Hubert Dwane "Hoot" Hester nació el 13 de agosto
de 1951 en Louisville (Kentucky) y falleció el 30 de agosto de 2016 a consecuencia
del cáncer que padecía. Multiinstrumentista, se le recordará principalmente
como violista de countryy bluegrass. Formó parte de numerosos grupos conocidos, fue
un prestigioso músico de sesión y estuvo tocando en la banda del Grand Old Opry.
Nació en una granja cerca de Louisville. Empezó tocando en
la Bluegrass Alliance de Louisville. En
1973 se trasladó a Nashville tras quedar en quinto puesto en un importante
concurso de violinistas en el que estaban de jurado importantes músicos como
Chet Atkins. Allí empezó a tocar con The Whites y los Compton Brothers. Durante su carrera tocó con Hank Williams Jr., Conway Twitty, Mel Tillis and The Statesiders, Jerry Reed, Randy
Travis, Bill Monroe, Ricky Van Shelton, Manhattan Transfer y Ray Charles.
Hoot Hester
También
creó con Dennis Crouch en 1997 una banda
llamada The Time Jumpers, combo de western swing creado en Nashville, en el que
cantaba. Grabó el disco “Jumpin' Time” en 2007, al que siguió otro de título
homónimo en 2012. Dejó a los Time
Jumpers para producir y escribir para su hija menor y su grupo Rachael Hester
and The Tennessee Walkers. Por otra parte formó parte de la banda del prestigioso Grand
Old Opry desde el año 2000 y colaboró con Earl Scruggs hasta su muerte en 2012.
Liquidator Music publicaba este 2016 un sensacional single de
rocksteady firmado por Alpheus bajo la producción del gran Roberto Sánchez,
acompañados por la Lone Ark Riddim Force band. Incluye dos canciones propias, una
de ellas titulada “So brave” en la cara A, en la que recrean el ritmo de un
clásico como es “Crime Don’t Pay” de los Kingstonians; más en su cara B, y a
petición popular como profesional, el tema que daba título a su más reciente Lp
“Good Prevalis” editado también por el mencionado sello madrileño hace un par
de años. El resultado es un magistral sencillo en el que se pone de manifiesto,
una vez más, el gran dominio y
aportación a los sonidos jamaicanos por parte de sus autores: un magnífico cantante
inglés con el nombre artístico de su padre, emigrante jamaicano, más un
productor y músico santanderino conocido a nivel internacional con su
prestigioso proyecto Lone Ark formado con músicos de una profesionalidad y destreza
indiscutible.
Trayectoria
Foto; Laia Buira
Neil Martin más conocido como Alpheus nació en Londres (Inglaterra), hijo
de padres jamaicanos. Su padre, de nombre Alpheus, emigró a la capital inglesa en
1945. En los noventa conoce al legendario productor Clement Dodd a través de Tony Brevett de los Melodians quien le descubre en 1997 cuando vivía en Florida. “Sir Coxsone” le produce su primer disco “Quality Time” (Heartbreak records 1999). En los dos mil
grabó algunos singles para Special Delivery Music, sello francés de Pierre
Bost, hermano de Matthieu Bost quien forma Bost & Bim (Jérémie Dessus), con
Jean Philippe Greve aka JP.
Portada del Lp
En 2011 grabó para A-Lone productions y Fak records
el álbum “From Creation”, producido por Roberto Sánchez, conocido músico,
cantante, productor, compositor e ingeniero de sonido de Santander cuyo proyecto
Lone Ark es archiconocido y muy respetado en el mundo
del reggae a nivel internacional. Ya en
2014 salía al mercado su más reciente álbum “Good Prevalis” (Liquidator Music),
acompañado por la Lone Ark Riddim Force más la producción de Roberto Sánchez. Entre otras bandas que le acompañan, cuando actúa en Alemania por ejemplo le respalda la Easy Snappers Band.
El single que te presentamos, disponible en vinilo y digital,
fue producido por el mencionado Robert Sánchez en el santanderino A-Lone Muzik
Studio. El artwork es de Toni Face, responsable del sello Liquidator, inspirado por el diseñador Pedro Poyatos quien
aporta la imagen del mencionado Lp editado en 2014. En la contraportada, aparte de los créditos se pueden leer las letras de las dos canciones.
Las canciones
Roberto Sánchez y Alpheus
“So brave” trata sobre una madre soltera que sobrevive
luchando con los problemas que le surgen en la realidad cotidiana para llevar hacia delante a su
familia. La canción reinterpreta un ritmo clásico del “Crime Don’t Pay” de los
Kingstonians, producido por Carl J.J. Johnson en 1968 para su sello Doctor Bird
(J.J. Records). Alpheus con el brillante
acompañamiento de la Lone Ark Riddim Force dan vida a un tema nuevo con suculenta
melodía cantada magistralmente por Alpheus respaldado por dulces arreglos y una perseverancia rítmica envidiable.
