José Menese Scott nació en La Puebla de Cazalla, Sevilla,
1942 donde falleció el 29 de julio de 2016. Considerado uno de los mejores cantaores
payos de la historia del flamenco, heredero de Antonio Mairena y a la altura
del Lebrijano, fue capaz de definir su
propio estilo inconfundible siempre desde la ortodoxia, ajeno a las fusión del
cante jondo con otros estilos. Destacó también por su ideología progresista, siempre
incómoda para el régimen franquista, en especial por las letras críticas de
gran contenido social que cantaba, escritas en su mayorñia por su paisano y pintor,
Francisco Moreno Galván.
José creció en La Puebla de Cazalla, donde su padre trabajaba
de zapatero. Con ocho años ya actuaba en la zapatería de su padre, Empezó a cantar como
aficionado por los bares y en 1959, Antonio Mairena le presentaba en su debut
en el Cine Carretería de Osuna. Ya en
los sesenta se dio a conocer en Madrid acompañado del pintor Francisco Moreno Galván, también de La
Puebla de Cazalla, quien escribió gran parte de las letras de sus canciones. Después
pasó a formar del elenco de flamencos del tablao Zambra de 1963 a 1968.
Jose Menese
Menese fue un cantaor incómodo para el régimen franquista.
Sus canciones tienen un gran contenido social. Fue el primer flamenco en llevar el cante a grandes
escenarios como el Teatro Olympia de París en los años 1973 y 1974, o al
Auditorio Nacional de Música de Madrid en 1991. Durante su carrera recibió
múltiples premios y galardones empezando
en 1965 por el Premio de Honor
"Tomás el Nitri" del Concurso de Cante Flamenco de Córdoba, hasta
numerosos galardones como el Premio Nacional del Disco de la Cátedra de
Flamencología y Estudios Folklóricos Andaluces de Jerez de la Frontera, entre
otros. Ha grabado más de una treintena
de discos acompañado por los guitarristas Melchor de Marchena, Enrique de Melchor, Manolo Brenes, Juan Carmona Habichuela, Carlos Habichuela,
Pepe habichuela, Antonio Carrión, entre otros. Su última grabación se titula "A mis soledades voy, de mis soledades vengo" (2005).
José Menese
Menese ha fallecido pocas semanas antes de que la localidad
sevillana de Mairena del Alcor le dedicara el Festival de Cante Grande Antonio
Mairena, que se celebrará en septiembre y que este año se había ideado como homenaje
a su gran carrera del cantaor. También estaba previsto recibir un homenaje en el mes de agosto
en el Festival Flamenco de la localidad jiennense de Alcalá la Real.
Documento sonoro;
José Menese al cante y Enrique de Melchor al toque en este Soleá.
Allan Curtis Barnes nació enDetroit, Michigan, el 21 de septiembre de 1949 donde falleció el 26 de julio
de 2016. Saxofonista, clarinetista y flautista más compositor de jazz formó
parte de la banda de jazz funk, Blackbyrds de Donald Byrd. También dirigió un
combo propio, colaboró con muchos músicos de varios estilos, y estuvo involucrado
en diversos proyectos artísticos de su ciudad.
Portada
Barnes recibió formación musical en el seno de su familia, y
en 1967 se alistó en el Ejército de los Estados Unidos, en la Escuela Naval de
Música. Después fue enviado a la 4ª División de Banda del Ejército en Vietnam. Tras
licenciarse volvió a Detroit y fue descubierto por el legendario trompetista Donald
Byrd quien insistió en que Barnes se sumara a la banda universitaria, The Blackbyrds. Barnes tocó con ellos por todo el
mundo grabando su primer disco que resultó ser de oro en el que figuraban dos
canciones de Barnes, “Summer Love” and “The Blackbirds Theme”. En el segundo álbum, “Flying Start”,
se puede oír el hit “Walking in Rhythm”,
con Barnes tocando la flauta.
The Blackbyrds
A principios de los setenta, Byrd colabora con los hermanos
Larry y Fonce Mizell, y sale el disco "Black Byrd" (1972), en el que
el jazz se fusiona con el R&B, el soul y el funk.El disco fue injustamente menospreciado por
los puristas de la época y, sin embargo, se convirtió en el más vendido de la
historia de Blue Note. A continuación
Byrd forma The Blackbyrds con alumnos de
la Universidad de Howard, en Washington, donde impartía clases y dirigía el departamento
de black music. En ese grupo se encontraban Kevin Toney (teclados), Keith
Killgo (voces y batería), Joe Hall (bajo), Allan Barnes (saxo, flauta y
clarinete) y Barney Perry (guitarra). The Blackbyrds firmaron con el sello "Fantasy
Records", y su música aunó diversas influencias de jazz, funk, soul,
afrobeat, y música Disco. La banda
estuvo activa hasta los ochenta y volvió reformada en 2012.
Allan Barnes
Barnes creó su propia banda, Allan Barnes and Primetime. Ha tocado y grabado con múltiples músicos
como Gil Scott-Heron, Lyman Woodard David II, Fred Wesley, Nina Simone, Lee
Oscar, Pini Cohen, Bennie Maupin, Siggy Dillard, Delbert Taylor, Robert
Guillaume, Wilson Pickett, Christian DiMaggio, Lakeside, Ceri Lucas, Prince,
the Mizell Brothers, Marcus Belgrave, Harold McKinney, Bootsie Collins, the
Detroit Experiment, Regina Carter, Geri Allen, the Dramatics, the Interzone
Orchestra, Reggie Braxton, Sandy Patton, Dwight Adams, Sunny Wilkinson, Sunny
Girl, Martha Reeves, Mary Wilson, Teddy Harris, Roy Brooks, Big John Patton,
Milt Hinton, Grant Green, Pharoah Sanders, Sonny Rollins y Billy Taylor.
Allan Barnes
Durante su carrera Barnes escribió con John Malone el tema "Disco
Dancing”, incluido en el primer álbum de A Taste of Honey en 1978. Con R. Kelly co-escribió el sencillo “Money
Makes the World Go Round”. También compuso música para películas,
publicidad, entre otras actividades.
Por otra parte escribió la pieza de jazz clásico “Until We
Meet Again”, llevó la banda Giant Steps, con Cliff Monear, Marion Hayden, Rayse
Biggs, Sunny Wilkinson, y Gayelynn McKinney. También colaboró en el combo The
Detroit Experiment así como con muchos artistas de Detroit, entre ellos varios
proyectos de hip-hop como la banda de fusión con el funk, Gorilla Funk Mob, desde
2007, o en el “Rebirth of Detroit” (2012), donde se incluyen temas producidos por
el productor J Dilla. En 2015 saliño un disco de house bajo el nombre de The Sunlight Project featuring Allan Barnes y el título de The Klan Revisited.
