Jon también estuvo grabando con los Kinks su primer álbum, concretamente colaboró en los temas: "You Really Got Me", "Bald Headed Woman", "Long Tall Sally" y "Lover Not A Fighter". Hasta 1970, Jon digirió las riendas de los Deep Purple hasta que Ritchie ganó más protagonismo. Después pasaron otros miembros como los bajistas Roger Glover o Glenn Hughes, o los vocalistas Ian Gillan o David Coverdale, hasta 1976, primera de las disoluciones de la banda. Durante esos primeros años grabaron tres álbumes llamados "Shades of Deep Purple" (1968), "The Book of Taliesyn" (1968) y "Deep Purple" (1968) en los que Jon Lord fue una de las piezas claves tanto a nivel instrumental como compositivo.  Jon también realizó otros proyectos en solitario en esa primera época a raíz de su famoso "Concert for group and Orquestra" con los Purple, así como música para películas.

Tras la primera disolución de Deep Purple en 1976 formó Paice, Ashton & Lord, y grabaría “Malice in Wonderland”. También sacó un disco en solitario llamado “Sarabande”. Dos años después, en 1978, formó parte de Whitesnake, hasta 1984 que volvió con los Deep Purple hasta 2003, cuando, cansado de las giras, decide amistosamente continuar con su carrera solista. Su último álbum grabado con Deep Purple fue “Abandon”.Jon también colaboró en 1994 en el álbum de los Ride "Carnival Of Light", concretamente en los temas "A Journey To The End Of The Universe", cara b del single "I Don't Know Where It Comes From", "Moonlight Medicine" y "At The End Of The Universe". En el año 2005 perfilaría la formación Jon Lord & The Gemini Band.

Falleció el 16 de julio de 2012 en un hospital de Londres por una embolia pulmonar, después luchar contra el cáncer. 

Con los Artwoods, en una actuación en vivo en 1967 para la BBC y Jon Lord como organista solista.

Los Deep Purple en sus inicios con una magnífica y psicodélica versión del "Help" de los Beatles. 

Una de las actuaciones memorables de los Deep Purple con su "Mandrake Root" de 1970.

Muere Lol Coxhill, saxofonista de los progresivos Delivery

George W. Lowen Coxhill nació el 19 de septiembre de 1932 en Portsmouth, Hampshire (UK) y murió el 10 de julio de 2012 en Londres. Fue un saxofonista británico de jazz y rock progresivo que a finales de los sesenta y setenta participó en algunas de las formaciones más creativas de la escena de Canterbury como los Delivery, también conocidos como Carole Grimes and Delivery, o los Whole World de Kevin Ayers. Lowen “Lol” Coxhill está considerado también como uno de los grandes precursores de la improvisación libre con el saxo soprano, conjuntamente con  Eric Dolphy y Evan Parker. Ya en 1968 había tocado con grandes jazzmen británicos como Joe Harriott, y trabajó con Lowell Fulson, Screamin’ Jay Hawkins, Mose Allison, Martha & the Vandellas y Rufus Thomas en sus conciertos en Inglaterra.

Los Delivery tenían una formación de lujo con los hermanos Phil y Steve Miller en la guitarra y teclados respectivamente, Roy Babbington al bajo, Pip Pyle a la bateria, Lol Coxhill al saxo y cantando Carol Grimes. Steve Miller estuvo en Caravan, Phil  en Matching Mole, Hatfield & The North, National Health; Roy Babbington en Soft Machine, y Pip Pyle en Gong, Hatfield & The North, y National Health. También colaboraron con ellos Roddy Skeaping al violin y Richard Sinclair al bajo.