Alpheus y Roberto Sánchez
En la cara B se incluye, por demanda popular y profesional, el
tema “Good Prevails”, compuesto por Alpheus y Phil Pratt, una de las 14 magníficas
canciones que forman parte del álbum de
roots y rocksteady, del mismo título, editado por Liquidator en 2014 y grabado
con la Lone Ark Riddim Force Band formada por Iñigo Elexpuru a la batería, Josu
Santamaría a la guitarra, Roberto Sánchez al bajo, contrabajo y piano, guitarra
solista y percusión, más producción, Gorka Fernández a la trompeta y trombón, Saioa
Jorrín al saxo alto, Jaime C. Montes al tenor, Aratz Diez al trombón, Dubby
Ambassah a la percusión, y Reuben “Ras” Telford a la melódica y órgano. Una canción que desprende una gran emoción,
con su solemne rítmica y su dramática concepción melódica, con la que logran transmitir
una gran fuerza de voluntad y un orgullo intransferible, conceptos vitales que dan
vida a la historia del videoclip en que se basa la canción dirigido por Tete2Pierre y Alpheus y que se presentaba
también este 2016. En el vídeo, queda manifiesto que el bien siempre prevalece mediante la historia de un adolescente que se niega a relacionarse con jóvenes de dudosa reputación y prefiere no alejarse de su ámbito familiar.
Reflexión final
Foto: Nicolas Levet
Alpheus más Roberto Sánchez con la Lone Ark Riddim Force
Band protagonizan, en este single editado por Liquidator records, una auténtica
joya sonora que hará las delicias de los amantes de los ritmos sincopados más
emotivos, ese rocksteady eterno que encandila por su belleza melódica y su rítmica
envolvente. Dotado con un registro vocal fascinante, este gran cantante de
origen jamaicano suele componer canciones inspirándose en sucesos que han acontecido en su ámbito personal o en el de sus amistades. Las suyas son canciones
reales con sentimientos verdaderos. Un propósito vital indispensable que aprendió del gran Clement "Sir Coxsone" Dodd y que convierte sus creaciones en
cantos dotados de una fuerza inusitada y una emoción contenida. Estos dos
cortes que se incluyen en este imprescindible single, son dos muestras de su gran talento materializado gracias al apoyo de un productor y una banda de auténtico
lujo. Juntos firman un sencillo que tiene todo lo que creo necesario para ser considerado como una auténtica obra maestra de los sonidos jamaicanos.
Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp de Liquidator, y adquirir una copia en la web del sello, A continuación te invitamos a visionar el videoclip de "Good Prevails".
Ab Tamboer nació el 8 de noviembre de 1950 en Den Haag, Holanda,
donde falleció el 26 de agosto de 2016 a consecuencia del cáncer. Músico
holandés, formó parte de los Earth and Fire, badna de progrewsivo que derivó al pop comercial, como baterista a finales de los años
setenta y ochenta hasta 1990. Cuando los
Earth and Fire se separaron, a mediados de los ochenta, estuvo tocando con Het
Goede Doel, grupo de pop y tecno, y se convertiría en un reputado músico de sesión.
Earth & Fire fueron un grupo holandés que empezó
haciendo rock psicodélico y que se formó en 1967 con el nombre de Opus Gainfull
con músicos de las ciudades de Voorschoten, Voorburg y Leyden. Estaban los
gemelos Koerts, Gerard (teclados ) y Chris (guitarra) y el bajista Hans Ziech.
El resto fueron cambiando con el tiempo. Su primer baterista se llamó Cees
Kalis y murió en 2006. En 1970 le substituyó Ton van der Kleij hasta 1978, año
en el que se incorpora Ab Tamboer quien
ya había tocado con la banda en 1976. Ad estuvo hasta 1983 y volvería a tocar
con ellos de 1987 a 1990. Ese año sería reemplazado por Mark Stoop.
Earth & Fire
Cuando entró la cantante Manuela Berloth, que también tuvo
una carrera en solitario como Lysett, cambiaron al nombre de Earth & Fire.
Por una enfermedad en los ojos abandonó y entró Jerney Kaagman en 1969.
Su primer single fue “Seasons” (1970) escrito por el
guitarrista de Golden Earring, George Kooymans. Ese mismo año editaron otros
temas como 'Ruby is the one' y 'Wild and exciting'. Desde 1971 la banda cambió
de rumbo con sonidos más progresivos y sinfónicos. Gerard Koerts introdujo el
mellotron, instrumento musical mecánico electrónico polifónico, en la música
pop holandesa. A partir de entonces se sucedieron los éxitos “Memories” (1972),
“Maybe tomorrow, maybe tonight” ( 1973 ) o “Love Of Life” ( 1974 ). Luego
vinieron otras etapas de pop más melódico y comercial. Tamboer grabó el disco “Reality Fills Fantasy”
(1979), “Andromeda Girl” (1981), “In a state on flux” (1983) y “Phoenix” (1989).
Con los Het Goede Doel, banda de pop y tecno, grabó varios discos desde
1983 hasta 1991 como “Tempo Doeloe” y “Belgien” (1983), “Mooi En Onverslijtbaar” (1986), “Het Beste
Van Het Goede Doel” (1987), y “Het Allerbeste Van Het Goede Doel” (1991).
Docunentos sonoros:
"Weekend" de Earth & Fire, en su época más pop y comercial.
