Nos deja Steve Rhea, uno de los primeros bateristas de los Big Star

El 30 de mayo de 2012 moría a los 62 años uno de los primeros bateristas de los Big Star que también formó parte de las anteriores formaciones como los Jynx, Icewater, y Rock City. Tras su etapa profesional como músico, Steve se convirtió en un reputado banquero y asesor financiero.  

Big Star fue una gran banda de powerpop que se formó en 1971 en Memphis (Tennesse) por el guitarrista y cantante Chris Bell, el bajista Andy Hummel, el baterista Steve Rhea que fue substituido por Jody Stephens, y el guitarrista y cantante Alex Chilton. Su música estaba muy influenciada por el beat de los sesenta construyendo maravillas de pop melódico. Steve había tocado ya en una de las formaciones anteriores que estuvo activa a mediados de los sesenta con el nombre de Jynx (nombre que recordaba a los Kinks), y más tarde en los Icewater en los que aportó una canción propia llamada “All I See Is You” y Rock City, en los que también estuvieron otros músicos como Terry Manning, Thomas Eubanks, Andy Hummel, Vance Alexander, Richard Rosebrough y Alex Chilton.

Steve Rhea

La muerte de Steve se añade a la de otros miembros de la banda que ya nos han dejado últimamente como Alex Chilton que murió el 17 de marzo de 2010 a los 59 años;  Andy Hummel que nos dejaba también a los 59 años el 19 de julio de 2010; su productor Jim Dickinson a los 67 años el 15 de agosto de 2009; así como otros artistas que trabajaron con ellos como la fotógrafa Carole Manning o el compositor  Tommy Hoehn.

El grupo no fue llamado Big Star hasta que se incorporara en las grabaciones Alex Chilton procedente de los míticos Box Tops. El nombre de Big Star hace referencia a una tienda de Memphis. El primer Lp que sacaron fue “#1 Record” en 1972, año en que abandonó Bell, deprimido y decepcionado por las pocas ventas, para realizar una carrera en solitario. Big Star se disolvió por un corto periodo de tiempo y cuando volvieron sacaron otro álbum llamado “Radio City” en 1974. Chilton y Stephens grabaron varios temas con Jim Dickinson a la producción para un doble LP con amigos pero como se disolvieron de nuevo a finales de 1974, el álbum no salió hasta 1978 con el título de “Third”.

Big Star

Chilton y Stephens se reunieron en 1993 con Jon Auer y Ken Stringfellow de The Posies substituyendo a Bell que falleció el 27 de diciembre de 1978 a los 27 años en un accidente de coche, y de Hummel que había abandonado la música para trabajar como ingeniero. Tras unos cuantos conciertos sacaron los discos “Columbia: Live at Missouri University 4/25/93”; “Big Star Live”  grabación radiofónica de una actuación del grupo en 1974 en Long Island, y “Nobody Can Dance”, el último concierto del grupo como trío, en Overton Park, en Memphis. En 2004 volverían a los estudios para grabar “In Space”, editado en 2005. 

A continuación la preciosa canción que compuso para los Icewater... “All I See Is You”

Fallece el guitarrista de jazz y R&B, Pete Cosey

Pete Cosey nació el 9 de octubre de 1943 y murió en su casa de Chicago el 30 de mayo de 2012. Fue un extraordinario guitarrista cuya influencia es comparable a la de Jimi Hendrix, entre otros genios, pero que nunca grabó nada en solitario sino que colaboró con grandes artistas de R&B, blues, y sobre todo jazz siendo la más destacada su participación en varios discos de Miles Davis durante los setenta.

Antes de unirse a la banda de Miles Davis en el año 1973, Cosey fue un guitarrista de sesión y trabajó para Chess Records, tocando en varias grabaciones de Etta James o Rotary Connection. También grabó en 1968 con Howlin’Wolf  su disco “The Howlin' Wolf Album” y con Muddy Waters su psicodélico y revolucionario álbum “Electric Mud”.  También formó parte de la banda de jazz, funk y soul de Chicago, The Pharaohs (1962-1973) en la que estuvieron otros músicos de sesión de Chess como el batería Maurice White y el bajista Louis Satterfield que con el tiempo formaron Earth, Wind & Fire .

Con la banda de Miles Davis

Con Miles Davis grabó los conocidos conciertos de Osaka (Japón), tarde y noche, que  se publicaron en 1975 en dos discos dobles, “Agharta” y “Pangea”. Miles dijo que era su mejor banda y formaban parte de ella Sonny Fortune (saxo soprano), Michael Henderson (bajo), Reggie Lucas y Pete Cosey (guitarras), Al Foster (batería) y Mtume (percusión.). También grabaron los álbumes “Dark Magus” (1977), y “Get Up With It” (1974). La aportación de Cosey es fundamental y con su guitarra convierte algunas de las piezas de jazz en desarrollos espectaculares de funk.

Tras su paso por la banda de Miles Davis, Pete Cosey  tuvo un período poco activo musicalmente aunque colaboró con otros artistas como Herbie Hancock y Carlos Santana, entre otros.  En 1987 reemplazó a Bill Frisell en el trío Power Tools con el bajista  Melvin Gibbs y el baterista Ronald Shannon Jackson. En la década de los dos mil entró a formar parte de  The Children of Agharta, banda que interpretaba el repertorio más eléctrico de Miles Davis. 

En este video se escucha un tema del disco "Electric Mud" de Muddy Waters donde está muy presente el estilo inconfundible de wah wah y fuzz del desaparecido Pete Cosey.

En este otro vídeo se le puede ver sentado tocando su guitarra en uno de los conciertos que dio con Miles Davis durante los setenta, una década en que no solo las guitarras acababan pasando por el pedal del wah wah, sino también la trompeta. 

Lords of Altamont gustan en Tarragona con la parafernalia motorista y pese al deficiente sonido

Foto: Magic Pop

Dentro de la gira que les lleva por algunas capitales del Estado y resto de Europa, los Lords of Altamont tocaron en el Cau de Tarragona la noche del 30 de mayo de 2012 con la sensación de que la furgoneta en que viajaban se había averiado y tenían que hacer noche obligatoriamente en esta ciudad tan  acogedora y culturalmente activa. Y no solo eso, sino que lo más probable es que hubieran descargado con prisas, sin apenas tiempo para probar y sonorizar el directo. Comentarios irónicos a parte, (que cada cual escoja dónde está el sarcasmo), es justo dar las gracias a la organización por habernos permitido la posibilidad de situar Tarragona en el mapa de las ciudades “normales” que forman parte de las giras de rock and roll. Incluso, en este caso, era la única de Cataluña que apostó por el directo de esta banda californiana. El martes 29 de mayo tocaron en Valencia, el jueves 31 de mayo en Zaragoza, el 1 de junio en Donostia y el 2 de junio en Madrid. 

