The Drip Dry Man and The Revolver. Foto: Magic Pop
La XIII edició del festival tarragoní Castanyasso se va celebrar el 29 de novembre de 2014 a la sala Zero de Tarragona amb el directe de quatre grups de rock and roll força imaginatiu: tres d’ells formen part de l’escena estatal com són els barcelonins Angry Mama, els saragossans Screamin’Diablos, i els pamplonesos Pow Pow Pows. Completava el cartell el combo de belgues, holandès y britànic format per The Drip Dry Man and The Revolver Beat. Quatre propostes ben contundents que aconseguiren mantenir, amb escreix, l’elevada càrrega musical i combativa d’un prestigiós festival que reduïa aquest any l’oferta musical a una sola nit de concerts. Després dels directes, Miquel Gistas, màxim responsable de l’organització, va exercir de punxa-discos amb el conegut nom de Mick Gave aka DJ Soulblonding i una sessió de garatge, psicodelia, punk rock entre algunes dosis d’electrònica. També va ocupar la cabina de la sala Zero de Tarragona, Lluci Rostra, capo del segell H-records, i col·laborador imprescindible del Castanyasso.
Screamin'Diablos alentats per les seves fans. Foto: Magic Pop
Amb una entrada generosa, tot i les inclemències del temps, els grups van oferir els seus respectius repertoris durant una nit de moltes guitarres i actitud desfermada de rock and roll. Obriren els Sreamin’Diablos amb un so conjuntat extraordinari i un fantàstic repertori de punk rock en la seua màxima essència. Seguiren els barcelonins Angry Mama afegint a l’esmentat estil, dosi d’emocore i hard rock, mitjançant bons temes propis. A continuació, es va apoderar de l’escenari, i de gairebé tota la sala, el flamant projecte de hard blues y garatge trash de The Drip Dry Man and The Revolver Beat. Tancaren els directes els sensacionals Pow Pow Pows amb els que vam poder gaudir d’una magistral lliçó de recorreguts psicodèlics extraordinaris mitjançant els que culminaren les brillants cançons del seu Lp de debut.
The Drip Dry Man entre el públic. Foto: Magic Pop
Que la ciutat de Tarragona mantingui avui en dia dos festivals de rock and roll en nòmina com són el Bule Bule Toga, que aquest any 2014 celebrava la seva primera edició amb èxit, més el ja consolidat Castanyasso, amb un bagatge important de tretze edicions, no deixa de ser sorprenent fins i tot per als propis amants de la música amb arrels als cinquanta i seixanta. Com tots ja sabem, aquesta ciutat està i probablement seguirà estant “eternament” invadida pels romans com a únic reclam turístic imaginable pels centres de poder econòmic i polític.
Pow Pow Pows, magistral actitud. Foto: Magic Pop
Pel que fa a les activitats culturals habituals, almenys aquelles que pretenen ser trencadores i al marge de les exhibicions de caire tradicional, els organitzadors tarragonins institucionalitzats semblen a la deriva i recorren massa sovint a l'indie català més digerible o a un poti-poti d'artistes per quatre euros que els cobreixen la papereta de "moderns" en temps de crisi. Es per aquest motiu, que l'assistència a aquestes exhibicions de bon gust cultural i esforç individual encomiable, com són el Bule Bule i el Castanyasso, com també la gran part de les proposades per Vòrtex, haurien de ser d'assistència absolutament imprescindible per a tots aquells que, un cop darrera l'altre, ens queixen d'una manca d'oferta a la ciutat adient als nostres gustos o, si més no, al marge del previsible.
Malauradament, aquest any, la habitual trobada “castanyera” organitzada per la promotora Soulblonding ha minvat en nombre de nits celebrades. Aquest descens, pel que fa a la quantitat de concerts que no a la qualitat, es degut molt probablement a la situació de crisi que encara arrossega el món cultural i en especial la música en directe mancada tan d’ajuts institucionals com de l’entusiasme imprescindible d’assistència de públic fins i tot entre els seus propis seguidors. Sense joves que s’interessin pel rock and roll, o d'altres de “menys joves” que considerin que ja no tenen edat, iniciatives com aquestes van a perill de desaparèixer.
La sala Zero de Tarragona. Foto: Magic Pop
Així que, abans de passar a ressenyar els concerts de la magnífica tretzena edició d’aquest festival, el Magic Pop vol fer un reconeixement i agraïment públic al seu principal factòtum, Miquel Gistas, qui des de la promoció de concerts així com amb l’edició de discos mitjançant el segell Philatelia Records, no escatima esforços per mantenir viva una prolífica escena musical que mereix el nostre aplaudiment més entusiasta. Vagi per endavant també el nostre millor reconeixement a Lluci Rostra. cap del segell H-Recrods, qui va col.laborar amb l'esdeveniment així com a la sala Zero per la seva bona predisposició a cobrir un ampli ventall d'estils entre els que no falta el rock and roll i els seus nombrosos derivats.
El rock and roll, com a cultura i actitud, té una llarga història de lluita aferrissada contra el conservadorisme sociopolític. Iniciatives com el Castanyasso aconsegueixen que no caigui definitivament en l’oblit menyspreat per una societat malalta, guiada per consignes mercantilistes, que ens tempta amb falses utopies multitudinàries sufragades per marques conegudes de licors i de roba que posen la pasta amb el propòsit de mantenir content, bevedor i comprador, a un jovent sense esperar d’ell gaire criteri. Així que, pel bé de la nostra salut mental i gaudi nocturn, felicitats per aquesta extraordinària tretzena edició i que duri, per molts anys, el Castanyasso.
Pots llegir les ressenyes dels directes clicant al nom dels grups: Introducció
Per obrir un festival amb la força, entrega i lluïment
emprada pels Screamin’Diablos la nit del 29 de novembre de 2014 a la sala Zero de
Tarragona, cal ser una banda experimentada que tingui moltes ganes d’agradar
més un bon repertori per presentar amb una escenificació impecable. Els saragossans van triomfar amb un bon so
conjuntat, fantàstics detalls solistes de guitarra, un ritme molt ben calibrat
i un cantant de bona veu. Aquests foren els principals ingredients d’un concert
espectacular que posava molt alt el llistó del Castanyasso 2014.
Screamin'Diablos. Foto: Magic Pop
Principalment,
van tocar temes propis. Presentaren el seu
magnífic Ep de debut per a H-Records on s’inclouen descàrregues d’adrenalina
punk rock com “Ashtray”, “Bull full of Vultures”, “Shadow” y “The Story of Jeffrey
Brown”, interpretades amb aquest ordre. Es
van poder sentir altres grans temes com “My advice” y alguna que altra versió
com el “Who Will Save Rock 'N' Roll?” dels Dictators amb el que tancaren un directe certament esplèndid, del millor de
la nit. Si amb el seu Ep de presentació ens van conquerir com a compositors i
instrumentistes de luxe, amb el seu directe ens han confirmat que són una banda
amb molta classe i unes evidents ganes de créixer molt amunt amb el recolzament
de bons segells com H-Records i l’empatia de públics ben predisposats a
embolcallar-los amb el seu aplaudiment.
