Hugo Rasmussen nació el 22 de marzo de 1941 en Bagsværd,
Dinamarca, y falleció el 30 de agosto de 2015 en Frederiksberg, Dinamarca. Prestigioso contrabajista, es conocido principalmente
por su disco de 1978 titulado “Sweets to the Sweet”. Ha tocado y grabado con otros
músicos daneses, entre otros de ámbito internacional llegando a ser uno de los contrabajistas
más cotizados del mundo y grabando más de 800 discos.
Hugo Rasmussen
Cuando cumplió 18 años le
regalaron un contrabajo. Tres años después empezó su carrera como profesional con una brillante trayectoria que
abarcó varias décadas. En los setenta tocó en la banda del Rock Johnny Show y en
1978 sacó con RCA su gran disco “Sweets to the sweet” con Doug Raney a la
guitarra y Jesper Thilo al saxo tenor. En 1981 grabó un disco de country blues con Paul
Banks, Jørgen Lang, y Martin Andersen, bajo el título de “Desperados In Disguise”. Lo editó Medley Records. Dos años después sacó con Lars Graugaard, Christian Sievert, y Bjarne Rostvold el álbum de jazz “Kvartetten” editado por
Stunt records. Y en 1984 grabó con Flemming
Krøll, Finn Ziegler, John Uldall,
Kim Menzer, Lars Black, y Svend-Erik Nørregaard el álbum de country folk “Portræt Af En
Visesanger” para Hamlet.
Ole Bram & Fritz von Bülow Kvartet con Hugo y Mikkel Find
Rasmussen fue contrabajista
de la Norbert Susemihl's New Orleans All Stars y formó en 1999 la banda Hugo
Rasmussen AllStarz con Jakob Dinesen (saxo tenor), Kasper Trandberg (trompeta),
Andrew Hyhne (trombón), Heine Hansen (piano) y Kresten Osgood (baterista). Formó parte de numerosas formaciones de jazz.
En 2001 el sello danés
Mecca reeditó su disco “Sweets to the sweet” y en 2009 ganó el premio de jazz Ærespris que se concede en Dinamarca
por la International Federation of the Phonographic Industry. Entre los discos que ha colaborado destacan “The Jeep Is Jumping” de Ben Webster (1965); “Ben Webster Plays Ballads” (1970); “Swiss Suite” de Oliver Nelson (1971); “Birdtown
Birds” de Joe Albany (1973); “Arrival” de Horace Parlan (1974); “Harry Sweets Edison” de Eddie Lockjaw Davis y
Richard Boone (1976); “ Together Again” de Wild Bill Davison (1977); “Introducing Doug Raney” de Doug Raney (1977);
“The Ralph Sutton Quartet” de Ralph
Sutton (1977) y “Al Grey and Jesper Thilo Quintet” (1986).
Durante su larga carrera
tocó jazz tradicional, modernista, de vanguardia, folk, beat, country, blues, música
infantil...con un dominio del tempo absoluto medido con una profesionalidad,
buen gusto y un criterio excelente.
Documentos sonoros:
"Meditation", de su disco“Sweets to the Sweet” (1978).
La Capitán Cavernícola Blues Band acaba de autoeditarse con Vinyl Rules dos de sus más recientes y mejores temas, “A mi manera” y “Soy tu mecánico”, en un bonito single 7” de vinilo color azul eléctrico con atractivo pop-artwork. Se trata de un tema propio, muy a su manera como su nombre bien indica, acompañado de una adaptación no menos genial de la canción “Soy tu mecánico” de sus paisanos The Mejores con el que también han grabado un fantástico videoclip dirigido por el prestigioso cineasta también avilesino, Fran Vaquero. Ambas canciones también las puedes conseguir en formato Cd con un par de corte más, otro tema original y un cover de los Waterboys. A esta banda avilesina le avala una larga trayectoria que arranca en los ochenta, interrumpida por un necesario descanso a finales de los noventa. Regresaron a mediados de la década de los dos mil ofreciéndonos un selecto surtido de canciones originales con el blues como principal referencia estilística, adobado con variados detalles tanto rítmicos como melódicos del R&B, el soul, el country o las esencias hillbilly. Con su habitual desparpajo, siguen dando vida a nuevas canciones como las de este nuevo single en vinilo en el que también destacan sus habilidades instrumentales, que no son pocas, y esa capacidad indiscutible de aunar realidad cotidiana con la grandeza del rock and roll. Trayectoria
Capitán Cavernícola Blues Band. Foto de su web.
La Capitán Cavernícola Blues Band se creó en el año 1993 en Avilés por Luis y Pablo Fernández, guitarra y bajo respectivamente, quienes habían formado parte en los ochenta en bandas mod como los Módicos y después los Vengadores; más el vocalista y armonicista Alejandro Nelson conocido por el sobrenombre de “Chile”. Sacaron con la discográfica asturiana Norte-Sur Records un single “Riiiing!!!!” en 1994, y al año siguiente un EP “Un poco de soul” más otro EP en directo titulado “La Cueva Fantástica”. Completaba esta primera formación Gonzalo García (Saxo). Carlos Menéndez (batería y percusiones), graba el segundo Ep y se hace cargo de la sección rítmica hasta la actualidad. En el año 1996 sacan un disco en formato CD, con el título de “Yo me voy”, con colaboraciones de una extensa lista de músicos de la escena musical avilesina.
Capitán Cavernícola Blues Band. Foto de su facebook
Tras un descanso, volvieron a los escenarios a mediados de la primera década de este siglo. Resurgen en 2006 con un Ep llamado “Por la banda”. En este nueva época se añaden al proyecto una sección de metales formada por Rubén Menéndez (Trompeta), Jorge Viejo (Saxos Barítono y Tenor) y Tomás Azpiri (Saxo Tenor). Su segundo larga duración se titula “La Era de los Metales” en formato CD y Vinilo editado por Gasómetro Records. También graban el primer videoclip oficial de la banda con el tema “Sigue bailando” realizado por Javier Calzada. Para la grabación de ese disco cuentan también con Miguel Herrero al piano y producción, Oscar García al saxo alto, Dani Herrero al saxo tenor, Aitor Guerrero a la trompeta, Richard García al órgano, Ismael Frenético y Alex Cash a los coros. Puedes leer nuestra extensa reseña de ese disco aquí.
