Delanada nos presenta al “Enemigo Silencioso”, título de su sobrecogedor trabajo discográfico

Hay discos con canciones que parecen compuestas en esas tardes sin otro propósito posible que lamentarse de la mala suerte, la propia y la ajena, pero que, tras escucharlos atentamente, uno se siente extrañamente reconfortado por la cantidad de recursos emotivos y sensibles que contienen en sus preciosos momentos de esperanza. Hay quien dice que la música es triste o alegre, y esa división suele argumentarse en base a varios preceptos armónicos e incluso temáticos, pero yo no creo que sea así de sencillo. Por poner un ejemplo, en mi caso hay acordes menores que me alegran la existencia de forma irresistible. De este modo me decanto más por pensar que hay música que te pone más triste si la escuchas con ese estado vital; o en cambio más alegre, si es ese el momento emotivo en el que te encuentras. Este nuevo disco de Delanada titulado “El enemigo silencioso”, pese a la dureza de alguno de sus versos y lo sobrecogedor de los arreglos instrumentales, consigue en mi una sensación de paz con mis propios fantasmas y no puedo más que sentirme feliz por seguir adelante, luchando contra ese terco enemigo al que podemos  enfrontamos en nuestra vida con mejores o peores resultados. 

Delanada es el nombre del proyecto artístico con el que nos presenta su obra, desde 2006, Javier Molina, nacido en Cornellà de Llobregat en 1978. Anteriormente había creado en 2003 la banda barcelonesa de pop Indie Cuaderno Gris en la que cantaba y tocaba la guitarra acompañado de Rubens Molina (bajo) y Jordi Farreras (batería). Ya en solitario graba en 2007 un trabajo intimista compuesto por tres canciones para Ovejasydiscos, sello con el que en 2009 vuelve a sorprendernos con un CD bajo el título de “Cuatro canciones para no dormir y una declaración de intenciones”. Con ese disco cierra una época errante de su vida, tras la cual crea la mencionada discográfica con Pilar Pascual, artista plástica tan sutil como fascinante, responsable de las portadas de los diversos trabajos editados hasta el momento por Delanada.   

A mediados de septiembre de 2012 está previsto que salga al mercado discográfico, con la ayuda de Buen Ritmo, su reciente álbum que lleva por nombre “El enemigo silencioso”. Para la grabación de este disco ha contado con la colaboración de Jordi Funes al banjo, dobro y lap steel guitar; Josep Martí al bajo; Reginald Vilardell al bombo en “La evidencia de la muerte”;  Xavi Martínez, a la batería en “Segundo round”; Txepe al acordeón; y Guille Ferrer: al Hammond.  

Javier Molina se encarga de tocar las guitarras y el piano, así como de cantar sus propias canciones, todas compuestas por él a excepción de “Reír contigo”, compartida con  Rubens Molina. El disco fue producido y mezclado por Javier Molina y Jordi Funes, así como grabado y mezclado entre Rubí y Cornellà de Llobregat (su propia casa) y Barcelona (Cap Record). Chris Bauer se ha encargado de la masterización.

De nuevo, Pilar Pascual es la autora de la portada con un dibujo espectacular en el que una leve pero preocupante muesca en una superficie pulida y blanca parece demostrar la presencia de ese enemigo silencioso al que se refiere de forma genérica este sobrecogedor trabajo. A destacar también la composición gráfica de L'Orangerie Studio, y la fotografía de Abel Echeverría.

En la Lata de Bombillas

Empieza el disco con un vals solemne y enigmático con un leve toque latino, menos de un minuto para “Salva a lo invisible” que da entrada al excelente tema “Segundo round” con esas guitarras paseando por las llanuras del alma, mientras Delanada nos cuenta que “me persigue un viejo temblor, me acompaña aunque pida perdón …me aburre el tono de mi voz…” con un cariñoso órgano sincopado. La canción va adquiriendo más energía rítmica para decirnos que “no es demasiado tarde para reconsiderarlo… para volver a empezar… mírame… otra vez”.  

