Sesenta años después, un nuevo Sputnik llega con éxito al espacio interestelar con un genial “Jamaican Mistake”

Portada 7"

El Sputnik 1, en ruso Спутник-1, fue lanzado el 4 de octubre de 1957 por la Unión Soviética. Fue el primer satélite artificial de la historia y con el tiempo se ha convertido en todo un icono, no solo de la carrera espacial sino también de una época que nos retrotrae, por coincidencia,  los cambios culturales y en especial musicales iniciados a finales de los cincuenta hasta toda la década posterior. Precisamente ahora en que se cumplen sesenta años de esa gesta tecnológica y cósmica, otro Sputnik comandado por el gran  Antonio J. Iglesias, referente indiscutible de los sonidos jamaicanos de nuestra escena con proyección internacional, saca a la luz un experimento musical fascinante en el que canciones deslumbrantes, entre propias y versiones, desgranan melodías estelares a ritmo de diversos parámetros de raíz jamaicana. “Jamaican Mistake”, que así se titula de forma genérica tan alucinante producto discográfico, ha sido editado por el cada vez más imprescindible sello alicantino Daddy Rude records. En su presentación en vinilo se incluyen cuatro temas que se completan con una edición en Cd que aporta cuatro canciones más, todo ello envuelto con un inmejorable artwork firmado por Aitana Carrasco.    

Trayectoria

Antonio J. Iglesias aka Sputnik

Antonio J. Iglesias A.K.A. Sputnik, residente en Valencia, ha formado parte, generalmente como percusionista, de proyectos como Malarians, Bang Matu & Orquesta Kingston, Laurel Aitken, The Golden Singles Band, Le Grand Miércoles, entre otros. En su carrera musical ha destacado también como productor y dj. En este nuevo proyecto emerge como cantante con excelentes resultados. Le han acompañado amigos y grandes de la escena jamaicana de los Offbeaters, Golden Singles Band, Don Ignatius, Ki sap, Dr. Jau, Le Grand Miércoles, Key & Board, Mediterranean Roots, The Oldfashioneds, Tremende (Italia)...

Artwork 

Los temas de la cara A, son dos canciones originales de Antonio y Nacho Ciscar aka Don Ignatius, ambas grabadas en los estudios Piles (Benifaió), mezcladas Don Ignatius, responsable también de la programación y resto de instrumentos, Paco Fer y Sputnik.  Las dos versiones de la cara B, son el “Artibella” de Ken Boothe y “The Model “ de Kratwerk. La primera se grabó en la Granja por Paco Fer y Sputnik, y contó con las guitarras de Rubén Navarro y Fer quien también se hizo cargo del bajo; Guillem Bataller al Hammond, El Conde Chato a la batería, y las voces en inglés de Pablo Muñoz, en italiano de Sputnik, más Key Day y Pablo Muñoz. Por lo que respecta a la adaptación de “The Model” se grabó en el R. Track Studio de Alicante por Jaume Mira aka el Dr. Jau y mezclado en la Granja por Paco Fer y Sputnik.  Jaume toca guitarra, melódica y piano, Paco al bajo, Guillem al Hammond, y Sputnik a la batería, guitarra y voces.

La masterización de los temas la realiza Germán Ponte en Estudios Garbanzo de Madrid, y el artwork corre a cargo de la dibujante Aitana Carrasco quien aporta una visión propia ideal para tan cosmológico trabajo discográfico.   A destacar que se trata de una edición muy limitada en vinilo 7", solo 250 copias, que se esfumarán rápidamente para formar parte de las completas discografías personales de los amantes de los ritmos jamaiquinos.         

Las canciones

Gilberto Aubán, Paco Arroyo, Key Day y Antonio "Sputnik"

En la cara A abren con el tema propio que arranca con una sensacional sección rítmica sobre la que recuperan la voz del difunto Matías Prats (padre) quien rememora dos episodios claves de la carrera espacial a manos de los rusos (el Sputnik en 1957) y los americanos (la llegada a la Luna en 1969).   Sueños de la humanidad hechos realidad que, en la voz de nuestro Sputnik, se convierten en un particular “Jamaican Dream”. Le sigue “Downtown Heat”, en el centro caliente del universo, con su ritmo mágico de ska suculento, cantado con maravillosas voces susurrantes, marcado tempo, y lisérgicos detalles solistas.