Screamin'Diablos. Foto: Magic Pop
Screamin'Diablos
Screamin’Diablos
són de Saragossa. El quartet està format per ex components de Los
Precarios, trio de Leciñena (Saragossa). Després de separar-se, l'any 2011 dos dels seus components, Sevi a la bateria i Alfredo, veu i guitarra, s'uneixen a
Julio a la guitarra, qui ja havia format part dels Precarios al
final, més Alberto, baix i veus, per a formar aquesta banda que debuta amb H-Records aquest 2014 amb un fantàstic Ep de quatre brillants temes de
punk rock. Les cançons foren enregistrades l'any 2014 amb l'ajut de Caspas i
Sergio. Compta amb un dels treballs visuals més genials que hems
vist en els darrers temps a càrrec de l'artista saragossana, Niko
Bleach. Pots llegir una ressenya del disc al Magic Pop aquí.
Pots llegir les ressenyes dels directes clicant al nom dels grups: Introducció
Angry Mama tenen l’energia més que suficient com per ser considerats una bona adaptació catalana dels americans Hot Water Music però amb idees pròpies i mitjancant un projecte que ha pres un camí propi, ben definit, amb una arrancada gloriosa. Les seves cançons desprenen passió gràcies a una excel•lent veu solista, unes guitarres imaginatives i una sòlida base rítmica de baix i bateria. El resultat final és una banda plenament compenetrada que, si bé no és novell, si que tenen la il•lusió i la predisposició d’engegar un nou projecte força enriquidor amb els referents del punk dels noranta i les tonalitats de emocore de melodies rabioses però també encisadores.
Així ens ho van demostrar la nit del 29 de setembre de 2014 a la XIII edició del Castanyasso 2014. Del seu repertori em quedo amb els temes que formaran part del seu Ep de debut amb la reusenca H-records: quatre míssils de llarg abast com són “The Unreal”; “This is Not for Sale”; “Take Me” i ”Still Not Dead”, els quatre interpretats durant el seu directe en el que sonaren altres cançons d’anteriors fornades com “Strangers” amb un arranjament més nou, i “Slave Love Song”. També hagué temps per presentar-nos una de les seves darrers creacions com és “Time For a Change”. En definitiva, un bon concert que encara ens obre més les ganes d’escoltar, quan abans millor, el seu Ep de debut al temps que ens avança una carrera que esperem sigui ben prolífica amb l’ajut discogràfic imprescindible i la curiositat del públic seguidor del rock and roll alternatiu.
Angry Mama
Angry Mama són un quartet poderós de Barcelona format
per músics procedents de bandes en les que han tocat conjuntament com Avoid Notes,
Ciudad Homicidio, o cadascun pel seu compte en formacions com Habitación 101, The Capaces, Fifty One Ergs o Mesqueodi.Ells són Ruben, veu y guitarra; Uri
"Ras", veu y baix, David, guitarra, i Edu, baterista. H-Records els publica aquest 2014,
amb altres segells, un 7”
debut amb quatre cançons en una edició
limitada a 300 còpies. El disc fou enregistrat al BloQ.Estudi per Aleix Hc al febrer de 2014 on també van entregistrar anteriorment l'any 2013 una demo amb un parell de temes.
Pots llegir les ressenyes dels directes clicant al nom dels grups: Introducció
The Drip Dry Man and The Beat Revolver. Foto: Magic Pop
Si Rajinder Kumar ja ens va captivar durant el Castanyasso 2013 amb el seu blues trash en format de duo, i en va deixar bocabadats amb la seva potent veu ronca ideal per interpretar cançons esgarrades i penetrants, durant la nit del 29 de novembre de 2014 a la Sala Zero de Tarragona, acompanyat de la inefable banda The Beat Revolver, va consolidar el seu enorme atractiu artístic mitjançant una espectacular posada d’escena i una entrega absoluta per fer gaudir un cop més, al públic tarragoní durant aquesta edició de 2014. Mentre va durar el concert, el Drip Dry Man no va parar quiet. Va baixar en diverses ocasions de l’escenari; es va prostrar davant dels seus músics, i va gesticular com si ben bé practiques màgia negra al bell mig d’una zona pantanosa. Tot el ronc constant de la seva veu, amb tons molt greus, va mantenir un nivell d’afinació i consistència certament memorable .
The Drip Dry Man and The Beat Revolver. Foto: Magic Pop
Però no tant sols vam tenir al davant de nosaltres a un cantant en estat de gràcia sino que també vam satisfer i molt els nostres sentits auditius gràcies a una extraordinària banda d’acompanyament capaç de sonar ben creïble ja fos tocant blues, “garatge”, psicodelia, R&B o hard rock. Un guitarrista genial, de nom Tomas Gons (tot i els problemes amb una corda trencada), més un baixista Luc Waegeman i un baterista,Peter De Bosschere, dignes del millor combinat instrumental de rock and roll, van fer les delícies dels presents amb solos àcids d’antología, riffs poderosos a les quatre cordes i sessions de percussió magistrals. Pel que fa al repertori, The Dryp Man armat del seu revòlver beat va centrar-se en repassar les cançons que formen part del seu Lp de debut; un àlbum que podrien considerar, fins i tot, de força eclèctic amb perles com “Ain’t got nothing to prove” , “Candy”, “Aint Nobody Home”, “Lucille”, “Roll On”, “I’m the Only One”, entre d’altres, per acabar amb el salvatge R&B “Dance” del seu single de 2013.
The Drip Dry Man and The Beat Revolver
The Drip Dry Man and The Beat Revolver. Foto: Magic Pop
Rajinder Kumar va nàixer a Birmingham l'any
1984. De pares panjabís, es va criar a un ghetto de Gal·les, y va descobrir el
blues tocant a una banda de kraut-rock, Brothers Gin. Per la seva núvia
espanyola es va traslladar a viure a Madrid després de passar per Lisboa. Va
treballar al món de la gastronomia i el seu següent lloc de residència fouAmsterdam on també es dedica a escriure
guions de còmics. Després d'una demo enregistrada amb el títol de “This is
Primitive” (2009), té editat amb el nom de The Drip Dry Man and His One Man un
Lp de títol homònim i un single amb dos temes titulats "Dance / End of the
Goddamn World Blues" editat pels holandesos The Electric Monkey House. Pel
que fa al seu projecte amb la banda Beat Revolver, acaba d’enregistrar el seu
primer Lp amb 10 temes titulat “Fuck and Forget”on ha comptat amb la col·laboració de músics com
Jean-Philippe De Gheest de The Mark
Lanegan Band a la batería;així com de Bart
Maris a la trompeta, trombó y tuba; el guitarrista holandés Tomas Gons, Luc
Waegeman al baix, més Peter De Bosschere a la batería, guitarra y piano, els dos també
arreglistes y productors. Es tracta de components de Wagonman, Needle & The
Pain Reaction, Swampmeat o Surfer Dude Gons. Com recordaràs, i si no pots entrar al a nostra ressenya aquí, l'any 2013 va actuar en solitari acompanyat del teclista Sven Karma a la presentació de la XII edició del Castanyasso.