The Lords Of Altamont son un grupo de “garage rock” encabezado por Jake “The Preacher” Cavaliere, cantante y al frente de un Farfisa Compact, acompañado por el guitarrista John "Big Drag" Saletra,  el bajista Shawn “Sonic” Medina y el bateria Harry Drumdini aka "Full Tilt", que estuvo en la última formación de los Cramps hasta la muerte de Lux Interior.

Foto: Magic Pop

Jake Cavaliere empezó tocando en un grupo llamado The Witch Doctors, a mediados de los noventa, y estuvo tocando con los Untamed Youths hacia el año 1993. Con los Fuzztones grabó cuatro discos: "Braindrops" (1991),  "Monster A Go-Go" (1992) y el directo "Lysergic Ejaculations" (1994) más el Ep Romilar D (1991). Rudi Protrudi se ha referido a él en varias ocasiones como "el Jerry Lee Lewis del garage".

Tras los Fuzztones, Jake entra en los Bomboras, banda de "garage-surf", y en 2000 forma los Lords Of Altamont para dar rienda suelta a sus aficiones musicales más duras y salvajes.  El nombre de la banda hace referencia al concierto del 6 de diciembre de 1969 en el Altamont Speedway en California: un concierto organizado por los Rolling Stones en el que tocaban Santana, Jefferson Airplane. Flying Burrito Brothers, entre otros, durante los que hubo numerosos episodios de violencia, entre los que cabe destacar cuatro muertes, tres accidentales y un homicidio. Ese concierto fue documentado en la película "Gimme Shelter" de Albert y David Maysles.

La discografía de los Lords Of Altamont está formada por los álbumes "To Hell With The Lords" (Sympathy for The Record Industry 2003); "Lords Have Mercy" (Grerhead/Fargo 2005); "The Altamont Sin" (Phantom Sound and Vision 2008) y "Midnight to 666" ( Fargo Records 2011). Desde su formación han experimentado varios cambios de instrumentistas y destaca la incorporación en 2007 de Mike Davis, bajista de los MC5, fallecido en febrero de 2012, que acabaría dejándoles por problemas de salud. También han pasado por la banda guitarristas como Johnny “Stiggs”DeVilla, o Kevin "The Phantom" Starr. 

El espectáculo que dieron los Lords Of Altamont en el Cau de Tarragona fue el propio de una banda de y para motoristas, con imágenes, proyectadas en una pantalla, sobre películas de los años sesenta y setenta en los que las motos eran sus principales protagonistas. Estuvieron acompañados por una gogó, de nombre Moana Santana, que en un rincón del pequeño escenario iba repitiendo poses propias del “burlesque”.  La verdad es que fueron generosos con el público y dieron un par de bises con los que alargaron el concierto hasta una hora y pico, más del tiempo habitual en sus directos. La intención fue buena, y sus canciones más destacables como “Save Me”, “You're Gonna Get There”, o “Get in the Car", o "Soul For Sale” no provocaron un excesivo entusiasmo quizá por desconocimiento o porque no son los Lords Of Altamont un grupo de éxitos o de temas que sobresalgan por encima de una línea genérica de “garage” rock. Su música tiene raíces ancladas en los sesenta al que añaden detalles del hard rock setentero, sobre todo del sonido de Detroit, y de ahí que nos ofrecieran incluso una versión del “Kick Out The Jams” de los MC5  que sí provocó el delirio de las primeras filas.       

Foto: Magic Pop

El concierto no estuvo mal pero podría haber estado infinitamente mejor por poca predisposición que hubieran mostrado quienes se encargaran del sonido y la iluminación de la sala. Desde la primera hasta la última canción, el Farfisa no se oyó apenas, ni siquiera cuando Cavaliere dejó que unas cuantas manos del público se posaran sobre las teclas. La guitarra fuzz sonó apagada, sin nervio, mientras que la batería y el bajo no parecían los propios de una banda de “garage” donde se encargan habitualmente de transmitir una rítmica salvaje y apabullante. Su cantante se desgañitó más de lo necesario y mientras tanto, la gogó no paró de mover caderas y senos a ritmo de redobles intentando cumplir con una tarea que, salvo nostálgicos de ciertos espectáculos de los sesenta, era completamente innecesaria a mi modo de ver. Resulta curioso que los movimientos, pretendidamente provocativos de Moana, resultaran más atractivos para algunas, que imitaban las vibraciones corporales de la joven a ritmo de rock and roll, que para la mayoría de los hombres presentes. 

Foto: Magic Pop

En resumidas cuentas, el concierto valió la pena y espero que esa entrada que abarrotó un miércoles por la noche, la pista del Cau sea un aliciente para que se plantee la posibilidad de incluir Tarragona en ese circuito de giras de grupos de rock and roll para goce de los que nos gusta ese tipo de música y, de paso, con el objectivo de acrecentar el prestigio de esta ciudad tan volcada en su pasado inmemorial pero un tanto pobre en cuanto a oferta cultural contemporánea se refiere, más aún cuando se trata de grupos con tendencias “sixties” como estos Lords Of Altamont.       

Muere Doc Watson, maestro de la música de raíces norteamericanas

Arthel Lane "Doc" Watson nació el 3 de marzo de 1923 en Deep Gap, Carolina del Norte, estado norteamericano donde murió el 29 de mayo de 2012, concretamente en Winston Salem a la edad de 89 años tras someterse a complicadas operaciones abdominales. Ha sido uno de los más grandes intérpretes y compositores de música de raíces norteamericanas ya sea con el blues, bluegrass, country, folk, o el gospel, y ha destacado por su habilidad para mezclar todos los estilos y crear un producto propio que revolucionó la escena, sobre todo folk, americana.

Se quedó ciego poco antes de cumplir un año debido a una infección ocular y se puso el apodo de Doc como homenaje al personaje del  Doctor Watson, de las historias de Sherlock Holmes de Conan Doyle que oía por la radio. 

Su principal ejemplo a seguir fue el músico de country Jimmie Rodgers, aficionado como él a los cánticos y ritmos tradicionales. Empezó versionando temas de los famosos hermanos Louvin Brothers o los Delmore Brothers ya fuera con el estilo tan peculiar que tenía con púa llamado flatpicking o sin ella, con los dedos, el fingerpicking.

Su aportación rural al folk del Village neoyorquino fue muy importante. Es autor de una extensa discografía ya sea en solitario como acompañado de familiares y amigos con The Watson Family, así como colaboraciones con otros músicos como Earl Scruggs.