Documento sonoro:
Segundo disco de los Blackbyrds, "The Flying Star" (1974).
El cantante, guitarrista y compositor de los Nektar, Roye Terrence Albrighton nació el 6 de febrero de 1949 y falleció el 26 de julio de, 2016, en Poole, Dorset, (Inglaterra) a los 67 años, tras una larga enfermedad, según
ha confirmado su ex compañero de banda, Derek 'Mo' Moore. Cofundó este grupo de rock progresivo en Alemania en el año 1969 y les dejo en 1977 para volver en 2000 con nueva formación hasta la
actualidad. Antes de los Nektar estuvo en los grupos psicodélicos británicos The Peeps y Rainbows. Albrighton había acabado recientemente
la biografía oficial de la banda, que se publicará a través de Cleopatra Records
a finales de este año.
Rainbows, en 1967
Roye había
formado parte de grupos psicodélicos como The Peeps con los que sacó algunos
singles en 1965 con temas como “Now Is The Time/Got Plenty Of Love” y “What Can I Say?/Don't Talk About Love”; en
1966, “Gotta Get A Move On/I Told You Before”más “Tra La La / Loser Wins”; y en 1967, “I Can Make The Rain Fall
Up/It's All Over Now” como Martin Cure
And The Peeps.Después formó parte de
los Rainbows quienes en 1969 sacaron un
sencillo con el tema “Rainbows/ Nobody But You released”, más “New Day Dawning
/ Days And Nights”.
Nektar en los setenta
Nektar se formó en 1969 en Hamburgo, Alemania, por músicos británicos que se conocieron tocando en grupos de rock and roll para los soldados americanos: Roye Albrighton a la guitarra y voces, Allan
"Taff" Freeman a los teclados, Derek "Mo" Moore al bajo,
Ron Howden a la batería, y Mick Brockett encargado de la luminotecnia, efectos
especiales y demás. Los primeros álbumes
del grupo levaron por título “Journey to the Centre of the Eye”, ( 1971), y “A
Tab in the Ocean” (1972), el primero en ser editado en los Estados Unidos. Le siguieron “Sounds Like This” (1973), “Remember
the Future (1973)” con el que consiguieron una mayor repercusión.
Nektar más recientemente
Después vino “Down to Earth” (1974), otro
álbum conceptual en el que figura la canción "Astral Man" con la que
entraron en listas. El siguiente disco “Recycled“
(1975) tuvo muy buena acogida entre la crítica. Antes de que la banda grabara
con Polydor el siguiente álbum “Magic Is a Child” (1977), Roye Albrighton dejaría
la formación y fue substituido por Dave Nelson. A partir de aquí el sonido de la banda cambia,
se vuelve más pop, y siguen sacando otros trabajos principalmente en directo. Tras
el disco “Man in the Moon “ (1980) en el que participó Roye se separaron. A finales de los setenta Roy formó un
supergrupo llamado Snowball con miembros de Curt Cress Clan grabando su primer
disco “Defroster” (1978). Ya en los noventa grabó discos a su nombre como “The Follies Of Rupert Treacle” (2002).
Roy Albrighton
Los Nektar volverían en los dos mil tocando en el Nearfest,
festival de progresivo en Bethlehem , Pennsylvania , con el teclista Larry Fast,
y grabando un nuevo disco llamado “The Prodigal Sound” (2001) con Ray Hardwick a
la percusión, Roye Albrighton a la voz y
guitarras, y James Allan Freeman a los
teclados.En 2004 sale “Evolution”y en 2008 “Book of Days”. Desde mediados de 2007 Roy actuaba con un
proyecto en solitario. Ya en 2012 empezaron a grabar un nuevo disco “Time
Machine” que salió en 2013, con el bajista Billy Sherwood, Ron Howden a la batería, Roye Albrighton a la
guitarra y voz, y Klaus Henatsch a los teclados.
Documento sonoro:
The Peeps y "Got Plenty Of Love" (1965).
Martin Cure
And The Peeps y "It's All Over Now" (1967)
Entre 1966 y 1969, Tony Hazzard compuso algunos de los mejores temas de la historia del pop inglés. Bonitas y memorables canciones que consiguieron un más que notable éxito interpretadas por combos y artistas conocidos como los Hollies, Manfred Mann, Herman’s Hermits, Tremeloes, Cliff Richard o Lulu. Fue a Gerry Bron, mánager y productor, a quien se le ocurrió la idea de recopilar esas demos cantadas por su propio autor y convenció a la CBS para que se editaran en un mismo Lp. De este modo, en 1969 salió el álbum “Tony Hazzard sings Tony hazzard”. Un disco sin desperdicio alguno en el que se pueden oír una docena de sus geniales creaciones, con sutiles retoques con respecto a las conocidas versiones, en las que se pone de manifiesto no solo el gran talento compositivo de Hazzard sino también su magnífica capacidad como cantante. De forma incomprensible, al menos artísticamente, ese disco no obtuvo en su momento la merecida repercusión. Ya en los dos mil, volvió al mercado discográfico en formato Cd en Inglaterra, y hemos tenido que esperar nada menos que 47 años para que se reeditara en las mejores condiciones, en vinilo, a cargo de la imprescindible discográfica You are the Cosmos.
Trayectoria
Tony Hazzard, en los sesenta
Anthony "Tony" Hazzard nació el 31 de octubre de 1943, en Liverpool, Inglaterra. Aprendió a tocar la guitarra de muy joven. Creó algunos grupos, antes de que emergiera la famosa escena beat de Liverpool, y dejó aparcados los proyectos cuando comenzó sus estudios en 1962. Su brillante carrera musical como cantante y compositor no se inició hasta que terminó su educación en la Universidad de Durham donde siguió tocando en grups amateurs y decidió dedicarse a la música.
Con el apoyo de Tony Garnett de la BBC, Hazzard se trasladó a Londres, donde firmó un contrato con Gerry Bron. El británico Gerald Lincoln "Gerry" Bron (1933-2012) fue un mánager y productor de grupos como Manfred Mann, o Richard Barnes, que creó la discográfica Bronze en 1971. A mediados de los sesenta se pudo ver a Tony actuando en shows televisivos como “Ready Steady Go” o “Thank Your Lucky Stars”. En 1966 grabó para Columbia un sencillo con el tema “You'll Never Put Shackles On Me” y su primer éxito le llegó ese año con la canción “You Won't Be Leaving” interpretada por los Herman’s Hermits. En 1967 Manfred Mann sacaron sus temas "Ha! Ha! Said the Clown" y en 1968, "Fox on the Run". En 1967 los Hollies triunfaron con otra canción suya "Listen to Me".