Ya en su carra B, nos ofrecen “Artibella”, canción de Ken Boothe grabada para Coxsone Records en 1969. La adaptación es de Antonio J. Iglesias y los Offbeaters. El tema mantiene su tono de lamento amoroso con ese ruego para que regrese Artibella, primero en italiano y después en inglés.  “Artibella, te vi con un chico, y no me gusta la idea. Me dijiste que me amabas, que no hay nadie por encima de mí, y te llevaste todo mi dinero…vuelve a casa”.  Los arreglos de Sputnik están repletos de matices que enriquecen la melodía principal dotando de garra a la canción original que va creciendo compás a compás en un intercambio instrumental y vocal, generoso y conmovedor.  Le sigue la versión de “The Model”, canción de Kratfwerk incluida en su disco de 1978, “Die Mensch-Maschine”. En este caso recurren a los componentes más enigmáticos del dub para incidir en el aspecto más oscuro y sugerente de esta excelente canción. De nuevo, los arreglos consiguen redimensionar este conocido tema para situarlo en la órbita absorbente del Sputnik.

Fotos de su facebook

En los bonus tracks, que puedes oír en el bandcamp, nos ofrecen “Jump to the moon”, excelente y relajante tema de reggae mediante el que nos envuelven con un “riddim” de lujo para invitarnos a dar el salto, sin miedo, ofreciéndonos a la par ese imprescindible “faro en la tormenta”. Le sigue la adaptación del “Janie Jones” de The Clash incluida en el recopilatorio “The Clash goes jamaican” (Golden Singles 2015). Soberbia su visión a ritmo de reggae de este clásico del punk británico que adquiere una belleza deslumbrante por medio de aportaciones de melódica, el marcado riddim, y las cariñosas voces. Una obra maestra que ejemplifica a la perfección el buen arte de versionar a ritmo jamaicano más allá de las recurrentes síncopas. A continuación nos ofrecen “Kingston Blues”… “La ciudad es dura si no encajas” nos cuentan en esta nueva y excelente exhibición del gran dominio que sus protagonistas tienen de los preceptos del reggae con raíces. Nos anonadan con voz poderosa arropada de esenciales coros, más una instrumentación genial en un tema ciertamente espectacular, ideal para cantar juntos a ritmo del “Kingston Blues”.  Y para acabar otra muestra fascinante, sin parangón alguno, de “cover” con gusto y buen criterio mediante este “Lawrence De Arabia Dub”. Se trata de una adaptación dub de la banda sonora de 1962 compuesta por Maurice Jarre, con líneas de bajo que pasarán a la posterioridad, melódica y piano, más órgano dialogando con plenitud de facultades, y coros femeninos cautivándonos en el último de los viajes de este más que convincente Sputnik de 2017.     

Reflexión final

Sputnik. Foto: Beatriz Rodríguez. 