Capitán Cavernícola Blues Band. Foto de su web
En el año 2013 sacan su nuevo disco “Blues Band” editado en 2013 por Gasómetro Records y grabado el mismo año en Acme Records. Contiene cinco canciones con los títulos “Sueño”, “Salgo por la noche”, “Asi no hay quien viva”, “Child” y “Caldonia”. Las cuatro primeras son propias y la ultima una versión de Louis Jordan popularizada por infinidad de artistas de blues. Fue grabado por “Chile”, voz y armónica; Luis Fernández a la guitarra; Pablo Fernández al bajo; Charly a la batería; Rubén Menéndez a la trompeta; Jorge Viejo a los saxos tenor y barítono; Miguel Herrero a los teclados; y Sara Nea, Chiri Pelaez, Ismael Carnerero y Pablo Fernández a los coros. También se realizaron un par de videoclips con las canciones: ”Así no hay quien Viva” y “Salgo por la Noche”, con dirección de Titi Muñoz.
Capitán Cavernícola Blues Band. Foto de su web
El single y cd-Ep que te presentamos lo graban en los estudios Dynamita, Charly a la batería, Pablo Fernández al bajo y coros, Luis Fernández a la guitarra, ukelele y coros, “Chile” a la voz principal y armónica, Rubén Menéndez a la trompeta y Jorge Viejo a los saxos. Colaboran César Blanco al piano, órganos y coros; Carlos Blanco al saxo y coros; Sara Nea a la voz y coros; Chiri Peláez a la guitarra y coros, y Vañi a los coros. Lo ha producido Danny G. más la banda, y el artwork es de Mariola Bogas con varios dibujos y fotos tratadas con elegancia y sensualidad pop-art.
También se ha producido un videoclip del tema “Soy tu mecánico” dirigido por Fran Vaquero con la participación de Adriano Prieto en el papel principal del “Mecánico”. Musicalmente han contado con la colaboración de Patri Sax (saxo alto), Carlos Blanco (saxo tenor), Sara Nea (voz y coros) y Chiri Peláez (coros), y Carlos Martagón (piano). Vaquero es autor también de otros conocidos videoclips de temas de Doctor Explosion, Mc Coyson, o Los Ilegales, entre otros.
Las canciones
Capitán Cavernícola Blues Band. Foto de su web
En la cara A nos ofrecen el tema “ A mi manera” en el que vuelcan toda su ingente creatividad mediante unos arreglos de rock and roll en los que todos los instrumentos obtienen una parte destacada, desde el piano a las guitarras, más la aportación indispensable de metales, pasando por un excelente acompañamiento rítmico. “Sigue siendo tú mismo, nunca intentes del todo cambiar… estás hecho de otra pasta… sigo luchando, el rock en mis venas, nada me sacia tanto como el rockanrolear!!!” . Una voz principal portentosa, un buen solo de guitarra, filigranas con armónica, y genialidades de soul a cargo de la sección de viento, convierten este tema en un perfecto y espectacular arranque repleto de emoción y diversión a raudales.
Capitán Cavernícola Blues Band. Foto de su web
Y en su cara B, oímos el genial “Soy tu mecánico”, adaptación cavernícola del tema del guitarrista asturiano Julio González, más conocido como Julio Gilsanz, para su grupo de los noventa, The Mejores. Una sensacional combinación lírica y musical para cautivarnos con un motivo real como la vida misma: la historia vital de un mecánico, adornada con esos riffs de antología, entre otras aportaciones sonoras, a cargo de toda la banda, dignas de mención. Frases con doble sentido del tipo “Hay un ruido en tu motor, veremos lo que pasa, tendré que ajustarte la junta de culata” se combinan con un solo de hiriente guitarra, metales elevando la tensión, y esa gran voz principal compenetrándose con la armónica y con otra solista femenina no menos genial. Con “Náufragos” se tornan un tanto más intimistas. A destacar ese inicio de piano, con ritmos de country canalla. “Han pasado muchos años, tanto tiempo olvidado nos ha hecho envejecer… náufragos de amor, a la deriva soñando”. A dos voces desgranan una bonita melodía y entre esos juegos vocales, nos cuentan cómo “la llama de nuestras vidas ya se está apagando. Quiero que tú seas el refugio de mi vida, la cajita de mi amor”.
Capitán Cavernícola Blues Band. Foto de su web
En el cd-ep nos ofrecen también la canción “Sin retrovisor”. Se inicia con esa fascinante guitarra dialogando con la armónica. “Miro al frente y no te veo… hacia atrás ya está muy lejos, creo que lo conseguí… el coche de mi vida no tiene retrovisor. Quiero mirar al futuro, el pasado ya murió”. Momentos instrumentales solistas de enorme calidad entre pulsaciones estelares de bajo, riffs oscuros y metales grandiosos completan un tema que finaliza con ese saxo en clave de jazz.
Capitán Cavernícola Blues Band. Foto de su web
También oiremos en la edición digital “Náufragos”, corte en el que se tornan un tanto más intimistas. A destacar ese inicio de piano, con ritmos de country canalla. “Han pasado muchos años, tanto tiempo olvidado nos ha hecho envejecer… náufragos de amor, a la deriva soñando”. A dos voces desgranan una bonita melodía y entre esos juegos vocales, nos cuentan cómo “la llama de nuestras vidas ya se está apagando. Quiero que tú seas el refugio de mi vida, la cajita de mi amor”. Completa el disco ese “El blues de Fisherman”, versión del “Fisherman’s blues” de los Waterboys, canción incluida en su disco del mismo título editado en 1988 por Chrysalis records. Su brillante adaptación, tanto musical como poética con letra en español, convierte los aires celtas del famoso tema original, en un canto por la libertad a ritmo de blues en el que destaca esa proverbial armónica acompañada por sensuales oukalele y órgano, más una impecable sección rítmica con gloriosos aportes de metales entre los que destaca un bonito solo de trompeta con sordina. “Quisiera ser pescador para surcar el mar lejos de tierra firme y poder olvidar. Echar con fuerza el sedal, confiado y con amor, bajo un techo de estrellas, irradiando rock and roll… y en mis brazos, tú…”. Por último, cabe mencionar unos afinados coros dando un sensacional aire de góspel con el que engrandecen la emotividad de la canción.
Reflexión final
Capitán Cavernícola Blues Band. Foto de su web
En mi opinión, la relevancia artística y emocional del rock and roll no radica en las modas, que vienen y van. Ese algo que lo hace verdaderamente especial, y nos cautiva de por vida, emerge de proyectos que irradian ánimo y entrega, con destreza instrumental, como es el caso del Capitán Cavernícola Blues Band: un extraordinario combo de blues, R&B, y soul, capaz de hacer lo que más les gusta al margen no solo de tendencias sino también de falsas promesas. Se trata, a mi modo de ver, de un grupo que no ahorra esfuerzos para que su trabajo llegue hasta nosotros con la imprescindible fuerza y pasión que nos cautiva. Su nuevo disco “A mi manera”, transmite esa ilusión indiscutible que no cesa con los años por el inevitable deterioro de la edad, sino por mera voluntad o cansancio. Desde luego, estos avilesinos no han perdido ni una pizca de ese fuelle innato que les viene identificando desde hace muchos años. Es más, con cada nueva entrega, resurgen con más fuerza que nunca y, de este modo, logran infundir ese imprescindible entusiasmo en todos nosotros, “sin retrovisor” que valga, como “náufragos” en un mar de realidad cotidiana, dispuestos a seguir siendo el refugio de esa actitud generación imperturbable propia de los auténticos amantes del mejor rock and roll.