La banda se fundó en 1966 con el nombre de Bruno’s Blues Band. El guitarrista Phil Miller y el baterista Pyp Pyle se habían criado en Sawbridgeworth, Essex. Con su hermano Steve y Jack Monk como bajista formarían Delivery. En 1968 se unió a ellos Lol Coxhill al saxo y Roy Babbington reemplazaría a Jack. Con la cantante de blues Carol Grimes, que también estuvo en Uncle Dog, acabarían de formar la banda que solo grabó un disco en 1970 con el título de “Fools Meeting” con la discográfica B&C y un single con los temas  "Harry Lucky" / "Home Made Ruin". El disco contiene ocho grandes temas conde mezclan psicodelia, folk, jazz, progresivo y blues con unos resultados espectaculares. Laurie Allan, que también acabaría en Gong,  substituiría a Pyp. Un año después cada uno de los músicos siguió en otras formaciones estelares del rock progresivo británico de los setenta. 

Los Whole World acompañaron a Kevin Ayers en su segundo álbum titulado “Shooting at the moon” (1970). En esa formación colaboró Bridget St. John cantando, Mike Oldfield al bajo y ocasionalmente a la guitarra solista y el compositor vanguardista, David Bedford, a los teclados. La banda se separó tras una breve gira, y Ayers invitó a varios de sus músicos a tocar en su próximo álbum, “Whatevershebringswesing” (1971) entre los que no estaba Lol.

Carol Grimes and Delivery 

Lol continuó su carrera musical, con el soprano y el tenor, entre el rock progresivo y el free jazz. John Peel escuchó a Coxhill en la calle, un día que pasaba por el Southbank londinense. Le contrató para su sello Dandelion y le editó su primer álbum, “Ear of Beholder”.En 1981, Y Records editó el álbum de The Promenaders grupo que improvisaba y pasaba el sombrero por el paseo marítimo de Brighton con Coxhill. 

Grabó otros discos en solitario y colaboró con Steve Miller o con el guitarrista GF Fitzgerald, así como con Mike Oldfield , Morgan Fisher (Mott the Hoople ), Chris McGregor 's Brotherhood of Breath, The Dedication Orchestra , Django Bates , The Damned , Hugh Metcalfe , Derek Bailey, Welfare State, entre otros.  También se dedicó a recitar textos. 

Lecirke debutan con un disco onírico repleto de canciones sensacionales que se dejan querer

Portada, dibujo de César 

Lecirke acaban de autoeditarse un disco, con título homónimo, en el que han volcado su entusiasmo artístico mediante un excelente trabajo creativo apreciable en canciones que se dejan querer. Gracias a una campaña de "crowdfunding" en Verkami consiguieron los mecenas necesarios para sacar adelante este proyecto absolutamente necesario para dar a conocer en condiciones su elegante trabajo musical. Una obra original con multitud de referentes con los que consiguen diseñar un espacio onírico propio repleto de detalles encantadores y en ocasiones misteriosos.

Lecirke son un grupo de pop folk, con aires psicodélicos, creado en Tarragona en el verano de 2008 en formato de dúo. Actualmente está integrado por Esther Piqué, voz y coros; César Meler, voz, autoharpa, guitarra, programaciones,  coros; Pablo Vidal, piano, teclados, acordeón, glokenspiel, percusión; cachivaches, coros; Apel.les Carod, violín, ukelele, coros; Joan Roca, bajo; Jan K. Larsen, batería. Ganadores del D.O. Tarragona 2009 y del D.O Catalunya 2010, su música abre multitud de ventanas a la percepción con melodías exquisitas, juegos rítmicos y paraísos minimalistas tremendamente emotivos.

Lecirke

Para grabar este disco han contado con la colaboración  en algunos temas de: Verónica Ortiz, percusión; Pepe Sáez, contrabajo; Roser Àvila, chelo; Miquel Rojo y Xavi de la Salud a las trompetas; Josep Orellana al trombón; “Viki” Gómez a la tuba; Emilio Cabello, clarinete; más Lluís “Maquis”, efectos. Apel.les Carod y Pablo Vidal se han encargado de los arreglos de cuerda.