Su primer álbum, de título homónimo, fue editado por el sello Vanguard en 1964, y contenía algunos de los temas más conocidos de su carrera  como "Black Mountain Rag", "Deep River Blues", o "Doc's Guitar". Desde entonces ha sacado gran cantidad de álbumes como por ejemplo “Southbound” en 1966, “The Elementary Doctor Watson!” en 1972,  “Riding the Midnight Train” en 1985;  “Docabilly” en 1994 o “Legacy” y “Round the Table Again (live)” en 2002. Ha recibido una cantidad muy considerable de premios a su labor artística. 

Impresionante segundo Ep de los Midnight Shots, de nuevo con Discos Jaguar de Valencia

Confieso que antes de escuchar entero el nuevo Ep de los Midnight Shots, tenía esbozada una posible reseña basándome en alguna que otra idea preconcebida consecuente con el respeto y admiración que siento por estos músicos valencianos. Teniendo en cuenta que su anterior Ep era puro R&B y que algunos de los temas que había podido escuchar en directo tenían considerables dosis de swing y rock and roll de los años cincuenta, creía que ya tenía los ingredientes básicos para definir este disco con las palabras precisas. Pues reconozco que todo lo que tenía escrito lo he borrado sin contemplaciones porque me ha parecido manifiestamente insuficiente para describir  este nuevo trabajo. Se trata de un pedazo de disco que no solo me parece extraordinario sino que es la muestra fehaciente que confirmará, hasta a los más escépticos, que esta banda es capaz de reinventarse para sorprendernos con excelentes recursos sonoros y temáticos.  Y ese proceso creativo envidiable solo puede conseguirse con las ideas muy claras y la destreza del buen instrumentista, ambos ingredientes figuran entre las credenciales de los Midnight Shots.

Discos Jaguar presenta este mes de mayo de 2012 el segundo Ep de los Midnight Shots, con el título genérico de “Here Comes The Bombs”, con cuatro sensacionales temas propios que fueron grabados en los estudios Circo Perrotti de Gijón con la producción del maestro Jorge Explosion. El diseño, de nuevo es producto de la habilidad de Mik Baro y la foto de portada fue tomada por Natxo Martínez. Este nuevo trabajo demuestra, sin lugar a dudas, el gran talento de estos valencianos que se presentaron en 2010 con un primer disco titulado de forma genérica "4 Shots of R&B" y editado también con Discos Jaguar, filial de Discos Monterey. Actualmente la banda está formada por Paco Beneyto, voz y guitarra; Ignacio Durbán, al bajo; Carlos Espina al teclado; Fernando Bonet al saxo; Quique Gallo a la batería; y la incorporación de un nuevo guitarrista Carlos "Xarls" Mateu, que substituye a Pep González.  

Se abre el Ep con “Routes of Roots”, R&B de factura elegante, con ese toque americano entre despreocupado y galopante, que desemboca en un pasaje de rock and roll de raíces negras con impecable swing. Mediante un fabuloso fraseo de guitarra, ayudado por una sección rítmica ejemplar, arropando a esa voz poderosa, consiguen ubicarnos desde los primeros compases en un viejo local de cualquier ciudad norteamericana a finales de los cincuenta dispuestos a pasar un buen rato escuchando música de raíz y consumiendo brebajes espirituosos. Le sigue la clamorosa “Aches form Mistakes” con ese excelente piano de bar, coros años cincuenta, saxo penetrante y la voz rozando incluso la genialidad de los grandes crooners “underground” que incluso se permite el lujo de arrasar con esa nota a octava alta que se pierde entre un pasaje de swing que pone los pelos de punta. Un final de piano con memorable destreza jazzy, entablando un diálogo con el cantante, más la incorporación del saxo y esos coros de musical agotan las palabras de elogio de mi diccionario.

La banda en The Cavern (IPO Liverpool 2012)

La cara B empieza con toques rítmicos de guitarra fabulosamente  mezclados con el sonido “soul” del órgano y el toque del saxo. El combinado es ideal  para construir una canción extraordinaria, llamada “Up at dawn”,  pura danza del alma, en el que no faltan tampoco esos coros que refuerzan el protagonismo de su cantante principal que desde luego se muestra inmenso y pletórico en todo momento. De nuevo, buen solo de saxo en su justa y a su vez elegante medida. Cierra el disco otro memorable tema de título “Sleepin ‘With The Fishes” a medio camino entre el instrumental 50’s más toques de doo-wop, con cambios de acordes arriesgados pero resueltos con dominio ejemplar.        

Los Midnight Shots fueron a grabar estas cuatro canciones en el Circo Perrotti para ofrecernos, con buen criterio, un sonido fiel a esas grabaciones analógicas de finales de los cincuenta y principios de los sesenta, y el propósito está más que logrado tanto técnica como musicalmente. Estoy convencido de que este segundo Ep va a entusiasmar más allá de nuestras fronteras por su sorprendente originalidad al margen de lo previsible. En estos momentos no hay muchas bandas que busquen hasta en el último cajón de la cómoda, este sonido tan peculiar con aportaciones originales  y con el poder de convicción que demuestran estos músicos valencianos. Esa apuesta decidida por dar un paso más en su trayectoria, que ya empezó con grandes ideas ritmanbluseras, convierte este disco en uno de los más impresionantes que podremos escuchar durante mucho tiempo en la escena del rock and roll a nivel internacional.         

Nota: Puedes escuchar los temas en el bandcamp.

Elefant Records recupera en vinilo la primera maqueta de Nosoträsh de 1995

Elefant Records inició hace pocos meses una colección llamada “Recuerdos que olvidé”, con el propósito de recuperar antiguas grabaciones de grupos estatales de pop en línea con su exquisito criterio melódico y rítmico. Los primeros fueron Aerolíneas Federales de los que nos ofrecieron un doble 10” con maquetas e inéditos. La colección sigue su curso ahora con un single limitado en vinilo de color magenta que recupera la primera maqueta de Nosoträsh, sin duda una de las bandas más carismáticas de Elefant Records.

Nosoträsh

Los temas fueron grabados en 1995 por la formación de entones que era: Natalia, Bea, Montse, Eugenia y Cova. Aún no se había editado su primer Ep e incluye dos tomas primigenias de su mítico “Voy a aterrizar”, la segunda de ellas en versión “Vojtyla Mix”, con un sample del “Can You Feel It” de The Jackson. Contiene un tema inédito llamado “Marie Lu”, cantado en inglés, más la canción “La felicidad es un alegre ritmo moderno”, que salió después en su “Aterrizar EP” para RCA, también en inglés; y “La Clak (de Famobil)”, composición que se regrabó para su primer EP, y en las que podemos disfrutar de las Nosoträsh más queridas por sus fans, con ese dominio absoluto de la melodía más esa adorable, y en ocasiones irónica, feminidad. 