Su canción "The Sound of the Candyman's Trumpet" fue grabada por Cliff Richard y quedó en cuarto lugar en la preselección “A song for Europe” que decidió el tema que el Reino Unido presentaría al festival de Eurovision de 1968 y que resultó ser “Congratulations”. El tema versa sobre un flautista mágico, o quizá un vendedor ambulante de drogas si lo traducimos en argot, y fue compuesta después de un viaje de ácido. Grabaron temas suyos, la mayoría incluidos en este disco que te presentamos: Family Dogg y su “Brown Eyed Girl” (1968), Lulu y "Me, The Peaceful Heart" (1968), The Yardbirds y "Goodnight Sweet Josephine" (1968), The Tremeloes y "Hello World" (1969), The Casuals y “Hello It's Me” (1969), The Swinging Blue Jeans como The Bluejeans y “Hey Mrs Housewife” (1969), Simon Dupree and the Big Sound y "The Eagle flys tonight" (1969), Cherry Smash y “Fade Away Maureen” (1969), Gene Pitney y "Maria Elena" (1969), Richard Barnes y "Take to the Mountains" (1970), o Peter Noone y "(I Think I'm Over) Getting Over You" (1973), entre otros como Andy Williams.
Contraportada Hazzard sings Hazzard
“Tony Hazzard sings Tony Hazzard” contó con la colaboración de una banda formada por Colin Wood, al piano, órgano, flauta; Tom Allon al vibráfono; Tat Meager a la percusión, Davy Clague al bajo; Tony Hicks a la guitarra, y Steve y Duncan a los kazoos, más las armonías vocales de Richard Barnes. Tony canta y toca la guitarra de doce cuerdas. Los arreglos y la producción son suyos para Hit Recrods producions Limited. El discose grabó entre noviembre de 1968 y febrero de 1969 en el regent Studio A con los ingenieros de sonido Adrian Ibbetson y Tom Allom. En la portada figura un primer plano de la cara de Tony y en la contraportada se pueden ver algunas fotos de su autor más una pequeña pero ilustrativa descripción de cada tema.
Portada del disco de 1973
Pese a estar repleto de canciones memorables, no obtuvo el éxito que bien merecía. Hazzard consiguió más repercusión como intérprete con el siguiente, “Loudwater House” (1971 Bronze. Island Records). También grabó coros en los discos de Elton John, "Tumbleweed Connection” (1970) y “Honky Château” (1972). Su tercer disco “Was That Alright Then?” (Bronze 1973), también se vendió poco. Con Richard Barnes sacó un álbum para Warner Bross en 1976. Llegados los ochenta se retiró poco convencido de que fueran buenos tiempos para su lírica aunque siguió componiendo música para obras de teatro, y en 2011 vio la luz el álbum “Song from the Lynher”. Hazzard vive en Cornwall y continúa componiendo e interpretando sus canciones como las incluidas en su más reciente trabajo de 2016, "The Hallicombe Sessions", grabado con el norteamericano
asentado en Donosti, Matt Harding.
Las canciones
Tony Hazzard con 24 años.
El disco se abre “Listen To Me”, una exquisitez que pone los pelos como escarpias con esa melodía encantadora y ese ritmo ideado para que mover el cuerpo al son de riffs luminosos. Juegos corales y armónicos arropan la gran voz de Tony que siguen destacando en el siguiente corte. “Brown Eyed Girl” es una canción coqueta, con flauta incluida, que se expande en el estribillo como un arco iris. Le sigue “Me, The Peaceful Heart”, corte de arreglos envolventes de folk pop que deambulan agiles con una percepción rítmica fascinante con momentos de percusión selvática. Hazzard sigue deslumbrándonos con su entrega vocal y esa fascinante forma de instrumentalizar melodías cariñosas. A continuación nos ofrece su lisérgico “The Sound Of The Candyman's Trumpet“ con ese trenzado de arreglos grandiosos, momentos de brillante trompeta incluidos, y un recitado que resulta solemne apoyado por coros con los que se consigue un efecto conmovedor que crece en la inmensidad sonora que genera el tema. “Hello It's Me” es una llamada a nuestra capacidad de apreciar las buenas canciones de pop construidas con esa genial sencillez que no resulta tan fácil como aparenta. Momentos sonoros que ensalzan el ánimo procurados por grandes compositores como Hazzard quien, insisto, sigue deslumbrándonos con su forma de cantar. Acaba la cara A con “Fox On The Run”, tema más calmado en el que confluyen el talento de Hazzard, su admiración por los Manfred Mann, y esa naturalidad para dar vida a momentos instrumentales, coros, estribillos, y aportaciones de flauta extraordinariamente bien combinadas.
Richard Barnes y Tony Hazzard
La cara B arranca con “Hello World”, corte de melodía conmovedora, con cambio rítmico más pausado para destacar el psicodélico estribillo. Después Recupera el pulso con la gracia y el encanto propio de Tony, con momentos de percepción clásica a cargo de los teclados más voces estratosféricas. Le sigue “Goodnight Sweet Josephine”, canción saltarina con lejanos pero perceptibles aires medievales. De nuevo, otro estribillo memorable con una segunda voz de eléctrica digna a tener en cuenta por inhabitual más un hábil momento solista de órgano. Llegamos a su soberbio “Ha! Ha! Said The Clown”, una de mis favoritas, con esa carga de dramatismo y ese recorrido rítmico tan espectacular que explota en el estribillo arropado por una solemne aportación de teclados, entre otros efectos instrumentales. Continua el disco con “Hey Mrs. Housewife”, tema de esplendor beat con detalles de órgano, efectos circenses, dedicado a las amas de casa. Ya en los últimos surcos disfrutamos con “You Won't Be Leaving”, canción que versa su época universitaria, con una perseverante gracia que atrapa del primero al último compás. Finaliza el disco con “Fade Away Maureen”, en la que trata de la falta de comunicación entre madre e hija. La última de las maravillas sonoras incluidas en este álbum con la que se me ocurren un buen puñado de adaptaciones con arreglos ácidos que conseguirían metamorfosear este gran tema en una andanada de popsike impresionante.
