Los Smoggers nos explicarán cosas de su nuevo disco
Magic Pop vuelve a publicar, este próximo mes de septiembre de 2013, las habituales y exhaustivas reseñas de discos que hemos tenido el placer de escuchar durante estas últimas semanas en las que el blog ha permanecido tan solo atento a los pop-bituarios de interés para nuestra línea editorial.
Os contaremos las sensaciones que nos transmiten grandes trabajos discográficos como lo nuevo y más reciente de los Retrovisores, los Kanaloas, WolRus, Kinky Coo Coo’s, Smooth Beans, The Urgent Kicks, The Rosquettes, y muchos más…
Pero para empezar temporada post veraniega, nada mejor que una entrevista con los Smoggers quienes nos explican detalles sobre sus inminentes proyectos discográficos, su reciente gira por Inglaterra más próximos conciertos, así como su opinión sobre la música “garage” y nuestra escena en particular. En el capítulo de entrevistas también esperamos contar, próximamente, con el inestimable testimonio de todo un grande de la música negra a nivel internacional, nada menos que Calor Coupé, a punto de editar un nuevo e impactante sencillo. Con nuestros mejores deseos, sean bienvenidos y bienvenidas al mundo moderno del Magic Pop, siempre al margen de lo previsible… gracias por estar ahí.
“Alvis” Wayne Samford nació el 31 de diciembre de 1937 en Paducah, (Texas) y murió el 31 de julio de 2013 en su casa de Backliff (Texas). Fue un cantante de rockabilly que grabó durante los años cincuenta media docena de canciones para el sello Westport de Kansas City, Missouri, que son unos auténticos clásicos.
Alvis empezó escuchando country en la radio y a los 10 años tuvo su primera guitarra. Dos años después tocaba por los bares y se unió a una banda llamada Tony Wayne & the Rhythm Wranglers cuando tenía 19 años con los que sacó un único single en 1957, antes de separarse, con los temas “Many Ways'/'Together Forever”. Después formó parte de la banda AI Hardy and the Southernaires. Fue entonces cuando se cambió el nombre de Wayne Samford a Alvis Wayne, por Elvis Presley.
“Alvis” Wayne
Tony Wayne le comentó que Westport records buscaba un cantante y le propuso interpretar unos temas suyos. En realidad Alvis nunca viajó a Kansas para grabarlos sino que los cantó en un estudio improvisado en Corpus Christi. Alvis tocaba también la acústica y le acompañaron Chuck Harrison a la guitarra solista, Danny Walker a la batería, Hank Evans al bajo, Dusty Rhodes a la steel, más un pianista llamado Wally Bright. Grabaron “ Swing Bop Boogie / Sleep Rock-A-Roll Rock-A-Baby” y un tema que permaneció inédito durante muchos años, “I Gotum”. Dos meses más tarde volvió a grabar “Don't Mean Maybe, Baby / I'd Rather Be With You”. El tema de la cara A tuvo un éxito considerable en Texas donde tocó a menudo. Ese sencillo fue editado a finales de los cincuenta en Inglaterra por Starlite.
“Alvis” Wayne
Después conoció a James Bacon, un músico de doo wop quien le propuso cantar un tema suyo “Lay Your Head On My Shoulder”. Lo grabaron en Houston, y se editaría en su tercer single con “You Are The One” ( Westport Records 1958). En 1960 se alistó en las Fuerzas Aéreas donde sirvió durante cuatro años. Después trabajó de mecánico en Braniff Airlines. Siguió cantando en bares de Corpus Christi. Grabaría un par de sencillos más con los temas “Storm in my Heart/I Don't Believe I'll fall in love Today” (Kathy 1966) y “Sweet Tender Care/A Million and Two” (Brozos 1969).
En los setenta fue descubierto por coleccionistas ingleses de rockabilly y en 1973 sacaron “I Gotum”. Rollin’Rock le editó otro single con los temas “I Wanna Eat Your Pudding “ y “It's Your Last Chance To Dance Tonight”. En 2000, Alvis sacó con Rolling Rock Records dos álbumes, “Rockabilly Daddy” (2000) y “Proud of My Rockabilly” (2001).
Documento sonoro:
“Don't Mean Maybe, Baby", fue un éxito local y se editó en 1957 con "I'd Rather Be With You” en la cara B.
Fritz Rau nació el 9 de marzo de 1930 en Pforzheim, República de Baden y murió en Kronberg im Taunus, Hessen (Alemania) el 19 de agosto de 2013. Fue un prestigioso promotor de música que empezó organizando conciertos de jazz e introdujo el blues norteamericano en Europa durante los años cincuenta y sesenta. Durante las décadas posteriores organizó conciertos de rock and roll y pop con casi todos los más grandes grupos y solistas. Tras la muerte de sus padres, con 10 años se mudó a vivir con unos familiares en Berlín en el año 1940. Estudió en Ettlingen y se licenció en Derecho por la Universidad de Heidelberg . Después de trabajar para la administración y en un bufete de abogados, se involucró en la gestión de un club de jazz , Cave 54, en Heidelberg.
American Folk Blues Festival en Inglaterra.
En diciembre de 1955, organizó su primer concierto importante, con Albert Mangelsdorff en la mencionada ciudad alemana de Heidelberg . El también promotor Horst Lippmann se fijó en él y le contrató para ayudarle en la gira “Jazz at the Philharmonic” que se trasladó en los cincuenta a Europa, producida por el empresario musical Nomran Granz ( n. 1918 – d. 2001). Desde entonces Lippmann y Rau trabajaron juntos con regularidad hasta que en 1962 crearon una agencia de conciertos y organizaron la primera gira europea del American Folk Blues Festival. Gracias a su gestión actuaron por primera vez en Europa artistas como Willie Dixon , Howlin 'Wolf , Muddy Waters , Sonny Boy Williamson II , John Lee Hooker , Memphis Slim , T-Bone Walker , Buddy Guy , Otis Rush , Little Brother Montgomery , JB Lenoir , Lonnie Johnson , Victoria Spivey , Big Joe Williams , Sleepy John Estes y una larga lista de genios, cuya música influenció a las bandas británicas de R&B. También editaron algunos álbumes de este elenco de estrellas con su propio sello L + R. Sin embargo, hubo sectores que les criticaron que no hicieran hincapié en las desigualdades raciales de los Estados Unidos y fomentaran los conciertos desde un punto de vista más conservador y comercial.