Rudy Van Gelder nació el 2 de noviembre de 1924 en Jersey
City, Nueva Jersey y falleció el 25 de agosto de 2016. Considerado uno de los
ingenieros de sonido más importantes de la historia del jazz, grabó miles de
álbumes, muchas de ellos clásicos del género, incluyendo a grandes como Miles
Davis, Thelonious Monk, Sonny Rollins, Joe Henderson, Grant Green, Wayne
Shorter, o John Coltrane, entre muchos otros. Durante su larga trayectoria
trabajó con los sellos Impulse!, Verve Records, Prestige, Savoy Records, y CTI
Records, aunque fue con sello Blue Note, de Alfred Lion, donde grabara gran
parte de sus mayores logros entre los años 1953 a 1967.
Van Gelder era radioaficionado y se interesó por la
grabación de música, en especial por el jazz. Un tío suyo había sido batería de
Ted Lewis e incluso Rudy tomó algunas clases de trompeta. Montó un estudio en
casa de sus padres en Hackensack, Nueva Jersey donde realizó sus primeras tomas
y en 1952, su amigo y saxofonista Gil Melle, le presentaría a Alfred Lion, director
de Blue Note quien le contrató como ingeniero de sonido. Hasta finales de los
cincuenta trabajó como optometrista. En 1959 se trasladó a un estudio en
Englewood Cliffs, inspirado en la obra de Frank Lloyd Wright (con techos altos
y buena acústica), y empezó a grabar, a tiempo completo, a músicos como Miles
Davis, Wayne Shorter, Thelonious Monk y John Coltrane en su etapa Impulse!, entre
los que destaca su clásico “A Love Supreme” de 1964. John Coltrane le pidió a Bob Thiele al firmar
con su sello Impulse!, que le contratase como ingeniero. Sabía que era el mejor.
Rudy Van Gelder
Cuando Liberty Records compró a finales de los sesenta Blue
Note optaron por otros ingenieros y Van Gelder trabajó para CTI Records de
Creed Taylor sacando discos de smooth jazz que no fueron muy bien recibidos por
la crítica. Su actividad fue disminuyendo
aunque siguió grabando y más recientemente se dedicó a remasterizar discos
pasándolos a digitales. Destaca su labor para la serie “RVG (Rudy Van Gelder) Edition”
de Blue Note y para Prestige Records, a petición de los propietarios de Concord
Records.
También será recordado por sesiones en directo esenciales en
la historia del jazz como “A Night at Birdland” (1954) del Art Blakey Quartet, John
Coltrane y su “Live at the Village Vanguard” (1961), y “Up at Minton's” (1961) de Stanley
Turrentine. Su método dotaba a las grabaciones de una calidez extraordinaria y pocos
fueron los que se negaron a grabar con él, entre ellos Charles Mingus.Van Gelder fue nombrado miembro de la Audio Engineering
Society (AES) en 2009. En 2013, recibió el premio más prestigioso de la
Sociedad, la medalla de oro AES.
Documento sonoro:
"A love supreme" de John Coltrane grabado por el ingeniero de sonido Rudy Van Gelder en una sesión el 9 de diciembre de 1964.
Edward Louis Smith nació el 20 mayo de 1931 en Memphis Tennessee
y falleció el 20 agosto de 2016. Trompetista de jazz, encuadrado en el hard
bop, destacó por una trayectoria en solitario más intensa a partir de los
ochenta y noventa más dos mil, que en los cincuenta y sesenta. Durante 20 años
no grabó nada dedicándose a la enseñanza en la Universidad de Michigan. Durante
su carrera colaboró con grandes como Cannonball Adderley , Kenny Dorham ,
Donald Byrd , Lou Donaldson , Zoot Sims , Kenny Burrell, y Philly Joe Jones ,
entre muchos otros.
Empezó a tocar la trompeta de muy joven y se graduó en la escuela
secundaria con una beca para estudiar música en la Universidad Estatal de
Tennessee. Siguió los estudios en la Universidad de Michigan, con el profesor
Clifford Lillya. En Michigan, tocó con músicos de prestigio como Miles Davis y
Dizzy Gillespie . En enero de 1954, Smith fue reclutado por el ejército hasta finales
de 1955.
Louis Smith
Después enseñó en la escuela Booker T. Washington en Atlanta. Mientras,
siguió tocando coincidiendo en los escenarios con Cannonball Adderley , Kenny
Dorham , Donald Byrd , Lou Donaldson , Zoot Sims , y Philly Joe Jones , entre
muchos otros. En 1956, hizo su primera grabación acompañando a Kenny Burrell, “Swingin”.
Un año más tarde, tuvo la oportunidad de dirigir su propia sesión de grabación con
el sello de Tom Wilson, con sede en Boston, llamado Transition. El disco se
llamó “Here Comes Louis Smith” y contó con Cannonball Adderley (que tocó con el
seudónimo de "Buckshot La Funke"), el bajista Doug Watkins , el
batería Art Taylor , y los pianistas Duke Jordan y Tommy Flanagan. El jefe de Blue Note Alfred Lion compró todos
los derechos de edición y firmó con Smith un contrato exclusivo. Durante 1958, Louis
toca en dos sesiones de Blue Note: “Kenny Burrell's Blue Lights” y “Booker
Little's Booker Little 4 and Max Roach” que se convirtieron en el disco “Smitville”
(1958). Durante los siguientes 20 años no grabó nada más y se volcó en la
enseñanza en la Universidad de Michigan y en escuelas públicas de Ann Arbor.