Le sigue “Reír Contigo”, confesión sincera con toques americanos procurados por ese lap steel, para “no volver a encerrar nunca más mis palabras en mi… y evitar el silencio” . A continuación nos ofrece una brillante “Entrada la noche” con ese peculiar juego rítmico que procura el ceremonioso compás de ¾. Nos cuenta la breve pero significativa historia de un hombre que sale de casa “valiente hasta la muerte”, un hombre que sabe perder pero que al final se pregunta “y ahora qué”. Sensacional el verso final: “no te olvides de cerrar al volver a entrar”. Excelentes cambios armónicos que nos recuerdan a los oscuros “crooners” de prestigio internacional, ayudado por un acordeón muy apropiado y sonando con un gusto exquisito.

Leve y cariñoso punteo de guitarra, con sonido frágil de lap steel, en el siguiente tema llamado “En lo alto hay un llano” a modo de preludio instrumental de la canción titulada “Tirar la toalla”, excepcional banda sonora del tormento que nos ronda cuando fracasamos en las relaciones interpersonales, en especial las amorosas,… la culpabilidad, el daño, la ruptura, sensaciones y sentimientos que nos crean angustia existencial y que al final consiguen que “muy a nuestro pesar, nos alejemos”.     

“La evidencia de la muerte” es el tema más conocido de este álbum, fue su single de adelanto, e incluso existe un precioso video realizado por Pilar Pascual altamente recomendado. El tema contiene ese toque ácido, tenebroso, necesario para “presenciar mi defunción, allí estaré como un reloj, lo sé…”. Sensacional canto fúnebre con frases brillantes como “te perderé por última vez, me abrazarás y yo no podré, lo sé”. Personalmente, reconozco que tras múltiples audiciones, aún se me encoge el corazón al oír este tema y no solo por los versos, sino también por el discurso melódico, con arreglos espectaculares de guitarras que crean efectos ambientales incomparables.  

“Otro final más” cierra este trabajo con guitarras que retumban en el estómago y abrazan la soledad del corazón… canción de un adiós que nunca fue pronunciado y ahora “sé que tendré que volver a empezar”. Sin duda un inmejorable final para este disco que se nos hace corto pero que se me antoja tremendamente intenso y emotivo desde la primera a la última canción.

Sin lugar a dudas, Javier Molina ha tomado una decisión importante en su vida dispuesto a seguir luchando contra ese “Enemigo Silencioso” y lo ha hecho ayudado por la indispensable Pilar Pascual y un elenco de amigos músicos que han acabado de perfilar esas intenciones sólidas y convincentes para seguir componiendo temas  memorables. Canciones que pueden parecernos tristes por todo aquello que arrastran del  pasado pero, a su vez, alegres por esos versos que se cuelan con ganas de volver a empezar en un más que merecido segundo round. 

Nota: Si quieres escuchar los temas puedes hacerlo en su web o en el bandcamp.       

Triada ejemplar de “Fuzz, Farfisa y Fiesta” en el álbum de debut de los Moonstones

Portada

No voy a descubrir nada nuevo si afirmo que The Moonstones son uno de nuestros mejores grupos de rock and roll. Convencido de su enorme aportación no solo a nuestra escena estatal, sino también a nivel internacional, no puedo más que empezar esta reseña reconociendo mi torpeza al no haber publicado antes una crítica sobre su primer disco editado en 2011, un grandioso trabajo melódico y rítmico titulado “Fuzz, Farfisa y Fiesta” en el que no hay un solo acorde que pueda desperdiciarse, repleto de canciones memorables moviéndose entre varios estilos con los preceptos del “garage” a modo de referencia genérica.