Nota: Puedes escuchar el disco en el bandcamp, o adquitir uno de los singles de vinilo o Cd's de "A mi manera" escribiendo al facebook o la web del grupo.
Por último te invitamos a disfrutar del videcolip del tema "Soy tu mecánico" dirigido por el cineasta Fran Vaquero
El B-29 Superfortress fue un bombardero que construyeron los americanos durante la segunda guerra mundial, asociado con capítulos bélicos como la batalla del Pacífico. Más allá de las posibles consideraciones militares, considero que el nombre de Superfortress es muy adecuado para identificar a este trío de rock and roll de Almería que acaba de debutar este 2015 con un Ep llamado genéricamente “Julen”, editado por la discográfica también almeriense Clifford Records. Al igual que la superfortaleza yanqui, este power trio es ciertamente robusto, demoledor, prácticamente indestructible, de gran envergadura, vanguardista en los patrones aeronáuticos, con llamativo fuselaje, movido por unos motores potentes que le permiten elevarse con rapidez y una potencia ciertamente impresionante. Tras oír las cuatro canciones de este magnífico Ep, podemos identificar perfectamente todas y cada una de las excelencias antes mencionadas, tanto en la destreza como en la imaginación de estos músicos almerienses. Incluso, como el avión de referencia, no son tres sino cuatro los motores que mueven el proyecto con una consistencia y credibilidad encomiable: Tres grandes músicos al bajo, batería y guitarra, más un jovencito llamado Julen, familiar de uno de los componentes del trío, quien padece una enfermedad contra la que está luchando con tesón para que sus “hélices” se muevan con la potencia que bien merece y de este modo elevarse a ver el mundo que le espera. Para él está dedicado este enorme Ep con el que empezamos a volar en este mismo instante motivados por todo su poderío creativo.
Trayectoria
Superfortress. Foto de su facebook
Los Superfortress se formaron hace seis años con Pedro “Last Splash”, cantante y guitarrista; Alberto bajista y coros, y Juanese, baterista. Empezaron siendo una asociación gastronómica, poco seria añaden ellos, en un cortijo de Uleila del Campo en Almería. Al final fueron liándose con la música y convinieron en la necesidad imperiosa de crear una banda de rock. Cabe mencionar también que Last Splash milita en la banda de space rock Monogay también como guitarrista, por cierto otra de las formaciones insignes de Clifford Records. Como proyectos inminentes tienen previsto grabar un videoclip del tema "Bucle" y un segundo EP a finales de este año 2015, así como les constan en agenda numerosos conciertos de presentación de su primer trabajo por varios escenarios de Almería, Cádiz, Murcia, Granada, Madrid y Málaga.
El Ep que te presentamos fue grabado en Fusible Studio de Almería en septiembre de 2014 con Raúl Parra quien se encargaría también de la producción, mezcla y masterización. Destaca en la portada un inquietante dibujo de un espantapájaros de cuyo pecho emerge una muñeca y en la contraportada un camino en medio del oscuro bosque. El dibujo es de María Ponce y el diseño de Daniel Zapata con la colaboración fotográfica de Carlos Olmedo.
Las canciones
Superfortress. Foto de su facebook
El disco se abre precisamente con la canción “Lion” en la que hablan de la fuerza y tesón de Julen para luchar por su vida. El tema se articula sobre una poderosa descarga de guitarras punzantes que abren brechas en la injusticia del destino para que se cuele la ilusión, y esa imprescindible esperanza por seguir adelante. Con ritmo marcado, riffs de extraordinario hard rock, actitud punk y esa voz desgarradora, la canción adquiere una dimensión aguerrida y leonina. Rápidos, y a su vez muy bien dispuestos, momentos instrumentales completan esta excelente apertura que termina con la tierna y contagiosa risa de un niño, presumiblemente la de Julen. En la misma cara A nos ofrecen “Last Salvador”, otro tema de guitarras moviéndose a una potencia inusitada con la que consiguen elevarse de forma atronadora y con la robustez precisa para que melodía y ritmo se compenetren a la perfección. En este caso, se condimenta el tema con un aire psicodélico y “bluesero” que permite amplificar el valor melódico respaldado por un potente bajo que retumba como un pistón, más una guitarra que desdibuja riffs precisos y una batería que mantiene impertérrita y con suma efectividad, el tempo del primero al último de los compases. Breves momentos solistas de guitarra se trenzan, con habilidad, con esa poderosa voz principal.
Ya en la cara B nos ofrecen un sensacional tema titulado “La Chica”. En este caso, los Superfortress se tornan especialmente cautivadores, cantando en castellano al modo de las grandes bandas de blues rock de los setenta con una facilidad fascinante. “Quita esa cara de pena y vamos de verbena a la orilla del mar” canta este power trio “a la chica más linda que hay en la provincia y no se hable más”. Un tema muy bien hilvanado que invita tanto al baile como a la audición envolvente gracias también a ese poder lisérgico que imprimen con un riff de blues distorsionado con el que se define el ritmo. A destacar también algún que otro efecto instrumental que potencia el valor ácido de la canción y ese momento con bajo percutiendo a manotazos con enorme destreza al que se incorpora la guitarra y la batería con una compenetración brutal.
Superfortress. Foto de su facebook
Y para terminar, “Bucle”, tremendo punto y aparte para este disco que esperemos se convierta cuanto antes en un punto y seguido porque eso querrá decir que vamos a disfrutar de muchas más entregas discográficas tan geniales como ésta. La canción que cierra este Ep nos confirma, con creces, a una banda sólida, capaz de arremeter con una fuerza descomunal mediante un vuelo rasante de guitarras demoledoras, un bajo del que emergen sensacionales ráfagas de graves y una batería que arremete contra el silencio como si fueran las torretas de metralletas de un B-29 enloquecido. Añádele un solo de guitarra de enorme consistencia, una voz rota y una distorsión de motor con las válvulas al rojo vivo, y tendrás un temazo de rock and roll que aúna el punk y el hardrock con un toque propio extraordinario.
