lunes, 6 de noviembre de 2017

Uralita y los Fibroesqueletos nos ayudan a pasarlo bien con su impactante primer Ep entre “Nociones sobre Amianto”

Portada

De un tiempo a esta parte, se prodigan los documentales que nos cuentan diversas vicisitudes sobre la historia del rock and roll. Entre todo ese ingente material, destacan las vivencias de proyectos ya finiquitados de punk y post-punk acontecidos entre finales de los setenta y ochenta. Son, por línea general, trabajos audiovisuales y también literarios muy meticulosos que, en muchos casos, tienen una enorme carga emocional. Sus protagonistas, por boca propia o por medio de biógrafos, autorizados o no, nos cuentan hazañas, rememoran los buenos y los malos momentos; todo ello para conformar una amalgama de recuerdos, anécdotas, datos y algunos documentos inéditos destinados muy probablemente a revindicar ese periodo crucial del rock y, de paso, conmover a un público que lo vivió de una manera u otra. Me refiero a historias que tratan sobre (y para) hombres y mujeres cuya edad oscila entre los cuarenta y los sesenta; adultos con espíritu joven que, muy probablemente, en su día nunca pensaron en tal posibilidad informativa convencidos de que no había futuro posible y si lo había, qué más nos daba. Muchos de ellos, entre los que me cuento, apenas tenemos imágenes personales de esa época y, discos aparte, nuestra memorabilia se limita a entradas de conciertos o alguna que otra prenda de vestir de por entonces en estado ya lamentable. Por ello, se agradece tanto “rockumental”, como diría Andy Partridge de los XTC, aunque sería deseable que esa loable actitud de relamerse las viejas heridas contando batallitas, no nos impidiera darnos cuenta de que ese espíritu combativo no acabo con nuestra juventud, sino que sigue reinventándose con nuevos grupos de punk, bandas igual de potentes que necesitan tanta o más atención que entonces, a las que no les vendrá nada mal todo nuestro respaldo actual. Es por ello que me resulta francamente alentador reseñar nuevas formaciones como esta que, bajo el original nombre de Uralita y los Fibroesqueletos, acaba de sacar un Ep coeditado por Sweet Grooves Records (Cáceres), Lurleen Lumpkin Records (Granada), Sociedad Fonográfica Subterránea (Granada), Collector Series DIY (Málaga) y Malicia Records (Valencia).

Trayectoria

Uralita y los Fibroesqueletos
El grupo se forma en Granada por Alba Uralita (voz, teclados), Antonio El Deshollinador (guitarra, voz) y Álvaro Tapiador (batería). Sus componentes forman parte de otras conocidas bandas de la escena granadina como son Los Harakiri o Perro Mojado. Tal y como ellos mismos nos informan “Uralita conoce a los Fibroesqueletos en una terapia de grupo para intoxicados por amianto. Desde entonces aúnan sus superpoderes de sintetizadores en clave de fa, guitarras reverberadas y baterías fuera de tiempo para combatir el mal que azota la ciudad a ritmo de punk”.

Detalle del 7"
Los temas fueron grabados el 22 y 23 de abril de 2017 en su local de ensayo, y mezcladas en Villa Uralita Recording. Para el Ep, fueron masterizadas por Pedro Izquierdo de Runaway Recording. El artwork con objetos cortantes, en su mínima pero efectiva expresión comunicativa tan acorde con el mensaje de la banda, es de Maldedades y Herederos.

Las canciones

Uralita & Fibroesqueletos. Foto Collector's series 
Abre la cara A “El hombre que moría todos los días” generando un torbellino de sensaciones a base de guitarras oscuras, sintetizador con frecuencias demenciales, bajo persistente y rabiosa batería dando forma a un ritual de punk ácido convirtiéndonos en presas fáciles de esa voz que nos cuenta una historia de un depredador protagonista de un ritual tenebroso con salidas a deshoras. Continua con “Elena”, canción obsesiva con guitarra, sintetizador, batería y bajo perforando prejuicios con algún que otro solo penetrante y riffs de post punk industrial.