Fritz Rau y Horst Lippmann
Rau también trajo a los Rolling Stones a Alemania en 1970, y se hizo amigo de Jagger. Durante los setenta Lippmann y Rau siguieron promocionando conciertos de de jazz, rock and roll, pop… El listado de artistas y grupos es larguísimo e incluye a casi todos los más grandes como los Who, Jimi hendrix, Led Zeppelin, Bob Dylan, los Doors, etc… Tras la muerte de Lippmann en 1997, Fritz siguió como promotor independiente. En 2005 organizó una gira de retorno de los Jethro Tull. Apoyó a cantantes alemanes como Udo Lindenberg y Peter Maffay pero se negó a representar a los Böhse Onkelz por sus tendencias neonazis. Padecía diabetes, tuvo un ataque al corazón en 1994 y un derrame cerebral en 1999.
Documento sonoro:
Audio del concierto que ofreció el 18 de octubre de 1962 en Hamburgo John Lee Hooker acompañado por Willie Dixon al bajo, T-Bone Walker al piano y Jump Jackson a la batería. Interpretan "Shake It Baby", "Need Your Love So Bad", "Let's Make It Baby", y "The Right Time".
Nacida con el nombre de Margaret Marian Turner el 20 de marzo de 1918, en Slough, Inglaterra, murió el 20 de agosto de 2013 en su casa de Port Washington, en Long Island, Nueva York. Fue una prestigiosa pianista de jazz, y compositora, que interpretó desde standards hasta bebop y post bop, que estuvo activa durante más de seis décadas. En los últimos años, de 1978 a 2011, era la presentadora del programa de radio "Piano Jazz" de la NPR (National Public Radio).
McPartland empezó a tocar música clásica con el piano a los tres años. Con 17 entró en la famosa escuela de Música Guildhall, y tres años después dejó los estudios para ir a tocar con una compañía de vodevil. Sus padres se escandalizaron pero ella trazó su propio camino. En la segunda guarra mundial estuvo tocando para las tropas y conoció al que sería su marido, el trompetista de Chicago Jimmy McPartland, quien fallecería en 1991. Acabada la guerra se trasladaron a la ciudad de su marido y en 1949 se instalaron en Nueva York. Marian entró a tocar con formación de trío en el club Hickory House, donde estuvo actuando durante 10 años y donde coincidió con los más grandes del jazz.
Marian McPartland solía tocar para colegios
Durante su carrera llegaría a grabar más de 50 discos para la discográfica Concord Jazz. Crearía también su propio sello, Halcyon Records, y compuso temas que interpretarían Tony Bennett o Peggy Lee. Por otra parte escribió varios ensayos y artíiculos sobre música. En uno de esos trabajos explica cómo fueron esos primeros años de una mujer intenrando prosperar en un mundo dirigido por y para hombres. Cuenta la siguiente anécdota: "En un bar, un hombre se me quedó mirando fijamente y cuando terminamos de tocar se me acercó y me dijo con una sonrisa: ¿Sabes? No puedes ser una mujer respetable por la forma en la que tocas el piano'''. Para Marian aquella estupidez no dejó de tener algo de cumplido que le confirmaba que estaba en el buen camino.
Con una banda de grandes mujeres del jazz
En 1964, McPartland puso su talento al servicio del mundo de la radio y en 1978 empezaría su gran programa en la NPR con el que ganó premios como el Peabody. Ella y sus invitados tocaban en varios pianos, cantaban e improvisaban. Por allí pasaron un largo elenco de estrellas del mundo del jazz e incluso en los ochenta Frank Zappa con el que hizo una entrevista y actuación memorable. Marian era una gran improvisadora armónica y rítmicamente compleja y creativa. También fue sinestésica , asociaba la música a las tonalidades de colores, y afirmaba que el acorde de re es de color amarillo narciso, si mayor es marrón, y si bemol, azul. Cabe destacar también que en 1977 grabó un disco en directo con una banda de jazz formada por las mujeres Mary Osborne, Vi Redd, Dottie Dodgion, y Lynn Milano, titulado "Now's the Time! en Rochester
Documento sonoro:
Grabación de Marian McPartland en el Hickory House de Nueva York acompañada por Bill Crow al bajo y Joe Morello a la batería
Sid Bernstein nació en Nueva York el 12 de agosto de 1918 y murió en la misma ciudad el 21 de agosto de 2013. Fue un reputado productor musical considerado el responsable de la llamada invasión británica beat en los Estados Unidos que cambió a la juventud norteamericana y a muchas bandas de instro surf que se pasaron al llamado sonido “garage”. También fue el promotor del grupo de blue eyed soul The Young Rascals.
Bernstein estuvo combatiendo en la Segunda Guerra Mundial en artillería antiaérea en Francia. Estudió periodismo en la Universidad de Columbia y contrató a los Beatles, los Rolling Stones, Herman Hermit’s, los Kinks o los Moody Blues para tocar por primera vez en los Estados Unidos. También fue el primer empresario en organizar conciertos de rock and roll en estadios deportivos.
En 1963 relanzó la carrera artística de Tonny Bennet con un directo en el Carnegie Hall y al año siguiente difundió la beatlemania por los Estados Unidos.
Los Beatles tocaron por primera vez en los Estados Unidos en 1964 en el show de Ed Sullivan y dos días después de esa actuación en la televisión, el 11 de febrero de 1964 ofrecieron su primer concierto en el Washington Coliseum. Asistieron ocho mil personas rodeándolos, y de vez en cuando los Beatles paraban y movían el equipo para encararse al público en casi todas las posiciones. Al día siguiente tocaron en el Carnegie Hall de Nueva York, ante dos mil personas, y se fueron a Miami desde donde se retransmitió el 16 de febrero 1964 su segunda aparición en el show de Ed Sullivan. Los Beatles eran baratos por entonces y solo costaron , para dos directos unos seis mil dólares.