Pots llegir les ressenyes dels directes clicant al nom dels grups: Introducció
El directe dels Pow Pow Pows la nit del 29 de novembre de 2014 fou el colofó perfecte per a tancar, de forma sublim, la XIII edició del Castanyasso mitjançant una exhibició instrumental digna dels millors mestres. Van perfilar un repertori e de cançons pròpies de power pop i psicodelia d’alt nivell amb un resultats dignes de passar a la història dels millors directes vist a la ciutat de Tarragona. Els pamplonesos, músics d’una experiència encomiable, van pujar a l’escenari de la sala Zero disposats a passar-s’ho bé i , com no, compartir la seua joia amb el públic que es debatia entre deixar-se anar i ballar, o observar les filigranes dels protagonistes.
El repertori estava composat, en la seva gran majoria, per les cançons del seu àlbum de debut com són les magnífiques “Fin de semana” amb que obriren, seguida de “Páralo”, “Fotogramas”, “Anna’s Suicide”, “Francisco de Goya (El corral de los locos)”, “La Tierra Olvidada”, “Muerte al asesino”, “Villanos” , “Seaparate Worlds”, i Sculptures, entre alguna que altre versió dels Kinks i del “A Million Miles Away” de The Plimsouls, dedicada a la memòria del tristament difunt David Teichenné dels Rippers. A destacar també que el Drip Dry Man es va afegir a la festa cantant amb els Pow Pow Pows al final de l’espectacle.
Pow Pow Pows. Foto: Magic Pop
Com a resum puc afegir que el seu concert va cobrir amb escreix les enormes expectatives posades per aquest que us escriu. D’antuvi, ja em van conquerir amb tot un memorable àlbum de debut, obra mestra al meu parer del pop lisèrgic a nivell internacional que destaca per les seves melodies, els combinats rítmics i uns jocs a vàries veus veritablement encisadors. En viu, el grup es va fer estimar i va deixar-nos, a tots plegats, amb la boca ben oberta per la intensitat de la seva interpretació. El millor del millor esdevingué quan culminaven les seves cançons amb considerables recorreguts instrumentals àcids on les dues guitarres encetaven diàlegs imaginatius que acabaren entre el públic, tirats pel terra, tancant la gran festa del “Castanyasso” amb una apoteosi grandiosa de so i autèntica actitud de rock and roll.
Pow Pow Pows
Pow Pow Pows. Foto: Magic Pop
La banda Pow Pow Pows es forma a Pamplona l’any 2012 i està actualment integrada per Adolfo Alcocer (guitarra i veu), Chechu Brainloster, (baix i veu), Xavi Garre (guitarra i veu), i Jon Echavarri (bateria y veu) qui va substituir a Aitor Omenal. El nom ve de "Prisoner Of War" (Pow) que se li va ocòrrer a Iñigo Cabezafuego, qui abans tocava amb ells. També surt a una cançó de Moby Grape.
Èxtasi final. Pow Pow Pows. Foto: Magic Pop
Adolfo Alcocer fou fundador, compositor i guitarrista dels Electric Riders, mítica banda psicodèlica formada l’any 1999 i activa durante 11 anys durant els que van treure quatre discos: “Get You Experience”; “Messengers”, “Music for a Family Gathering” i “The Trial”. Alcocer també formà part dels Royal Canal durant dos anys en els que va gravar un altre disc a més de ser el baixista i guitarrista de Bizardunak en els darrers dos anys amb un nou àlbum enregistrat. Chechu Brainloster va fundar els Mermaid amb els que va treure de 1997 a 2003 tres discos, un single i un 10”. Més tard formà part de Basque Country Pharaons amb els que edità un 10” i dels Green Manalishi amb els que també tragué un par de treballs discogràfics. En totes aquestes formacions fou el principal autor dels temes. El seu següent projecte fou en els mencionats Bizardunak amb els que va gravar un parell d’àlbums més un single, i finalment va estar a Cantina Bizarro, combo amb el que enregistrà un altre disc. Xabi Garre va començar a La Perrera l’any 1988 y tragué un parell de discos més un single. Seguí tocant amb Señor No i publicà cinc discos i vuit singles, i a Las Brujas. També colaborà, amb un disc i un single, amb Roy Loney dels Flaming Groovies així com amb Xabi Ta Petti. Jon Echávarri fou component de Green Manalishi amb els que va grabar dos discos. També ha col.laborat amb el grup Souvenir. Ls Pow Pow Pows tenen un disc enregistrat amb el títol de "Animales Fantásticos" del que pots llegir una àmplia ressenya del Magic Pop aquí.
Pots llegir les ressenyes dels directes clicant al nom dels grups: Introducció
Willie Frances Nero nació con el apellido Peak el 13 de marzo de 1943 en Asheville (Carolina del Norte) y su muerte fue anunciada por varias agencias el 29 de noviembre de 2014. Cantante de soul y jazz, fue la primera mujer solista contratada por la filial Soul de Motown en 1965 tras ganar un concurso de talentos. Por entonces ella estaba casada y tenía dos hijos. Su marido le dijo: “Nadie va a contratar a una mujer de 22 años con dos hijos” y ella le respondió: “Te vas a comer estas palabras”. Y ganó, consiguió el contrato pero solo sacó un single. A los tres años dejó la Motown. En los noventa triunfó en Inglaterra con el tema "Footsteps Following Me" para Motorcity. Creó su propio sello, Aja, y editó algunos temas más hasta la década de los dos mil.
Frances Nero
Frances asistió a la Stephens-Lee High School y empezó cantando en la radio local con dos grupos llamados The Tams (no los conocidos Tams de Atlanta ) con William "PO Bill" Mills, y The Untils, una banda de compañeros de clase formada por Stanley Baird, Bynum Griffin y Clifford Cotton, algunos de lso cuales siguieron sus carreres en las bandes de Chuck Jackson y James Brown.
En 1960 se casó con Johnny Nero y se trasladó a vivir a Detroit, Michigan. Estuvo a punto de unirse a The Marvelettes , pero volvió a Asheville por un tiempo antes de regresar a Detroit y centrarse en su vida familiar con dos hijos. Cantó jazz en clubes nocturnos , antes de participar en un concurso de talentos de la WCHB , radio en Detroit, patrocinado por Motown. Ganó el concurso en junio de 1965 entre 5000 concursantes que hicieron su propia versión del "Everybody Love a Lover" de The Shirelles. El premio fueron 500 dólares, una docena de rosas, y un contrato de grabación por un año. Fue la primera artista femenina que firmó con Doul, la filial de Motown. Su primer lanzamiento fue el tema "Keep On Lovin' Me", escrito por William Weatherspoon y James Dean, que en un principio estuvo destinada a las Marvelettes. Fue producida por William "Mickey" Stevenson, y editada por Soul a principios de 1966. En la cara B figura “Fight Fire with Fire”. No tuvo mucho éxito. Frances no realizó más grabaciones para Motown y dejó la compañía después de tres años.