En la B podemos oír “Quiero pasarlo bien”, versión de los Desechables, incluida en "Golpe tras golpe" (1984). Magnífica versión en la que modifican el riff principal y añaden su propia visión consiguiendo una lograda y salvaje adaptación contaminada de amianto. Cierra el sencillo “Manuel Benítez”, otra exhibición de punk hiriente con instrumentación punzante, siguiendo los consejos del Cordobés unen “sus superpoderes para combatir el mal que azota las calles”.


Uralita & Fibroesqueletos. Foto: Licor de granadas
En el bandcamp podrás escuchar dos temas más como bonus track: Uno titulado “El niño cometa” en el que toma protagonismo ese sintetizador en frecuencias bajas percutiendo en tu cerebro con obsesión lacerante, entre ritmos pseudoelectrónicos, guitarras estratosféricas y voces descarnadas. El otro se titula “Psicopatía conyugal”, la última de las muestras de su talento punk que nos recuerda proyectos minimalistas anteriores de otras épocas pero añadiéndoles una marca personal que aporta una visión descalabrada altamente sugerente repleta de matices alocados y mordaces.

Reflexión final

Uralita y los Fibroesqueletos
Empezaba esta reseña mencionando los documentales biográficos sobre el punk o el post-punk entre los que me permito destacar un par de propuestas esenciales presentadas este mismo año 2017. Por una parte, el “This is Pop” de los XTC del que extraigo la definición de “rockumental” pronunciada por Andy Partridge. Un excelente trabajo informativo en el que su compañero de banda, Colin Moulding, nos dice también que ya era hora de que se valorara un grupo como el suyo que tuvo más de treinta años de trayectoria con una producción excelente y altamente innovadora. La otra obra destacable, aunque sin duda hay muchas más, es el voluminoso libro que ha escrito Jon Savage sobre el punk, bajo el título de “England’s Dreaming”, que ha sido traducida este mismo año al español. El crítico británico revisa esos años cruciales de finales de los setenta con los Sex Pistols como principales protagonistas. Batallas aparte entre McLaren y Lydon aka Rotten, con el malogrado y desquiciado Sid de por medio, los Sex Pistols fueron una banda caótica pero seminal que se vio envuelta en todo tipo de situaciones rocambolescas, incluidos apaleamientos simplemente por ser como eran, pasando por procesos judiciales moralistas al añadir la palabra “bollocks” en el título de su primer Lp. Vale la pena ver y leer estos y otros trabajos similares por muchas razones, entre ellas y quizá la más destacable para recordar que nunca fue fácil, ni mucho menos. No sé si Uralita y los Fibroesqueletos tendrán su merecido documental dentro de veinte o treinta años. Exista o no ese futuro, me parece mucho más interesante que cuenten ahora con nuestro apoyo, bien sea comprando sus discos o asistiendo a sus conciertos. Su Ep de debut tiene todos los ingredientes esenciales para agradar a las seguidores de las dos bandas legendarias antes mencionadas: desde la fuerza intrínseca al buen y ácido humor punk, pasando por la capacidad rítmica y melódica de no conformarse con lo recurrente para dar vida a un proyecto propio que resulta, como poco, convincente.

Nota: Puedes escuchar las canciones y adquirir una copia del disco aquí.     

sábado, 4 de noviembre de 2017

Muere el percusionista Roger Blàvia

Roger Blàvia
Roger Blàvia nació en Barcelona en 1963 y falleció el 3 de noviembre de 2017 tras una operación quirúrgica. Prestigioso percusionista, tocó en múltiples proyectos de jazz y flamenco, formando parte de las bandas en directo o grabando con otros grandes músicos como Carles Benavent, entre muchos otros. Entre sus formaciones, destacan A2, sus propias producciones como “Rhythm Complicity”, Tamanduà en los noventa, o Kitflus Kuartet en la década de los dos mil.