Reflexión final
Como bien sabrás, no es el único ejemplo de banda que recurre a los artefactos aéreos, motores, o componentes de uso militar para establecer símiles con sus respectivos proyectos musicales. Podríamos citar, por ejemplo, en el caso de la aviación, a los Led Zeppelin, Jefferson Airplane, U2 o a los B-52’s que precisamente también utilizan la nomencaltura de un bombardero, otro modelo de la Boeing muy conocido en la historia de Almería ya que en enero de 1966 uno de esos aparatos tuvo un accidente y perdió sus armas nucleares en la población de Palomares. Pues bien, ante tamañas resoluciones sonoras, con arreglos tan potentes y poderosos como los que nos presentan estos geniales Superfortress, creo que resulta muy adecuado utilizar el calificativo de ese avión para aproximarse al concepto creativo de este grupo almeriense. Ambas fortalezas coinciden en las virtudes técnicas aunque difieren en sus objetivos. Mientras el aparato americano transportaba en sus entrañas destrucción a mansalva, en el alma de este power trio encontramos todo lo contrario: una arrelada esperanza por conseguir una vida mejor, con la ilusión y las ganas del pequeño Julen, aportando su buen criterio artístico, más una firme actitud, que engrandece la historia del mejor rock and roll.
Nota: Puedes escuchar los temas en el bandcamp y adquirir una copia del Ep en vinilo con descarga digital gratuita en la web de Clifford records.
Daniel "Danny" Sembello nació el 15 de enero de 1963 y falleció el 15 de agosto de 2015. Compositor, cantante, productor y multi-instrumentista, es hermano del también músico, cantante y guitarrista, Michael Sembello que se hizo muy famoso en 1983 por el tema "Maniac", incluido en la película “Flashdance”, llegando al número uno y ganando un Grammy. Danny fue un gran artista con talento que ayudó a las carreras de algunos de los más prestigiosos cantantes de la música soul de los últimos treinta años.
Danny y Michael Sembello
Danny tocó el piano para Michael Jackson en el principio de su carrera. Su hermano Michael formó parte de la banda de Jackson durante siete años. Danny también produjo a multitud de artistas como George Benson y Pebbles, así como escribió temas para Chaka Khan, Jeffrey Osborne, Patti LaBelle (por ejemplo su hit "Stir It Up"), Irene Cara, René & Angela, y The Pointer Sisters (su éxito "Neutron Dance"). En 1986 ganó el Grammy a la major banda Sonora para película y televisión por su contribución a la banda Sonora de “Beverly Hills Cop” de Martin Brest, conjuntamente con Marc Benno, Harold Faltermeyer, Keith Forsey, Micki Free, John Gilutin Hawk, Howard Hewett, Bunny Hull, Howie Rice, Sharon Robinson, Sue Sheridan, Richard Theisen, y Allee Willis.
Tocando el piano con Michael Jackson
Danny Sembello apareció ahogado en el río Schuylkill cerca de Philadelphia. Se encontraba desaparecido tras haber ido a nadar tras un festival de música en Manayunk.
Documento sonoro:
Patti LaBelle y su hit "Stir It Up", compuesto por Danny e incluido en la película Beverly Hill Cop.
,
José Carlos Sistoes uno de los más grandes músicos de rock and roll que haya tenido nuestra escena estatal, en toda su historia, con prestigio internacional; sin embargo, como vivimos una realidad cultural y virtual tan dispersa, movida por espejismos y timos varios, me parece que se obvia demasiado su trabajo como si nos pudiéramos permitir el lujo de prescindir de genios como él. Su enorme obra, ya sea como compositor, cantante o guitarrista permanece en un incomprensible anonimato y no tanto por la mala fe, o la evidente falta de información de los consumidores, sino por la censurable carencia de criterio por parte de los medios de comunicación especializados en los que debería figurar insistentemente, al menos por mera y simple coincidencia de referentes. Pero éste no va a ser un simple artículo de reivindicación de su figura, aunque lo merezca con creces, sino que vamos a intentar justificar las razones centrándonos en reseñar su, hasta el momento, último disco que acaba de editar este 2015 bajo el nombre de Shakti’s Delirium y el título genérico de “Electroshock!”, una auténtica hazaña discográfica autoeditada por Astrovoodoo con la colaboración de Discos Juana Granados y sensacional artbook de Mercedes de la Zarza. Cabe mencionar, de entrada, que el nombre del grupo se corresponde con el de una canción incluida en su anterior disco “20.000 leguas de Viaje Psicoactivo”, en este caso firmado como Mater Dronic.
Logo. Mercedes de la Zarza
Su nuevo álbum, como toda su obra, es un trabajo de dimensiones estratosféricas, envuelto en una presentación visual no menos fantástica y tremendamente apropiada, hecha a medida para ilustrar unas canciones que parecen proceder de otra dimensión: un mundo creativo inconmensurable en el que todo está calculado con extraordinaria sensibilidad, entre detalles melódicos fascinantes, recursos psicodélicos de magnitud descomunal, ritmos poderosos y una amalgama de matices que engrandecen la imaginación del oyente al tiempo que despiertan los sentidos. Pese a ello, todos estos recursos resultan insuficientes para modificar los más anquilosados criterios de un sector periodístico, en claras horas bajas, que sobrevive a duras penas con las migajas de la publicidad de cuatro marcas de cerveza, como tampoco parece que enganche a cierto sector de público, que debería ser afín pero que no evoluciona y sigue escuchando, una y otra vez, los mismos discos de siempre. Parafraseando el título de este disco que te presentamos de Shakti’s Delirium, no hay duda de que algunos de esos críticos, aquellos que se mantienen al margen por deleznables intereses económicos, necesitan urgentemente un “Electroshock!” de cultura e imaginación para que, de este modo, se percaten por fin que en el rock and roll tiene que primar por fuerza la independencia y el riguroso presente, en detrimento si es necesario del pasado y de la alineación comercial, porque si no es así nunca habrá futuro que valga o que interese a nadie. Intentemos pues razonar tanto entusiasmo por mi parte, porque no es en absoluto gratuito, y entremos en materia para explicar el gran valor y la indispensable aportación artística de este gran músico.
Trayectoria
José Carlos Sisto
Jerezano de nacimiento, José Carlos Sisto se trasladó en 1999 a Madrid donde residiría durante 12 años tras los cuales vuelve a su Jerez natal. En el año 1994 monta en Jerez un grupo llamado los Expresionistas, powerpop con toques ácidos. En el año 2001 crearía el grupo Fuzz Machine con los que graba una maqueta y consigue buenas críticas. A punto estuvieron de sacar un Ep con el título de "Púrpura Ardiendo" pero una gestión desastrosa por parte del sello que iba a encargarse de editarlo, frustra el proyecto. Los temas de ese disco aparecererían años más tarde en un Cd.