Frances Nero
Tras Motown, Nero grabó con Raynoma Gordy y Gino Parks para Shrine Records. En 1968 grabó un duo Gino Parks y el tema "Lady In Waiting". En los setenta, cuidó de su madre hasta su muerte y asistió a la escuela de cosmetología. Trabajó en el mundo de la moda, entre otros negocios. En 1989, entró en contacto con Ian Levine, productor británico de soul y funk, y grabaron "Footsteps Following Me", escrito por Levine con Ivy Jo Hunter y Steven Wagner, con el que título un Lp. Fue su primera grabación en 23 años y el single llegó al puesto 17 de la lista inglesa en 1991. Siguió grabando y sacó el álbum “Out On The Floor” para el sello de Levine, Motorcity.
En los noventa creó su propio sello discográfico Aja Records, y sacó un single en 1996, "Love Ride". Después se publicó en los Estados Unidos un Cd recopilatorio con los temas grabados con Levine, y el título de “The Very Best of Frances Nero”. En 2006 salió un Dvd autobiográfico con el título de “Mountains, Motown & Motion Pictures” y en Aja editó un Cd con el título de “Frances Nero Salutes Dinah Washington”.
Documentos sonoros:
"Keep On Lovin' Me", tema que sacó a mediados de los sesenta con su único single para la Motown.
"Footsteps Following Me", canción con la que llegó al top 20 de las listas británicas a principios de los noventa.
Nacida en 1925 con el nombre de Mildred Sallier en Lake Charles, Luisiana, Mickey Champion falleció el 24 de noviembre de 2014 en los Ángeles. Excepcional cantante de blues y R&B es una de las máximas exponentes de la escena musical de los Ángeles. Empezó a grabar en los cincuenta, descubierta por Johnny Otis. En los sesenta dejó el mundo del espectáculo para cuidar a sus hijos. Volvería a los escenarios en los ochenta donde cautivó al público con una voz poderosa capaz de oírse perfectamente sin micrófono. A partir de los dos mil grabó un par de Lp’s y se recuperaron los temas de su primera época.
Mickey Champion
Siendo una niña, Mickey cantaba en la Iglesia cristiana metodista episcopal de Lake Charles donde su abuelo dirigía los oficios. Formó un trío vocal con el que cantó en la escuela y en una de sus actuaciones llamó la atención del director de orquesta, Louis Jordan, que queria contratarla para cantar en su banda itinerante pero la idea fue vetada por sus tíos con los que estaba por entonces viviendo. Tras graduarse en la escuela secundaria, se casó con Norman Champion. La pareja se mudó a los Ángeles donde empezaron a actuar por clubs con el nombre de Little Mickey Champion. El matrimonio no duró mucho. Su segundo marido fue Roy Milton con el que grabó para Modern, Dootone y King Records durante los cincuenta. Fue descubierta por Johnny Otis. Pese a tener una extraordinaria voz, no obtuvo ningún éxito considerable y decidió retirarse para criar a sus hijos las dos siguientes décadas al tiempo que trabajaba de cocinera en el distrito escolar de los Ángeles. Atrás quedaban colaboraciones con otros grandes como T-Bone Walker, Little Esther Phillips, Billie Holiday, Duke Ellington, Ray Charles, Jackie Wilson, entre otros. También cantó con los Nic-Nacs y los Robins.
Volvería a cantar profesionalmente en los ochenta y en el año 2000 grabó el álbum “I Am Your Living Legend!” y en 2003 “What your want” para Tondef records. Sus primeras grabaciones fueron reeditadas en una antología de 2008 a cargo de Ace UK con el título de “Bam a Lam: The R&B Recordings 1950-1962”. Champion y Milton estuvieron casados hasta la muerte de Roy en 1983. Paul Vic y Oletha Rogers realizaron un documental sobre su vida llamado “Champion Blues” en 2008.
Documentos sonoro:
"Bam-A-Lama", uno de los temas más conocidos de su repertorio de R&B de los cincuenta. En la cara B está "I'm A Woman" acompañada por la banda de Roy Milton. El single fue editado por Dootone en 1956.
Con los Nic Nacs cantando también en los cincuenta este "Gonna have a Merry Xmas".
Desprende el disco
titulado “Baby Hannah’s” del cantante, poeta y compositor Carletti Porta, una
impresionante proximidad emocional que me ha cautivado ya desde el
primer verso y acorde. Este músico albaceteño ha logrado, con este convincente álbum de debut, que me sienta plenamente
identificado con su equilibrio existencial explicado mediante palabras
cuidadosamente buscadas y arropadas por arreglos musicales cuyas combinaciones
melódicas y rítmicas generan reacciones tanto psíquicas como físicas únicas,
difíciles de describir. La
sencillez y el cariño son dos de las
características más singulares de este trabajo discográfico ciertamente impecable.
Desde el sensacional dibujo de la portada, la destreza instrumental de sus protagonistas,
hasta el sonido pasando por una edición a cargo de una las discográficas
estatales más meticulosas y entusiastas de nuestra escena como es Hurrah! Musica,las canciones de este álbum reflejan una experiencia personal que se
convierte en universal en el momento que
penetra en tu consciente para recorrer juntos un viaje existencial sin parangón
alguno.
Carletti Porta. Foto: Maria Azaña
Carletti Porta es Carlos
N. Porta, un músico albaceteño, que inicia en 2010 esta aventura, acompañado
por su compañera sentimental María, en la población irlandesa de Skibbereen donde en una taberna del lugar, de
la que toma el nombre el disco, hace
nuevas amistades como la del bajista Mike Collins, quien colaboró con el que
fuera bajista de Jimi Hendrix, Noel Redding, cuando éste residía en Bandon, Co.
Cork, Irlanda. Carletti se queda maravillado por su forma de tocar el bajo y le
propone grabar juntos estas canciones. Collins, quien acabaría por tocar en
siete de los ocho temas del álbum, le lleva al “Studio CPR” del ingeniero de
sonido Laurie Hedger, en Lough Hyne, Skibbereen, Co. Cork, Irlanda, e inician
el proceso de grabación, sin apenas ensayar, con la ayuda del propio Hedger a
la batería más Niall O’Driscoll al dobro. La música fluyó con excelentes resultados. Después, la pareja regresa a Albecete donde
Carletti contacta con Honky Tonky Sánchez y Sergio Jiménez quienes se hacen cargo de la
producción, más masterización, de las canciones,
excepto del tema “Del Viaje Astral los domingos” que corre a cargo de Quique
González. El proceso de dar forma al disco seguiría en el “El Desván”, de Carabanchel, Madrid, pasando por el hogar de José Manuel
Mora. Finalmente acaba en 2013, año en
que otra buena nueva sucede antes en la vida personal de Carlos y María: nace
su hijo Mario en primavera.
María Azaña con HT Sánchez
En este disco, Josué
Santos colabora aportando órgano Hammond, piano, y saxo soprano; Quique González Moncayo, puso guitarra eléctrica; Rosendo
Romero, armónica; Mariglo Sánchez,
trompeta; Honky Tonky Sánchez, coros; Kino Lucas, piano en “Sueños de
rock and roll”; y Dani Pinelas al bajo más Andrés Ortiz “el negro” a la batería,
ambos en “Del viaje astral los domingos”.