Los cinco temas han sido remezclados por Pedro Vigil y remasterizados por Xavier Alarcón. Son completamente inéditos, al menos en las versiones que Elefant pone a nuestro alcance, y salen a la luz tras la aclamada vuelta de sus protagonistas para interpretar sobre un escenario en 2011 su maravilloso álbum “Popemas”, reeditado en vinilo de color blanco en edición limitada, ya descatalogada, por Elefant Records con todo el cuidado y el mimo al que nos tiene acostumbrados. 

“Popemas” es uno de los mejores discos de pop hechos en este país con 20 canciones sencillas que transmiten una enorme carga emotiva mediante melodías preciosas y poemas muy personales e íntimos. Se trata de una de las obras cumbre de la discografía de Nosoträsh que volvió a sonar íntegramente en un escenario en 2011. Una vez más volvieron a escucharse canciones emblemáticas como 'Arte', 'Gloria', 'Corazón Colilla' o 'Tres tristes tigres' interpretadas por las tres integrantes del grupo, Cova, Bea y Natalia, acompañadas para la ocasión por Mar Alvarez (Pauline en la Playa), Pedro Vigil (Penelope Trip, Edwin Moses) y Eva Díaz.

Nosoträsh 1997

Nosoträsh se formaron a mediados de los noventa en Gijón. Covadonga de Silva “Cova”, a la batería, estuvo en Penelope Trip hasta 1993 y al año siguiente formó la banda Nosoträsh con Beatriz Concepción, guitarra y coros, Natalia Quintanal, voz; Montse Álvarez, guitarra; y Eugenia al bajo. Después se incorporaría al grupo Malela Durán. En 1995 ganan el concurso de maquetas de Rockdelux con su primer éxito ‘Voy a aterrizar’. Fichan con RCA pero antes editan con el sello independiente gijonés Astro, su primer CD-single con cuatro canciones en 1996. En 1997 sacan Ep’s con RCA y en 1997 su esperado primer larga duración, “Nadie hablará de... NOSOTRÄSH”, un álbum muy aclamado por crítica y público. En 1999 les deja Eugenia y de RCA pasan a Elefant, que les edita un single con ‘Hacia El Sur’, un tema con el que consiguen triunfar hasta en Inglaterra.

Nosoträsh 2011

Su segundo álbum sale en 2000 y se titula “Mi vida en un fin de semana” y lo produce Ian Catt. En el mes de octubre de ese mismo año sale un nuevo CD-Single, con “Maldito Espejo” como tema principal. Dos años después, 2002, sale su tercer álbum, “Popemas” con la producción de Ibon Errazkin (Le Mans, Aventuras de Kirlian, Single), y las colaboraciones de Nacho Vegas y Guiller Momonje entre otros. Malela ya no está en la banda. 2002 fue su mejor año con numerosas actuaciones, críticas muy positivas, y premios por doquier. Al año siguiente sacan singles de ese álbum con temas nuevos. Siguen cosechando éxitos hasta 2005 que sale su cuarto “Cierra la puerta al salir” con la producción de Pedro Vigil (ex Penelope Trip y miembro de Edwin Moses). Amplían la formación para el directo con la vuelta de Malela, entre otros músicos como Mar Álvarez y Xabel Vegas y sin Montse que se vuelca en sus proyectos de la discográfica Lloriadiscos y la preparación de su disco en solitario. Su último concierto lo dieron con Pauline en la Playa en 2008 en Gijón. Algunos de sus discos han sido editados en el mercado internacional con un éxito notable.

Respecto a este álbum, que en 2012 cumple una década desde su edición en Cd, John Peel puso en numerosas ocasiones temas como “Arte”, “Gloria” y más canciones del grupo en su histórico programa de la BBC y siempre se declaró un fan incondicional de Nosoträsh. Fue el mejor disco del año para numerosas publicaciones especializadas, y Rockdelux lo nombraba el décimo mejor disco de la década.  “Popemas” fue producido por Ibon Errazkin, conocido músico en bandas como Aventuras de Kirlian, Le Mans, Single, o como productor también de Ana D, Carlos Berlanga, Corazón.

Nota: Más información del grupo así como la posibilidad de adquirirlo y oír las canciones, en la completísima web de Elefant records

Muere Yoshiyuki Suzuki, guitarrista de los Bunnys de Takeshi Terauchi

El 24 de mayo de 2012 moría a los 65 años, el japonés Yoshiyuki Suzuki, uno de los guitarristas de los Bunnys,  banda de acompañamiento del genial guitarrista japonés Takeshi “Terry” Terauchi con quien grabaron algunos de los mejores temas de instro surf del Japón así como versiones de música clásica y de temas tradicionales japoneses.    

Takeshi fue es uno de los pioneros de la guitarra eléctrica que en los sesenta mezclaba la tradición japonesa con el rock and roll para fabricar grandes temas instrumentales cargados de groovie y fuzz, incluida su etapa más funk de los setenta. Takeshi nació el 17 de enero de 1939 en Tsuchiura (Japón) y es todo un maestro del instro surf con su famosa Mosrite.  

Empezó su carrera formando parte de la banda de country and western de Jimmy Tokita and the Mountain Playboys. Después formó sus propias bandas llamadas Blue Jeans en 1962 y The Bunnys en 1966 cuando llegó la influencia de la música beat británica al Japón.  Los Bunnys eran Hiroshi Kurosawa, guitarra, armónica, voz; Yoshiyuki Suzuki, guitarra, voz, que substituiría a Hideyuki Koshiishi; Tatsuya Ogino, órgano, y vibráfono; Hajime Ono, bajo; y Tadashi Inoue, batería, y shakuhachi (flauta japonesa). Eran unos expertos en instrumentales de “garage”, fratrock y el surf, así como algunas baladas sentimentales.

En 1968, Takeshi dejó a los Bunnys, con los que grabó el clásico “Test Driver”, y estos tuvieron como líder al organista Tatsuya Ogino. Takeshi reformó a los Blue Jeans en 1969 y continuó tocando hasta la actualidad. Entre los álbumes más destacados de Terauchi están “Korezo Surfing” (King, 1964), “Seicho Tera Uchi Bushi” (King, 1965), “Let's Go Terry” (King, 1966), “Let's Go Classics” (King, 1967), “Eleki Ippon Gunka De Shobu Totsugeki” (King, 1970), “Eleki Ippon Enka De Shobu” (King, 1970), o “Manatsu No Umi Wo Buttobase” (King, 1972). En 2011 la discogràfica Big Beat records editó un recopilatorio de 1964 a 1972 con el título de “Nippon Guitars (Instrumental Surf, Eleki & Tsugaru Rock 1966-1974)”. 