El grupo pierde a dos de sus componentes, mientras José Carlos sigue adelante solo, dispuesto a grabar un disco incidiendo en sus planteamientos psicodélicos. De este modo, edita en 2005 el primer álbum de su nuevo proyecto, Mater Dronic, con el título de “Mundo Espectro”.
Logo Laura Bravo
De nuevo topa con personas que apuestan de palabra por su trabajo sin apenas colaborar e incluso acaban aprovechándose de la situación. Por ello, se ve obligado a distribuirlo por su cuenta. Los medios especializados nacionales no muestran interés, los sellos estatales tampoco y solo una distribuidora holandesa llamada Clear Spot mueve el Cd con lo que se genera una expectativa muy positiva allende nuestras fronteras. A mediados de la década de los dos mil grabaría "Sesiones Drónicas Vol. 2.", en un proyecto llamado Fuzzy Lady y con otros músicos graba un cd con el título de “Espacio negativo” para Mentes de Ácido, entre otros trabajos personales como “Gemini Suite”. Hacia 2009 entra en contacto con Enrique Rivas quien le propone editar el disco "Mundo Espectro" en vinilo. El proceso culmina en 2013 con la salida al mercado mediante una edición personal de Discos Juana Granados, nombre que corresponde al de un querido familiar de Enrique. La edición de 200 copias se agotó en un mes principalmente porque el álbum se publicitó en el extranjero con una buena reseña del responsable del sello alemán Shadocks.
Mercedes de la Zarza
Al año siguiente, 2014, José Carlos tiene compuesto suficiente material como para sacar nuevos álbumes y Enrique le convence para seguir editando su monumental trabajo. Se mete en un estudio y, con la ayuda de amigos, en nueve días de registro más cuatro de mezclas, graba su segundo trabajo discográfico con el título genérico de “20.000 leguas de Viaje Psicoactivo” (+ info en Magic Pop). Ayudado por Mario Montoya, primero se distribuye en un digipack de edición limitada y después en vinilo por Discos Juana Granados con otro orden de temas que obedece a cuestiones técnicas y de concepto teniendo en cuenta la división en seis caras de los tres Lp’s en los que ha pasado a la posterioridad. Ambas referencias como el Lp que ahora te reseñamos pueden conseguirse escribiendo a jcsistogarcia@yahoo.es. Cabe destacar también la ayuda en el proceso de otro amigo del autor, David García.
Mercedes de la Zarza
“Electroshock!” está compuesto, escrito y visualizado por José Carlos Sisto a las guitarras y voz respaldado por Pablo Ripalda al bajo y Rafa Camisón a la batería con quien se grabó en el Estudio 79. Fue masterizado por Mario G. Alberni en Kadifornia Mastering y cuenta con el genial diseño y artbook de Mercedes de la Zarzaquien nos ofrece otra de sus psicodélicas y casi místicas creaciones con guiños al más allá, matices orientales, entre composiciones cautivadoras que toman como referencia espacios hogareños observados por un ojo que redimensiona la realidad cotidiana. Por su parte, Laura Bravo se encarga del diseño del logo en rojo y negro de Astrovoodoo, bien visible en la galleta del Lp. También cuenta con la colaboración de Pablo Moreno, percusión en el tema “Electroshock!”; Jorge Carames, teclados en “Reptil espacial” y “Sígueme en cada imagen”; y Samuel Riviére, sitar en “Natura Extraña”.
Las canciones
Mercedes de la Zarza
La llamada cara “Negra” arranca con “Supernova”, una eclosión de sonidos atmosféricos coordinados, rítmica y melódicamente, con una contundencia y un gusto exquisito. Varios formatos solistas, tanto a la guitarra como al bajo, se apoyan en cambios de batería retumbando por todo el universo, y nos dejan ya, desde un buen principio, absolutamente anonadados, satisfechos y prestos a “explosionar”. A ello, súmale figuras literarias impresionantes como “respiro el color de tus ojos de nube y es mágico…”; “somos el efluvio de una supernova cromática”; o “es apasionante besar estrellas dentro de ti”, por citar solo tres de sus desbordantes versos. La voz y los solos de guitarra emergen coordinados a la perfección con el soporte instrumental de bajo y batería culminando este sensacional arranque de toda una obra maestra del hard rock psicodélico. Le sigue el sonido del sitar, enigmático y envolvente, que precede al tema “Natura Extreña”, otro compendio de genialidades sonoras y poéticas del tipo “creo una visión de algo etéreo, como un sueño eterno de insatisfacción libera mi alma…”. Solos de pura orfebrería lisérgica desdibujan imágenes etéreas en un mundo propio de inusual belleza y extrañeza, a partes iguales. Por su parte, bajo y batería aportan una consistencia digna de los mejores elogios.
Mercedes de la Zarza
Con “Astrovoodoo”, emergen unos riffs de rock and roll de antología. Los arreglos aportan “imágenes de ultra-visión, diamante y mermelada, pupilas cibernéticas en viaje intravenoso”. Absorbentes sensaciones, sin parangón alguno, que resultan de poderosos recorridos de guitarra en el que los dedos del solista parecen recorrer nuestras neuronas al tiempo que se cuelan por los oídos trallazos que llegan a todos los rincones del cuerpo. “Tus ojos son ciegos” canta Sisto, en forma de estribillo, para reafirmar esa visión extrasensorial que procura el tema. Termina esta apoteósica cara con “Vuelvo a tu mente”, un ejercicio onírico de imaginación increíble. El tema transmite una energía monumental. Los instrumentos se hermanan con la voz principal a la perfección para ofrecernos un tema de textura gruesa en el que destacan unos solos de wah wah que ponen los pelos de punta mientras el bajo dispara notas graves con una pulsación ejemplar y la batería completa la andanada de emotividad con ritmos calibrados al milímetro. “Vuelvo a tu mente alucinado como un escorpión… violando recuerdos que me atan a ti…mi espíritu es el fuego de un deseo animal”. Termina con una frase demoledora que dice “Oye la distorsión, como renace así, tiempo de asesinar… Soy un demente, virus letal”, más una avalancha final de sonidos que manan de las entrañas y se pierden en el espacio infinito. Hay que oírlo, es ciertamente indescriptible.