Louis Smith
Entre 1978 y 1979 grabó los discos “Just Friends” y “Prancin”.
Tras tocar con Mickey Tucker en “Sweet Lotus Lips” en 1989, firmó con Steeplechase
y grabó “Ballads for Lulu” en 1990. No volvería al studio hasta “Silvering “ y “Strike Up the Band” (1994)
al que siguió “The Very Thought of You” (1995), “I Waited for You” (1996), “There
Goes My Heart” (1997), “Soon” y “Once in
a while” (2000), “The Bopsmitjh” (2001) y “Louisville” (2004). Retirado de la
enseñanza padeció un derrame erebral en 2006 del que se recuperó poco a poco en
casa. Siguió tocando de forma puntual sin volver a grabar.
Documento sonoro:
Louis Smith y "Tribute to Brownie" de su primer disco de finales de los cincuenta,“Here Comes Louis Smith”
Un buen disco de debut debe decirnos todo lo posible acerca del talento de sus protagonistas. A mi entender, es mejor pecar de
excesivo que definir un proyecto mediante medias tintas. Se trata de una
oportunidad única que no puede desaprovecharse. Quizá sea la última ocasión que tengan para situar en el mercado discográfico su preciada obra, esas canciones
que son consecuencia de un trabajo y una ilusión con la que arranca todo soñado proyecto
propio e irrenunciable. Burofaxson un cuarteto madrileño que llevan poco más
de un año y acaban de sacar un Ep, con cuatro brillantes canciones, editado por
Hurrah! Musica y Discos Para Getas. Un
trabajo en el que ponen de manifiesto todo lo aprehendido de discos siniestros de
postpunk como de canciones emotivas de pop para dar vida a momentos propios que
surgen, crecen y culminan los temas con una fuerza insólita. Mediante letras especialmente
sensibles e hirientes a partes iguales, entre esos arreglos esplendorosos con
rítmica persuasiva y melodía agridulce, más la voz cautivadora de su cantante,
Burofax no solo han cumplido con lo esencial para debutar a lo grande sino que, me aventuraría a afirmar que si siguen así, con tamaña fuerza y creatividad, van a darnos razones más que suficientes como para seguir muy de cerca futuras y sucesivas muestras de su manifiesta agudeza creativa.
Trayectoria
Burofax. Foto de su facebook
Burofax se forman en Madrid en 2015 . Ella y ellos son: Ana Fernández a la voz principal; Isaac Sánchez a la guitarra, Fran Douglas a la batería, y Fito M Rod al bajo. En julio de 2015 grabaron en DGR Sónica, Madrid con Ramón Moreira, bajo la producción Raúl Querido y David Carratalá, varias canciones que puedes escuchar en el bandcamp de las que se han extraído cuatro para editarse este 2016 en un Ep de vinilo por Hurrah! Música y Discos Para Getas. La portada es un magnífico dibujo en blanco y negro de la banda realizado por su cantante Ana Fernández. Las canciones
Burofax. Foto de su facebook
El Ep empieza con “Cuero”, una canción en la que se expanden,
con gran soltura, los excelentes recursos que conforman su peculiar
microuniverso postpunk y pop, alejado de problemas y líos conceptuales. Riffs entregados, directos, que resultan penetrantes,
acompañados por un ritmo preciso marcado con pulsación nerviosa con la que logran
definir las paredes de ese sonido
conmovedor. Arpegios emotivos que arropan a la fantástica voz principal: una gran
cantante que se expresa con entrega y que logra hacer creíble un mensaje que
persigue esclarecer tus posibles dudas existenciales o al menos hacerlas más
livianas. Sigue la Cara A con esas “Carreteras
Prohibidas”, tema diseñado con una pulcritud de imágenes siniestras que nos
envuelven con su persuasiva combinación de melodías agridulces que conforman esta
pequeña banda sonora que emana oscuridad vital. “La muerte te da igual y la
sacas a bailar”. Poco a poco, el tema crece con un juego firme de arreglos
combinados con una lírica elocuente. El tema desemboca en ese final del camino,
donde “te encontrarás conmigo” entre vampiros. Sin lugar a dudas, una soberbia
manifestación de su poderío melódico ciertamente seductor a la par que acongojante.
Burofax. Foto: @el_abyecto
En su cara B escuchamos “Bala perdida”, canción de la que
destacaría su ternura musical como complemento ideal con el que reforzar la tristeza
que emana de una letra de desamor: “cuando vas a dejar de decir todo lo que no
sientes por mí… antes nada importaba, era una bala perdida por ti… y todo ha
pasado, un poco por encima”. Espeluznante el crescendo que les lleva a la
eclosión final con los pelos ya como escarpias.
Cierra el disco “Tiene que ser”, la última excelencia de este meticuloso
Ep . Una canción con arranque seguro mediante
esas aguerridas guitarras siniestras, acompañadas por una ágil sección rítmica,
con bajo palpitando con orgullo, arropando con serenidad y entrega a la gran
voz principal. “Ya no me quedan ganas de buscar paraísos y en cambio a ti sí”. “Qué
valiente he sido, que por fin he elegido. Ahora que somos libres todo tiene más
sentido, eres mi mejor amigo”.