Volvieron en agosto de ese año y durante aquel año empezaron a llegar más bandas más británicas como Dave Clark Five o Gerry and The Pacemakers.
The Young Rascals
El 15 de agosto de 1965 los Beatles dieron su primer concierto en un estadio al aire libre, el Shea Stadium de Nueva York, ante 55.000 personas. Bernstein recordaba que ganaron 304.000 dólares, la mayor cifra en bruto obtenida con un concierto de rock and roll hasta el momento y que demostraba que los conciertos al aire libre a gran escala podían tener éxito y ser rentables. El sonido fue horroroso y los Beatles se desgañitaron para que les oyeran. En ese concierto, Bernstein puso en los cuadros de marcadores la frase: “The Rascals están llegando”. Había conocido a la banda de blue eyed soul formada en febrero de 1965, ese mismo verano y se encargó de su promoción durante cinco años. La gente, que nunca había visto sus caras, creía que eran un grupo de músicos negros. Al parecer había otro grupo que se llamaba Harmonica Rascals y para evitar conflictos, Sid les propuso cambiar el nombre por el de Young Rascals. Años más tarde volverían a Rascals a secas.
Los Beatles volvieron a tocar en el Shea en 1966 pero rechazaron el millón de dólares que les ofreció para repetir en 1967. Siguieron siendo amigos y Sid llegó a ofrecerles para un solo concierto en 1976, 100 millones de dólares pero tampoco aceptaron.
Bernstein también organizó conciertos de Frank Sinatra , Jimi Hendrix , o Sly & the Family Stone, y en 1964 trajo a los Estados Unidos a cantar a numerosos cantantes israelís como Shoshana Damari , Shaike Ophir y Yaffa Yarkoni. Sid era hijo de inmigrantes judíos. También fue el promotor de uno de los primeros conciertos por la paz celebrados en el Madison Square Garden de Nueva York en 1970 con la actuación de Jimi hendrix, y Pater, Paul and Mary. Por otra parte fueu n entusiasta de los Abba y les organizó una gira por USA.
Su vida inspiró los documentales “Sid Bernstein Presents” con la participación de numerosos artistas como Lenny Kravitz, Dick Clark, Shirley MacLaine, Paul Anka, Eric Burdon, los Rascals, los Moody Blues, Tito Puente o James Brown. Durant estos últimos años escribió dos libros de memorias y en 2012 grabó su propio álbum con versiones de sus canciones favoritas.
Documentos audiovisuales:
Los Beatles interpretan "Help" en el Shea Stadium en 1965 ante 55.000 personas, el primer concierto en un estadio al aire libre. El griterío es ensordecedor y Bernstein recordaba que el sonido fue muy malo lo que obligó a los Fab Four a desgañitarse.
Donna Hightower nació el 28 de diciembre de 1926 en Caruthersville, Missouri, y falleció el 19 de agosto de 2013 en Austin, Texas. Intérprete de R&B, soul, pop y jazz, tendría un considerable éxito en España donde se instalaría a finales de los sesenta. Aquí participaría en festivales de la canción y sacaría algunos singles conocidos. También colaboraría con grandes del jazz como Tete Montoliú y Pedro Iturralde.
Siendo una niña, su familia se trasladó a Los Ángeles donde se sintió atraída por el gospel, el jazz y el R&B. En el año 1955 grabaría temas de R&B como "Love me again" con los Jacks y la orquesta de Maxwell Davis. En 1958 sacaría el álbum “Take One” en el que participaban Ben Webster, Joe Wilder, Hank Jones, George Duvivier, Mundel Lowe y Don Lamond. También trabajó en Nueva York en el "Village Gate" con Billy Taylor.
Donna Hightower
En 1959 se trasladaría a Europa, donde actuó por varias capitales como Londres, París y Berlín. Cantó con la big-band de Ted Heath. En noviembre de 1960 actuó con Quincy Jones en el Olympia de París y en 1961 salió en el show televisivo de Catherine Valente en Berlín. A raíz de una actuación en la base americana de Torrejón, fue contratada para cantar en el "Whiskey Jazz durante donde la acompañaría al principio el trío de Paul Grass. También actuaría en otros locales míticos como el Bourbon Street, en ocasiones acompañada por Tete Montoliú o Pedro Iturralde.
En el año 1970 participa en el II Festival de la Canción Española, destinado a escoger la canción e intérprete para Eurovisión. Saca su primer single en castellano titulado “Soy feliz” . También se presenta al III Festival de la Canción de Málaga, Costa del Sol, con Danny Daniel y cantando la canción “Dreams like mine”. Obtiene el segundo premio.
Donna Hightower
En 1971 con Danny Daniel graban "El vals de las mariposas", canción de éxito en la época. Ese mismo año gana el IV festival de la Costa del Sol con “If You Hold my Hand” y en 1972 saca “This World Today is a Mess”, una de sus canciones más conocidas. Durante los siguientes años grabaría “Here I Am” (1973) o “I'm in Love with Love” (1974), y un trabajo con big band dirigida por Pedro Iturralde, llamado “El jazz y Donna Hightower. Soul Mate-Talk” (Columbia, 1975).
En los noventa regresaría a los Estados Unidos . En 2006 volvió a España con motivo de un homenaje que el festival "Via Jazz" de Collado Villalba la ofreció para reconocer su trayectoria. Al año siguiente cantó en una gira por toda España.
Documento audiovisual:
En el año 1955 grabaría temas de R&B como "Love me again" con los Jacks y la orquesta de Maxwell Davis.
Donna Hightower cantando en 1963 un tema de jazz, "Cherokee".
Años más tarde, interpretando uno de sus éxitos más conocidos, “This World Today is a Mess” (1972)
Nacida con el nombre de Beatrice Benjamin el 27 de octubre de 1936 en Johannesburgo, Sudáfrica, la cantante de jazz Sathima Bea Benjamin falleció el 20 de agosto de 2013 en Ciudad del Cabo donde se crió y empezó a cantar jazz antes de establecerse en Zurich y después en Nueva York.