Mercedes de la Zarza
La cara Roja se inicia con “Corazón de mármol suave”, un tema donde aparecen “besos amargos” y “ardores de lágrima” con un protagonista: un “Androide sensual de impulso eléctrico con corazón de mármol suave, de fuego, miel y hiel”. En este caso, la melodía adquiere una tonalidad casi de powerpop lisérgico, muy atractiva, con cambios de acordes luminosos aunque no sea el mismo sol de la galaxia de ese pop convencional quien ilumine la gran creatividad de su responsable. A continuación nos ofrece “Reptil Especial”, canción con “palabras que son estrellas, verbo en veneno de amor”, entre riffs de rock and roll ácidos “como tu boca” y secuencias eléctricas “embrujadas” como “proyectiles que nunca explotan si no decides volar”. Incluso hay un amago de sonido “madchester”, aunque eso sí, próximo al hard rock setentero. La guitarra sigue deleitándonos con imágenes estelares con la aportación de un sensacional órgano que completa la instrumentación con un pasaje impecable.
Mercedes de la Zarza
“Sígueme en cada imagen” es el título del siguiente corte y en él explotan los acordes guitarreros, más teclados, entre compases intermedios que marcan los bloques de granito que forman los consistentes arreglos. De este modo “subimos hacia el cielo y volvemos a caer entre sueños ardiendo en fuego de tu alma, pidiendo una emoción nueva, que brille y se deje amar” como las que nos ofrece Sisto en sus fabulosas canciones. Finaliza esta completísima obra con el tema que da título genérico al disco, un “Electroshock” como “cuchillos de glucosa”. Mediante un poder creativo libre, arranca el tema con una fuerza rítmica espectacular. Van añadiéndose múltiples componentes instrumentales, entre efectos y pasión desaforada. De este modo, la banda logra que nuestro cuerpo y mente se incorporen a un aquelarre de los sentidos de dimensiones ilimitadas. Sensacional el intermedio de percusión, bajo y locuras ácidas con el que consiguen que alucinemos entre la “respiración y oscuridad, lujuria y fábula demonio” convirtiéndonos en parte indisoluble de este auténtico “meteorito luminoso” y musical.
Reflexión final
Mercedes de la Zarza
“Utiliza tu imaginación, haz que la música explote, que tu espíritu sea fuerte, íntegro y lleno de energía” nos dice José Carlos en un mensaje impreso en la hoja interior de este grandioso disco. Realmente es tanta la creatividad que contiene este álbum que necesitaremos de todas esas medidas vitales, y muchas más, para comprender, en su máximo esplendor, el valor tan original, enérgico y emotivo que contiene “Electroshock!”. Y sigue Sisto recomendándonos: “Di No cuando todos acepten y digan SÍ porque así convenga. No dejes que te engañen, que te invadan, que te compren, que te anulen, que no destruyan tu fuerza”. Palabras sin lugar a dudas tan sinceras como sabias. Tanto él, como los que conocemos y admiramos su obra, estamos un tanto hartos ya de ver cómo se desperdician elogios en proyectos insulsos, faltos de contenido, repetitivos y anodinos, mientras que los suyos caen en el saco del olvido casi antes de salir al mercado discográfico. Más aún cuando somos conscientes de que sus ediciones de lujo son proyectos sin el respaldo de ninguna discográfica, apoyados económica y artísticamente por iniciativas personales y la ayuda inestimable de amigos, y que, encima, comportan injustos descalabros monetarios. “Mira en tu interior – prosigue José Carlos – haz que tu experiencia sea tuya y te pertenezca”, una invitación en toda regla que nadie debería desaprovechar porque no solo está en juego la necesaria reivindicación y continuidad de un creador de un enorme calibre, sino el prestigio de una escena que si se precia de fuerte, solidaria e imaginativa, con esa cacareada actitud intachable, debería respaldar proyectos tan fructíferos, novedosos e imprescindibles como son los de Shakti’s Delirium y Mater Dronic.
Nota: La reseña ha sido ilustrada con distintas obras de Mercedes de la Zarza correspondientes a otros proyectos. Puedes adquirir los discos enviando un mensaje ajcsistogarcia@yahoo.esasí como entrando en contacto con el autor por medio de su Facebook. También puedes leer aquí una entrevista que José Carlos Sisto ofreció recientemente al Magic Pop.
Puedes escuchar uno de los temas del diosco, "Vuelvo a tu mente, en este video:
Maurice Roberts, miembro
fundador del famoso trío vocal The Gaylads, murió el viernes 14 de agosto de 2015
a los 70 años en el Hospital Universitario de las Indias Occidentales de Kingston
donde había ingresado el día anterior. La noticia fue difundida por su hija, y
publicada en medios de comunicación como el Jamaica Observer. Grupo vocal tirunfó con varios temas en la era del rocksteady al tiempo que respaldaron a otros grandes de la música jamaicana.
Con Horace 'Bibi' Seaton,
nacido el 3 de septiembre de 1944, y Winston 'Delano' Stewart, nacido el 5 de
enero 1947, Roberts formó los Gaylads en 1963, gran trío vocal que triunfó en
la era del rocksteady entre mediados y finales de los sesenta. Antes Seaton y Stewart habían formado el dúo
Winston and Bibby. Grabaron varias canciones para los productores
Clement Dodd, Sonia Pottinger y Leslie Kong. Entre su grandes éxitos figuran “Lady With the
Red Dress”, “ABC Rocksteady”, “Joy in The Morning”, “Hard to Confess”, “Over
the Rainbow”, "Stop Making Love", "You Should Never Do
That", "Don't Say No" y "There's a Fire". También respaldaron a artistas como Ken Parker,
Ken Boothe , y Delroy Wilson. En 1967 salieron los discos "Sunshine is Golden" (Coxsone records) y "Soul beat" (Studio One).
The Glaylads
Seaton y Stewart siguieron
con carreras en solitario mientras que Roberts dirigió una versión de los Gaylads
con los hermanos Randell y Hopeton Thaxter. Sacaron el disco “Love and Understanding”. Más tarde, se convirtieron en The Psalms y
respaldaron en directo y en el estudio a Bunny Wailer. Se reunieron en 2012 para grabar el tema “Together
again”, en los estudios Tuff Gong y Tree Top Studios.
Documento sonoro:
"ABC Rock Steady" de BB Seaton interpertrado por los Gaylads.
Mariem Hassan nació cerca de Smara (Sahara Occidental) en 1958 y falleció el 22 de agosto de 2015 en el campo de refugiados saharauis en Tinduf (Argelia) a consecuencia del cáncer que padecía. Cantante y letrista sacó tres discos en los que reivindicó la cultura y las libertades de su pueblo en una mezcla de canción popular, la llamada música Haul, con detalles de blues y jazz. Actuó por muchos países en solitario o formando parte de la banda Shahid El Uali. Solía cantar en Hassaniyya, dialecto árabe hablado en el Sahara y Mauritania así como en español ocasionalmente. Residió con su familia en Barcelona y Sabadell.