Reflexión final
Burofax. Foto de su facebook
Burofax son de esos grupos que, por múltiples factores ya
sean creativos o de contexto, están llamados a congregar a su alrededor, imagínense
conciertos o lugares donde pinchen sus fantásticas canciones, un nutrido grupo
de fans fieles a su propuesta, dispuestos a comulgar con sus criterios y a participar
de sus inquietudes hilvanadas con destreza. Me niego a admitir que sus influencias
del post punk de los ochenta, nos impida valorar en su justa medida unas canciones
que también tienen sentido al margen de
todo lo aprehendido. Quien así lo prefiera,
no voy a rebatirle que su música le recordará a algunos proyectos siniestros de
auténtico lujo que destacaron en nuestra
escena hace años o, incluso, no tantos. Pero si se obsesionan en esa
comparación tan recurrente, creo que van a perderse la oportunidad de disfrutar
de un grupo que no solo domina, ya en su debut, unas formas y un estilo bien
definido sino que aporta una visión lírica enriquecedora y una instrumentación
que antepone la sensibilidad a la trascendencia. Estamos antes unos músicos
capaces de conseguir momentos emotivos que te atraparán como balas perdidas de
genio en esa carretera musical en la que solo se espera que elijas lo que te
gusta al margen de problemas y líos.
Nota: Puedes escuchar las canciones y adquitir una copia del Ep en vinilo en el bandcamp de Hurrah! Musica. En el bandcamop del grupo puedes disfrutar de más temas entrando aquí.
Felix Headley Bennett nació en Kingston (Jamaica) el año 1931 y falleció el 21 de agosto de 2016 a
consecuencia del cáncer que padecía. Saxofonista,colaboró con numerosos combos de sonidos jamaicanos
como The Sheiks, Lynn Taitt and the Jets, The Mighty Vikings, The
Revolutionaries, Bob Marley, Jimmy Cliff, The Skatalites, The Abyssinians, Alton Ellis, yPrince Far I entre otros.
Bennett estudio en la Alpha Boys School desde los cinco años
donde aprendió a tocar el saxo.A los 15
dejó la escuela y se marchó a Canadá donde estuvo tocando pera volver después a Jamaica. En los sesenta fue músico de sesión principalmente
en los Studio One tocando con la banda
de Lynn Taitt, The Jets, o The Mighty Vikings, y The Revolutionaries.En 1962 tocó con los Sheiks, y tocó en el
aeropuerto de Palisadoes a la llegada de
la princesa Margaret en su visita a la isla con motivo de la independencia de
Jamaica. Durante esos años tocó en los
estudios con muchos como por ejemplo Bob Marley y su primera grabación "Judge
Not" para Leslie Kong, o "Housewives Choice"
con Derrick & Patsy.También grabó “Hurricane Hattie”, el primer
tema de un joven de 14 años llamado James Chambers, quien se haría famoso como Jimmy
Cliff. Por otra parte colaboró con The Abyssinians, Alton Ellis, yPrince Far I entre otros.A finales de los sesenta volvió a Canadá para
regresar de nuevo a Jamaica en 1977.
Roland Alphonso y Headley Bennett
A su nombre grabó un par de discos. A finales de los setenta
sacó un album de versions instrumentals de
baladas soul con Ossie Scott. El
disco lleva por título “Deadly Headly
Bennett Meets The Magnificent Ossie Scott”. En los ochenta sacó otro album llamado “35
Years From Alpha” con el productor Adrian Sherwood. En 2005, Bennet fue distinguido por el
Gobienro de Jamaica con la Order of Distinction en el rango de Oficial por su
contribución al desarrollo de la música jamaicana. En 2013, los problemas de espalda y prostata le
originaron cuantiosas facturas médicas que le llevaron a padecer problemas
económicos. Su muerte fue confirmada por su hija Carol Bennett.
Gillian "Gilli" Mary Smyth nació en Inglaterra el
1 de junio de 1933 y falleció en Byron Bay (Australia) el 22 de agosto de 2016. Participó
de los proyectos de Daevid Allen: Gong,
Mother Gong y Planet Gong, entre otros, en ocasiones con el pseudónimo de Shakti
Yoni aportando poemas y voces espaciales a las que llamó “Space Wisher”.
También tuvo una trayectoria en solitario y colaboró con varios músicos del círculo
de los Gong.
Estudió en el King College de Londres, participó de la revista King News, estudió en
la Sorbona de París, y colaboró con los Soft Machine leyendo poseías sobre el
escenario. Allen y Gilli Smyth se conicieron en París, formaron una
pareja sentimental y se trasladaron a Deià, Mallorca en los setenta.
En 1970, Allen grabó y publicó su primer disco en solitario, “Banana Moon”, con
la ayuda de Robert Wyatt y otros músicos de la escena de Canterbury. En las
Baleares coinciden Allen y Kevin Ayers quien trabaja en su primer álbum en
solitario “Joy of a toy” (1969). Fue su ópera prima en solitario a modo de
declaración de principios. Le seguirían otros discos como “Shooting at the
Moon” (1970), “Whatevershebringswesing” (1971), “Bananamour” de 1973, entre
otros hasta su çultima disco “The Unfairground” (2007).