Desde finales de los setenta, colaboró con La Fura dels Baus, Moncho o Diego Cortés. Residió en Suiza desde 1986 y giró pro toda Europa regresando a Barcelona en los noventa.

Roger en primer plano, con Carles Benavent, centro
Formó parte de la banda en directo de Joan Manuel Serrat, grabando con muchos como Miguel Poveda, Pedro Javier González, Manolo García, Santiago Auserón, Paul Carrack, Marcelo Mercadante, Duquende, Chicuelo, o María del Mar Bonet entre otros. Trabajó también con el compositor y arreglista Joan Albert Amargós, quien contó con él para sus producciones orquestales con Estrella Morente, Alfredo Kraus, Miguel Poveda o Serrat.Estuvo en la banda de Carles Benavent desde 2003, y creó el dúo A2 con Eduardo Dudú Penz. Tras el disco “0”, su más reciente proyecto lleva por nombre “Rhythm Complicity”, una base jazzística con detalles latinos, brasileños o flamencos. Le arroparon Jordi Bonell (guitarra), Raynald Colom (trompeta y teclados) y el brasileño Eduardo Dudu Penz.

Durante su carrera trabajó también con los coreógrafos Betty Brown, Iván Vasconcelos da Silva, Regina Ribeiro y Toni Mira (Nats Nus). La “Associació de Músics de Jazz i Música Moderna de Catalunya” le otorgaron el premio como Mejor Pecusionista del Año en su novena y décima edición en 2001 y 2002.


Documento sonoro:

Roger Blàvia en vivo con su "Rhythm Complicity”.


Carles Benavent al bajo y Roger Blàvia a las congas. 
 

Muere el gran tresero Papi Oviedo

Papi Oviedo
Gilberto "Papi" Oviedo la Portilla nació el 9 de febrero de 1938 en la Habana (Cuba) donde  falleció el 31 de octubre de 2017. El gran tresero, maestro del son cubano, murió a consecuencia de una bronconeumonía.

Hijo del mítico músico Isaac Oviedo, empezó a tocar el tres con 15 años   y formó parte del Conjunto Chocolate, la Orquesta de Elio Revé, y el Buena Vista Social Club.

Papi Oviedo

Empezó como percusionista en la banda de su padre, destacando como baterista. Aprendió a tocar el tres de su padre, tomando como referencia también a otros grandes como Arsenio Rodríguez, Nuñi Rivera o Rodolfo Oviedo. En 1996 creó Papi Oviedo y sus Soneros grabando discos como “Encuentro entre soneros” con Raul Acea al bajo, Carlos Calderón a los bongos, Miguel Martinez a la guitarra, Juan Bautista Sanchez a la tumbadora, Jose Melqiades Martinez y Julian Heribero Marinez a la trompeta, Papi al tres, más las voces de Cristina Azcuy, Miguel Martinez,  y Osvaldo Montalvo.

Entre sus grabaciones destaca con Rubén González “Chanchullo” (2000) y con Papa Noel “Bana Congo” (2002). Durante la última etapa de su vida se volcó en la música tradicional formando parte la agrupación Soneros All Star, creada por la Empresa Provincial Comercializadora de la Música y los Espectáculos Antonio María Romeu.

Documento sonoro:

"Vivo en el monte" a cargo de Papi Oviedo y sus soneros".




jueves, 2 de noviembre de 2017

Muere Katie Lee, cantante de pop, folk, escritora, actriz y activista

Katie Lee nació el 23 de octubre de 1919 en Tucson, Arizona, y falleció el 1 de noviembre de  2017, en Jerome, Arizona. Cantante de folk, escritora, actriz, fotógrafa y activista. Gran parte su obra se centra en la naturaleza,  en especial el Grand Canyon. Cuando fue aprobada la presa para ese espacio natural norteamericano en abril de 1956, un grupo de arqueólogos y activistas se juntaron para documentar 250 lugares de importancia cultural y 125 cañones próximos que se verían afectados por las inundaciones. Una de esas personas fue Katie Lee.