Tras la etapa con Takeshi, los Bunnys suavizaron su sonido e incluso grabaron un álbum de versiones de "Hair" que desafortudamente no vio la luz. En 1971 se separaron.    

Chimisen y Eleki con Takeshi

Eleki es el nombre que se dio al auge del rock and roll instrumental en el Japón tras el primer de los conciertos que dieron los Ventures en Tokyo en 1962 y que revolucionó a los japoneses que se pasaron a la guitarra eléctrica (eleki). El nombre de Tsugaru Rock creo que procede del popular instrumento llamado Chimisen, un laúd de tres cuerdas, de origen chino que fue introducido en el siglo XVI en el Japón por la península de Tsugaru en la prefectura de Okinawa. De Tsugaru era uno de sus principales intérpretes, Chikuzan Takahashi, un joven que se quedó ciego a los dos años por un sarampión, y que se ganó la vida tocando de puerta en puerta hasta que en 1963 sacó un álbum que impresionó a todo el país, incluido a Takeshi que incorporó algunas de las técnicas en su forma de tocar instro surf.    

R&B, “garage” y beat, protagonistas rítmicos del primer álbum de los gallegos Phantom Keys

1r Lp (2011)

“The real sounds of…” es el título del primer álbum de los Phantom Keys, editado por Screaming Apple Records en 2011, tras un par de aclamados singles que ya necesitaban de todo un Lp como este para confirmar, con creces, el talento reconocido a nivel internacional de estos músicos gallegos. Probablemente podrían haber grabado todo un disco sobre una base de un visceral R&B británico de los años sesenta, y sus fans nos hubiéramos quedado más que satisfechos. Sin embargo, las doce canciones que nos ofrecen resumen el amplio abanico de sus credenciales temáticas con sus correspondientes dosis de “garage”, beat , punk, y rock and roll. El resultado es un disco completo con múltiples posibilidades de disfrute ya sea para amenizar cualquier baile que se precie, hacerte sudar la camiseta en un concierto memorable, o satisfacer tus exigentes sentidos con la escucha atenta y reflexiva desde el sillón de tu casa.   

1r single (2007)

The Phantom Keys se crean en O Grove (Pontevedra) en el año 2005 con Marky, voz principal; Roi, guitarra y voces; Manu, guitarra; Alexa, teclados; Cosme, batería y Zé al bajo. En 2007 editaron con El Beasto un single con los temas “In the Summertime” en la cara A, y en la B, una versión del autotributo que se dieron los Velvet Illusions con el tema del mismo nombre.  Al año siguiente  sacan su segundo single, con “Shut Up Johnny / I Don't Wanna Be Free” (El Beasto, 2008), en una edición limitada de 666 copias. La cara A es un tema propio y la B, una versión de los Sorrows. La banda cambia de formación con Alberto Chao “Agent V” a la batería, el escocés Mal Kergan, ex The Thanes, al bajo y Alberto de Los Villanos de Boraville a la percusión, arpa y farfisa. Se producen nuevos cambios con la entrada de Nacho Hermida al bajo e Ima "Fuckin' bollocks" al farfisa y armónica.  

2n single (2008)

La grabación de este primer álbum se lleva a cabo en The Lab (O Barco de Valdeorras) durante el mes de agosto de 2011 con la producción de Mike Mariconda y las mezclas con Angel Kaplan (Gijón) durante el mes de septiembre. Colaboran en el disco Fran Martínez "Buffalo Vall" (armónica) y Fernando Villaboy (órgano Vox Continental), ex-Elephant Band.  A destacar que la portada es una foto a cargo de Jessica Barcala y el artwork corre a cargo de Marcos Mascato. Se encuentra a la venta en CD y vinilo en color azul. En 2012 Folc Records editaba un single con los temas “Gloria’s Nightamre” y una versión de un clásico del R&B, de Rosco Gordon, "Just a little beat".

La banda está formada actualmente por Roi Fontoira (guitarra y voces, que también forma parte de los Allnight Workers), Nacho Hermida (bajo y voces), Alberto Chao (batería y percusión), Manu Alfonso (guitarra) y Marcos Mascato (voz).  Entre sus próximos proyectos, a parte de presentar en directo este álbum con excelentes críticas, está el grabar con Folc records un single con dosis de psicodelia.   

Su primer disco no podía comenzar mejor que con ese magnífico tema llamado “I’m still a mess”. Se trata de un R&B puro y duro, con las mejores referencias, creado mediante esa evidente predisposición rítmica de todos los instrumentos con el propósito de hacerte mover, casi sin darte cuenta,  los pies mientras que la melodía ensalza el alma. Le sigue la canción “Twisted neck”, otra excelente muestra de la creatividad de esta gran banda que ratifica el dominio de los parámetros sensuales del blues negro, acelerado con la soltura británica de los sesenta. Con la tercera canción, los Phantom Keys vienen a decirnos que este no es un disco solo de R&B. Así que el grupo nos sorprende con otro tema original llamado “Even if i try”, con sus arpegios beat que lucen en un medio tiempo y que se endurecen, por momentos, con un sensacional toque de guitarra fuzz. Le sigue una adaptación del “Evil Eye” de Alan Saxon, con toque d’“exotica” y más velocidad que el original de 1962. Seguidamente nos obsequian con un genial “My last Mistake”, tema con guitarras “garage” y algo de “psych”, con presencia de órgano Vox Continental, que se acelera al final para convertirse en un R&B y luego dar paso a su inicial ritmo “garage” que desemboca en el pletórico final. Acaba la cara A con la canción “The Drunk Chicken Walk”, con vibrante entrada de batería para dar paso a un instrumental con arreglos de rock and roll y sobrada elegancia “instro surf”.   

Con Buffalo Vall (drcha)

Empieza la cara B con el tema “Corn Likker” y sus guitarras esenciales de “garage punk” creando un clímax de desenfreno en el que se luce la guitarra fuzz. Siguen presentándonos más perlas de su amplio repertorio creativo con “Don’t tell me lies”, excelente canción con la que vuelven a ese primordial R&B con su brillante sección rítmica, ayudada de armónica de blues, y un buen solo de guitarra. Después nos ofrecen “Land (O) Beat”, corte con el que se acercan a ese rock and roll genuino con raíces en la música negra, y con el que consiguen transmitir un aire rollingstoniano ciertamente convincente. El siguiente tema lleva por título “It’s Better Girl”, gran canción con penetrantes referencias americanas, que da paso a la segunda versión del disco, un “Poor Boy”, tema tradicional de 1926, considerado como uno de los más antiguos blues que se conocen, y que los Phantom Keys interpretan con el estilo sucio y arrastrado de los Master’s Apprentices. Acaba el disco con “I Was True (But i won’t be more)”, brillante blues con toques de gospel y country soul interpretado a modo de balada con un medio tiempo que sirve de colofón para este brillante álbum de principio a fin.  