Su principal protagonista, Carlos N. Porta, autor de los temas, se
encargaría de cantar y tocar la guitarra acústica en todos los temas, más la
armónica en “Dios de la carretera”.
El diseño y maquetación
ha corrido a cargo de Micoco Graphics, con ese magnífico dibujo de María Azaña
en el que se puede apreciar un perro de apariencia famélica que husmea a su
particular llama, la que alumbra su vida al igual que el faro que destaca en la
contraportada. En su interior podemos leer mediante una hoja encartada las
inspiradas letras de las canciones. Cabe mencionar también que la edición a
cargo de Hurrah Musica contó con la colaboración del micro mecenazgo, así como que
el disco está dedicado a la memoria del médico albaceteño Samuel Andújar
Núñez fallecido en junio de 2013. Por último mencionar que Carletti tiene montada una banda paralela llamada Dos Caballos con Carlos "Honky Tonky" Sánchez.
Las canciones
Carletti, Antonio de Hurrah y HT Sánchez. Foto: María
El álbum empieza con el ruido
de las olas que se funden con la acústica y un riff de bajo fabuloso. De inmediato ceden protagonismo a la gran voz
de Carletti acompañada de piano y órgano para poco más tarde incorporarse, con
exactitud de metrónomo, la genial percusión. En “Paseo con una Sombra”, que así
se llama el tema, nos comenta cómo “fumando la última china, esperando a que
llegue mi amigo Piter Pan en su moto robada” consigue romper las reglas en el
mar de la eternidad, soñando hasta llegar a la boca de ella, “qué maravilla… es
un blues”. Un tema extraordinario con toques de guitarra eléctrica inmejorables,
incluida una trompeta muy sutil, y múltiples detalles de cualidad en los
arreglos instrumentales. “Dios de la Carretera” arranca con un diálogo entre
armónica y acústica que precede a una melodía tierna entre toques oscuros de
piano para contarnos la relación entre dos almas que se alejan con palabras no
dichas que alimentan la imaginación y besos no dados porque solo acompañan la soledad.
Un tema cargado de emotividad, con varios momentos solistas y atmosféricos a
cargo de piano, percusión cariñosa y un excelso estribillo central muy luminoso
con el que pide a ese dios de la carretera, si en él creyera, “que le lleve al
día en que la conocí y se apiade el destino de mi”. Un tema ciertamente sobrecogedor que nos traslada,
con su intimismo a flor de piel, al siguiente corte titulado “Cruce de Caminos”.
En esta canción se refiere a su amor por María, con la que se cruzó en el camino,
para compartir sonrisas, castillos que el mar se llevará, consciente de que siempre
hay un final. La composición destaca por su
baile de acústica dibujando instantes de folk fabulosos en los que se combina,
con enorme destreza, instrumentación generosa y versos sentidos. Al final acaba
creyendo en la salvación gracias a ella entre momentos celestiales de órgano y trompeta.
Carletti Porta
“Del Viaje
Astral los domingos” cierra la cara A y en este caso nos cuenta cómo ella necesita
“su ventana para contar las estrellas y las antenas”. Un lugar por el que vuele
su imaginación y pasar al otro lado del espejo. Una espacio por donde mirar
algo nuevo cada mañana. Al rememorar a su protagonista, sueños y realidad se
confunden aunque, tal y como remarca, “aunque viva perdido, nunca la olvidará”.
Con toques de blues cadencioso, la melodía va creciendo a medida que avanza con
prestancia y elegancia entre detalles convincentes de eléctrica y juegos
poéticos de enorme calado entre los se incluye, convenientemente citado, un
verso de Antonio Machado que dice “el diablo de mis sueños ríe con sus labios
rojos”. A destacar unos compases finales muy americanos con sensacional dobro
incluido.
“Perro Romántico” abre la
cara B. “La vida se me fue como un perro romántico tras una perra siguiendo sus
olorosas tarjetas de visita…rascándome “. La canción de Carletti completa unos versos de un
tema que cantaba su tío Alberto perteneciente a la obra de su amigo Carlos
Wilson a los que les dedica su creación así como a Juan Carlos “El Tirillas”. Musicalmente, aporta una sensibilidad extrema gracias
a unos perfectos toques de dobro, la voz grave de su autor, y la percusión muy bien
medida acompañando a una eléctrica y un soprano muy sensuales, entre teclados y
un bajo enormemente precisos y cariñosos,
más una juguetona armónica. Todos juntos crean momentos mágicos que ensanchan
el corazón hasta unos límites indescriptibles cuya serenidad nos lleva a
deleitarnos con el siguiente tema “ Sueño de Rock & Roll”. Otra canción con
enorme carga pasional en la que nos explica cómo se ve a sí mismo “sin construir
nada que el tiempo no destruya, viendo el tren pasar”. Entonces, el viejo loco que vive en su interior sueña con
rock and roll. En este caso utiliza un
verso extraído de un poema de su padre, Antonio Navarro quien escribe: “Que mis
caderas se fundan, se conviertan en martillos”. De nuevo, la acústica, el piano, el dobro, la percusión y su voz, caminan juntos dando pequeños
pero, a su vez, seguros pasos sonoros, tanto
melódica como rítmicamente perfectos con los que consiguen que emane un swing
extraordinario.
Carletti Porta en Dos Caballos
En “Buenas Noches, María”
vuelve a abrirnos su corazón refiriéndose a su compañera a la que canta: “si no
ves la salida, si la noche es callejón, sigue la luz de tu corazón… solo tuyo es
el horizonte que ves más allá”. Con emotiva sinceridad, Carletti se enfrenta
solo con su guitarra a sus sentimientos hacia ella y “si no son para ti, para
quien serán”. Culmina tan tremendo
trabajo compositivo y narrativo, otro buen solo de dobro. “Con Todas las Canciones que Nunca Escribo
(iré a las estaciones donde muero y vivo)” cierra tan emotivo disco “viendo
pasar los trenes y algún amigo, unos los pierdo y al otro le despido”. Sin rencor pero también sin olvido, culmina el
canto a sus vivencias personales sobre lo vivido mediante acordes de un blues rompedor, para bocas y pechos
secos. De este modo genera una atmósfera especial de arreglos arriesgados producto de una
complicidad muy sugerente entre todos los músicos que entablan una comunicación
impactante con el oyente.
Reflexión final
Carletti Porta. Foto: María
Cuando oigo “Baby
Hannah's” tengo la sensación de estar escuchando a un buen grupo de músicos cantando y tocando en casa de
algún conocido o amigo donde se celebra una fiesta más o menos improvisada que
al final, por obra y gracia de sus canciones y la compañía, resulta absolutamente
memorable.
Con ello me refiero a que se me antoja, desde el primer momento, un álbum
que desprende esa proximidad, que comentaba
al principio de esta reseña, mediante un aire sorprendente de frescura en las formas
al tiempo que emerge una calidez no menos asombrosa en sus contenidos. Esa percepción
implica también descubrirse a uno mismo o incluso a alguna amiga del alma, aunque no se
llame María, en cada una de las canciones permitiendo que la imaginación nos
lleve a creernos protagonistas de unas historias muy bien hilvanadas con la
destreza tanto poética como lírica de un excepcional Carletti Mora acompañado por
su certera banda.