La música de los Moonstones, como en otras de nuestras bandas de “garage” como los andaluces Smoggers o cualquiera de las nuevas formaciones de la brillante escena  valenciana, por ejemplo los Glurps, son nuestra principal enseña para demostrar que en este país se están dando casos memorables para perpetuar el estilo y la actitud necesaria del buen rock and roll más allá de nuestras fronteras idiomáticas. No en vano este disco de debut de los Moonstones consiguió que fuera editado por la prestigiosa discográfica alemana Soundfalt records en vinilo y con los australianos Off the Hip en Cd. A destacar que fue grabado en el Circo Perrotti de Gijón, producido por su responsable, Jorge Explosion y los propios Moonstones.


La banda se formó en 2005 en Madrid y ya han podido demostrar, en numerosas ocasiones, su extraordinario dominio de las tablas acompañando a un lujoso elenco de intérpretes y grupos de prestigio internacional. Tras varios cambios en su formación, consolidaron un proyecto sólido con sonido crudo, primitivo, donde no faltan detalles de R&B, rock americano, beat o psicodelia. Sus canciones tienen influencias de agrupaciones como los Miracle Workers, The Cynics, Sonics, The Lyres, Chesterfield Kings, o Jon Spencer. El cambio más importante de la banda se fragua a partir de 2008 con la entrada de Farro a la voz principal. En esa época le acompañaban Alberto al bajo y coros; Sergio al teclado y las maracas; Carlos Chamarro a la guitarra y coros, y Jesu García a la batería. Santi substituiría a Alberto, y Andrés a Sergio.

Cabe mencionar que uno de sus temas, concretamente “Te morderé” ha sido incluido en la recopilación de vinilo "The Astounding Freak Party" editada en 2010 por del sello francés Rigolboch Ricordz Records y varias de sus canciones han sido incluidas en la selección musical de la quinta edición del festival alemán Ballroom Bash donde actuaron en octubre de 2011. Solo faltaba este gran disco para confirmar su excelente forma mediante un amplio abanico de ideas originales que se expanden en cada uno de los catorce temas que lo integran.     

El álbum se abre con la contundencia sonora de “Miénteme” en la que destaca ese diálogo de lujo entre guitarra y órgano con el que nos arrastran a la entrada triunfal de una de las mejores voces actuales de garage acompañada por una brillante aportación de armónica. El disco prosigue con su siguiente corte titulado “Serás Mía”, versión del I'll use Evil (1984) de los Milshakes. Así como en varios de los temas de este trabajo, las relaciones amorosas un tanto complicadas, difíciles, y al límite, continúan siendo protagonistas temáticas de excepción entre pasajes de fuzz vibrantes, gritos salvajes y ritmo desenfrenado. Le sigue el tema “Me Marcharé”  con esa guitarra de rock and roll punteando con extraordinaria nitidez acompañada  de un órgano sixties más pop y sugerente reverb. Se trata de un tema más calmado pero no por ello menos intenso y emocional.  Tras una entrada de batería y órgano propio de los mejores grupos de R&B, entra en escena la primera de las canciones interpretadas en inglés por unos Moonstones que se salen en todo su esplendor rítmico, con unos arreglos contundentes y altamente convincentes. No faltan los pasajes de psicodelia soul con guitarras ejercitadas en los mejores métodos de las seis cuerdas y un órgano cuyos pedales misteriosos te atrapan en sus hábiles redes como en la siguiente canción, “Enough” movidos por un bajo imparable y visceral.

A continuación nos encontramos con el tercer tema cantado en inglés llamado “Wape Up” con ese inicio tan sorprendente de batería al galope, interpelación de órgano, y precisa dirección rítmica del bajo, con un juego de voces que me recuerda a la energía americana de unos Violent Femmes con un toque casi fronterizo, eso sí, sin abandonar la escena del “garage” como principal fuente vital de alimentación sonora. “Todo Acabó” es la siguiente canción cargada de fuzz y órgano hipnótico, más armónica salvaje. Ingredientes imprescindibles con los que confeccionan grandes momentos sonoros íntimamente relacionados con el mejor rock americano. Le sigue otra entusiasta sorpresa en forma de R&B británico con el título que da nombre genérico al disco, “Fuzz, Farfisa, y Fiesta”, en el que disfrutarás de un gracioso guiño a los Salvajes, “bailando con los Sonics hasta el amanecer”.