Tras participar en varios concursos de talentos, en los cincuenta estuvo cantando en varios clubs acompañada por pianistas sudafricanos como Tony Schilder y Henry February. Interpretaba canciones de Nat King Cole, Billie Holiday, Doris Day, o Ella Fitzgerald que oía por la radio. A los 21 años se unió al show de Arthur Klugman con el que hizo una gira por su país. Durante esa gira conoció al saxofonista Kippie Moekersi y en 1959 volvió a Ciudad del Cabo donde empezó a cantar con el prestigiosos pianista Dollar Brand (aka Abdullah Ibrahim) con quien se casó en 1965. Con el trío de Ibrahim grabaría el primer álbum de jazz de Sudáfrica con el título de “My songs for you”.
Sathima Bea Benjamin
La pareja dejó el país por el apartheid y por sucesos tan lamentables como la masacre de Sharpeville en 1961. Se instalan en Zurick donde Ibrahim formaría un trío con el contrabajista Johnny Gertze y el baterista Makhaya Ntshoko. Tocaron por gran parte de Europa y en 1963, ella conoció en Zurich a Duke Ellington. Tras una actuación del norteamericano, ella insistió en que escuchara al trío de Ibrahim en el Club Africana. Duke se quedó maravillado de su sonido y se los llevó a Nueva York grabando para el sello Reprise de Frank Sinatra. Ese trabajo salió editado como Duke Ellinton presents the Dollar Brand Trio. Las grabaciones con Sathima en cambio permanecieron inéditas hasta 1996 que salieron a la luz con el título de “A Morning in Paris”acompañada por Ellington, Billy Strayhorn, Abdullah al piano en varios temas, más el bajista Johnny Gertze y el baterista Makhaya Ntshoko. En 1965 Duke le pidió a Sathima que se uniera permanentemente a su orquesta pero ella declinó su oferta a raíz de su recién matrimonio.
En Nueva York también pudo cantar con otros genios como Don Byas, Dexter Gordon, Kenny Drew, Ben Webster, Bud Powell, John Coltrane, o Thelonious Monk. A lo largo de los sesenta estuvieron tocando tanto por Europa como por América pero ella pasó a desempeñar el trabajo de gerente de su marido y cuidadora de su hijo.
Sathima con Duke Ellington
En 1976 decidieron volver a Sudáfrica donde empieza otra época para Sathima grabando el fantástico disco “African Songbird”, con temas propios,editado por el sello As-Shams (Sun). Ese disco fue ninguneado por el poder blanco y uno de sus originales es pieza codiciada por los coleccionistas. Tras el nacimiento de su hija Tsidi, cantante de rap que se cambiaría el nombre más tarde por el Jean Grae, en 1979 regresaron a Nueva York y se instalan en el famoso Hotel Chelsea. Crean el sello Ekapa rpm, para editar la música de ambos con un total de ocho álbumes hasta principios de la década de los dos mil. Esos discos son “Sathima Sings Ellington”, “Dedications”, “Memories and Dreams”, “Windsong”, “Lovelight”, “Southern Touch”, “Cape Town Love” y “Musical Echoes”.
Sathima Bea Benjamin
Durante esos años le acompañan otros músicos como el saxofonista Carlos Ward, los pianistas Stephen Scott, Kenny Barron, Larry Willis y Onaje Allan Gumbs, el bajista Buster Williams y los bateristas Billy Higgins y Ben Riley. En octubre de 2004, el presidente sudafricano Thabo Mbeki le concedería la medalla de la Orden de Ikhamanga por su contribución al mundo del jazz y por su lucha contra el apartheid. Por su parte, Ibrahim ha sacado distintos trabajos durante estas últimas décadas hasta el “Sotho Blue (& Ekaya) de 2010. Ella sacó en 2006 el disco “Songspirit” y en 2011 se instaló en Ciudad del Cabo donde ha fallecido a los 76 años.
Documento audiovisual:
Sathima Bea Benjamim cantando "Solitude" con Duke Ellington en el disco grabado en 1963 que permaneció inédito hasta 1996.
"África" es el título del largo tema de afrojazz modal con más de 20 minutos de duración que forma parte del emocionante álbum "African Songbird" (1976).
Cedar Athony Walton, Jr. nació en Dallas (Texas) el 17 de enero de 1934 y fallecía el 19 de agosto de 2013 en Brooklyn (Nueva York). Pianista de hard bop, formó parte de los Jazz Messengers de Art Blakey, entre otras míticas formaciones, y tuvo una prolífica carrera en solitario tanto como pianista, como director, arreglista y compositor.
Cedar Walton se inició con el piano a los diez años, y se interesó por el jazz por los discos de su madre, también pianista, quien le llevó a numerosas conciertos. Se matriculó en la Universidad de Denver, ciudad a la que se había trasladado su familia, donde se especializó en enseñanza musical. En 1955 se trasladó con un amigo a Nueva York donde empezó a ser conocido en los circuitos del jazz pero fue reclutado por el ejército y destinado a Alemania. Dos años después, formó parte del prestigioso The Jazztet, dirigido por el saxofonista Benny Golson y el trompetista Art Farmer. Entre 1958 y 1961 grabó con el Jazztet un par de discos llamados "Big City Sounds" (1960) y "The Jazztet and John Lewis" (1961). Durante los cincuenta también tocó con Kenny Dorhan, Gigi Gryce, Lou Donaldson y Jay Jay Johnson. También grabó con John Coltrane su “Giant Steps” de 1959. Ese mismo año, participaría en el disco “Blue Spring” de Kenny Dorham y Cannonball Adderley.
Cedar Walton
En 1961 entraría a formar parte de los Jazz Messengers de Art Blakey hasta el año 1964. Durante ese tiempo estuvo tocando de gira con ellos, y grabó discos como los famosos “Mosaic” (1961), “Free for All” (1964), entre otros memorables registros como “Kyoto” o “Indestructible” también del 1964. A finales de los sesenta empezó su carrera en solitario al mismo tiempo que formó parte de los músicos de estudio de Prestige. Grabó con Sonny Criss, Pat Martino, Eric Kloss, Charles McPherson o Lee Morgan, y acompañó a Abbey Lincoln o a Etta James. Sus álbumes en solitario para Prestige fueron “Cedar!” (1967), “Spectrum”, (1968) más “The Electric Boogaloo song” y “Soul Cycle” ambos de 1969.