Por otra parte, se
agradece que no contamine sus
sentimientos con ese desgarro intencionado en la voz al que otros cantautores recurren forzadamente para dárselas de canallas cuando en realidad, de esa actitud tan teatrera no tienen más que la pose. Sin duda, aprovecha los recursos graves de su poderosa dicción pero
lo hace sin aditivos ni conservantes que valgan; sin ansiar la fama del
supuesto maldito, ni repitiendo esquemas
de los conocidos crooners del lado oscuro de la vida. Sus canciones tampoco recurren a la rima fácil, y resultan únicas, tan fascinantes como reveladoras de ese posible tránsito astral en el que se confunde lo onírico con la realidad. Carletti nos habla del viaje de la vida mediante
la convicción de un buen músico que comparte su obra y sus experiencias con todos
aquellos perros románticos que, llegados a un cruce de caminos, soñamos con
rock and roll mientras el diablo ríe con sus labios rojos de nuestra tragedia.
Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp donde también podrás adquirir una copia del disco en vinilo más cd.
El guitarrista y cantante Agustín Briolini nació en Las Sierras, Córdoba, (Argentina) en 1991 y falleció en la también argentina Villa Carlos Paz, Córdoba, el 23 de noviembre de 2014 mientras estaba preparando el espectáculo de presentación de su disco de debut con su banda Krebs. El grupo estaba realizando la prueba de sonido para debutar a la noche en la Sala 1 del Teatro del Sol de esa localidad cuando al tocar el micrófono, Agustín cayó desplomado probablemente a raíz de una descarga eléctrica, según apuntan los medios informativos argentinos consultados.
Agustín Briolini
Con Diego Regali (baterista) y Gustavo Escobar (bajo y coros) formó en 2012 una de las bandas más populares en su provincia, con detalles de rock alternativo y post punk. El nombre del grupo procede de un grabado de 1968 de Salvador Dalí inspirado en el ciclo de Krebs (respiración celular). Colaboraron en varias ocasiones con Moyano, de los Iceberg, y actuaron en varios escenarios y festivales de la zona y Buenos Aires. Con el cineasta Luciano Juncos grabaron un par de videos musicales con sus temas “No me destruyas” y “Sube la temperatura”. Durante los últimos meses grabaron su primer disco en los estudios Audire, autoeditado con título homónimo y seis canciones que iban a presentar esa misma noche de 23 de noviembre de 2014.
El personal médico no pudo hacer nada para reanimarlo. El fiscal de instrucción que interviene en el caso, ordenó que se llevara a cabo una inspección técnica para esclarecer los lamentables hechos.
Documento sonoro:
Video dirigido por Luciano Juncos con uno de los temas de los Krebs, "Sube la temperatura".
Clive Palmer nació el 13 de mayo de 1943 en Edmonton, Londres, y falleció el 23 de noviembre de 2014 según anunció en las redes sociales su amigo y músico Wizz Jones. Banjista y compositor de folk de prestigio, formó parte de la banda de folk Incredible String Band hasta su primer disco tras el que se fue a la India y Afganistan. Cuando volvió no quiso formar parte del ya famoso dúo y creó varios proyectos como la Famous Jug Band, C.O.B., entre otras formaciones y discos en solitario.
Palmer se subió a un escenario la primera vez a los 8 años y a los 10 empezó a tomar clases de banjo. En 1957 tocaba en bandas de jazz en el Soho y con Wizz Jones tocó en las calles de París desde finales de los cincuenta y principios de los sesenta. En 1962 se trasladó a Edimburgo donde se asoció con el cantante y guitarrista Robin Williamson (nacido el 24 de noviembre de 1943 en Edimburgo) formando un dúo de mñusica tradicional y bluegrass.
Incredible String Band
Por entonces, Palmer ya estaba considerado todo un virtuoso del banjo. Dos años después se convirtieron en la Incredible String Band con un tercer miembro, Mike Heron (nacido el 12 de diciembre de 1942 en Glasgow). A principios de 1966, Palmer se convirtió en el director del "Clive's Incredible Folk Club" en Sauchiehall Street, Glasgow. Tras grabar el primer disco con el productor Joe Boyd, editado en 1966 por Elektra con título homónimo con canciones como “Maybe someday”, “How happy I am” o “Good as gone”, Palmer se fue a la India donde tocó en la televisión nacional y en Afganistán. A su vuelta, no quiso reunirse con el ya famoso dúo y grabó un disco de banjo llamado “Banjoland” que permaneció inédito hasta 2005. En 1968 se trasladó a Cornwall donde trabajó de profesor de carpintería con una gran actividad sindical. También creó la Famous Jug Band con la que editó los discos “Sunshine Possibilities” en 1969 y “ Chameleon” en 1970. Después creó las bandas The Stockroom Five y The Temple Creatures con los que no grabó nada conocido. Acto seguido dio vida a C.O.B. (Clive's Original Band), con John Bidwell y Mick Bennettcon con los que sacó dos discos “Spirit of Love” (1971) y “Moyshe McStiff and the Tartan Lancers of the Sacred Heart” (1972). En 1978 sacó un disco en solitario llamado “Just Me followed” con el sello alemán Autogram.
C.O.B.
Se trasladó a la Bretaña y en los noventa volvió a grabar música y se reunió con Williamson y Heron para salir de gira a finales de la década. Sacó un nuevo disco “All Roads Lead To Land” en 2004, y tocó en un dúo con Lawson Dando en 2007. Ese año volvió a Cornwall, donde formó equipo con Tim Wellard de Stockroom 5 y Temple Creatures para grabar el disco “The Land of No Return" editado por el sello de Lleida, Quadrant Records en 2008. Como la Clive Palmer Band, estuvo tocando de 2008 a 2011 y sacó dos albumes, “Along The Enchanted Way” y “Live at the Acorn” en 2011.
Clive Palmer
La Incredible String Band sacó su segundo disco en 1967, el psicodélico “The 5000 Spirits or the Layers of the Onion” al que siguió “The hangman’s beautiful daughter” (1968), experimentando con mitología celta y psicodelia, y el doble álbum “Wee Tam and The Big Huge” (1968) con las violinistasy novias, Rose Simpson y Licorice McKenzie. Le seguió un quinto LP, “Changing horses” (1969), en 1970, “I looked up” y al año siguiente “U” (1971) con el que se convirtieron en quinteto más Malcolm Le Maistre al bajo. Ese año sacaron el directo “Be glad for the song has no ending” y “Liquid acrobat as regards the air”. Después vinieron “No ruinous fed” (1973) y “Hard rope & silken twine” (1974), con Graham Forbes a la guitarra y Jack Ingram a la batería y Danny Thompson al bajo. Fueron sus últimos discos como grupo tras el que Heron y Williamson empezaron sus trabajos en solitario. En 2000 el trío original se reunió tocar aunque Robin Williamson lo dejó pronto. Sacaron un nuevo disco “Nebulous Nearnesses” (2004), reinterpretando temas de su trayectoria.