Con “Something Cooking” vuelven a expresarse en un más que aceptable inglés. Persisten en un R&B muy bien construido con excelentes recursos rítmicos y melodiosos con los que nos transportan hasta su siguiente corte llamado “Malo Por ti”, una canción en la que relajan su interpretación para ofrecernos una estupenda melodía con toques beat, juegos de voces y armónica más pop. Un combinado ideal para decir bien claro que no pretenden ser “unos chicos normales ni mucho menos unos novios formales”. “Te morderé” recupera la sección garajera y psicodélica más arrolladora con batería tribal, ecos y reverb, sucesión rítmica fascinante y pared de sonido a base de farfisa que se acelera para explicarnos cómo van a “morder para obtener la sangre que da placer y que les pone a cien”. A continuación nos ofrecen la canción “Extraño” en la que brillan de nuevo sus dotes “ritmanbluseras” con una interpretación provocadora que invita al baile y al desenfreno no solo en las primeras y más entusiastas filas de sus arrasadores directos. A destacar ese preciso y excelente solo rítmico de bajo. Para finalizar este gran disco nos regalan otro magnífico tema llamado “Nena” acercándose al rockabilly, con piano a lo Jerry Lee Lewis incluido, y acaban todo este desparpajo sonoro ejemplar con  “How Much” haciendo gala de un dominio magistral de toda el panorama del rock and roll, en casi todas sus vertientes, que me recuerda a otros monstruos de nuestra escena estatal como son los Chicos.         

Los Moonstones han conseguido con este disco de debut situarse en lo más alto de los altares “garage” y no solo de este país sino también a nivel internacional con un álbum divertido y brillante. En mi opinión, este trabajo dsicográfico tiene más de un tema magistral posible gracias a unos excelentes músicos que vienen demostrando en directo una capacidad arroladora para convencer con energía inusitada e ideas muy originales. No me queda más que insistir en mi injustificable tardanza en publicar una reseña como esta. Estoy seguro de que todas y cada una de mis apreciaciones sobre este disco ejemplar ya las conocías desde hace tiempo e incluso no temo equivocarme al afirmar que siguen manifestándose y ampliándose cada vez que lo escuchas en tu casa o en tu local favorito de ocio nocturno. 

Nota: Puedes escuchar los temas en el bandcamp entrando aquí 

Muere el cantante Scott McKenzie, muy conocido por su “San Francisco” y las flores en el pelo

El 18 de agosto de 2012 moría en los Ángeles de California, Scott McKenzie nacido con el nombre de Philip Wallach Blondheim, el 10 de enero de 1939 en Jacksonville (Florida).  

Conocido por su gran éxito “San Francisco (be sure to wear some flowers in your hair)” pasará seguramente a la historia de la música por esta sentimental canción que muchos relacionan inevitablemente con el movimento hippie de finales de los sesenta. Pero antes de esta archiconocida canción editada en 1967, Scott, había formado parte de otras bandas. Se crió en Carolina del Norte y Virginia, donde conoció a  John Phillips, antes de los Papas and The Mamas, y que era amigo de su madre. A finales de los cincuenta  formó parte durante un breve espacio de tiempo de un grupo llamado The Singing Strings con su amigo Tim Rose y después entraría en una banda de doo wop llamada The Abstracts con el mencionado John Phillips, Mike Boran y Bill Cleary. Se cambiaron el nombre por el The Smoothies cuando se trasladaron a Nueva York donde grabaron dos singles para Decca Records, con el productor de Bill Haley, Milt Gabler. Destacaron por canciones como "Sofly" o "You're an Old Smoothie". Al parecer durante una gira por Canadá, uno de los integrantes de una pareja de cómicos dijo que Blondheim parecía e un 'perro escocés', y le llamó 'Scottie'. Phillips a su vez le sugirió que se añadiera el McKenzie, el nombre de su recién nacida hija, y así fue como  Philip Blondheim pasó a ser Scott McKenzie.