Reflexión final
Tony Hazzard recientmente
En el texto de contraportada del disco, Mickie Most dice sobre las canciones de Hazzard: “I have never heard a bad one”. El famoso productor inglés le pidió en 1968 que compusiera un éxito para Lulu y cuando oyó la canción que le propuso Hazzard, "Me, The Peaceful Heart", dijo que era sencillamente perfecta. Como en ese caso, gran parte de los grupos que interpretaron sus temas se quedaron maravillados con el trabajo de Tony como por ejemplo Graham Nash y su último hit con los Hollies, “Listen To Me”, aunque también se realizaron versiones que cambiaron notablemente el original como los Yardbirds y su visión de "Goodnight Sweet Josephine", entre otras que resultaban sorprendentes para el propio Tony como el tema “The Sound Of The Candyman's Trumpet“ que casi llega a Eurovisión siendo como era una canción “triposa”. Por todo ello, y por mucho más no cabe duda alguna de que Hazzard es uno de los grandes compositores de pop principalmente de los sesenta, y esa evidencia no debe hacernos pensar que era peor cantante. En este sentido resulta chocante leer en algunas de las reseñas consultadas sobre su trayectoria, que a Tony Hazzard se le daba mejor la composición que la interpretación, y no es cierto. Lo único que se le daba mal a Tony fue la promoción, como él mismo reconoce en alguna entrevista. Por lo demás, estamos frente a uno de los grandes compositores y cantantes, aún en activo, cuya obra ha pasado a los anales de lo mejor del pop británico, por ende, internacional, del que no nos cansaremos de disfrutar sus inolvidables canciones gracias a esta magnífica y acertada reedición en vinilo a cargo del sello zaragozano You are the Cosmos.
Nota: Puedes adquirir una copia del disco en la web de You are the Cosmos
Keith Gemmell nació en
Hackney (Londres) el 15 de febrero de 1948 y falleció a consecuencia del cáncer
el 24 de julio de 2016. Saxofonista, clarinetista, y flautista fue miembro de
la banda de art rock y rock progresivo, Audience de 1969 a 1972, y después desde
2004 hasta la actualidad. Antes, entre 1965 y 1966, había tocado en el grupo de R&B y garage,
The Noblemen y el combo de soul, The Lloyd Alexander Blues Band. También fue
arreglista y compositor publicando tratados sobre música digital, estuvo en los
Sammy, Stackridge, la Pasadena Roof Orchestra, y sacó también discos a su nombre.
The Noblemen, segundo por la derecha
A los 13 años empezó a tocar la flauta de la que pasó al clarinete
y luego al saxo tras oír a bandas como Georgie Fame and the Blue Flames, Sounds
Incorporated y The Mar-Keys. A los 17 años se convirtió en profesional tocando
con The Noblemen, banda de R&B y garage formada con Chuck Fryers, Mick
Ketley, Bryan Stevens, Bernie Smith, y Jem Field, desde agosto de 1965 a mayo
de 1966. Tocó con ellos en una gira por Europa y a la vuelta se enroló con la
banda de soul de Hackney, The Lloyd Alexander Blues Band. Con el tiempo se
convirtieron en los Audience, grupo de art rock y progresivo.
Audience
Los Audience se formaron en 1969 con saxo, clarinet y
flauta, guitarra acústica, batería y bajo sin guitarra eléctrica solista. Los
solos los realizaba Gemmell con varios efectos de eco y wah wah. La primera formación contaba con Howard Werth,
guitarra acústica y voz, el difunto Keith Gemmell, Trevor Williams al bajo y Tony Connor a la batería. Grabaron los discos “Audience” (1969), “Friend's
Friend's Friend” (1970), “The House on the Hill” (1971), y “Lunch” (1972). Gemmell dejó el grupo ese año y al poco
se separaron.
Sammy
Tras
Audience, Gemmell se unió a Mick Underwood, Geoff Sharkey, Paul Simmons y Mick
Hodgkinson para formar Sammy. Sacaron un único disco producido por Ian
Gillan (Deep Purple). Después se unió a la banda de Roy Young y con el trompetista
de Georgie Fame, Eddie Thornton,
grabaron unas sesiones de reggae con Rico Rodriguez. Pasó por los Stackridge a
mediados de los setenta y grabó con ellos los discos “Extravaganza” y “Mr. Mick”.
Durante los ochenta se dedicó a estudiar clarinete, tocó con
la Pasadena Roof Orchestra de 1983 a 1997, y escribió muchos arreglos. Tras esa
época se volcó en la confección de tratados sobre la tecnología en la música,
en especial sobre el Cubase, una serie de aplicaciones informáticas para editar
audio digital, MIDI y un secuenciador de música. Volvió a formar parte de los
Audience a su vuelta en 2004 con Howard Werth, y Trevor Williams más John
Fisher. Durante ese periodo Gemmell sacó dos discos en solitario “The Windhover”,
inspirado en un poema de Gerard Manley Hopkins, y “Unsafe Sax”, un tributo a
las raíces sixties del soul. John Fisher murió de cáncer el 27 de septiembre de
2008, y fue substituido por el baterista
Simon Jeffrey. Por su parte Williams forma parte también de los Blue Pulse.
Documentos sonoros:
"Heaven was a island", del primer disco de los Audience de 1969.
Samuel C. “Sandy” Pearlman
nació el 8 de agosto de 1943 en
Rockaway, Nueva York, y falleció el 26 de julio de 2016 en Marin County, California.
Productor musical, letrista, periodista de rock, escritor, poeta, mánager, docente,
ejecutivo discográfico, colaboró con la Blue Öyster Cult a la que produjo varios
discos en los setenta y ochenta, así como el “Give 'Em Enough Rope” (1978) de
los Clashs, entre otros trabajos de los Dictators, Mahavishnu Orchestra, Pavlov's Dog, Space Team Electra o Dream
Syndicate. Durante su carrera participó en la grabación de 17 discos de oro y
platino.
Sandy con los Clash
Se graduó en la Universidad de Stony Brook en 1966, colaboró
con la revista de rock Crawdaddy!, escribiendo críticas musicales. Por otra
parte fue dando forma a varias poesías que fueron interpretadas por un grupo
llamado Soft White Underbelly ( extraido de un discurso en la Segunda Guerra Mundial de Winston
Churchill) que con el tiempo cambió su nombre por el de Blue Öyster Cult. De 1967
a 1995 fue mánager de la banda con Murray Krugman. Por otra parte colaboró en la producción de varios
de sus discos como “ Blue Öyster Cult” (1972), “Tyranny and Mutation” (1973), “Secret
Treaties” (1974), “On Your Feet or on Your Knees” (1975), “Agents of Fortune”
(1976), “Spectres” (1977), “Some Enchanted Evening” (1978), “Club Ninja”
(1985), e “Imaginos” (1988).