The Phantom Keys se han convertido en uno de nuestros grupos de raíces “sixties” más aclamados en el extranjero y que ha llamado la atención de una de las discográficas internacionales de más prestigio, dentro del mundo del R&B y el garage, como es la alemana Screaming Apple Records. Sin duda, han conseguido provocar ese interés gracias a un buen trabajo discográfico, grabado en condiciones especiales en un estudio casero, con aparatos analógicos, entre lingotazos de bourbon y películas bizarras. El resultado ha sido este excelente disco que cuenta la realidad sonora de esta “familia” de músicos empeñados en tocar música de los años sesenta sin encasillarse en ningún estilo y dispuestos a divertirse invitándonos a su enérgica fiesta sonora.

Nota: Puedes escuchar los temas en su bandcamp.  

Nos deja Robert Nix, baterista de los Candymen y los Atlanta Rhythm Section

El 20 de mayo de 2012 moría en Memphis (Tennessee) a los 67 años el baterista Robert Nix, que formó parte de bandas de erock and roll y beat como los Candymen o de rock sureño como los Atlanta Rhythm Section.

Los Atlanta Rhythm Section se formaron en Doraville, Georgia, en 1970, como banda del Studio One, un estudio de referencia en la zona de Atlanta, creado por Rodney Mills con el productor musical Bill Lowery, el también productor y compositor Buddy Buie, más el compositor y guitarrista Cobb JR. Los Studio On reclutaron a tres músicos de los Candymen, que durante una época fueron la banda de apoyo de Roy Orbison. Eran el cantante Rodney Justo,  Dean Daughtry a los teclados y el baterista Robert Nix. El resto de los Candymen originales eran Billy Gilmore, Bobby Peterson y John Rainey Adkins. Rodbney había sustituido al cantante Bobby Goldsboro. Los Candymen tuvieron cierto éxito también como banda sin Roy Orbison con temas como "Georgia Pines" y a punto estuvieron de tener un contrato en Inglaterra. 

 

The Candymen

Buddy Buie, J.R. Cobb, Walter Eaton,  Joe Wilson y el cantante Dennis Yost habían formado parte de la banda Classics IV, grupo formado en 1965 en Jacksonville con el nombre de The Classics y especializada principalmente en versiones de los Ventures, entre otros, que después triunfó con éxitos como "Spooky" o "Stormy" entre 1967 y 1969.

A esa formación de músicos del Studio One se añadieron dos insturmentistas más: el guitarrista Barry Bailey y el bajista Paul Goddard. En 1971 trabajaron unas cuantas canciones originales en sus tiempos libres mientras grababan para otros cantantes y grupos. Esas canciones propias les proporcionaron un contrato con MCA / Decca y con ellas sacaron un álbum de rock sureño de título homónimo en 1972. Ese año se incorporó el cantante y pianista Ronnie Hammond que murió el 14 de marzo de 2011 a los 60 años en Georgia.

La banda sigue en activo y Nix estuvo tocando con ellos la batería hasta 1979. Durante todos esos años grabó también sus siguientes discos: “Back Up Against the Wall” (1973); “Third Annual Pipe Dream” (1974); “Dog Days” (1975); “Red Tape” (1976); “A Rock and Roll Alternative” (1976); “Champagne Jam” (1978) y “Underdog” (1979).

Nix también participó en la grabación del primer disco de los Lynyrd Skynyrd titulado, “Pronounced Leh-Nerd Skin-Nerd” (1973) y tocó con Al Kooper, Ike and Tina Turner, y tras los Atlanta, en la banda de Alison Heafner con quien se casó en 2008. 

Muere Eddy Bell, intérprete de rockabilly y doo-wop que pasó a ser el Rey de la Polka

Eddy Bell nació con el nombre de Eddie Blazonczyk en Chicago el 12 de julio del año 1942, hijo de inmigrantes polacos, y murió en la misma ciudad el 21 de mayo de 2012. Debutó en 1960 grabando para Mercury, después estuvo con Lucky Four Records en 1961 y acto seguido con Bel-Aire records, discográfica que fundó en Chicago.

Durante esos años grabó unos cuantos singles de rockabilly y doo wop, acompañado de los Bel-Aires y con canciones que tuvieron bastante éxito como “The Masked Man (Hi Yo Silver) /Anytime” (Mercury 1960); “Knock, Knock, Knock (Knocking On My Door)  / Wear My Class Ring On A Ribbon” (Mercury 1961); "Johnny Be Good Is In Hollywood  / I'm All Alone” (Lucky Four 1961); “The Great Great Pumkin / I'm Still In Love With You” (Lucky Four 1961); y “He's A Square / Few More Days  (Bel-Aire 1961).  

De todos estos temas, el que le dio más éxito fue “The Great Great Pumkin”. En 1963 recibió una propuesta para tocar en los Versatones que fusionaban rock and roll, música cajun y polka.

En el año 1964  decidió centrarse en la música Polka y recuperó su apellido original. Esa música no le resultaba nueva ya que sus padres habían formado parte de bandas tradicionales y él aprendió de pequeño a tocar el acordeón. Fue el jefe de la discográfica Lucky Four, Lennie Lacour, quien le aconsejó que se dedicara a la polka y según comentó Eddie en su día: “seguí su consejo y nunca me arrepentí”.  De hecho no le fue nada mal. Obtuvo varios premios, dirigió los Versatones, le consideraron el Rey de la Polka y en 2002 se retiró. La traspasó a su hijo Eddie Jr. que se había incorporado en 1997 y que siguió con la formación hasta 2011 en que decidieron separarse.  

Fallece Robin Gibb de los Bee Gees

Robin Hugh Gibb nació en Douglas, Isla de Man, (Inglaterra) el 22 de diciembre de 1949, y formó parte, como todo el mundo sabe, de los conocidos Bee Gees, uno de los mejores grupos vocales y compositores de pop de todos los tiempos, y a la vez uno de los más injustamente vilipendiados por envidias y estupideces varias.  Robin tenía un hermano gemelo, Maurice que murió en 2003, más una hermana y un hermano  mayor, Lesley (1945) y Barry Gibb (1946), y un hermano menor, Andy (1958-1988).  