Durante los setenta dirigió al grupo de funk Mobius al mismo tiempo que colaboró con Eddie Harris, Blue Mitchell, Lee Morgan, Freddie Hubbard o Milt Jackson. En los ochenta encabezó un cuarteto llamado Eastern Rebellion por el que pasaron grandes maestros del jazz como George Coleman, Sam Jones, Billy Higgins, Tony Dumas y Bog Berg. En los ochenta grabó con los Timelles All Stars y sacó numerosos trabajos en solitario o en formación de trío. Su prolífica obra siguió en las siguientes décadas hasta su último disco llamado “The Bouncer” de 2011.
Entre sus clásicos podemos destacar "Firm Roots", "Bolivia", y "Cedar's Blues" o sus composiciones "Bolivia" o "Fantasy in D", grabada con el título de "Ugetsu" por Art Blakey en 1963.
Documentos audiovisuales:
Su conocido tema "Fantasy in D" que grabaría Art Blakey en 1963 con sus Jazz Messengers con el nombre de "Ugetsu".
Otro de sus temas más destacados, "Bolivia" grabado con los Eastern Rebellion en 1976.
Su trabajo de jazz funk con la banda Mobius en 1975 al que siguió su Lp de 1976, "Beyong Mobius".
Alex Lago, bajista de los vigueses The Blows fallecía el 19 de agosto de 2013 a consecuencia del cáncer que padecía, contra el que ha luchado desde que le fuera diagnosticado en 2010. Alex había formado parte de los March y ahora estaba integrado en un nuevo proyecto llamado la Guerra del Fuego creado a principios de este 2013 con otros dos de los miembros de Blows tras disolverse la mencionada banda. Alex también formó parte de otras bandas como Los Fortunas o Pedrito Diablo.
The Blows fueron un grupo que se formó en Vigo en el año 2006 por Roy Basanta (voz y guitarra), Bruno Mosquera (guitarra), Álex Lago (bajo) y Álex Penido (batería). Su música empezó siendo una mezcla de new wave, after punk y rock and roll. En busca de un sonido propio, sacan una primera maqueta llamada “05.00 AM” (2006), con cuatro temas que se escuchan por varias radios de ámbito estatal como Radio 3.
The Blows
Consiguen algunos premios en Galicia y firman con la discográfica Pupilo con quienes sacan su disco debut titulado “Upskirts” en 2008. Con ese disco obtienen buenas críticas y una gran aceptación en los circuitos indies. Ese mismo año, el Festival de Cáceres Pop-Art, organizado por la asociación Bon Vivant Records, les concede el premio al mejor grupo revelación nacional. Al año siguiente sacan un single con el tema “Berlín” con “Catwalk” en la cara B, y se producen cambios en la formación. Gael Pintos substituye a Penido. De un sonido donde predominaban las guitarras pasan a otro en el que sobresalen los sintetizadores tocados por David Rodríguez Rial. Cabe mencionar también que Pepe Jeans London elige un par de sus canciones para una campaña publicitaria a nivel internacional de su colección de primavera-verano 2010. Con su siguiente trabajo recuperan el poderío de sus guitarras. Se trata de un proyecto titulado Ejército de Fantasmas” (2012), ya como Blows, en el que cantan en castellano. La banda está formada por Roy Basanta, Alex Lago, Bruno Mosquera, más el guitarrista Tarci Ávila y el baterista Manu Ares.
Alex Lago
Tras conocerse la enfermedad que padecía Alex y la necesidad de probar un caro tratamiento como única opción, en diciembre del 2011 se celebra un concierto solidario en la sala Mondo con el título genérico de “Blows fuck cancer”, en el que Alex también tocó con sus Blows, para ayudarle a sufragar los gastos en un hospital de Navarra. Se agotaron las entradas para una noche memorable en la que actuaron Amaro e Iván Ferreiro, Eladio y los seres queridos, Ibán Marciano, March, Meteoro Dj, Nicolás Pastoriza, Paco Catpeople, Pedrito Diablo y los Cadáveras, Silvia Superstar, Thee Tumbitas y Triángulo de Amor Bizarro, entre otros.
Documento audiovisual:
Blows interpretan "Ira", tema de 2012, incluido en su proyecto de "Ejército de Fantasmas".
Allen Lanier nació en Long Island (Nueva York) el 25 de junio de 1946 y murió el 14 de agosto de 2013 a consecuencia de una EPOC (enfermedad pulmonar obstructiva crónica). Teclista y guitarrista, fue miembro original de la Blue Öyster Cult desde su formación en 1967 hasta 1985, volvería dos años después y se retiraría de los escenarios a mediados de la década de los dos mil. Es autor de los temas "True Confessions", "Tenderloin", "Searchin' for Celine", "In Thee" o "Lonely Teardrops". También colaboró con Patti Smith, Jim Carroll, The Dictators y los Clash.
Blue Öyster Cult es un grupo de hard rock psicodélico formado en Long Island, Nueva York en 1971. En 1967 se crea el grupo psicodélico Cows, que más tarde se convertiría en Soft White Underbelly, ("blanco y blando bajo vientre", frase de la Segunda guerra mundial pronunciada por Winston Churchill para referirse a Italia). En esa banda estaban los tres Blue Öyster Cult, Albert Bouchard (batería), Allen Lanier (teclados) y Donald "Buck Dharma" Roeser (guitarra). Meses más tarde se les une el vocalista Eric Bloom, ataviado siempre con gafas oscuras y el bajista Joe Buchard que estuvo hasta 1986. De nuevo cambian de nombre por el de Stalk Forrest Group de quienes se publicó en 2001 un recopilatorio con el nombre de "St. Cecilia: The Elektra Recordings". Su sonido fue evolucionando de la ácida psicodelia al hard rock. Les ficharía CBS y en 1972 ya con su nombre actual sacan su primer álbum, “Blue Öyster Cult” cuya portada les trajo acusaciones de nazismo por un símbolo que podría recordar a una esvástica. En realidad ese símbolo, la famosa cruz de Blue Öyster Cult, en cuya base tiene forma de gancho, fue creado en 1972 por Bill Gawlik, y fue adoptado como logo oficial. Es una adaptación del símbolo que representa al Titán Cronos en la Mitología griega, o Saturno en la Mitología romana.