Sandy Pearlman
En 1973 produjo el “Between Nothingness and Eternity” de la Mahavishnu Orchestra, y en 1975, el disco de Pavlov's
Dog, “Pampered Menial” y el de los
Dictators, "Go Girl Crazy!”. Al año
siguiente colaboró con Pavlov's Dog en su “At the Sound of the Bell” y en el “Manifest
Destiny” de los Dictators así como en su disco de 1978, “Bloodbrothers”. Ese año produjo el “Give 'Em Enough Rope” de
los Clash. De 1979 a 1983 colaboró con los Black Sabbath, y en los ochenta estuvo al mando del Studio C
de los Automatt Studios de San Francisco, y fue el precursor de las giras por estadios
de varios grupos que comparten gastos. Ya en los ochenta produjo el disco de Shakin'
Street (1980), el de los Dream Syndicate, “Medicine Show” (1984) y en
los noventa el álbum de Cosmic Free Way,
“Red Flowers” (1998). A finales de los
ochenta dirigió los alternativos 415 Records de donde salieron discos de Love
Club, Manitoba's Wild Kingdom , y World Entertainment War. Ya en los noventa
creó una empresa de descargas de música llamada emusic.com. También fue un distinguido profesor de teoría
musical, grabación y tecnología, impartiendo clases en varias universidades como
la de Harvard.
Documentos sonoros:
"Don't fear the reaper" (1976) de la Blue Öyster Band, producida por Sandy Pearlman.
"Safe European Home" (1978), tema de los Clash producido por Sandy Pearlman.
El sello zaragozano You Are The Cosmos ha editado este 2016, dentro de su
espectacular catálogo de power pop, el disco “An Introducing To Andy Reed”, con
once de las más destacadas canciones de este cantante, guitarrista y compositor
de Michigan, quien en los últimos años ha liderado proyectos ensolitario, ya sea a su nombre o bajo el
seudónimo de An American Underdog, al tiempo que forma parte de los Legal
Matters, trío de Detroit. El disco recopilatorio incluye temas de 2008 a 2015, nueve
originales y dos versiones, compuestas e interpretadas por Reed ayudado por varios
bateristas y guitarristas. Canciones maravillosas en las que sobresale el genio
espectacular de este portentoso creador capaz de crear melodías de ensueño entre
arreglos cristalinos con los que genera un arrebatador mundo de pop poderoso
con un encanto ciertamente único.
Trayectoria
Andy Reed
Andy Reed es un cantante, compositor, guitarrista y bajista, más productor e ingeniero de sonido, originario
de Bay City, Michigan. Forma parte
también de la banda de Detroit, The Legal Matters, nombre que deriva de la
canción de los Who de 1965, con los también
guitarristas y vocalistas Chris Richards y Keith Klingensmith quienes formaron
parte de Hippodrome y The Phenomenal Cats. El primero creó Chris Richards &
the Subtractions y el segundo dirige el sello Futureman Records donde los Legal
Matters grabaron un disco de título homónimo en 2014, en el que contaron con la
colaboración de Cody Marecek a la batería y Nick Piunti a la guitarra.Empezaron grabando en el estudio de Andy,
Reed Recording Company, versiones y demos con las que congeniaron para dar
forma a su destacado proyecto. A finales de este verano de 2016 tienen previsto
sacar un nuevo disco llamado “Conrad”.
Andy Reed en su estudio
Andy grabó en 2006 un Ep con el título de “The Great
Compression E.P.”, al que siguió el álbum “Fast Forward” (2008). En 2011 sacó
un disco como An American Underdog llamado “Always On the Run” para el sello
Pop Factory Records, donde también se editó en 2013 un Split conBrandon Schott.Ya en 2013 recopiló sus canciones de los
últimos quince años bajo el títulode
“Oddities & Entities”. Le siguió el Ep “Relay Vol. 1”,con canciones nuevas en solitario, con el que
también se anunciaban futuros lanzamientos en este formato. Otro de su proyectos es una banda con Mike Viola (Candy Butchers), Steve Eggers (The Nines), y el baterista Donny Brown.
Foto: Avrem Golden
Los temas del recopilatorio de You Are The Cosmos fueron
grabados, producidos, mezclados y masterizados por Andy Reed en su mencionado estudio
de Reed Recording Company. La foto de portada, con Andy como protagonista
apoyado en la pared de un callejón, es de Avrem Golden. Contó con la
colaboración de los bateristas Donny Brown, también a los teclados, quien formó
parte de The Verve Pipe, así como de los percusionistas John Fossum yCody Marecek, máslos guitarristas Scott Vandell,Joe Sullivan, Brandon Heath, y Shawn
MacDonald; Brandon Schott al mellotrón; Randall Sly al piano; Kay Rinker-Oneil
a la flauta; y Sean Drysdale, Jay Glysz, Shawn MacDonald, más Aaron Cianek a
los coros.
Las canciones
Portada Relay Vol. 1
Las canciones que se incluyen en este disco son, por orden, “Thunder Island”, fascinante versión del
tema de Jay Ferguson, editado originalmente en 1978, que Andy incluyó con el
nombre de An American Underdog” en el recopilatorio con otros artistas llamado
“Drink A Toast To Innocence - A Tribute To Lite Rock” (2013). Le sigue la
relajada y cariñosa “Dreaming of the West Coast”de su más reciente Ep llamado “From Relay
Vol. 1” (2015) del que también se incluye el envolvente y tierno tema “Love is Gone” más “The Criminal”, con toque
sereno de acústica y detalles de casi bossa nova con teclados más flauta,canción de 2008 grabada para su disco “Fast
Forward”. Se cierra la cara con la brillante “World of Make Believe”, con rítmica firme, del disco de Andy “Always On The Run” (2011).
Portada Always on the run
Ya en la cara B nos ofrece “Your Reign is Over” del
mencionado “Always On The Run”, excelente combinado melódico y rítmico que
levanta el ánimo, al que le sigue “The Show Goes”, tema envolvente, muy
sentido, y reflexivo, con detalles de popsike, incluido en “Oddities and
Entities” (2013). Después nos sorprende con una gran versión del “Crimes of
Paris”, tema del año 1986 de Elvis Costello, que Andy incluyó en el
recopilatorio, con otros, de “Beyond Belief: A tribute to Elvis Costello”
(2013). A continuación podemos oír “Novacaine” del disco “Fast Forward”, otra
canción de adorable intimismo, con maravillosa voz; más “Always on the Run” del disco del mismo nombre,
con arreglos gentiles y juguetones, entre riffs poderosos, para finalizar con “Waves” de
“Relay Vol. 1”, canción que culmina con cariñosos y delicados momentos vocales,
detalles de piano, acústica y la entrada triunfal final de eléctrica más
grandiosos efectos sonoros.