Katie Lee


Se graduó por la Universidad de Arizona licenciada en Bellas Artes. Después estudió con dos de los cantantes más exitosos de la década de los cuarenta, Burl Ives y Josh White. Tras un viaje en balsa por el Gran Cañón, se convirtió en una habitual en los viajes por el río Colorado y se significó contra la construcción de la presa Glen Canyon. En septiembre y octubre de 1955, con  Tad Nichols y Frank Wright viajaron y documentaron partes que luego fueron sumergidas. 

Katie Lee
Sus primeros álbumes fueron “Life Is Just a Bed of Neuroses” (1960) y “Songs of Couch and Consultation” (1957).  En 1964, lanzó un álbum en Folkways Records, titulado “Folk Songs of the Colorado River”. Ya en los ochenta y solo cassette, sacó unas cuantas canciones sobre el río Colorado, entre adaptaciones y algunas composiciones originales. “Colorado River Songs” fue reeditado para incluir más canciones en 1997 en CD. También sacó “Glen Canyon River Journeys” en CD, que mezcla música y comentarios, y apareció en el álbum recopilatorio de Smithsonian Folkways,”Songs and Stories from Grand Canyon” (2005).

Por otra parte escribió tres libros: “Sandstone Seduction”, “Ten Thousand Goddam Cattle” y “All My Rivers Are Gone”. En octubre de 2011, Katie Lee fue incluida en el Arizona Music Hall of Fame.  

Documento sonoro: 

 Katie Lee  y "Song of the boatman" de "Colorado River Songs" 


Fallece el cantante de beat y twist, Tony Vilaplana

Tony Vilaplana

Nacido en Sabadell el año 1945, Tony Vilaplana fallecía el pasado dia 30 de octubre de 2017. Durante su carrera musical que va de 1962 a 1966 grabó 13 Ep’s, dos de ellos en catalán, más uno censurado; el resto en castellano, con varias canciones de twist, beat y rock and roll. 

Antoni Vilaplana trabajaba desde los 14 años en una fábrica textil cuando sus compañeros le animan a presentarse a un concurso de Radio Sabadell. Llega a finalista y se clasifica para cantar en Radio Barcelona.  El locutor Joaquín Soler logra que Vergara le grabe un disco.  En noviembre de 1962, con 17 años,  graba cuatro canciones con un equipo portátil en el local de ensayos del orfeón del barrio de Gracia, en Barcelona.  La canción principal del EP es una versión cantada del “Sueño de amor”, de Liszt, a ritmo de twist. Se incluye una adaptación en  español de “Retiens la nuit”, de Johnny Hollyday.  El disco se distribuye solo en Cataluña y pasa desapercibido.  

Al año siguiente  graba su segundo EP con una versión de la bossa nova “Eso beso”, de Paul Anka.  En Sabadell forma un grupo de acompañamiento con Claude (guitarra), Santi (bajo), Jacky (batería) y Claudio (piano) que se hacen llamar Teen Stars. Juntos actúan por varios locales y fiestas patronales. Ese mismo año graban cuatro discos y Tony se presenta en el Festival de Benidorm, llegando a la final con “Chavala twist”.   Incluso, la discográfica se planteó llevarle a una gira por Sudámerica cuando aún era menor de edad pero necesitaba el consentimiento familiar que su padre no le concedió. 