Blue Öyster Cult 70's
“Tyranny and Mutation” (1973) fue el título de su segundo álbum y contenía grandes temas como "Hot rails to hell" o "Seven screaming diz busters". Al año siguiente sale su tercer álbum “Secret Treaties” con canciones memorables como "Harvester of eyes", "Astronomy", y contó con la colaboración de Patti Smith, quien mantuvo una relación sentimental con Allen, y los periodistas Sandy Pearlman y Richard Meltzer, quienes serían los encargados desde los inicios de escribir las letras inquietantes y misteriosas de su álbumes.
Blue Öyster Cult, recientemente
Tras un doble álbum en directo llamado “On Your Feet or on Your Knees” (1975), sacan el disco “Agents of Fortune” (1976) con el exitoso tema "Don't fear the reaper". Le siguieron otros trabajos como “Spectres” (1977) con grandes temas como "Godzilla", "Nosferatu" o "The golden age of leather". Otro nuevo álbum en directo, “Some Enchanted Evening” vería la luz en 1978 y al año siguiente “Mirrors” (1979), trabajo menos valorado que los anteriores. Con los ochenta su sonido se decantó hacia un hard rock cercano al heavy metal de la mano de productores como Martin Birch y salieron discos como “Cultösaurus Erectus” (1980), "Fire of Unknöwn Origin (1981), otro directo llamado “Extraterrestrial Live” (1982). Rick Downey sustituyó al batería Albert Bouchard y grabaron “Revolution by night” (1983). Lanier fue sustituido por Tommy Zvoncheck y Jimmy Wilcox se incorporó a la batería, con esta formación graban Club Ninja (1985). En 1987 entra a tocar el bajo Jon Rogers y en 1988 saldría el álbum “Imaginos”.
Allen Lanier, recientemente
Durante los noventa y los dos mil la producción de la banda bajó considerablemente. En 1992 salió “Bad Chanel”, en 1994 “Cult Classic” con canciones regrabadas; y en 1998 apareció “Heaven Forbid” que contó con nuevo bajista Danny Miranda, y la colaboración del escritor de ciencia ficción John Shirley. A finales de los noventa, Allen les dejó por enfermedad y fue substituido a los teclados por los guitarristas Kasim Sultan (1998) y Al Pitrelli (1999).
“Curse of the Hidden Mirror” (2001) fue el titulo del siguiente álbum con el baterista Bobby Rondinelli. En 2002 salió “A longs day’s Night” y en 2004 se incorporaron Richie Castellano al bajo y Jules Radino a la batería para acompañar a los fundadores Bloom, Dharma y el difunto Allen Lanier quien se retiraría en 2006. Al año siguiente, 2007, se publicaba un directo llamado “Live in America” grabado en Nueva York en 1981.
Documentos audiovisuales:
"All night Gas Station, tema de finales de los sesenta de los ácidos Soft White Underbelly.
"Arthur Comics" tema del Stalk-Forrest Group.
"True Confessions", tema de Allen incluido en el álbum de 1976, "Agent of Fortune" de la BÖC.
La Blue Öyster Cult interpretando en directo en el Capitol Center, Largo, Maryland en 1976 el tema "Harvester of Eyes".
Thomas Paul 'Tompall' Glaser nació el 3 de Septiembre de 1933 en Spalding (Nebraska) y murió el 13 de agosto de 2013 en Nashville (Tennessee). Fue uno de los más destacadas cantantes del llamado sonido “outlaw” country. Empezó cantando con sus dos hermanos, acompañados por guitarra, mandolina y banjo, en el famoso trío Tompall and The Glaser en los años cincuenta y en los setenta inicio una brillante carrera en solitario al margen de la ortodoxia vaquera de Nashville.
Enseñó a cantar a sus dos hermanos Jim y Chuck con los que formó el trío Tompall and The Glaser con los que graba para el sello Robbins Records en 1958, propiedad del gran Marty Robbins. Sacaron tres singles, con temas como “Nickel Five Penny” que les abren las puertas de Decca en 1959 hasta 1966, años en los que sacan canciones como "She Loves the Love I Give Her", “Lay Down the Gun”, “Careless Love Goodbye” o “I´m Losing Again”. Esos temas les llevan a la fama y les permiten realizar grandes giras como estrellas, incluido el escenario del Grand Ole Opry a partir de 1962. Cuatro años después, 1966, firman con MGM Records con el productor Jack Clement. Por entonces, Tompall Glaser ya es también un reputado compositor de temas como “You´re Makin´ A Fool Out Of Me” que interpreta Jimmy Newman; “I Don´t Care Anymore” a cargo de Flatt & Scruggs, o “The Streets of Baltimore” por Jimmy Dean. En el año 1969 los tres hermanos ya son una de las formaciones más sólidas y aclamadas de Nashville. Tienen su propio estudio, el Hillbilly Central en la Music City y sacan Lp’s muy valorados como “Through the Eyes of Love”, “Now Country” o “Tick Tick Tick”.
En 1973, Tompall empieza su propia carrera en solitario, y sus hermanos le substituyen temproalemtne por Shaun Nielsen de la banda de Elvis Presley. En pleno auge del “outlaw country”, y saca su trabajo “Charlie” con grandes canciones como “Big Jim Colson”, “Ode To My Notorius Youth” o “Bad Bad Bad Cowboy”. En 1975 consigue de nuevo un gran éxito con el disco “Tompall (The Songs of Shel Silverstein)” y en 1977 grabará un par de álbumes con ABC Records con el nombre de Tompall Glaser And His Outlaw Band. En 1976 grabaría con Waylon Jennings, Willie Nelson y Jessi Colter el disco reivindicativo de un nuevo estilo de country llamado "Wanted! The Outlaws".