Reflexión Final
The Legal Matters con Andy al centro
Supongo que a estas alturas, tras más de quince años de canciones
excelentes como las que forman parte de este recopilatorio, sin que lamentablemente
aparezcan destacadas en las listas de los mass media del mundo, podemos
considerar a Andy Reed como uno de esos músicos supervivientes que, pese a todos
los inconvenientes y dificultades acontecidas en su trayectoria, se mantiene firme al frente de un proyecto artístico gracias al ánimo que proporciona tener las ideas muy
claras, sl tiempo que forma parte de combos no menos interesantes como los mencionados Legal Matters.
Algunos, los más optimistas, pensarán que es cuestión
de paciencia, que tarde o temprano, el negocio discográfico se dará cuenta de que
se trata de un gran músico y, por tanto, las emisoras de pop de todo el mundo
radiarán insistentemente sus canciones para que legiones de seguidores compren
sus discos.Ojalá fuera así pero permítanme dudarlo. Estoy más bien seguro
de que continuaremos siendo más bien unos pocos los que admiremos su magnífica obra.
Andy Reed en su estudio
Con o sin utopía de masas conmovidas por su trabajo, vaya por delante nuestro agradecimiento a la
valiente discográfica You Are The Cosmos que nos ha permitido conocer su talento y
disfrutar de sus encantos melódicos y rítmicos. Puede que su música no suene en las radio fórmula, y difícilmente lo escucharás en la mayoría de locales nocturnos, pero
te aseguro que cada vez que pongas en tu tocadiscos este álbum introductorio a cargo de este genial “American
Underdog”, emergerá una música conmovedora, bien hecha, con el
gancho más que notable como para cautivarte
ya sea a nivel compositivo como interpretativo. Así
que, si me lo permites querido lector o lectora, es cuestión de que, si te
gusta el powerpop o las buenas canciones de forma genérica, adquieras una copia de tan sensacional recopilatorio para empaparte de su inolvidable y particular microuniverso sonoro. No te arrepentirás.
Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp y también comprar una copia del vinilo en la web de You are the Cosmos.
Lewis "Lewie" Steinberg nació en Memphis, Tennessee
el 13 de septiembre de 1933 donde falleció el 21 de Julio de 2016. Fue el
bajista original del gran grupo de soul Booker
T. & the M.G.'s. ("Memphis Group"). Steinberg formó parte de la banda de 1962 hasta 1965. Formó parte de los Triumphs, precursores de los MG's con los que grabó
el éxito "Green Onions" así como el
primer álbum de la banda más el segundo “Soul Dressing” en 1965. Después dejó
el grupo y fue substituido por Donald "Duck" Dunn. Fue incluido, con
el resto de la banda, en el salón de la Fama del Rock and Roll en 1992 y recibió
un Grammy por su trayectoria en 2007. No
solo acompañaron en temas esenciales como “Soul Man”, “I’ve Been Loving You Too
Long”, “Hold On, I’m Comming” o “Try a Little Tenderness”, sino que grabaron grandes
éxitos a su nombre como “Hip Hug-her”,
“Groovin”, “Soul Limbo”, o “Time is
Tight”.
Booker T. and The MG's
Steinberg formó parte de los Triumphs con Chips Moman
(guitarra), Howard “Bulldog” Grimes, (batería) y Marvell Thomas (teclados). La banda,
precursora de los MG’s grabó algunos singles desde principios de los sesenta
con temas como “Burnt Biscuits” (1961), “Big Dog” (1963), o “Walkin' The Duck”
(1966).
Booker T. Jones comenzó a trabajar en la Stax Records, en
Memphis, como saxofonista, en el año 1960. En 1962 se creó la Booker T. &
the MGs como banda de la casa con Booker al órgano y piano, Steve Cropper
(guitarra), Lewie Steinberg (bajo) y Al Jackson, Jr (batería). Donald
"Duck" Dunn, quien había formado parte con Cropper de los Mar-Keys, reemplazó
a Steinberg al bajo en 1965. Tras morir Al Jackson Jr. en 1975, pasaron por la
banda los bateristas Willie Hall, Anton Fig, Steve Jordan y Steve Potts en
diversas etapas.
Booker. T. and The MGS
A principios de los sesenta la banda acompañó a Carla Thomas
en “Gee Whiz” y a su padre, Rufus Thomas en “Walking the dog”. Booker T. También colaboraron con Otis Redding, Sam and Dave y Wilson Pickett en
temas como “Soul Man”, “I’ve Been Loving You Too Long”, “Hold On, I’m Comming”
o “Try a Little Tenderness”. Jones trabajó con el productor William Bell
y co-compuso el blues clásico “Born Under a Bad Sign”. Cropper supervisó las grabaciones de Otis Redding
y co compuso hits de Wilson Pickett como “In the Midnight Hour”, Eddie Floyd, “Knock
on Wood”, y Otis Redding, “Dock of the Bay”. Al Jackson produjo al guitarrista
de blues “Albert King”.
Booker T. and The MGs
Por sí misma, la banda tuvo hits como “Hip Hug-her”, “Groovin”,
“Soul Limbo”, o “Time is Tight”. En 1967
respaldaron en un tour por la Gran Bretaña a Otis Redding, Sam and Dave, Eddie
Floyd, Carla Thomas y otros, y formaron parte de la banda de Otis Redding en el
International Pop Festival, en Monterey, en Junio de 1967 .
En 1972 cerraron su etapa con la Stax. Jones se trasladó a California
donde le contrataron como productor. Grabó tres álbumes con su esposa, Priscilla
Coolidge, y el álbum “Evergreen” en 1974. Cropper continuó produciendo por la
Stax hasta 1975. El grupo planeaba uno reunión cuando Al Jackson falleció en su
casa tiroteado por un ladrón el 1 de octubre de 1975.
Booker T. and The MG's
La banda
volvió con Willie Hall a la batería y Jones siguió grabando discos como “Try
And Love Again” (1978), “The Best of You” (1980), “I Want You” (1981), o “Runaway”
(1989). Cropper y Dunn grabaron con otros artistas como RCO All-Stars,
acompañaron a los Blues Brothers, en tours y grabaciones, como también en la
película de mismo nombre, de 1980. En 1988 la banda se reunió con el baterista
Anton Fig para tocar en el 40 aniversario de la Atlantic Records en el Madison
Square Garden, y continuaron tocando por algunos años más como Booker T. &
the MGs. En 1992 formó parte de la banda el baterista Jim Keltner y en 1994
Jones, Cropper y Dunn grabaron el primer álbum en 17 años, llamado de
"That's the Way it Should be", con bateristas invitados. Cropper y Dunn se unieron por la última vez a
la Blues Brothers Band, en 1998, para grabar la película “Blues Brothers 2000”. Colaboraron con Neil Young, siguieron con el
batería Steve Potts y el 13 de mayo de 2012, Dunn murió durante una gira por el
Japón.