Consigue algunos éxitos locales con “A mi edad” o “Il tangaccio”, entre versiones en catalán aunque graba en castellano.  Ese año se edita su primer disco en catalán con “El teu besar”, “Retén la nit”, “El tangaccio”, “A la teva edat”. Ya en 1964 saca sus últimos discos con Vergara  y en 1965 saca con Concentric  el Ep tambiñen en catalán “Jo sé d´un lloc / Yeh! Yeh! / El vell / Dos perfils a contrallum”, adaptaciones de Ramon Folch.  Al año siguiente le toca hacer la mili y acaba su proyecto musical.

Nota: Obituario redactado con la información publicada por La Fonoteca.

"Yeh! yeh!" de Toni Vilapana, un tema de Rodgers Grant adaptado por Ramon Folch.


 

Los Platillos Volantes relucen cada vez más circulando con el fenomenal Ep "No te quiero ver aquí"

Portada
En el siempre respetable mundo de las versiones, al menos entre aquellos proyectos que perfilan  propuestas bien hechas, coexisten las voluntariosas bandas que rinden un tributo honesto a los grupos de cabecera y las que amplían un repertorio sólido propio mediante adaptaciones ejemplares de canciones que acaban por redondear un microuniverso compositivo original. En este segundo caso, están los Platillos Volantes, quienes con el tiempo han evolucionado, de forma excelente, desde el primer al siguiente estatus gracias a una imaginación y un compromiso firme por encontrar un espacio creativo propio que les distinga. De forma indudable, incluso premeditada, sus temas  seguirán manteniendo unos parámetros fundamentales que te permitirán entroncarles con legendarias formaciones del pop sixties español, pero si escuchas con atención los cuatro temas que conforman su último Ep creo que vas a percibir, sin dificultad alguna, una huella personal altamente sustanciosa que te permitirá distinguirles de otros grupos de similares raíces. "No te quiero ver aquí", que así se titula este fenómeno discográfico perfectamente identificable ha sido editado por los vallisoletanos KOTJ records en vinilo y en Cd con cuatro temas más en directo. Un total de nueve brillantes canciones, entre propias e imaginativas versiones, que sitúan a estos leoneses venidos del más allá de la cotidianidad, entre las mejores formaciones, consistentes y enérgicas, de nuestra escena de raíces 60’s.     
  
Trayectoria
 

Los Platillos Volantes. Foto facilitada por el grupo
Los Platillos Volantes son una banda leonesa formada en verano del año 2005. El nombre lo toman de una canción de los Salvajes de 1968. En 2008 sacan un Cd con el título de "Nuevavisión" . Al año siguiente ganan el concurso "Rock in León". En 2012 sacan otro disco en directo titilado "En Vivo" grabado en "El gato que ríe" de Garrafe de Torío (León) por Carlos Rabanal "Cachapizo" y en 2014 un Ep con título homónimo para los donostiarras GP.

Los Platillos Volantes. Foto faiclitada por el gurpo
Los componentes actuales son Dani Trillo (guitarra y voz. Deslices, Positivos), Juan Ramón "Jota" Montero (guitarra y voz. Los Reflejos), Alicia García "Elektra" (bajo. Besttias, Elektra Comics en León, Buffalo ) y Sam Bredikhin (batería y voz. Kurt Baker Combo). Cuentan con la colaboración de Alberto Modino, a la trompeta y Elena Iglesias, ex de Los Flechazos, al Hammond, con Cooper a la percusión en "No te quiero ver aquí".

Fue grabado en Quadraphonic Studios por Jorge Colldan en noviembre de 2015. Las grabaciones en directo son de Cachapizo records Incluye una fotografía del grupo a cargo de David Herreras, una del escenario de J. Antonio Morán, el diseño de la portada con magnífico dibujo es de Roberto Argüelles, el logo de la banda es diseño de Mik Baro y la foto promocional de Chusmi 10.
 