The Smoothies

A principios de los sesenta Phillips y McKenzie formaron con Dick Weissman los  Journeymen, y sacarían tres álbumes para Capitol Records como "New Directions in Folk Music" de 1963. Se separaron en 1964 y John entró en contacto con el resto de los Mamas and The Papas, Denny Doherty, Cass Elliot y Michelle Phillips. En 1977 Scott contarñia que podrñia haber entrado a formar parte de los Papas pero que en esa época tenía más ganas de intentarlo en solitario.   

En 1966 Scott firmó con Ode records, propiedad de Lou Adler y grabó su “San Francisco”, una canción de Phillips que también le produjo además de tocar la guitarra. El tema salió en 1967 y se convirtió rápidamente en un éxito en todo el mundo siendo uno de los himnos del llamado Summer of Love.

Scott conseguiría otro éxito aunque menor con el tema “Like An Old Time Movie”, también producido y obra de John Phillips. Sacó un álbum llamado “The voice of Scott McKenzie” más otro titulado “Stained glass Morning” pero dejó de grabar a principios de los setenta instalándose en California. En los ochenta reemplazó a Denny Doherty en los Mamas and The Papas coescribió el tema de los Beach Boys de 1988 "Kokomo" y en 1998 se retiró para instalarse definitivamente en los Ángeles donde ha fallecido. 

Aquí podemos escuchar al trio de folk The Journeymen. 

Y por supuesto, su gran éxito, "San Francisco".  La historia de la canción empieza en Monterey que, en la primavera de 1967, está a punto de celebrar un festival pop. Las autoridades temen el alud de hippies de todo el país y piden a John Phillps, su organizador, medidas para calmar al personal ante la que se les avecina. John escribe la canción sin nombrar a Monterey con el supuesto propósito que los asistentes vayan a San Franciso y que solo vengan a la vecina Monterey para los conciertos. Pero entonces había que grabarla rápido y Phillips estaba un tanto disperso por razones varias, entre ellas el consumo de estupefacientes varios, y le pide a su amigo, Scott que lo haga por él. Por entonces, Scott se vestía con kaftanis, iba descalzo y a menudo con flores en el pelo, por lo que era perfecto para cantarla. La ensayaron una tarde y al día siguiente se grabó para ponerse a la venta pocos días después.

Fallece Gary Cox de los Artful Dodger

El 12 de agosto de 2012 moría en Cleveland a los 59 años Gary Cox quien fuera guitarrista de una de las mejores bandas de powerpop de todos los tiempos, nada que envidiar a los Raspberries, ni a los Faces, ni a nadie y a su vez una de las menos valoradas. Me refiero a los Artful Dodger.

Se formaron en el año 1973 en Fairfax (Virginia) con el nombre de Brat y con un quinteto en el que estaban Billy Palliseli, voz y teclados, Gary Herrewig y Gary Cox, guitarras; Steve Cooper al bajo; y Steve Brigida a la batería. Procedían de dos bandas locales llamadas Homestead y Badge. Grabaron un single con los temas “Not Quite Right” y "How Long Will it Take". Este segundo lo recuperarían para su primer LP de 1975 con el título de “Long Time Away”, ya con el nombre de Artful Dodger. Gracias a los New York Dolls firmaron con Columbia y cambiaron el nombre ya que había otra banda que se llamaba igual. De este modo adoptaron el del uno de los protagonistas de la obra Oliver Twist, de Dickens, Artful Didger que es quien mete a Oliver en los negocios sucios.

Su segundo álbum se llamó “Honor Among Thieves”, y salió en 1976. Ambos discos consiguieron buenas criticas pero escasas ventas. Pronto empezaron a tener problemas internos de ego sobre todo con el difunto Gary. El tercer disco se llamaría “Babes On Broadway” (1977), un trabajo menos destacable que inicia un camino de serios problemas entre los músicas que acaban con al deserción de Gary que es substituido por Peter Bonta de los The Nighthawks a la guitarra más piano.