Mariem Hassan
Nació en Ued Tazua, a veinte quilómetros de Smara, por entonces colonia española del Sahara. Era la tercera de 10 hermanos de una familia nómada y entre sus familiares se contaban otros cantantes, poetas y bailarines. Tras los acuerdos de 1975, en que España cede el territorio a Mauritania y Marruecos, se desplaza con su familia a Meharrize y finalmente a los campamentos de refugiados en Tindouf, Algeria, donde trabaja de enfermera. Tres de sus hermanos fueron asesinados durante la guerra del Sáhara. Vivió allí durante 27 años, hasta que en 2002 por razones de trabajo y de salud se traslada a Cataluña donde reside primero en Barcelona y después en Sabadell, con su esposo y sus hijos. Volvería al Sáhara Occidental antes de su muerte en 2015.
Mariem Hassan
En 1976 se unió al grupo musical Shahid El Hafed Buyema. Tras la muerte en combate de El-Uali Mustapha Sayed, primer presidente de la República Saharaui, pasó a llamarse Shahid El Uali. Con el grupo viaja por varios países y actúa en numerosos festivales. En 1998 se separan y Hassan empieza una carrera en solitario publicando un par de temas en un recopilatorio de varios autores llamado “A pesar de las heridas” editado por el sello español Nubenegra. Le acompañaría en los directos el grupo Leyoad con Nayim Alal a la guitarra. A mediados de los dos mil le diagnostican un cáncer y en 2005 saca su primer disco en solitario titulado “Deseos”. Antes de que saliera al mercado muere de leucemia su productor y guitarrista, Baba Salama. Ese año recibe tratamiento médico en España.
Mariem Hassan
Su segundo trabajo sale en 2010 con el título de “Shouka” y en 2013 su tercer disco “El Aaiun Egdat” en el que sigue con sus canciones de protesta contra la opresión que padece el pueblo saharaui al tiempo que musicalmente introduce varios detalles significativos de blues y el jazz. Las letras de algunas canciones fueron escritas por poetas saharauis en el exilio como Bachir Uld Ali y Lamin Allal. En 2013 completó un proyecto de historia oral saharaui titulado “Cuéntame Abuelo – Música”. Actuó por numerosos países y en octubre de 2014 publicó con Calamar Ediciones su biografía oficial en forma de novela gráfica. El título “Mariem Hassan – Soy Saharaui” escrita e ilustrada por los italianos Gianluca Diana, Andromalis, y Federica Marzioni. En mayo de 2014 clausuró el FiSahara (Festival Internacional de Cine del Sáhara). Fue su último concierto.
Documentos sonoros:
Mariem Hassan canta "Haiyu", una canción patriótica saharaui, mezcla de música Haul y blues.
Si la música te apasiona, siempre aparece en el momento
adecuado y entonces se convierte en imprescindible para sobrevivir en condiciones
adversas. Algo así me acaba de suceder con los Ambros Chapel.
Su convincente trabajo sonoro resulta de una enorme creatividad musical y
lírica. Los componentes de esta banda valenciana atesoran una gran
habilidad para que sus canciones desprendan una pasión inconmensurable.
No solo les considero unos herederos ejemplares del imaginario del mejor
post punk de los ochenta, sino que, en este sentido, creo que nunca han
caído en la trampa de repetir esquemas preconcebidos. Su original obra
conforma un espacio musical propio en el que tienen cabida todo tipo de
filigranas instrumentales con las que acompañan, mediante arreglos
envolventes, a una voz principal que parece surgir de la profundidad del
alma. Entre finales de 2014 y principios de 2015 sacaban su cuarta
referencia, su segundo álbum, con el título de “The Last memories”
(7Days Music/Harmony Records), diez temas de una solemnidad impactante,
con suma entrega, que se escampa por la rutina de nuestras vidas hasta
teñir lo cotidiano de una espesa capa de pulsiones oníricas. Una
invasión de genialidades que encoge el corazón y nos traslada a otra
dimensión desconocida. Sin lugar a dudas, la música de los Ambros
Chapel es, como bien nos ilustra la portada de este magnífico disco,
una enorme bocanada de emotividad, toda la que seas capaz de retener en
tu corazón, para sumergirte en la vida en la que, como sabes, no te va a
resultar nada fácil respirar a tu antojo.
Trayectoria
Ambros Chapel. Foto: Stella Blasco
Ambros Chapel son actualmente Pablo Casero (voz y
guitarra), Alfred Sanchís (bajo), Oscar Vadillo (guitarra solista) y
José Rodríguez (batería). Anteriormente, formaron parte del proyecto
otros músicos como Vicent Ortiz (teclados) y Rafael Vicente (guitarra,
coros). Empezaron en 2006, año en que grabaron su primera maqueta con la
que consiguen cierta repercusión local a partir de su primer concierto
en el Loco Club de Valencia. Al año siguiente dan forma a su segunda
demo y salen de su ciudad para tocar en otros puntos del Estado quedando
como semifinalistas de varios concursos a nivel nacional. Algunos de
sus temas empiezan a ser bastante conocidos; aparecen en recopilatorios y
en 2008 ganan el concurso Troglogló, en su sexta edición, organizado
por la Caverna, local valenciano, al que se presentaron cerca de 40
grupos noveles. Ese premio les permite grabar dos canciones con Dani
Cardona en Studio 54. Su agenda de conciertos sigue aumentando mientras
ultiman la grabación de su primer disco que presentaron en noviembre de
2009 con el título de “Rome”, editado por el sello valenciano
independiente Malatesta Records y distribuido por Everlasting/Popstock. A
destacar que una de sus canciones más conocidas, “25” se emitiría en la
BBC en el año 2009.
Ambros Chapel
Su segundo álbum “Constants ara Changing” (7days
music 2011) fue grabado y mezclado por Paco Morillas en Blackout Musice y
masterizado por Mario G. Alberni. Puedes leer una reseña de este disco
en el Magic Pop entrando aquí.
A finales de 2012 graban y mezclan un Ep “Electric Eye” (7Days Music y
To Jail Records) en los Rockaway Studios (Castellón) con Alberto
Luzendo. Masterizado de nuevo por Mario G. Alberni en los Kadifornia
Estudios, se edita de forma limitada con 105 copias, en vinilo 7” más
cd. También han aportado la versión de la canción “Wellcome” en el disco
homenaje "Bajo un cielo prehistórico - Tributo a The Church" (2014,
Lunar Discos). Ya en 2015 versionan el tema “Blue Monday” para el disco
“Dreams never end: A tribute to New Order” para los brasileños The Blog
That Celebrates Itself (TBTCI Records).