Las canciones


Los Platillosd Volantes. Foto faciltiada por el grupo
El disco se abre en su cara A con "No Te Quiero Ver Aquí", descomunal arranque de guitarras feroces, con solo muy bien perfilado, ritmos consistentes a cargo de la batería y bajo. Una banda muy bien conjuntada dando cobertura robusta a la voz principal quien nos canta: "Estoy harto de oír tu opinión sobre mi…, no voy a permitir que te burles más de mí… poco hacer y mucho hablar". Brillante tema que invita al desmelene con excelente formas y una resolución instrumental como vocal fascinante. Sigue con la fantástica versión de "El entierro de un hombre rico que murió", un tema de 1968 de los venezolanos The Pets. Los de León se aferran a sus valores melódicos y añaden cambios rítmicos, con matices de gran calidad que aumentan las excelencias de esta tremenda canción que nos habla con buen humor del misterio de la vida, "allá en el cementerio el rico con el pobre se encontró". No falta otro buen solo de guitarra y por supuesto juegos vocales exquisitos.

Los Platillos Volantes. Foto RBNS
En su cara B nos ofrecen "De ti pasé", que empieza con una exhibición sónica y ácida de guitarras que irá procurando segundas voces lisérgicas, con ayuda de órgano y trompeta, una buena sección rítmica y una voz solista soberbia. Canción de desamor: "Ahora estoy tirado, me devuelves la jugada ignorándome… no necesito a nadie más, te quiero a ti". Termina el disco con "Rock And Roll Circus", la última de las exquisiteces de este disco con la guitarra y el órgano como protagonistas principales, dialogando sobre ritmos tribales, entre detalles magníficos de bajo, efectos psicodélicos y la voz principal con coros estratosféricos: "Al entierro llegarás siempre más tarde que los demás… el diablo te esperará…".
 
El Cd contiene estos temas y cuatro más interpretados en directo que son la versión de "la Neurastenia" (1966) de los Salvajes, dos de propios que vieron a la luz en anteriores trabajos como "Anda de día" y "Así soy", con un cover de los Pasos y su "Ojo por Ojo" (1967), y otro de los Attack, "Magic in the Air" (1967) en castellano, con el título de "Magia en el aire".

Reflexión final

Los Platillos Volantes. Foto facilitada por el grupo
Cantaban los Salvajes en 1968: "Los platillos volantes, los flotantes y los rodantes, todo el mundo los ve. En el cielo y en el mar cada noche se ven más: circulando ellos van...". Un tema que en su época no obtuvo el beneplácito de la crítica y que hoy en día es considerado como una de las excelentes muestras de la repercusión de la psicodelia en el pop español de finales de los sesenta. No fue el único tema que se dedicó por entonces a los OVNIS. Por citar otros: recordamos el hilarante "Los marcianos" de Manolo Díaz de 1967, año en que también se oyeron esas "Voces de otros mundos" de los Pasos, otro de los referentes de estos leoneses protagonistas de esta reseña. Los Platillos Volantes actuales han aprendido de estos y otros grupos significativos, algunos conocidos y otros no tanto, algunas ideas de base que les permiten lucirse con sus propios temas. Las suyas son canciones muy bien hechas mediante enérgicos arreglos que engrandecen buenas ideas a ritmos poderosos entre los que destacan la voz principal, una compenetración rítmica férrea y unos detalles solistas de calidad indiscutible. Objetos artísticos y musicales perfectamente identificables que nos visitan dispuestos a mejorar nuestro mundo con ideas imaginativas, divertidas y enriquecedoras. Así que prepárate para viajar con ellos al son de canciones elegantes, lisérgicas y muy bien calibradas con excelentes melodías y tempos resolutivos. Si no percibes en ellos todo esto y mucho más, pues eso: "no te quiero volver a ver más por aquí".

Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp y ponerte en contacto con el sello para adquirir una copia del single o del Cd.           