El disco, presentado en Cd con posibilidad de una posterior edición en vinilo, ha sido grabado y mezclado en MBG (Tarragona)  con Miguel Ángel Barberán y la producción ha corrido a cargo de César Meler más Pablo Vidal. Fue masterizado por Ferran Conangla. El diseño gráfico es obra de Lucía Meler, y Óscar Meler es autor de la ilustración de la portada y del interior.   

Lecirke en directo festival Altaveu 2011

El disco se abre con la magnífica “Heyheyhoho!!!, uno de sus temas más vitalistas en el que destacan esas guitarras acústicas rodeadas de contundente percusión latina. El desarrollo melódico es precioso con sus juegos de voces, repentinos cortes sonoros, tambores ancestrales y onomatopeyas selváticas. Todo ello magnificado con un toque de trompeta, perfumes psicodélicos, y curiosos efectos especiales. Le sigue el tema “Supernova Fun” con su dulce caminar de guitarras, con magníficas voces principales ayudadas por coros, creando un espacio de ensoñación, acompañada de acordeón, otros tantos efectos especiales, trompetas enloquecidas que ayudan a reproducir un escenario circense entre ese peculiar 3/4 con trombón a contratiempo.

“Take the Money”, da nombre del siguiente corte y es un juego divertido y saltarín, con maravillosa voz femenina, un leve toque jamaiquino y  mucho swing, entre elegante percusión, glokenspiel y punteos de guitarra mediterráneos. A destacar su corte final que ralentiza el tema para recuperar esa concepción rítmica previa que lo convierten en ciertamente destacable. A continuación, nos ofrecen “A Lucky Ride” con esas guitarras folk reposadas que dialogan entre si a la espera de una entrada de cuerda ensoñadora y previa a esa percusión de tambores que nos llevan a una apoteosis sonora tras la cual aparece la calma melódica.

Foto: María Veses  

“Flowers in the bin”, siguiente tema, tiene un aire tenebroso, incluso algo de post rock con arreglos especiales en los que se lucen las guitarras, pero también la cuerda, el metal, y el acordeón más ese efecto especial simulando un reloj que se pierde en la inmensidad del espacio. Acto seguido tenemos un instrumental llamado “Tunnel” donde hacen gala, una vez más, de su dominio de los tempos y la ejecución con entradas triunfales que crean un clímax sonoro especialmente emotivo y tremendamente cariñoso.  

“Surf Gitano (when i was a child)” es quizá otro de sus temas más aclamados y en él se han volcado para dotarle de un especial tratamiento compositivo tan variado como complejo. Envuelto en un aire circense, aparecen momentos sublimes de jazz, swing, con una rítmica tremenda y un concepto melódico que pone los pelos de punta. Cantado a dos voces, resulta sensacional, con esos efectos de mandolina y un final inesperado en el que se entremezcla el sonido “dixieland” con la ayuda indispensable de algunos de los mejores instrumentistas, especializados en ese jazz tradicional, de los que dispone la ciudad de Tarragona.

“Playground” es otro de los instrumentales del disco con esa leve caja de música, su dulce melodía y esos detalles con los que consiguen fabricar un pequeño mundo de juguete. "Flowers in the bin #", es el título del siguiente corte que empieza con un brillante riff de bajo, toques de jazz y jamaicanos, a la que se suma la guitarra, trompeta, y cuerda dando un especial toque ácido para redondear una magnífica concepción rítmica y melódica absolutamente rompedora.
    

Esther en el estudio

Con “From/ To the sky” sorprenden por su suave comienzo, un tanto galáctico y celestial, más esa entrada de batería apoderándose con suavidad del ritmo ayudada por el bajo. Construyen momentos espectrales sobre la paz agradable que proporciona la melodía de cuerda. Una sensación que desemboca en la entrada de esa encantadora voz femenina que logra perfilar una balada estremecedora ayudada por teclados, arpegios de guitarra eléctrica, más ese final especial a cargo de eléctrica con eco, bajo y batería casi reggae más efectos y voces sensuales. Termina el disco con “Good night sleep” un breve fragmento final con efectos de pasos en la noche veraniega y una caja de música que da los últimos toques con una dulce melodía.