“The Last
memories” fue grabado y mezclado por Facundo Novo en Novoestudios, y
masterizado por Mario G. Alberni en Kadifornia Mastering. La muy
apropiada foto de la portada es de Stella Blasco, y el diseño del disco
de Bhyf. Salió a la venta en vinilo a principios de 2015 con una edición
limitada de 300 copias con descarga digital del disco.
El disco empieza con el tema “X” cuyo trazado musical
viene marcado por esa ambientación inicial tras la que suenan los
tambores y el marcaje escueto pero vital de las guitarras. La tremenda
voz solista se apodera de nuestros sentidos al tiempo que los arreglos
van completando el poder absorbente de su música con varios motivos que
nos trasladan a un crescendo espectacular en el que este sensacional
tema explota con una aportación escalofriante de guitarra. Le sigue
“Cellophan”, tema que sugiere momentos íntimos en los que surgen con
elegancia motivos instrumentales que empiezan casi en el susurro y que
discurren hacia la grandiosidad del estribillo. Con un ritmo impecable
de batería y bajo, la guitarra aporta ya sean punteos cariñosos muy bien
definidos, como acordes ácidos que descargan con absoluta frialdad.
Ambros Chapel. Foto: Stella Blasco
Con “Broken Dice” aparecen los Ambros Chapel más
siniestros sin que por ello comporte una pérdida de la gran sensualidad
que transmiten sus canciones. Arreglos oscuros, ritmos a paso de corazón
dolorido, y esa voz con sensacional tesitura, acompañada por momentos
por esos precisos coros afligidos, van tejiendo un tema de apariencia
temática frágil pero que esconde en sus entrañas un trabajo melódico
cautivador. A continuación nos ofrecen “I don’t”, excepcional tema de
vocación espacial en el que todos y cada uno de los componentes de la
banda, aportan su mayor sensibilidad. Desde el ritmo a la orfebrería de
las guitarras, con genial solo incluido, pasando por la casi
entrecortada voz principal, nos regalan un momento de intimidad casi
mística, tan envolvente como acongojante que nos eleva hasta la
inmensidad, llegando a flotar incluso en los compases finales. Cierra
la cara A “Situation”, canción con la que recuperan la fuerza habitual
con la que imprimen su huella en melodías de un pop nada contemplativo.
Artífices de ritmos perspicaces e intervenciones estelares de guitarras,
consiguen dar forma a varias situaciones emotivas con una facilidad
pasmosa.
Ambros Chapel. Foto: Ana Sánchez
“Brazil” abre la cara B y con esta canción
descubrimos a una banda que refuerza su sentido provocativo tras un
arranque experimental que desemboca en un bajo y tambores tribales.
Ambos instrumentos resuenan en la selva de los sentimientos donde, poco a
poco, llegan a nuestros oídos descargas de guitarras punzantes que nos
mantienen en tensión. Los momentos introspectivos se suceden como
partidas de cartas sin final, para invitarnos a un juego en la que el
sonido tiene una especial relevancia llegando a cotas de una conmoción
indescriptible. Le sucede “Black Dress”, corte en el que siguen dando
muestras inequívocas de esa continua experimentación en los ritmos y las
armonías, siempre prevaleciendo esa búsqueda irrenunciable de la
condensación atmosférica de recursos con el fin de provocar una reacción
turbulenta en cadena. “Future Line” aporta una concepción rítmica
persuasiva con golpes de bajo y batería retumbando por nuestro cuerpo
sobre los que su cantante saca otra carta más de su habilidad para
dirigir la banda con un descomunal viaje hacia el éxtasis sonoro: la
eclosión sentimental de los estribillos.
Le sigue “The Lonely Fair” con otro inicio
atmosférico y un genial diálogo de guitarras penetrantes a las que se
suma la percusión mediante un acompañamiento sinuoso. Los acordes se
dispersan en ecos y los punteos nos embelesan mientras la voz nos relata
otra excelente composición que explota como si se trataran de fuegos
artificiales existenciales que explotan bajo control a nuestro
alrededor, permitiéndonos participar de esa apoteosis musical. El tema
regresa a sus secuencias más calmadas para volver a recuperar, gracias a
una sacudida eléctrica procurada por un gancho impresionante, el
éxtasis propio de las genialidades más sutiles a base de contrastes
memorables. Acaba el disco con “Solitary Man”, una aportación final, con
un magnífico medio tiempo muy marcado, dulcificado por sutiles recursos
acústicos con los que acompañan esa grave voz principal que se torna
cariñosa y que sigue anonadándonos con sus recitados tan penetrantes.
Unos efectos sinfónicos finales más una andanada de guitarra eléctrica
pone punto final a este poderoso álbum mediante unos compases
instrumentales que emocionan en sobremanera.
Ambros Chapel. Foto: Stella Blasco
Reflexión final
Manteniendo
intacta la elegancia y la pulcritud que distingue hasta el momento el
impecable trabajo sonoro de estos valencianos, su segundo álbum aporta
un impresionante mundo de sonidos magníficos, en ocasiones mordaces, en
otras de una euforia desbordante, y en algunos casos de una
introspección reconfortante. Nos agasajan con momentos solistas
memorables ya sea por medio de la descomunal voz principal como gracias a
esas guitarras tan habilidosas. Cierra el círculo, de forma perfecta,
la presencia rítmica de bajo y batería cuyas aportaciones contundentes o
sutiles, según el tema, permiten unos resultados finales brillantes.
Los Ambros Chapel siguen en la línea post punk que trazaron desde sus
inicios pero se nota, con creces, que el trabajo de ensayo y el esfuerzo
compositivo les ha permitido transitar por todo tipo de caminos en los
que han ido recogiendo nuevos, o mejorados, recursos para enriquecer su
obra y hacérsela completamente suya para tu uso y disfrute exclusivo.
“The Last Memories” acaba por ser una sensacional muestra de ese
esfuerzo colectivo combinando genialidades individuales. Tiene incluso
un valor terapéutico memorable, como toda música que transmita esa
pasión fascinante. Por ello no me parece casualidad que termine el disco
con ese “Hombre solitario”. Ciertamente es así como uno se siente tras
acabar de escuchar este álbum tan bello como reflexivo: Absolutamente
solo, luchando de nuevo contra los propios miedos, sin esas canciones
que te den fuerzas y te ayuden a superarlos para llenar ese enorme vacío
que provocan las adversidades. Entonces no tienes otra opción que
reiniciar el proceso y volver a sumergirte en la vida con una profunda
bocanada de su genial música.
Nota: Puedes escuchar las canciones en su bandcamp.
También te invitamos a visionar el videoclip de su tema "Brazil" (Cat
& Gos Films) con dirección, fotografía y edición de Stella Blasco y
Jordi Todolí, y la colaboración de Jessica Martínez.