Gong
Por lo que se refiere a los Gong de Allen y Gilli, por la
banda pasaron otros músicos como Allan Holdsworth, Tim Blake, Didier Malherbe,
Bill Bruford, Pip Pyle, Steve Hillage, Mike Howlett, Pierre Moerlen o Jorge
Pinchevsky. Los Gong sacaron el primer disco en 1970 con el título de “Magick
Brother” editado por el sello BYG Actuel, donde también salió el segundo LP,
"Continental Circus" y el tercero "Camembert Electrique"
(1971). Ese mismo año salía el disco "Banana Moon" que BYG acreditó
en dos ediciones tanto a Gong como a Allen. Allen también tocó la guitarra en
el disco "Obsolete" de Dashiel Heday compuesto en 1969 y grabado en
mayo de 1971. Después vendría la trilogía "Radio Gnome", con los
discos “Flying Teapot” y “Angel's Egg” en 1973, y “You”, de 1974. Al año
siguiente Allen deja los Gong. La banda siguió con varias formaciones hasta el
disco “Expresso II”, de 1978, último LP que se editó con el nombre de la banda.
Tras la primera época en los Gong, Allen grabó dos discos en
solitario: “Good Morning” (1976) y “Now Is The Happiest Time Of Your Life”
(1977). Ese año grabó un disco con el nombre de Planet Gong y reunió a la
primera formación de Gong para un directo en París. Ese disco se editó en un
doble Lp llamado “Gong Est Mort? Vive Gong”. En 1979 sacaría otro disco en
solitario llamado “N’existe pas!” al que seguirían otros como “The Death Of
Rock & Other Entrances” (1982).
En 1979 saldría el disco de los Mother Gong, “Fairy Tales”
con Gilli a las voces, Trevor Darks al
bajo,Nick Turner a la flauta y oboe, Eduardo
Niebla y Harry Williamson a las guitarras, Marianne Oberasher a la harpa, Mo
Vicarage a los teclados, y Ermano Ghisio Erba a la percusión. Al año siguiente
sacó un disco a su nombre con el título de “Mother”.En 1981 los Mother Gong y Johnnies Phillips sacaron
“Battle Of The Birds”, y en 1982 colaboraron con Dave Sawyer en “W.F.M”.Le siguió la serie “Robor Woman 2 y 3” en el 1982 y 1986, más “Buddha's
Birthday” y “Fish In The Sky” en 1988. Con “ The Owl And The Tree” (1989)
volvieron a colaborar con Allen.
En los ochenta, Allen colaboró con Bill Laswell en los New
York Gong, influidos por el punk. La banda sacó un disco “About Time” al que
siguieron otros proyectos llamados Invisible Opera Company Of Tibet,
Brainville, Ex y Magic Brothers. En el año 1981 Allen volvería a Australia y se
establecería en Byron Bay, donde siguió su gran actividad artística y con el artista
de perfomance David Tolley se interesa por los loops y las cajas de ritmo. En
los noventa sacaría “Dreamin' A Dream” (1992) y reflotaría la banda Gong con
discos como “Shapeshifter” (1992). Por
su parte Gilli grabaría “Every Witches Way” con los mother y los Kangaroo Moon (1993).
Allen siguió con otros discos como ,“Zero to Infinity”
(2000) y “Acid Motherhood” (2004) con componentes de los Acid Mothers Temple,
Kawabata Makoto a la guitarra, y Cotton Casino en sintetizadores y voz. Por su parte Gilly y Gong Matrices sacaron “Parade”
(2004). A finales de 2009 salió otro disco llamado “2032”, con Steve Hillage,
Gilli Smyth y Mike Howlett. También se crearían los you'N'gong con su segundo hijo,
Orlando, o los Acid Mothers Gong con los componentes de los Acid Mothers Temple
así como con los Guru And Zero. En 2005
salió el disco “I Am Your Egg” con Daevid, Orlando y ella.
Gilly Smith
En 2007 salió el libro “Gong Dreaming 1”, la primera parte
de las memorias de Allen. Durante mucho
tiempo fue miembro de la University of Errors, con la que saca varios discos.
También ha grabado con los Brainville 3, Spirits Burning con Alan Davey,
Bridget Wishart, Karl E. H. Seigfried y Simon House, así como la Big City
Orchestra, entre múltiples propuestas experimentales.
Ya en 2012 se editó “Paradise” de Gilly Smith. Al año siguiente, 2013, Allen llevó
a cabo desde Devon (UK) un proyecto llamado "Up Close with Daevid
Allen". También se unió a la Invisible Opera Company of Tibet. En 2014
colaboró en el disco de Andy Bole, “Of Blue Splendour” y se editó un nuevo
disco de los Gong con el título de "I See You". En febrero de 2015 anunciaba
que el cáncer que padecía, volvía a reproducirse. Sin posibilidad de encontrar
un remedio eficaz, decidió renunciar a más operaciones, y le dieron una
perspectiva de vida de seis meses. Falleció el 13 de marzo de 2015.
Los Biscuitcerraban una larga, memorable y fructífera
trayectoria de 23 años el pasado 19 de agosto de 2016 con una fabulosa actuación
celebrada en la calle de la Perla de Barcelona durante las fiestas del barrio de Gràcia.