Claude Berkeley Williamson nació el 18 de noviembre de 1926
en Brattleboro, Vermont y falleció el 16 de julio de 2016. Pianista de jazz, fue una figura destaca del
sonido de costa oeste durante los cincuenta. Formó un trío y fue un destacado músico
de estudio. A mediados de los sesenta se alejó de los escenarios y volvería a
grabar a finales de los setenta. Grabó para Capitol (1954-1955), Bethlehem,
Criterion, Contract (1961-1962), Sea Breeze (1977), Interplay, Discovery, los
catalanes Fresh Sound, y varios sellos japoneses.
Hijo de un baterista director de una big band y hermano del
trompetista Stu Williamson, estudió piano clásico desde los siete años. Empezó
tocando en la banda de su padre y se diplomó en el Conservatorio de Boston. En 1947 se trasladó a Hollywood donde le
contrataría la orquesta de Charlie
Barnet. En esa época también colabora con Red Norvo y acompaña a la cantante
June Christy hasta el año 1952.
Tras el servicio militar, se enrola con la banda de Howard Rumsey, donde sustituiría a
Russ Freeman. También formaría parte de la big band de Les Brown y grabaría con
gran parte de lo mejorcito de la Costa Oeste, como Conte Candoli, Frank
Rosolino, Bud Shank, el mencionado o Rumsey, Art Pepper, Barney Kessel o Tal
Farlow, entre otros.
Ya en 1954 saca su primer disco en colaboración con Stan
Kenton, y desde entonces mantiene su propio trio hasta mediados de los sesenta
cuando se aleja de la escena. Granaría un álbum en 1956 llamado "Round Midnight". A partir
de 1977 volvería a grabar con Sam Jones, Roy Haines o en solitario discos como "Holography", "New Departure", o "La Fiesta". En el año 1995 el sello
barcelonés Fresh Sound Records sacó varias de sus grabaciones.
Entre sus
mejores colaboraciones destacan el disco de Chet Baker, “Witch Doctor” (1953) o
su “Theme Music from "The James Dean Story" (1956) con Bud Shank; con
With Maynard Ferguson, “Jam Session featuring Maynard Ferguson” (1954); con Stan
Kenton, “Stan Kenton Conducts the Los Angeles Neophonic Orchestra (1965); con With
Barney Kessel, “Kessel Plays Standards” (1954) o “Music to Listen to Barney
Kessel By” (1956); con Gerry Mulligan y Johnny Hodges, “Gerry Mulligan Meets
Johnny Hodges” (1959); con Dizzy Reece y Ted Curson, “Blowin' Away” (1978); y
con Bud Shank, “Strings & Trombones” (1954-55), “Jazz at Cal-Tech” ( 1956) con
Bob Cooper, “The Bud Shank Quartet” (1956), “Bud Shank Quartet Featuring Claude
Williamson” (1956), “Bud Shank Plays Tenor” (1957), “Blowin' Country” (1958) con
Bob Cooper; y “I'll Take Romance” (1958).
El Camino Real fue la vía histórica de comunicación
terrestre de 600 millas (966 kilómetros) que unía las misiones de la Baja y la Alta California, fundadas entre 1683 y 1834. En la actualidad forma parte de la red de
carreteras de México y los Estados Unidos. Algunos de sus tramos se
corresponden con la ruta 101, que recorre tierras californianas, una de las más
largas de Norteamérica, de 808 millas (1.300
km), una de las últimas rutas federales que quedan establecidas en 1926. Deadbeat Poets son una banda de Ohio, herederos de los legendarios Blue Ash, entre
otros combos memorables, formada por
grandes músicos cuyas trayectorias discurren por los caminos del mejor powerpop
a nivel internacional de todos los tiempos. El sello zaragozano You are the cosmos, empeñado en mantener un catálogo fascinante de grupos que en su momento
no obtuvieron la repercusión que bien merecían y la historia ha demostrado que
fueron y siguen siendo indispensables, ha recopilado en un disco algunas de sus
mejores canciones con el título genérico que aúna una vía de origen español con
otra de yanqui. El resultado es un viaje
imaginario por una larga carretera sonando en el radiocasete del descapotable doce magníficas
canciones de pop poderoso, dos de ellas nuevas más una inédita.
Trayectoria
John Koury, Pete Drivere , Terry Hartman y Frank Secich
Los Deadbeat Poets son un grupo de músicos veteranos de
Youngstown/Cleveland (Ohio). Ellos son
Frank Secich al bajo y guitarra acústica, el guitarrista Pete Drivere,
el cantante y armonicista Terry Hartman, con el que se formó, el baterista John Koury, más el bajista John T. Hlumyk recién incorporado al proyecto,
Nacido el 14 de junio de 1951 en Sharon
(Pensilvania), Frank Secich es todo un mito viviente del powerpop. Empezó a
formar parte de la leyenda del rock and roll a mediados de los sesenta con
bandas como The Electrons que se convertiría en The City Jail en el año 1966.
Entre 1967 y 1968 formaría parte de The Great Ibiscus y Mother Goose Band, y en
1969 montaría, con el guitarrista Jim Kendorzy,
los Blue Ash, grupo activo hasta el año 1979 y reformado en 2004.
Completaría la banda Bill “Goog” Yendrek como guitarrista y David Evans a la
batería. Sacaron discos esenciales como
“No More, no Less” (1973).
Cuando los Dead Boys se separaron a finales del año 1978,
Stiv Bators y Frank Secich, que ya se conocían desde los sesenta, empezaron a
componer y grabar temas. Greg Shaw les fichó para Bomp Records. En 1979 la banda estaba formada por Stiv
Bators, Johnny Blitz, Cheetah Chrome y Jimmy Zero. Secich entró en lugar de
Jeff Magnum. George Cabaniss substituyó a Cheetah y Blitz fue reemplazado por
David Quinton Steinberg. Stiv, George,
David y Frank grabaron el fantástico “Disconnected” (1980). Frank también grabó con Stiv Bators entre
1979 y 1980 las canciones del disco recopilatorio “The Lord And The New
Creatures” (1983).