Dejan de tener relación con Columbia y hasta tres años después no volverían a editar su cuarto álbum, en este caso con Ariola. Corría el año 1980 y se titularía “Rave On”. Con ese disco recuperaron la energía de sus primeras canciones. Dos años después decidieron hacer un alto y separarse. En los noventa volverían a reunirse para dar algunos conciertos. Volvería a la formación Gary Cox quien estuvo en sucesivas reuniones, como la de 2005, con conciertos en Cleveland, hasta muy recientemente.   

Nota: Este popbituario está redactado con información de varias fuentes y en especial el artículo de Luis de Ory para la web de Power Pop Action que te invitamos a leer aquí.  

Para la habitual sección de imágenes con sonido, os propongo uno de sus primeros temas grabados como Brat, "Not Quite Richt". No, no es Rod Stewart quien canta.

Este tema, "Wayside" abria su primer álbum de título homónimo en el año 1975.

Otro temazo de 1980, titulado "A Girl, la,la,la", su último single.

Muere Lou Martin, de los Killing Floor y Krayon Angels

Louis “Lou” Martin  nació el 12 de agosto de 1949 en Belfast, (Irlanda del Norte), y murió el 17 de agosto de 2012 en Bournemouth, Dorset, (Inglaterra) tras una larga batalla contra el cáncer. Como teclista, formó parte de la banda de blues rock, Killing Floor, los psicodélicos y freakbeat, Krayon Angels, y de la banda del maestro irlandés del blues, Rory Gallagher.

Los Killing Floor se formaron en Londres en el año 1968 con el nombre de una canción de Howlin’ Wolf. Se reunieron a raíz de un anuncio en el Melody Maker. Representados por John Edward, la banda estaba formada por el cantante y armónica Bill Thorndycraft, los guitarristas Mick Clarke y Michael Stewart, el bajista Stuart McDonald, el batería Bazz Smith y el teclista Lou Martin. Su primer disco lo sacaron con Spark Records con título homónimo en 1969 y producido por John Edward. Después de este trabajo, Lou Martin dejó el grupo. Los Killing Floor también fueron la banda de acompañamiento de Freddie King en un par de giras a finales de los sesenta. 

Killing Floor

En 1970, sacaron su segundo álbum en Penny Farthing con el título de “Out of Uranus” en el que aún figura en los créditos Lou más Paul Spencer Mac al violín. Tras este segundo álbum, se separaron en 1972. Su tercer Lp vería la luz en 2004 con el título de “Zero Tolerance” en el que también tocó Lou Martin.  

Tras los Killing Floor, Lou formó parte, como pianista y organista, de los Krayon Angels con Jeff Pasternak, voz principal, Chris Gibbons, guitarra; Darryl Read, baterista; y Stewart McDonald, al bajo. Krayon Angels grabaron con cuatro pistas un álbum llamado “Nineteen Sixtynine” en 1969 que no vio la luz hasta 2000 con Dig The Fuzz Records. Darryl Read procedía de una banda llamada Orange Illusion y después formaría parte de los Crushed Butler, considerada una de las primeras bandas proto punk de la historia. Los Krayon Angels solo duraron seis meses pero grabaron unos temas de pop psysh y freakbeat espectaculares.  Mick Clarke tocó con Salt y Daddy Longless; Martin entró a formar parte de la banda de Rory Gallagher y Stuart McDonald creó Peace.

Con Rory Gallagher, Lou estuvo tocando los teclados de 1972 a 1976 con Gerry McAvoy (bajo) y Rod de'Ath (batería) en gran parte de sus álbumes como “Blueprint”, “Irish Tour '74”, “Tattoo”, “Against the Grain”, “Calling Card”, y “Fresh Evidence”. Martin también actuó en los ochenta en la Nickey Barclay band formada en Londres con Barclay (ex-Fanny ), con John Conroy (ex-Sam Mitchell Band) y Dave Ball (ex- Procol Harum). Actuaban por los circuitos de blues. 