A partir de aquí, la banda de Vilanova i
la Geltrú (Barcelona) abre un periodo de reflexión personal que esperemos les
lleve, de algún modo u otro, a seguir con otro proyecto musical aunque, por el
momento, no hay definido nada concreto.Sin tapujos que valgan, nos deja la mejor de nuestras bandas de rock and
roll y lo hace mediante un concierto de fiesta mayor que resultó, contra todo
pronóstico, uno de los mejores, con el público absolutamente entregado ante una
formación única, irrepetible, que nos
dio una lección de actitud, maestría instrumental y vocal, entrega, buen
humor, despliegue de medios artísticos, fuerza… Unos Biscuit, quizá por última vez, en
absoluto estado de “Gràcia”.
Biscuit: Ivy Lot
La banda abrió con “The Sound” de su álbum de 2003, al que
siguió “R’n’r exile” deldisco "Time For Answers” de 2005. De su
más reciente trabajo de 2016 interpretaron: “Duke's Tale”, “Welcome To
Dundersville”, “Blame Me”, “Saw Ya”, “The Chip”, “Unthinkable”, y “Blank
Morning (She Said)” que cerró la primera parte del concierto con una fascinante
compenetración de guitarras, bajo, percusión, solos ácidos y riffs demoledores.
La segunda parte fue destinada exclusivamente a las versiones.
Empezó con el “Togheter” de los Box Tops, al que siguió “Alone with you” de los
Sunnyboys, “Strychnine” de los Sonics, “Hold On” de Les Fleur de Lys, “Have
Love, Will Travel”, también de los Sonics, y “Runaway” de Del Shannon que
empalmaron con el “No Fun” de los Stooges. A partir de aquí, el concierto que había
resultado brillante hasta el momento dio un paso más hacia lo inconmensurable y
mutó en una algarabía de público
disfrutando de lo lindo con las adaptaciones de “I wanna be your Dog” de los Stooges,
“Ramblin’Rose” de los MC5 de los que también tocaron “Kick out the Jams” y para
finalizar el “You’re gonna Miss Me” del gran Rocky Erickson con los 13th Floor
Elevators.
Biscuit. Foto: Ivy Lot
El repertorio escogido por la banda fue muy acertado tanto
en sus canciones originales como en las versiones. Tras una primera parte en la
que se puso de manifiesto la destreza compositiva e interpretativa mediante temas
propios, la mayoría de su más reciente disco, en la segunda las adaptaciones de
esos clásicos oscuros de los sesenta, no estuvieron exentas de la huella
personal de esta gran banda que logró redimensionarlos para adaptarlas, sin
fisuras, a su propio universo mediante guitarras sensacionales, una sección
rítmica meticulosa, un órgano voluntarioso y una voz principal extraordinaria
con un registro más que generoso, incluido ese falsete tan extraordinario del “Ramblin’
Rose” de los MC5 .
El público entregado...Biscuit. Foto: Ivy Lot
Mientras observaba como las vallas de protección del escenario
estuvieron a punto de volar por encima del público enloquecido que bailaba y coreaba
los temas de los Stooges o de los MC5, interpretados por los Biscuit, me vino a
la mente la filmación de la actuación que los de Detroit dieron en el campus de la Wayne
State University de su ciudad el 19 de julio de 1970. Entonces, a excepción de unos cuantos, la gran
mayoría de público, que abarrotaba el campus, seguía el concierto sin demostrar un
gran entusiasmo, quizá anonadados ante la fuerza explosiva de esta gran banda ya
desparecida. 46 años después de esa actuación, los Biscuit se despedían con una
versión que convirtió su magnífica puesta en escena, en ciertamente, apoteósica.
Al margen de las razones personales y artísticas que les hayan impulsado a
cerrar esta etapa de su vida, a nadie quien les conozca se le escapa que, en su drástica decisión, han
tenido mucho que ver circunstancias inexplicables como la, en demasiadas
ocasiones, fría y escasa respuesta de nuestra escena hacia su proyecto ciertamente
original que atesora una magnífica discografía de seis Lp’s y un directo no menos grandioso.
Biscuit, Foto: Ivy Lot
En su escrito de despedida, que publicaron en las redes sociales, decían: “Podríamos
hablar mucho -de hecho, de un modo u otro, llevamos años haciéndolo- de las
razones para ello, pero creemos que este no es el momento. Estamos cansados, lo
necesitamos, eso es todo”. Personalmente
me entristece que lo hayan dejado y me daría muchísima rabia, si pudiera verlo,
que dentro de cuatro décadas, un público enfervorizado bailase sus canciones
versionadas por otro combo que se las viera y deseara para que les hiciesen
caso con sus temas propios. Pero quizá sea ésta la verdadera historia del rock
and roll: la de los héroes que nunca lo fueron en vida. Para mí, y para muchos
más, quizá no los suficientes, los Biscuit han sido y seguirán siendo, muy grandes.
Del futuro, ya hablaremos. Así que para acabar, nada mejor que las últimas palabras que me dijo el propio Xavi
Cardona al finalizar tan memorable directo en las fiestas de Gracia, citando a los Doors: “El futuro
es incierto y el final está siempre cerca".