La familia se mudó a Australia en 1958 y se establecieron en Redcliffe, Queensland, donde empezaron a cantar en teatros. En un principio se llamaron The Rattlesnakes, y después Wee Johnny Hayes & the Bluecats. Actuaron en la televisión a principios de los sesenta y en 1965 sacaron su primer álbum como banda: “The Bee Gees Sing and Play 14 Barry Gibb Songs”. A fines de 1966, la familia Gibb decide volver a Inglaterra. Les precedieron unas demos que enviaron a Brian Epstein que se las pasó a Robert Stigwood. Pronto firmaron un contrato con Poydor Records para Inglaterra y Atco Records para los Estados Unidos. Su primer sencillo británico, “New York Mining Disaster 1941” fue todo un éxito como también lo fueron los siguientes temas, la versión del “To Love Somebody” originalmente escrita para Otis Redding, y el álbum “Bee Gees' 1st” (1967). La banda estaba compuesta por Barry a la guitarra rítmica, Maurice al bajo, Vince Melouney a la guitarra principal y Colin Petersen a la batería. 

Después vino su segundo álbum “Horizontal” con su famosa “Massachusetts” y “World”. En 1968 alcanzaron el Top Ten estadounidense con los temas “I've Gotta Get a Message to You” y “I Started A Joke” incluidos en su tercer álbum “Idea”.  Vince Melouney dejaría el grupo porque le apetecía tocar más blues. En 1969 empezaron a grabar un álbum llamado “Masterpeace” que se convirtió en el doble “Odessa” con toques de progresivo.  

Robin dejó la banda a mediados de 1969 molesto porque un tema suyo “Lamplight” no salía en la cara A del single y grabó un excelente álbum de pop folk llamado “Robin's Reign” con varias obras maestras como “Saved By The Bell”. Barry y Maurice siguieron con el nombre de los Bee Gees con Colin y ocasionalmente con su hermana Lesley para que apareciera con ellos en el escenario. Tras un par de singles sin demasiada repercusión, Barry y Maurice siguieron sus caminos por separado. Todo parecía indicar que los Bee Gees se habían acabado pero se reunieron a finales de los setenta. Consiguieron de nuevo triunfar pero entraron en un punto muerto. Sus temas pop dejaron de gustar y cambiaron de rumbo grabando con el productor de soul Arif Mardin el álbum “Mr. Natural” decantándose por la música negra.  

Por sugerencia de Eric Clapton, se trasladaron a Miami, Florida, donde empieza la época de su famoso falsetto y la música disco. Se convierten en el primer grupo de blancos que se atreven a hacer disco funk en los Estados Unidos con el beneplácito de gran parte de la comunidad negra, y con la ayuda de los productores Albhy Galuten y Karl Richardson.   

Llegaron al número uno en los Estados Unidos con temas como "How Deep Is Your Love", "Stayin' Alive", y "Night Fever" más el single con "If I Can't Have You" que hizo triunfar Yvonne Elliman. Es la época de la película “Saturday Night Fever” cuya banda sonora es la más vendida de todos los tiempos. En 1976 grabaron versiones de los Beatles y acabaron trabajando con Peter Frampton en la película “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band” (1978) . Durante este tiempo, el hermano más joven, Andy consiguió un notable éxito.  

A fines de 1979, la música disco perdió repercusión y la carrera de los Bee Gees cayó en picado.  Robin y Barry Gibb sacaron varios trabajos en los ochenta como solistas. En 1988 moría Andy a los 30 años por una miocarditis, una inflamación al músculo cardíaco a raíz de una infección viral. Poco antes había decidido unirse a sus hermanos. En los noventa, Barry Gibb tuvo un problema serio de espalda y Maurice bebía demasiado. 

En los dos mil siguieron colaborando y grabando por separado. Maurice murió el 12 de enero de 2003, por un intestino estrangulado. Al año siguiente, Robin salió de gira y en 2006 se unió a su hermano Barry para un concierto en Miami.  

Como solista, Robin ha sacado varios álbumes como el mencionado “Robin's Reign” (1969), “Sing Slowly Sisters” (1970), “How Old Are You” (1983), “Secret Agent” (1984), “Walls Have Eyes” (1985), “Magnet” (2003), o “My Favorite Carols (2006)”.

Robin Gibb se había recuperado del cáncer de colon e hígado que se le diagnosticó en el año 2010. Había sido intervenido en el estómago. Este mes de marzo de 2012 fue sometido de nuevo a una operación intestinal, contrajo una neumonía y entró en coma mientras se estrenaba su última obra sinfónica, “Titanic Requiem”. Finalmente ha muerto el 20 de mayo de 2012.

Pony Taylor presenta nuevo álbum con Clifford Records: “How to Fold Paper in Half Twelve Times”

Pony Taylor son una banda francesa formada en 2007 en Avignon y que actualmente está integrada por Christophe Vaillant, guitarra, voz; Olivier Vaillant, bateria, voz; Cyril Jean, hammond, voz; Laurent Elfassy, bajo, voz; y Alexandre Nollet, guitarra, voz. Anteriormente grabaron como The Strawberry Smell, banda formada en los noventa, varios Ep's y singles así como un disco llamado "Odorama" en el año 2002 con Bip Bip records. También actuaron en varias concentraciones mods a nivel europeo e incluso grabaron un single en 1997 con Detours Records con los temas "Penelope Bloomington" y "Kangaroo In My Garden".

Su música es un compendio, elegante y preciso, de sonidos mod que tienen como nexo de unión el pop luminoso y melódico de los sesenta motivado por ritmos que invitan al baile, desde el power pop al “Northern soul” con detalles psicodélicos. En alguna entrevista les han preguntado por su actitud modernista, a lo que ellos mismos han contestado: “mod un jour, mod toujours”. A destacar que el órgamno hammond de Cyril también se puede oír detrás de proyectos psicodélicos como Stereoscope Jerk Explosion o Cucumber, banda paralela en la que apuestan por los sonidos más bailables con mucho groove y que este verano sacan todo un doble Lp con Cosmic Groove y el título de "The French Job".

Ahora presentan un nuevo disco con Clifford Records con el título genérico de “How to Fold Paper in Half Twelve Times”. Fue grabado y mezclado en su estudio “The Superhomard Studio” con equipo “vintage”. Contiene doce canciones sin desperdicio alguno donde destacan excelentes armonías y temas exquisitos como “Videogame” con el que ya han realizado un videoclip en el que aparecen sus personajes de cartón recortables que pueden verse en la portada de este segundo álbum. El disco incluye otros temas como el psicodélico “Flying closed to the sun”; scooters llegando a casa y desarrollos instrumentales sensacionales en canciones como "Chasing Echoes (of your love)"; bailables rabiosos como “Ultrabright” del que el Dj Zebra ha hecho una versión electrónica; o la genial “Troublemaker” con toques de pop británico de los ochenta y “Northern soul”.  