Documento sonoros:
Disco de debut de la Incredible String Band con Clive Palmer quien cantaba en algunos temas, tocaba el banjo, la guitarra y el Kazoo. Es autor de la canción "Empty Pocket Blues".
"Chain of Love", includia en el segundo disco de los C.O.B., “Moyshe McStiff and the Tartan Lancers of the Sacred Heart” (1972).
"Earl's Breakdown" de su disco de 2008, "The Land Of No Return".
Cuando sacamos los esqueletos del armario de nuestra vida con el propósito quizá de ser nosotros mismos, o cuando salimos de la neblina del pasado para ganar perspectiva, puede que nos encontremos de frente con demasiado oro que, más que iluminar nuestro camino, tan solo llegue a deslumbrarnos. Este pensamiento es, a nuestro modo de ver, una de tantas posibles y extraordinarias reflexiones existenciales que comparte con todos nosotros Oscar Avendaño mediante su nuevo disco editado por Folc records que ha contado con la ayuda del micro mecenazgo. Un imprescindible trabajo mediante el que este gran músico vigués se luce tanto a nivel compositivo, literario como instrumental, acompañado por una banda de lujo, unos auténticos Profesionales como su nombre indica y nunca mejor dicho. “Demasiado Oro”, que así se titula precisamente el álbum, incluye diez excelentes temas que nos arropan con melodías y contenidos líricos que tienen tanto de desesperanza como de vitalidad entusiasta; ambas reacciones se entrelazan con maestría con el objetivo de dar un paso más allá en nuestras vidas, de seguir luchando aunque se nos resistan los finales felices.
Trayectoria
Óscar Avendaño y los Profesionales. Foto: José Santomé
Oscar G. Avendaño es un prestigioso músico que ha formado parte de numerosos proyectos como Foggy Mental Breakdown, Brandell Mosca, Trem Fastasma o Los Casanovas, así como bajista desde 2001 de los legendarios Siniestro Total, formación para la que ha compuesto la música de varias canciones incluidas en el álbum “Country & Western” de 2010.
En solitario ha configurado durante todos estos años un
amplio repertorio de canciones propias que presentaría en un principio
acompañado de la banda madrileña Individuos formada por Agus Alonso,
Perdo Avilés y Alex Santos, que cuando tocaban con él pasaban a llamarse
Los Profesionales. Su primer disco en solitario lo graba con Ricardo
Moreno (Los Ronaldos, Mastretta, Vilma y los Señores), batería; Luís
García (Los Ronaldos), bajo; y Agus Alonso (Individuos, Matiné, Bobo)
guitarra eléctrica. Con título homónimo fue editado por Folc en 2012,
en vinilo de 10” con cd incorporado. Incluye seis canciones y la
colaboración de Yago Santos al piano y David Rial a la trompeta. Fue grabado una tarde de enero de 2009 en RecReady Estudios (Toledo) con Chema de la Cierva. Las voces y la armónica fueron regrabadas en Villa Angelina (Vigo) con Gonso Pedrido, encargado de la mezcla y la masterización. Por otra parte, Producciones Mutantes y Gero Costas realización un videoclip de una de las canciones incluidas, “Junto a mí”.
Óscar Avendaño y los Profesionales. Foto: José Santomé
Para la presentación de ese trabajo contó con la colaboración de nuevos Profesionales como son Mauro Comesaña (The Soul Jacket), a la batería, y de Xabier Viéitez (Foggy Mental Breakdown, Transilvanians) a los teclados, más Indy Tumbita (Pedrito Diablo y los Cadáveras, Los Villanos de Boraville, Thee Tumbitas) a la guitarra; y al bajo, Alberto Gregorio, (guitarrista de The Soul Jacket) que fue substituido por motivos laborales por Andrés Cunha (ex-batería de Los High Sierras). Otras de las formaciones habituales de Avendaño es Reposado, acompañado por Andrés Cunha a la batería y Mauro Comesaña al bajo. Con reposado grabaría un Ep en Cd y vinilo que se incluía como regalo para la campaña de mecenazgo de "Demasiado Oro". Contiene la canción "Don't think twice", versión de Bob Dylan, adelanto del próximo Lp de Reposado y que fue grabada en Guitar Town Recordings por Hendrik Röver quien también aportó guitarra, dobro, y steel. Sus artífices fueron Oscar Avendaño, a la voz, guitarra acústica y armónica; Mauro Comesaña a la batería y coros; Andrés Cunha al bajo y coros; más Álvaro Lamas como colaborador al pedal Steel en un tema. Tienen previsto acabar de grabar ese álbum a principios de diciembre de 2014 y verá la luz durante el año 2015. Otros temas que contiene ese Ep son “Canción para después de la tormenta” y “Como un Ñu”.
“Demasiado Oro” ha sido editado por Folc records con la colaboración de la Iguana Club. Fue grabado por Oscar Avendaño (voz y guitarra); Indy Tumbita (guitarra); Xabier Viéitez (teclados); Mauro Comesaña (batería y coros); y Andrés Cunha (bajo y coros). Contaron con las colaboraciones de Jorge Beltrán de Siniestro Total (saxo), David R. Rial (trompeta) y Fran Iguana (palmas y danzas). Se registró en Muu! Estudios de Vigo por Nando “Moure” Pali quien se encargó de producirlo y mezclarlo con la ayuda de la banda. Fue masterizado por Hector Quemada. El estupendo diseño gráfico, sobre un color blanco roto y varios elementos en azul grisáceo, corre a cargo de Tamara Roca. La magnífica ilustración de la portada con ese clavijero de guitarra, laureado por numerosos motivos como la concha, el girasol, o las hojas de vid, incluso con algún detalle que podría recordar a la Cruz de Santiago con esa espada central, es de Mauro Comesaña. Merece nuestra atención una significativa y apropiada brújula en la galleta del disco y por supuesto, las dos grandes fotos de sus protagonistas a cargo de José Santomé en la contraportada y Dani Conde en el encarte interior donde también se pueden leer las letras y los nombres de las personas que ayudaron a hacer posible la edición de este álbum. Cabe mencionar también que el primer videoclip con el tema "El suelo, otra vez" ha sido
realizado por Nexus Videoworks con dirección de Jose Aragunde. Por otra parte, hay que destacar que la edición en vinilo se ha agotado, al menos en su bandcamp, aunque quizá quede alguna que otra copia suelta por alguna tienda. Por supuesto aún puedes adquirir el Cd en "jewel box" con libreto de 8 páginas, aunque yo no me lo pensaría demasiado.