Trayectoria
LosBiscuitsonAngelZambudio al bajo, Fermín Roca a la batería y coros, Armand Cardona a laguitarra, Xavi Cardona a laguitarra y voz, más David Charro a los teclados, coros y guitarra. Se forman en Vilanova i la Geltrú, en el año 1993 tras la escisión de Blue Bus, una banda que editó un mini-lp en 1991 con el título de “All Way” (Macaco Records). Tras una segunda maqueta producida por Enrique Lindo, Grabaciones en el mar les edita en 1997 su primer disco, “Lunch Music” en formato CD. Luego vendrá su participación en discos de tributo a grupos como Love, y en 2001 se autoeditan un EP con cuatro canciones, “The Basement Years” distribuido por Trip Records.
Biscuit. Foto: Ivy Lot
Dos años después, verano de 2003,entran de nuevo en un estudio de grabación, con Santi García en los estudios Ultramarinos Costa Brava. De ahí saldría “Rocks My Litlle World” editado en Cd por Rock Indiana y en vinilo por H Records. Tras el éxito de ese disco, vuelven en 2005 al mismo estudio, productor y con el mismo sello a dar forma a su nuevo Lp, “Time For Answers”, en el que una vez más hacen gala de su poderío con una mezcla de rock’n’roll, psicodelia y toques melódicos de pop. En esta ocasión, No Tomorrow se encarga de la edición en vinilo. Después vendría "Cinnamon Fadeout", grabado en el mismo estudio, y editado en 2009 por el sello Hang the dj!, en Cd y vinilo. A finales de 2011 sacan, de la mano de La Castanya, el álbum “Memorabilia” del que puedes leer más datos aquí.A destacar también que en 2012 triunfan tocando en directo con Bart Davenportel “Sound Affects” entero de los Jam.
Biscuit. Foto: Ivy Lot
En 2013 la Castanya editó un Ep en 7” titulado “Hit the Ground”para celebrarel 20 aniversario del grupo. Contiene los temas “The One in Charge”,“The Wireless Golden Voice” y “Quit This Place”.Fue producido por Mike Mariconda en los Estudios Ultramarinos Costa Brava (Sant Feliu de Guíxols), con Santi García como asistente.Por otra parte el sello australiano Off The Hips compiló en 2015 16 canciones que recorren más de dos décadas de carrera en “20 Years a Million Beers & Lotta Nerve”.Anteriormente a la edición de su nuevo Lp, editado en 2016 sin título por la Castanya del que puedes leer una reseña en nuestro blog, se dieron a conocer los temas“Goodbye Again Or B” y el inédito “Phil's Song”.
Nota: Puedes visionar un excelente reportaje fotográfico de Ivy Lot (Eva Ferrera) sobre el concierto en el barrio de Gracia (Barcelona) en su flickr.
Irving Fields nació el 4 de agosto de 1915 en Nueva York y
falleció el 20 de agosto de 2016. Pianista de lounge music, jazz latino,
compositor, grabó series inolvidables de canciones románticas, dulces,
divertidas, bailables, con las que no solo triunfó con formato trío acompañado de contrabajo y batería con series tan sabrosas como “Bongos”, sino muchos otros como Xavier Cugat, Sarah Vaughan, o Dinah Shore.
Fields creció en el Lower East Side de Manhattan y empezó
siendo un actor infantil en el teatro yiddish. A los 15 años ganó un primer premio como
pianista en la radio Amateur Hour de Fred Allen, con el que consiguió 50
dólares y una semana tocando en el Teatro Roxy. Estudió en la Escuela de Música Eastman y en el
Instituto Masters en Manhattan, mientas su fama fue extendiéndose tocando con la
Boston Pops o al frente de su propio combo con el que actuó en el Carnegie
Hall.
Por otra parte fue un gran compositor de canciones entre las
que destacan "Miami Beach Rhumba", que fue un gran éxito en manos de
Xavier Cugat. También escribió "Chantez, Chantez", interpretada por Dinah
Shore, "Managua, Nicaragua" grabada por Guy Lombardo, Emdundo Ros, o
Freddy Martin, "La puerta está abierta" adaptada por Sarah Vaughan; o
“Night After Night", "Miami Beach Cha Cha Cha", entre muchas otras.
Grabó muchos discos en los
cincuenta y sesenta como “The Fabulous Fingers, Fiesta”, “Plays Irving Berlin
in Fabulous Hi-Fi”, “At the Latin
Quarter”, “Broadway Hits in Hi-Fi”, “At the Saint Moritz”, y sus grandes éxitos para Decca con la serie “More
Bagels and Bongos”, “Pizzas and Bongos”, “Champagne and Bongos”, “Bikinis and
Bongos”, y “Bagels and Bongos”. También hizo adaptaciones memorables de temas tradicionales como "Hava Nagila"
Irving Leids
En las últimas décadas, Fields tocaba en el Bar de Harry en
el Park Lane Hotel de Nueva York, cruceros, fiestas privadas, o conciertos para
niños con el famoso "Quién puso el plátano en el piano". En 2007
grabó el álbum “Oy Vey.....Olé!!!” con
el percusionista Roberto Rodríguez. También es conocida la canción que escribió a
petición de un fan en 15 minutos: “YouTube Dot Com Theme Song". Desde 2015, Fields tocaba seis noches a la
semana en el Nino's Tuscany, un restaurante italiano de Nueva York.