En 1981 volverían a reunirse los hermanos Glaser y dos años después Tompall sacará otro disco en solitario llamado “Nights On The Bordeline” en MCA Dot Records. Después se retiró del mundo discográfico.
Nota: Este pop-bituario ha sido redactado con la información que podéis leer en el magnífico blog “Country Music”, escrito en español, que ya os hemos recomendado en varias ocasiones.
Documento sonoro:
"She Loves the Love I Give Her", tema de 1959 que grabaron para Decca.
Los hermanos Glaser cantando "A girl love you" de 1973.
Tompall Glaser interpretando "Put Another Log on the Fire (Male Chauvinist National Anthem)", canción de 1975.
El batería de The Charlatans, Jon Brookes, nacido en Burntwood, Staffordshire, ha fallecido el 13 de agosto de 2013 a los 44 años a consecuencia del tumor cerebral que padecía. Le diagnosticaron la enfermedad en 2010 tras padecer un colapso en plena actuación. Tras recuperarse y numerosas operaciones quirúrgicas, volvería a tocar con la banda británica pero en 2012 reaparecieron graves problemas pese al tratamiento que al final han acabado con su vida. The Charlatans estaba formada actualmente por Tim Burgess, voz; Martin Blunt, bajo; Mark Collins, guitarra; Jon Brookes, batería; y Tony Rogers, teclado.
The Charlatans
El baterista Jon Brookes, también conocido en esa época por "Jon Boy" formó parte, antes de los Charlatans, de los Gift Horses, banda integrada por los Makin'Time Fay Hallam, órgano, y Martin Blunt, bajo, más Graham Day (ex The Prisoners), voz y guitarra, que sacaron un single para POP-I records con los temas "Rosemary" i "Learning To Bring Yourself Down".
The Charlatans, banda de “garage” psicodélico asociado con el sonido Madchester (movimiento musical desde finales de los ochenta y noventa en la ciudad de Manchester), se formaron en el año 1988 con los músicos de West Midlanders: Martin Blunt (bajista), Rob Collins (teclados 1989-1996), Jon Brookes (baterista) más el cantante y guitarrista Baz Ketley, reemplazado por Tim Burgess, y Jon Day (Jonathan Baker) (guitarra 1989-1991). Algunas fuentes citan la ciudad de Northwich (Cheshire), como lugar de formación ya que se trasladaron a vivir con el cantante Tim Burgess quien había residido en su juventud en esa localidad británica. Grabaron sus primeras demos en Birmingham y Dudley en 1988. Editaron su primer single “Indian Rope”, en su propio sello llamado Dead Dead Good del que llegaron a vender 20 mil copias. Después ficharon por Beggars Banquet con los que alcanzaron el éxito con la canción, entre otras, “The Only One I Know”, uno de los símbolos del sonido Madchester de los noventa.
The Charlatans
Su primer álbum se llamó “Some Friendly” (Beggars Banquet 1990) al que siguió “Between 10th and 11th” (Beggars Banquet 1992). En ese trabajo Mark Collins reemplazaría a Jon Baker. Al año siguiente, el teclista Rob Collins fue ingresado en prisión durante cuatro meses por colaboración con un robo a mano armada. Esperaba en el coche cuando un amigo suyo se le ocurrió atracar una licorería. En 1994 sacaron “Up To Our Hips” (Beggars Banquet) , que contenía el tema también exitoso de “Can't Get Out Of Bed”. Un año después vio la luz el disco homónimo, “The Charlatans UK” (Beggasrs banquet 1995) de nuevo en el número uno, con el single Just When Your Thinkin' Things Over. The Charlatans UK era el nombre por el que se promocionaban en los Estados Unidos ya que existía una banda de “garage” de los sesenta formada en San Francisco que tenía registrado ese nombre.
Rob Collins moría en julio de 1996 en un accidente de tráfico y Martin Duffy de Primal Scream les ayudo para acabar el disco en el que estaban trabajando, “Tellin’Stories” ( Beggars Banquet 1997). Después se uniría Tony Rogers como teclista y consiguieron uno de sus mayores éxitos con “One to Another”.
The Charlatans
En 1998, firmaron con Island Records con los que editaron varios álbumes como “Us and Us Only” (1999) con temas como “Forever”, o “My Beautiful Friend”; “Wonderland” (2000) con “Love is the Key” y “Man Needs to be Told”. Por su parte, Tim Burgess sacó un álbum en solitario con el título de “I Believe” en 2003. Charlatans editaría su octavo disco “Up at The Lake” (2004) con temas aclamados como la mencionada “Up at The Lake” y “Try Again Today”, tras el cual firmaron con Sanctuary y sacaron el álbum “Simpatico” (2006) con su también famoso “Blackened Blue Eyes”.
Universal Island editó “Forever. The Singles”, un álbum con DVD donde se resumía la historia del grupo desde 1990 hasta 2006. Después vendrían otros trabajos como “You Cross My Path” (Cooking Vinyl 2008) y “Who We Touch” (Cooking Vinyl 2010).
The Charlatans suspendieron su gira norteamericana el 15 de septiembre de 2010 tras sufrir Jon Brookes un colapso en pleno concierto. La banda estaba actuando en el club Johnny Brenda’s de Philadelphia. Le substituiría el batería de Verve, Pete Salisbury, durante unos conciertos. Tras recuperarse, regresó unos meses más tarde, antes de sufrir una recaída en septiembre de 2012. Pasó tres veces por quirófano, la última recientemente. La banda estaba trabajando este 2013 en nuevos temas para su próximo disco de estudio.
Documento audiovisual:
“The Only One I Know” (1990), uno de los símbolos del sonido Madchester de los noventa.
El pasado 3 de agosto de 2013 nos dejaba Josechu Modforever. Para quienes no tenían el honor y el placer de conocerle, se trata del responsable de uno de los blogs más activos, minuciosos, ejemplares y completos sobre el mundo mod que se podían consultar actualmente en internet, desde su creación en marzo de 2009. Josechu no solo tenía un conocimiento extraordinario sobre el modernismo en todas sus latitudes y demostraciones vitales, sino que sus textos, recomendaciones y selecciones musicales, siempre originales y sorprendentes, se pueden considerar, a todas luces, como uno de los mejores compendios sonoros que conozco con actitud y elegancia mod.