Te invitamos a ver el video dirigido por Elena Martín sobre el tema "Rock and roll Circus".


miércoles, 1 de noviembre de 2017

Muere el pianista de jazz, Muhal Richard Abrams

Muhal Richard Abrams
Muhal Richard Abrams nació el 19 de septiembre de 1930 en Chicago, Illinois y falleció en Nueva York el 29 de octubre de 2017. Compositor, pianista, arreglista, educador, clarinetista, chelista, fue un destacado intérprete de free jazz e impulsor de la vanguardia jazzística desde los sesenta por lo que respecta especialmente en la fusión de géneros de la llamada black music. Muhal es una palabra árabe que le pusieron sus amigos y que significa el primero.

Abrams asistió a la DuSable High School en Chicago. En 1946, se matriculó de música en la Universidad de Roosevelt, pero "no pude sacar demasiado provecho de eso, porque no era lo que estaba escuchando en la calle". Luego decidió estudiar de forma independiente. A partir de ahí, adquiere un pequeño piano espía y practicó hasta que llegó a tocar en la escena de su ciudad.  

Muhal Richard Abrams 
Los primeros conciertos de Abrams fueron tocando blues, R&B y en el circuito hard bop de Chicago, acompañando a Dexter Gordon, Max Roach, Ruth Brown y Woody Shaw. En 1950 comenzó a escribir arreglos para la King Fleming Band, y en 1955 tocó en la banda hard-bop Modern Jazz Two + Three, con el saxofonista tenor Eddie Harris. Después mantuvo un perfil bajo hasta que organizó la Experimental Band en 1962, un contraste con su anterior aventura de hard bop mediante conceptos de free jazz. Esta banda, con su alineación fluctuante, se convirtió en la Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM), en mayo de 1965 con Abrams como su presidente. En lugar de jugar en clubes nocturnos, los miembros de AACM a menudo alquilaban teatros y lofts donde podían tocar para audiencias atentas y de mente abierta.

Muhal Richard Abrams 

“Levels and Degrees of Light” (1967) fue la primera grabación de referencia con el liderazgo de Abrams. Estuvo acompañado por los saxofonistas Anthony Braxton, Maurice McIntyre, el vibrafonista Gordon Emmanuel, el violinista Leroy Jenkins, los bajistas Leonard Jones y Charles Clark, y la vocalista Penelope Taylor. Abrams también tocó con los saxofonistas Eddie Harris, Gordon, entre otros.

Muhal Richard Abrams 


En 1977 se mudó a Nueva York donde estuvo involucrado en la escena local de Loft Jazz, movimiento creativo para asentar de nuevo las bases del free jazz y la improvisación afroamericana.  En 1983, creó una versión neoyorquina de la AACM. En esa década compuso para orquestas sinfónicas, cuartetos de cuerda, piano solo, voz y big bands, además de hacer una serie de grabaciones que incluían arpa y acordeón. Además, desarrolló su actividad docente en el Banff Center, y en las universidades de Columbia y Siracusa.

Ganó varios premios, incluida la primera entrega del danés The JazzPar Prize, en 1990. Además   recibió un Premio de la Fundación para las Artes Contemporáneas de 1997 a los Artistas, y en mayo de 2009, National Endowment for the Arts anunció que Abrams sería uno de los ganadores del Premio NEA Jazz Masters 2010. En junio de ese mismo año, Abrams recibió el premio Lifetime Achievement Award por el principal festival de jazz de la ciudad de Nueva York, conocido como el Vision Festival.


Muhal Richard Abrams 
Su enorme aportación al mundo de la música es muy notable en asociaciones como el Consejo de las Artes de Nueva York, o la Organización Nacional del Jazz de donde fue miembro activo. Otros de sus discos celebrados son “Young At Heart/Wise In Time” (1970) o “Things To Come From Those Now Gone” (1975),  en una larga lista hasta “SoundDance” (2011). También  colaboró con otros grandes como Anthony Braxton, Marion Brown, Chico Freeman o el Art Ensemble of Chicago.

Documento sonoro: 

"Blu blu Blu", Muhal Richard Abrams con formación de orquesta, free jazz y blues rock