Tras una escucha atenta de este disco de debut, podemos deducir gran multitud de consideraciones personales, todas ellas subjetivas, que en mi caso me permiten asegurar que se trata de un extraordinario álbum con un magnífico y enriquecedor trabajo creativo. En el plano objetivo, y tras disfrutar de algunos de sus directos, se puede  asegurar, sin riesgo a pecar de exagerados, que la evolución hasta llegar a este álbum, es muy notable y altamente satisfactoria. El grupo ha crecido considerablemente a todos los niveles artísticos posibles. Al parecer, en este disco no han incluido todos sus temas porque, y eso es un punto a su favor a tener muy en cuenta, esas canciones por el momento inéditas se alejaban del concepto genérico de este trabajo. Por tanto, el camino discográfico de Lecirke no solo acaba de empezar con excelente criterio sino que podemos esperar de sus próximos pasos, muchas sorpresas. De momento, no nos faltarán razones para disfrutar de este excelente paseo onírico que nos ofrecen estos tarraconenses con melodías encantadoras y rítmica contagiosa.

Nota: Si quieres escuchar los temas puedes hacerlo aquí en el bandcamp.
        

Fallece Don Grady, baterista de los Yellow Balloon

Don Louis Agrati, también conocido como Don Grady,  nació el 8 de junio de 1944 en San Diego, California, y murió a consecuencia del cáncer que padecía el 27 de junio de 2012 en Thousand Oaks, California. Fue baterista del grupo de sunshine pop, The Yellow Balloon y también un popular actor de televisión que se hizo famoso con la serie “My Three Sons” así como compositor de música para series.  Don Grady había tocado y cantado anteriormente, aunque por breve tiempo, con The Palace Guard, banda de folk rock, con toques de beat británico, donde también estuvo Emitt Rhodes de los Merry-Go-Round.    

The Yellow Balloon grabaron un único álbum en el año 1967 bajo la producción de Gary Zekley y para el sello Canterbury.  El grupo fue creado por Gary Zekley, uno de los más grandes compositores de la mágica música californiana de los sesenta como también lo fueron Gary Usher, Brian Wilson o Curt Boettcher. Genios que crearon su inmortal obra con maravillosas melodías enriquecidas con inolvidables arreglos orquestales. El resto de los Yellow Balloon eran músicos de los Rising Sons de Oregón y los Five Of Us de Arizona como el cantante Alex Valdez, Frosty Green (teclados), Don Braught (bajo, qeu estuvo con los Breakaways), y Paul Canella (guitarra). También colaboró con ellos el baterista Daryl Dragon que formaria el popular dúo Captain & Tennille con su compañera sentimental Toni Tennille.  

Los Yellow Balloon triunfaron con el single que llevaba el nombre del grupo, una canción que Gary había escrito anteriormente para el dúo Jan & Dean, pero no consiguieron demasiada repercusión con el álbum de título también homónimo pese a que contenía perlas preciosas del mejor sunshine pop, con algunos toques del soul de la Motown, como  "How Can I Be Down", "Baby It's You", "Panama Red", "I've Got a Feeling For Love" "Follow The Sunshine" o "Stained Glass Window", "Can't Get Enough Of Your Love" o "Junk Maker Shoppe". Dos de los temas fueron co-escritos  con Jill Gibson de los Mamas and The Papas que también colaboró con Jean & Dean.  

Tras separarse, Don cantó en solitario con el nombre de Don Agrati y sacó un álbum en 1973 llamado "Homegrown". También se dedicó a la televisión, primero como artista de series y luego como compositor mientras que el resto fundaron los Popcorn Explosion.  Zekley siguió escribiendo éxitos como  "Sooner or Later" y "I'd Wait a Million Years" para los Grass Roots, y falleció el 4 de enero de 1996. Había nacido el 4 de enero de 1943.