En este vídeo se pueden ver imágenes fijas de los Killing Floor acompañando en directo a Freddie King mientras suena en directo el tema "I loved the Woman". 

Aquí los Killing Floor tocando blues en directo en el año 1969 en Londres. Más imágenes sin desperdicio.  

En este vídeo se puede escuchar un tema de los Krayen Angels, "Step Around It"   

Finalmente, una actuación de Rory Gallagher con Lou en el piano eléctrico en el festival de Montreaux en el año 1975. 

Muere el saxofonista Bill Tillman

Bill Tillman fue un multiinstrumentista norteamericano que nació en Houston (Texas) en 1947 y murió el 15 de agosto de 2012 a raíz de las heridas producidas tras una caída. Tocaba multitud de instrumentos pero destacó en su faceta como saxofonista y se le recuerda principalmente por haber formado parte en los setenta de la banda de jazz rock, Blood, Sweat & Tears.

Comenzó a tocar el piano a los cinco años. A los 10 ya tocaba el saxofón tenor, la guitarra acústica y la eléctrica más el bajo eléctrico. A los 12 años, añadió el clarinete y el saxo alto. En la escuela tocó en numerosas bandas de rock and roll como los C. L. & The Pictures que estuvieron activos de 1960 a 1966 y que interpretaban varios temas de pop, Doo-Wop como "I'm Sorry" y con toques Soul como este "I'm Asking Forgiveness" para discográficas como Dunes,Sabra,Cadette, Kirk y Monument Records. Bill estuvo con ellos en 1963 con Charlie Broyles, Trent Poole, C. L. Weldon, Leroy Rodriguez, y Harold Fulton.

Se lo rifaron 10 universidades por su gran talento musical y él se decidió por la del Norte de  Texas. Con 21 años se fue de gira por los Estados Unidos tocando con los Coasters y después estuvo actuando con Chuck Berry y Bo Didley. Se instalaría en Nashville y en esa época colaboraría con Roy Orbison durante un año. Después se trasladaría a  Dallas, donde formó parte de la banda Rose Colored Glass con Bobby Caldwell y grabó todo un éxito nacional en 1971 con el tema "Can't Find The Time".  A continuación formó parte de la banda de Gladys Knight and the Pips durante un par de años hasta que recibió una llamada desde Nueva York para formar parte del grupo de jazz rock, Blood, Sweat and Tears fundado en 1967 en Nueva York. Entró en 1974 en sustitución de Lou Marini y estuvo con ellos hasta 1978. En ese periodo grabó cinco discos formando parte de la sección de metal con Tony Klatka, Forrest Buchtel, Joe Giorgiani y Dave Bargeron. Esa etapa no se considera como la más interesante de la banda y destaca porque se suceden numerosos cambios de instrumentistas. 

Los resultados comerciales bajaron ya con el álbum de 1974, “Mirror Image”, en el que ya tocaba Bill Tillman, en 1975 solo destacaron por unas cuantas versiones y su siguiente disco “More than Ever” (1976), está considerado como de los menos interesantes de su carrera. Sin embargo, la banda funcionaba muy bien en directo y el álbum que sacaron en 1977 con varias actuaciones de 1975 por festivales de jazz y con el nombre de “In Concert”, que en los Estados Unidos se llamó “Live and Improvised”, fue muy bien acogido. También se recordará esa época por su actuación en los Juegos Olímpicos de 1976 o en el Festival de Jazz de Newport. En esa época coincudió con el bajista Jaco Pastorius que estuvo en la banda los años 1975 y 1976. Durante una gira, el saxofonista Gregory Herbert que substituyó en 1977 a Bill Tillman murió por sobredosis de drogas el 31 de enero de 1978. Los músicos optaron por regresar a sus casas donde aparcaron el proyecto durante un período importante de tiempo. 