Los Pony Taylor también grabaron en 2011 un Ep con el título de “Ponycolor Box Ep” (superhomard / cosmic groove records) con cuatro canciones, tres propias y una versión del “Pretty Song From Psych-Out”, un tema de Strawberry Alarm Clock de 1968.

Los almerienses Clifford Records ya habían apostado por esta excelente banda editando su anterior y aclamado trabajo llamado “Eleven Safety Matches” (Clifford 2010). 

Nota: Puedes escuchar algunos de sus temas en su bandcamp y conseguir el disco en Clifford. 

Ha muerto Donna Summer, mucho más que la Reina de la Música Disco

Donna Summer es una de las cantantes de soul y funk más conocidas de la historia del R&B y está considerada, a nivel de crítica y público, como la Reina de la Música Disco. A raíz de su muerte el 17 de mayo de 2012 en Florida con 63 años, los medios de comunicación repasan su carrera principalmente recordando sus grandes éxitos. En Magic Pop rememoramos su vida artística anterior a esa época gloriosa de mediados de los setenta y ochenta, y para ello nos fijamos en sus primeros pasos como cantante desde finales de los sesenta hasta principios de los setenta en los que cantó al estilo de la Motown, estuvo en un grupo psicodélico, interpretó el musical "Hair" en perfecto alemán e incluso sacó un single en Holanda con detalles folk.     

Cuando nació en Dorchester, Boston, (Massachusstes) el 31 de diciembre de 1948 le pusieron de nombre LaDonna Adrian Gaines. Actuó en los coros de la iglesia y en los sesenta formó varios grupos imitando el sonido de la Motown. En 1967 debutó como cantante en un festival llamado "Boston's Psychedelic Supermarket" con una banda llamada The Crow. Allí conoció a Janis Joplin. Tras abandonar los estudios, en 1968,  se presentó a una audición para participar en el musical Hair en Brodway, pero el papel se lo dieron a Melba Moore. Cuando el musical se trasladó a Europa, Donna fue contratada. En Alemania residió durante varios años, aprendió alemán y como se puede oír en el primer video que acompaña este pop-bituario lo cantaba con fluidez y perfecto acento. Mientras vivía en Alemania, participó en los musicales "Godspell" y "Show Boat". En Munich estuvo en varios grupos como Viennese Folk Opera, o los FamilyTree, creados por Guenter "Yogi" Lauke y The Munich Machine. En 1973 Donna se unió s FamilyTree para realizar una gira por Europa, y por otro lado trabajó como corista en estudios de grabación y teatros.  

Donna Summer 2011

Su primer sencillo lo grabó con el nombre de Donna Gaines en 1971. Era una versión de la canción "Sally Go 'Round the Roses" interpretada originalmente por el conjunto de R&B The Jaynetts. No tuvo demasiado éxito.  En 1972 se casaría con el actor austríaco Helmuth Sommer, y en 1973 tuvieron una hija llamada Mimi. Cuando se divorciaron, Donna cambió su apellido de casada Sommer, por el de Summer, ambas palabras significan verano.   

En 1973 conoce a los productores Giorgio Moroder y Bill Mellote con quienes grabaría su primer éxito "The Hostage", después vendrían otros temas como el sugerente "Love To Love You Baby" y más tarde su archiconocido “Hot Stuff”, entre muchos otros hits con los que conseguiría el trono de la Reina de la Música Disco. A destacar también un single de 1974 grabado para Lark Records en Holanda con el tema folk “Denver Dream” en la cara A, que en la B tenía una canción de Moroder, “Something in the Winds”  

Finalmente, el cáncer le ha arrebatado la vida el 17 de mayo de 2012. Murió en su casa de Key West, Florida.

Fallece Doug Dillard, virtuoso del banjo

Doug Dillard

Douglas Flint “Doug” Dillard nació el 6 de marzo de 1937 en Salem (Missouri) y murió el 16 de mayo de 2012. Formo parte de la banda de bluegrass The Dillards y creó el dúo Douglas & Clark con el miembro de los Byrds, Gene Clark.

The Dillards fue una muy influyente banda de bluegrass formada en Salem, Missouri, con "Doug" Dillard al banjo; Rodney Adean "Rod" Dillard (nacido el 18 de mayo de 1942, en Salem, Missouri) a la guitarra y dobro; Roy "Dean" Webb (nacido el 298 de marzo de 1937 en Independence, Missouri) a la mandolina; y Mitchell Franklin "Mitch" Jayne (nacido el 5 de julio de 1928, en Hammond, Indiana, y fallecido el 2 de agosto de 2010) al contrabajo. Tienen grabados gran cantidad de álbumes siendo el primero “Black Porch Bluegrass” (Elektra) de 1963 que fue grabado por Rodney Dillard, cantante, y guitarra;  Douglas Dillard al banjo;  Mitchell Jayneal bajo y Dean Webb a la mandolina.

Le sucedieron otros álbumes grabados en estudio y en directo y su música fue esencial para que surgiera todo el movimiento de country y folk rock de mediados de los sesenta así  como el llamado bluegrass progresivo de los setenta, con grupos como los Eagles, los Byrds, Flying Burrito Brothers, etc.

Douglas & Clark fue un dúo de country rock que se formó en 1968, poco después de que Clark dejara a los Byrds y Dillard abandonara los Dillards. Doug ya había colaborado con Gene en el álbum de 1967, “Gene Clarck with The Gosdin Brothers”.

Clark y Dillard

Publicaron un par de álbumes: “The Fantastic Expedition of Dillard & Clark”, considerado uno de los mejores álbumes de la historia del country rock, y el segundo,  “Through the Morning, 

Through the Night”, de 1969. Colaboraron en el proyecto otros prestigiosos músicos como Bernie Leadon, Chris Hillman, Sneaky Pete Kleinow, Byron Berline o Michael Clarke.

Los dos discos tuvieron malas ventas y al final, Clark (nacido en Tipton, Missouri, el 17 de noviembre de 1944 y fallecido el 24 de mayo de 1991) decidió dejar el dúo en diciembre de 1969 para seguir una carrera en solitario. Douglas también participó en la grabación del "Begin" de The Millenium de 1968 y tuvo su propia banda, la Doug Dillard Band.

Este tema de los Dillards está incluido en su primer disco de 1963 y es original de Doug  

Esta canción se titula "Out on the Side" y fue grabada para el álbum "The Fantastic Expedition of Dillard & Clark" de 1968.