Las canciones
En Iguana Club. Foto: Guillermo Lamas
Las letras de las canciones de este disco son todas originales de Óscar Avendaño, autor también de la música conjuntamente con el resto de los Profesionales. El disco empieza como la canción “El suelo, otra vez” y ese ritmo cadencioso y sensual a la batería que contagia a unas guitarras poderosas de blues que permiten a su cantante principal que nos cante acompañado por un cariñoso piano. Todos juntos se compenetran para explicarnos cómo “tocar el suelo otra vez”. Abrimos el armario de los recuerdos, tras morir el monstruo que vivía en su interior y que nos impedía ser nosotros mismos. Es momento de airear los restos de nuestra experiencia aunque haya que limpiar los trapos sucios e incluso algunas cosas haya que tirarlas. Felices por siempre jamás, aterrizamos marcha atrás mientras se combinan las intervenciones estelares de estos grandiosos músicos más un crescendo final que pone los pelos de punta y desemboca en un solo antológico de guitarra. Le sigue “Poster central” en la que nos cuentan la devoción por la modelo de un anuncio de Cartier con la que el protagonista ya se había acostumbrado a dejar de intimar. Una canción con detalles de soul y guitarras ardientes con órgano envolvente. Elegante R&B con los que nos invitan al baile mientras disfrutamos de su prestancia instrumental y vocal con las que, sin duda, “tienen lo que hay que tener”.
Óscar Avendaño y los Profesionales. Foto: Gulliermo Lamas
“La primera en la frente” es el título del tercer corte del disco. Cuando estamos hartos de tocar fondo, con el corazón seco, nos debería empezar a sobrar tiempo para comprender que nuestros sueños no nos van a dar de comer. Ritmos de rock and roll contagiosos, punzantes riffs stonianos con Brian Jones, nos acompañan en nuestras vicisitudes desde la primera que “nos dio en la frente hasta todas las otras que arruinaron nuestra salud”. Tambaleándose hacia el amplificador, se añaden espléndidos momentos de saxo que contribuyen a engrandecer un tema que arrasa; una maravilla sonora con dosis de ironía. Con “La pecera”, nombre de la siguiente canción, la acústica envuelve a una armónica creando el preámbulo ideal para el tono de confesión con el que nos explica la pequeña historia de aquel que vive en su pecera viendo a las personas pasar hasta que un día alguien se fija en él. Entonces, surge ese miedo a salir de ese habitáculo por si no sabemos adaptarnos al mundo real que nos envuelve. En realidad, el problema es que ya no creemos “en las perdices del final”. Cambios sugerentes de acordes buscando varias melodías que se compenetran logran crear un ambiente cariñoso, un tanto agridulce pero sorprendentemente confortable. Con “Siéntate y mira” se cierra la cara A de este sublime disco. Un tema en el que uno se siente perdido, cansado y sin salud, recordando y sin saber donde ir. Surge la necesidad de sentarse y mirar de encontrar un sentido a la vida. Musicalmente, es una canción redonda, muy bailable, que logra crear un entusiasmo fantástico con otro excelente solo de guitarra.
Óscar Avendaño y los Profesionales.Foto: Travis Bickle
“Los Fortunas” es un excelente instrumental que inicia la cara B con lo mejor del surf and roll. Cabe destacar que se trata de un homenaje al músico vigués Alex Lago fallecido en 2013 (+ info), miembro de los Blows que también militó en Los Fortunas. La canción está interpretada con una extraordinaria guitarra compenetrada al mínimo detalle con un brillante órgano y cálida trompeta, creciendo juntos con elegancia mientras bajo y batería marcan el paso de forma y segura e imperturbable. Diferentes momentos solistas convierten a este tema en algo muy especial, difícil de olvidar, que nos lleva a la distorsión inicial de “El viento”, tema con momentos ácidos memorables, guitarras lisérgicas y ritmos geniales con los que dan paso a la siempre conmovedora voz principal. En este caso, llega el invierno, pisando cenizas de esos fuegos que creemos apagados. Tras dar saltos sin red, creemos que ha llegado el momento de lamer la herida, todo se oscurece y el viento empieza a soplar. Otra canción con un grandioso trabajo lirico con momentos estelares como “He reflotado barcos que se hundían para verlos hundirse otra vez”.
Óscar Avendaño y los Profesionales.Foto: Travis Bickle
En “Las ruínas”, el protagonista mira el mundo con perspectiva tras salir de la neblina aunque eso implique “perderte a ti”. Atrás queda esa persona especial, las ruinas de lo que construyó. Una canción sobria, calmada, extraordinaria, con una carga emocional impresionante gracias a una expresividad inaudita en la voz principal arropada por una instrumentación fabulosa de guitarra y órgano, con un solo verdaderamente inmejorable a las seis cuerdas. Incluso en momentos menos trascendentales como el tema que le sigue, “Perdí mis gafas de sol”, en el que temáticamente hay poco más que una sola frase, la banda se muestra especialmente inspirada hasta el punto de convertir esa pérdida que resulta no tan irrelevante, en algo mágico y enérgico. Finaliza el disco con la sublime “Todas las canciones” un colofón temático ideal donde nos hablan de esas promesas de triunfo, de los finales felices, de cómo el amor va directos al colector… Sin embargo, la fatalidad no va a acabar con nuestras vidas porque seguimos cantando y nos dejamos querer. Fantástica forma de cerrar este enorme trabajo con filigranas lisérgicas aflamencadas entre pedales trianeros y arabescos mediante los que dan paso al enternecedor momento de acústica y contribuciones coquetas de eléctrica. Una canción que va ganando protagonistas y que se convierte en un, dos, tres… un himno a la supervivencia entre todas las promesas que nos hicieron y que nos dijeron sobre la felicidad.
Reflexión final
Óscar Avendaño y los Profesionales. Foto: Guillermo Lamas.
Si en su primer disco, Oscar Avendaño y los Profesionales daban muestras inequívocas de un buen trabajo creativo, conjuntado y ciertamente destacable, en este segundo álbum han perfilado sus parámetros iniciales, en todos y cada uno de los aspectos posibles, tanto líricos como sonoros, para confirmar un micro universo propio en el que se nos muestran más pletóricos e incisivos que nunca. No debería extrañarnos que un segundo trabajo discográfico resulte mejor que el primero, aunque eso pareciese a priori imposible. Creo que ese propósito de superación es esencial para todo artista que se precie; ahora bien, en el caso de este “Demasiado Oro”, no solo se consigue una mejoría genérica altamente enriquecedora sino que incluso se permiten el lujo de pulir sus convincentes canciones mediante múltiples detalles que sorprenden tanto dentro de nuestra escena estatal como en el ámbito internacional. Su nuevo disco es claramente empático con aquellos a los que la vida les ha dado tantas razones para luchar como para lamentarse de su destino. Frente a las promesas de triunfo que no llega, ni quizá llegará, ante ese “demasiado oro” con el que nos deslumbra la vida, nada mejor que seguir cantando, brindar sin sed y dejamos querer celebrando nuestro porvenir tal y como nos recomiendan en este fantástico álbum, a mi juicio, absolutamente imprescindible.
Nota: Las fotos en directo corresponden a la presentación del disco en la Iguana Club de Vigo el 27 de junio de 2014. Pudes oír los temas en el bandcamp donde también se puede adquirir el Cd.
Primer videoclip de "Demasiado Oro" con el tema "El suelo, otra vez" realizado por Nexus Videoworks con dirección de Jose Aragunde.