Bill decidió volver a Dallas para estar más cerca de su familia y se incorporó, como solista, en la Orquesta Sinfónica de Dallas y la Orquesta de Jazz de Dallas. En los ochenta viajó por los Estados Unidos con la Orquesta de Duke Ellington. Formó su propia banda de jazz y en los noventa grabó con varios artistas como Tom Barabas y Dony McGuire. Finalnente Tillman fundó su propia compañía de Management llamada "The Bill Tillman Entertainment Company Inc", para producir sus propias orquestas de baile y llevar los negocios de otras bandas. Seguía tocando bien sea en orquestas o en agrupaciones de jazz-rock.

Tema de 1962 de los C.L. And The Pictures" con el título de "I'm Asking Forgiveness".

Actuación de los Blood, Sweat and Tears con Bill Tillman en la sección de viento.

Muere el productor de R&B, Carl Davis

Carl H. Davis nació el 19 septiembre de 1934 en Chicago y murió el 9 agosto de 2012 en Summerville (Carolina del Sur). Fue un conocido productor de R&B de Chicago muy actuivo durante los sesenta y setenta. Por sus expertas manos pasaron éxitos de Gene Chandler , Major Lance , Jackie Wilson ,  Chi-Lites , Barbara Acklin , Tyrone Davis y muchos más.

Comenzó a trabajar colaborando con el de disc jockey Al Benson en la emisora WGES en el año 1955. Entró a trabajar en el sello Nat record y allí produjo su primer éxito local,  el tema "Nite Owl" de los DuKays. Otro de los temas que produjo fue el “Duke of Earl” que luego se convirtiría en un éxito con Gene Chandler cuando fue editado por Vee-Jay Records. 

Eugene Dixon de los Duckeys escribió un tema que empezaba por “doo doo doo” y acabó trasformándose  en “duke, duke, duke” al que añade el nombre de uno de los Duckeys, Earl. Así es como se convirtió en  “Duke Of Earl”. Se grabó en la misma sesión que “Night Owl” aunque Dixon no quería porque se empeñaba en grabarla con cuerda aunque no había presupuesto para tanto. Entonces habían firmado con Nat Records, pero a éstos no les gustó la canción y solo aceptaron sacar “Night Owl”. Por otra parte, el sello Vee Jay se encargaba de distribuir “Night Owl” y allí que se fue Carl para convencerles que sacaran “Duke Of Earl”. Dixon podría sacarlo si lo hacía como solista y al final acepta pero cambia su nombre por el de Gene y el apellido por el de su actor preferido, Jeff Chandler. “Duke Of Earl” fue todo un éxito y vendió un millón de copias.

Más tarde, en 1962, Carl entró a trabajar para Okeh de Columbia como productor y responsable de la sección de A&R y allí produjo una larga lista de éxitos como el "Monkey Time" (1963) de Major Lance, Billy Butler y Jackson Walter, entre otros. Muchas de esas canciones estaban escritas por Curtis Mayfield y las cedía porque creía que no eran adecuadas al estilo de los Impressions. También produjo discos de Gene Chandler y los Artistics, o Mary Wells tras salir de Motown . A finales de la década colaboró con Brunswick , donde produjo dos de los mayores éxitos de Jackie Wilson: 'Whispers (Gettin’Louder)' de 1966 y '(Your love keeps lifting me) Higher and higher' de 1967. También produjo los primeros éxitos de The Chi-lites o su éxito de 1972, "Oh Girl", y trabajó para Dakar con temas de Tyrone Davis o Hamilton Bohannon.

Cuando cerró Dakar en 1976, Davis formó Chi Sound Records donde destacó Walter Jackson y tuvo un gran éxito en 1978 con el tema “Get Down” de Gene Chandler. Su compañía pasó por varias etapas de más o menos repercusión hasta que reabrió en 2007. Carl seguía otra vez al frente de su negocio discográfico desde 2011.