Mi más sincero pésame para su familia y amigos. En su memoria, este breve pop-bituario del Magic Pop, con la emoción de releer una vez más esos mensajes de mod a mod, de blogger a blogger con el que nos dábamos ánimos mutuamente, sin conocernos personalmente y desde la distancia, para seguir adelante con esta tarea, a veces tan ardua y poco recompensada, como es escribir sobre esta música que tanto nos apasiona. Allí donde estés, Magic Pop te tendrá siempre presente… Josechu, Modforever!!!
Nota: podéis consultar su enorme trabajo realizado durante todos estos años aquí.
El saxofonista puertorriqueño Eddie "la bala" Pérez, miembro fundador de la legendaria orquesta de ritmos latinos El Gran Combo de Puerto Rico, falleció el 9 de agosto de 2013 en un hospital de Puerto Rico según informó su propia hija. Padeció una infección tras amputarle el pie por problemas con la diabetes que padecía.
Eddie era uno de los dos miembros fundadores del Gran Combo de Puerto Rico, que aún seguía en activo en la mítica formación. El otro es el pianista y director, Rafael Ithier. Empezó a tocar la flauta, pero no le gustó, y se pasó al clarinete, aunque finalmente se decidió por el saxofón alto. Estudió en la Escuela Libre de Música de San Juan y después entró a formar parte de orquestas locales. Su apodo de “la bala” procedía de alguien que un día de joven le vio correr muy deprisa. También tenía la costumbre de mover los hombros cuando tocaba, movimiento que repetiría siempre tras un día que se le rompió la correa del instrumento y tuvo que ponerse una de plástico que le molestaba.
El Gran Combo de Puerto Rico se fundó en el año 1962 por Ithier, Pérez y Roberto Roenam cuando el trío rompió con el grupo de Rafael Cortijo y su banda donde tocaron ocho años. Ese mismo año sacaron su primer disco “Menéame los mangos", con el cantante dominicano Joseíto Mateo. Los miembros iniciales eran Rafael Ithier, piano; Eddie Pérez, safoxón; Héctor Santos, saxofón; Rogelio "Kito" Vélez y Víctor Pérez, trompetas; Martín Quiñones, congas; Miguel Cruz, bajo; Milton Correa, timbales, y Roberto Roena, bongos. Tuvieron como cantantes a Daniel Vázquez, Pellín Rodríguez y Chiqui García quien abandonaría y sería substituido Junior “Andy” también conocido por Eddie Montañez.
Al año siguiente sacaron “De Siempre” y al poco tiempo su música sonó en las mejores salas de baile de Nueva York y de allí su fama se extendió por la República Dominicana, Panamá, Colombia y Venezuela. En 1964, entró a formar parte del Combo el músico Elías López y en 1967, triunfaron con su álbum “Boogaloos con el gran Combo”. Dos años después, 1969, Roberto Roena y Elías López abandonaron la orquesta y forman el Apollo Sound. Les substituyen Baby Serrano y Edwin Cortés. Héctor Santos y Víctor Pérez también dejaron la banda y fueron reemplazados por José Duchesne y Mike Torres, quién dejaría su puesto a Gerardo Cruz. En 1969 ganarían el premio Agüeybaná de Oro en Puerto Rico, a la mejor orquesta.
En los setenta Milton Correa fue substituido por Miguel Marrero. Entró el coreógrafo Mike Ramos y a Mike Torres le sustituyó “Taty" Maldonado. Dejaron a la discográfica Gema Records, por necesidad, y crearon su propio sello EGC Records. Su primer trabajo llevaba por nombre "Estamos Primeros".
Al año siguiente, 1971, introducen el trombón con Fanny Ceballos, quien murió de cáncer en 1991. Sacaron el álbum "De Punta a Punta" y en 1973 Pellín Rodríguez dejaría la banda y entraría Marcos Montañez, hermano de Andy Montañez, quien dejó su puesto a Charlie Aponte. En 1975 Miguel Cruz deja el combo por cuestiones médicas y fue sustituido por Fernando Pérez. La orquesta siguió ganado premios y más premios, mientras se jubilaba Martín Quiñones y les dejaba también Andy Montañez. Entraría Jerry Rivas quien formaría un famoso dúo con Aponte hasta la actualidad.
En 1978 confirmaron su estrellato con el álbum "El Gran Combo en Las Vegas" y al año siguiente salió "Aquí no se sienta Nadie". En la década de los ochenta grabaron el álbum “Unity”, celebraron su 20 aniversario en el Madison Square Garden y llegaron a Europa. Después salió “Breaking the Ice” (1984) que les consiguió su primera nominación al Grammy. Durante los noventa celebran conciertos multitudinarios y en 2002 celebraron su 40 aniversario con dos conciertos, con todas las entradas vendidas, en el Coliseo Rubén Rodríguez en Bayamón, Puerto Rico. Un año después obtuvieron una nominación al Grammy por el Mejor Álbum Tropical.
Siguieron sacando gran cantidad de álbumes, recibiendo más galardones y en 2010 grabaron su más reciente álbum, “Si No Hay Salsa No Hay Paraiso”. En 2012 celebraron sus 50 Años de trayectoria. Fue una de las últimas veces que Pérez tocó con el Combo en el Coliseo de Puerto Rico José M. Agrelot de San Juan. El grupo es conocido por multitud de temas como "La Soledad", "Falsaria", "Un verano en Nueva York", "Eliminación de Feos", "Gotas de lluvia", "La muerte", "Azuquita pa´ el café", "La fiesta de pilito", "No hay cama pa´tanta gente", "Me liberé", entre muchas otras.
Documento sonoro:
En 1967 triunfaron en el álbum "“Boogaloos con el gran Combo” (Gema Records).
El Gran Combo interpreta en directo "La Soledad" en 1976 con el cantante Andy Montañez.