Tras ese proyecto, vino el grupo Club Wow creado por Frank con Jimmy Zero,
Jeff West de los Testors, más Billy Sullivan, quien había formado parte de una
reunión de los Raspberries así como con los Herman´s Hermits. Solo sacaron un
single “Prettiest Girl” entre los años 1982 y 1985. Después, Frank colaboró con
The Infidels hasta 1990. Tras fallecer Greg
Shaw en octubre de 2004, Patrick Boiselle y Suzy Shaw del sello Bomp le
proponen crear una banda para grabar un tributo musical a Shaw. Reúne a los
músicos de Ohio, Pete Drivere y John Koury de The Infields, más Dave Swanson de
Rainy Day Saints, David “Quinton” Steinberg y George Cabaniss de la
“Disconnected” banda, Jimmy Zero de los Dead Boys, Billy Sullivan de Club Wow y
de la banda de reunión de los Raspberries, y Bill “Cupid” Bartolin de Blue
Ash. Realizaron un disco de versiones de
temas que le gustaban a Greg y que, con un libro, se llamó “He Put The Bomp!”.
Single de Kotj
Ya en 2006 empezaron a rodar los Deadbeat Poets con su amigo
Terry Hartman de las bandas de Cleveland: The Backdoor Men, Napoleon In Rags, y Terry and The
Tornados (guitarra rítmica, voz) más los mencionados John Koury (batería, Infidels, Slackjaw), y
Pete Drivere (guitarra solista, voces, Infidels, Pretty Demons). También se incorporaróa al proyecto otro Infidels, John Hlumyk. Ficharon con Pop Detective
Records. Desde entonces han editado seis
discos “Notes From The Underground” (2007); “Circus town” (2010); “Youngstown
Vortex Sutra” (2011); “A Deadbeat Christmas” (2011); “American Stroboscope”
(2012); y “Hallelujah Anyway” (2014). Secich tambien ha escrito un audio
libro autobiográfico llamado "Circumstancial Evidence" editado este
2015 por High Voltage Publishing y Zero Hour records.
Contraportada Camino Real 101
En 2015 KOTJ les saca un single con tres temas que te
reseñamos en el Magic Pop (+ info). Por otra parte, el sello You are the Cosmos
tiene editado un Ep (2014) más un recopilatorio de los Blues Ash con el título
de “Hearts and Arrows” del que también te hablamos en este blog (+ info).
Las canciones de “El Camino Real 101” contaron con la
colaboración de Chris Leonardi al órgano, clave, piano y mellotrón, Kyle
O’Donnell a la trompeta, Dj Colella al trombón, y Brian Wingrove al piano,
clavicémbalo y órgano en el tema “A dark-haired girl in Piccadilly circus”.
Producido por Pete Drivere en los estudios Ampreon de Youngstown, (Ohio) contó
con la producción ejecutiva de Bob Kierer. La portada con la banda circulando
en un descapotable, es un dibujo de Victor Gomollón, artista y editor. En la contraportada, cada canción está unida a una foto de
los hoteles, restaurantes y gasolineras incluidos en una guía turística llamada
“The Negro Traveler’s Green Book” editada por Victor H. Green de 1936 a 1964,
destinada a los afroamericanos para informarles
de aquellos lugares donde serían aceptados
durante la cruenta segregación racial en los Estados Unidos.
Las canciones
Deadbeat Poets. Foto de su facebook
El recopilatorio empieza con la primera de las dos canciones
nuevas: “It’s summertime”, brillante de tema de pop con poderío melódico, a la
que sigue la tierna “Jennyburg Hill”, con algunos momentos ácidos a cargo de la
guitarra, incluida en su álbum de 2012 “American Stroboscope”. De ese disco
también se incluye la genial “Christmatime in Painesville”, con su precioso
riff principal y su entusiasmo sonoro, momento de armónica y solo ácido de eléctrica,
con la que se abre la no menos portentosa cara B. Siguiendo el orden de la cara
A nos ofrecen otro tema nuevo “I’ll Be Standing By”, conmovedor corte de frágil
encanto, más un tema del álbum “Circus
Town” (2010) titulado “The Staircase Stomp!” con ese pop intenso que se crece
sobre una rítmica persistente y sutil solo de teclados. Le sigue “Getting Over
You”, genial corte de folk pop con detalles country, del disco “Hallelujah
Anyway” (2014), para cerrar con “I Thought I Knew You” de “Circus Town” en el
que emerge con claridad el trance del beat al powerpop tras discurrir por los
caminos de la psicodélica.
Deadbeat Poets. Tony Photo.
En la cara B, encontramos también tres temas más de
“Hallelujah Anyway” como son “A dark-haired girl in Piccadilly Circus”, canción
que te suma en una paz indescriptible con su cariñoso acompañamiento de clave y
ritmo pausado; “Falling Without Annette” inmersa en su devenir acústico que nos
arropa con secuencias sublimes; y “There
ain’t no one but you” con la que logran estremecerme mediante ese paso seguro
de auténtico rock and roll americano. Intercalan un corte de “Circus Town”, llamado
“Elvis Dabney Professional Thief” trenzado mediante una descarga de fabulosa psicodelia
de costa oeste con aportación de órgano, y cierran con un tema inédito llamado
“The Concrete Cows of Milton Keynes! en el que suman todas sus excelencias, que
no son pocas, para procurarte un estado de satisfacción plena, con ese pop poderoso
que hereda lo mejor de los más grandes y aporta otras excelencias para ocupar
un lugar merecido en el olimpo de los maestros.
Reflexión final
Hlumyk, Drivere, Koury, y Secich. Foto: J.A Areta Goñi (Juxe).
“El Camino Real 101”, que nos ofrece You
are The Cosmos con algunas de las mejores canciones de los Deadbeat Poets, es un merecido homenaje a una banda genial cuyo pasado, remoto e inmediato,
debería figurar en las enciclopedias del mejor pop de todos los tiempos. Sin tapujos que valgan, esta selección tan
exquisita es una muestra irrefutable de que esta banda norteamericana, imperdonablemente sumida en un discreto segundo plano y eso siendo generosos, puede presumir de una fructífera trayectoria al tiempo que pone de manifiesto una evidencia demostrable con sus nuevas canciones: sus
responsables atesoran una ingente imaginación y fehaciente vitalidad para seguir
creando magníficos temas de powerpop en
los que esas melodías originales, tan sorprendentes, se nutren de ritmos
prodigiosos con los que dan vida a temas que insuflan una emoción indescriptible. Una creatividad y entrega que pudieron comprobar los afortunados que les vieron en directo en la reciente gira por
el estado español en junio de 2016. Por todo ello, tan solo me queda esperar que este generoso impulso conseguido en muestro país, donde de nuevo se une la vía norteamericana con la
hispana, les sirva para seguir adelante agasajándonos con sus brillantes canciones mediante
otros tantos trabajos nuevos que esperamos con impaciencia mientras disfrutamos de este sensacional recopilatorio.
Nota: Puedes adquirir una copia del disco en la web de You are the cosmos.
Te invitamos a ver y oír este vídeoclip con su nuevo tema "It's summertime" incluido en este disco recopilatorio,