La palabra sputnik en ruso significa "compañero de viaje" o "satélite" en astronáutica. Antonio J. Iglesias está respaldado en este proyecto por los mejores compañeros posibles. Grandes profesionales y amigos con los que realiza un viaje intergaláctico que arranca en las raíces jamaicanas y se expande en un universo de sensaciones procuradas con mimo, elegancia y sencillez sofisticada propias de la investigación alrededor de la órbita del reggae. En la creatividad, como en cualquier otra disciplina científica, los errores (mistake) siempre abren nuevas posibilidades. Tanto el azar como la experimentación están repletos de fallos de los que debemos aprender porque nos llevan a otros espacios imaginativos impredecibles. Y ahí es donde Sputnik ha conseguido un trabajo excelente incorporándolos a su obra, ya sea propia o en forma de versiones, para que generen aciertos genéricos ciertamente geniales. El resultado es conmovedor, al igual que lo fue en su día el primer satélite artificial. Tras el primero, los rusos mandaron otros diez más, el segundo con la perra Laika, y la mayoría tuvieron éxito menos el tercero cuyo primer intento de lanzamiento fue fallido y, después, no detectó la radiación de los cinturones de Van Allen.  Sin embargo, tras ese tercer aparato, los rusos empezaron las pruebas de vuelos tripulados del programa Vostok que culminó con el cosmonauta Yuri Gagarin, el primer ser humano en viajar al espacio. Antonio J. Iglesias también ha viajado a un cosmos vital en el que las raíces jamaicanas se interrelacionan en un proceso creativo único dando forma a estos “Jamaican Mistake” con los que abre un exploración musical de dimensiones incalculables del que esperamos muchas más exploraciones artísticas que enriquecen, más aún si cabe, nuestra prolífica y creativa escena jamaiquina.    

Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp de Sputnik. Puedes adquirir una copia en cualquiera de los enlaces de esta reseña o escribiendo al correo info@daddyruderecords.com

Muere Curtis Womack de los Valentinos

Curtis Womack

El 21 de mayo de 2017 fallecía a los 74 años Curtis Womack, cantante de The Valentinos, banda de R&B. también conocidos como The Womack Brothers. Fueron un grupo familiar con sede en Cleveland, Ohio, famoso principalmente por el lanzamiento de las carreras de los hermanos Bobby Womack y Cecil Womack, el primero como solista y el segundo formando parte de Womack & Womack con Linda Cooke. Durante sus 22 años de existencia, el grupo fue conocido por éxitos como "Lookin 'for a Love",  o "It's All Over Now". Tras los Valentinos, Curtis siguió cantando como músico de sesión y grabó muy poco a su nombre volcándose en la iglesia y su familia. 

Womack Brothers aka Valentinos

La banda de hermanos comenzó cantando góspel con su padre en la iglesia:  Friendly, Jr. (nacido en 1941), Curtis (n. 1943- d. 2017), Bobby (n. 1944- d. 2014), Harry (n. 1945- d. 1974 por agresión de arma blanca durante una pelea con su novia) y Cecil (n. 1947-d. 2013). Solo tenía 10 años y Bobby ya grabó un tema llamado “Buffalo Bill” con el sello Pennant con su hermano Curtis Womack como solista. Después formarían The Valentinos. Pasaron a colaborar con Sam Cooke, impresionado por sus voces, del que Bobby fue su guitarrista.  Firmaron con el sello SAR pero tras la muerte de Cooke, quedaron un tanto abandonados a su suerte. Empezaron a cantar hacia 1952 cuando rondaban los diez años. Entre sus temas más conocidos está su "It's All Over Now" que versionaron los Rolling Stones, entre otros; "Looking For a Love" que adaptó la J. Geils Band, Bobby; "I Found a True Love", Wilson Pickett; "Everybody Wants to Fall in Love", Solomon Burke o "I Can Understand It", The New Birth. o "I'm Going To Forget About You".

Bobby empezó la carrera en solitario y Cecil se casó en 1967 con la cantante Mary Wells (fue su segundo marido) de la que fue su mánager hasta que se separaron en 1977. Tuvieron tres hijos. Mary se juntó con otro Womack, Curtis, mientras que Cecil se casó con Linda Cooke, hija de Sam Cooke.  Bobby Womack se había casado con la viuda de San Cooke, Barbara Campbell, en 1965, tres meses después de la muerte de Cooke.  

Womack Brothers

Tras separarse los Valentinos, Bobby empezó una carrera como músico de sesión.  Trabajó en los estudios de Chips Moman en Memphis y grabó con Joe Tex y los Box Tops. También tocó la guitarra con Aretha Franklin en trabajos como “Lady Soul” pero no en "Chain of Fools" como se cree erróneamente.  Su carrera como compositor también empezó a florecer después que Wilson Pickett quisiera grabar sus temas  "I'm a Midnight Mover"  y "I'm in Love". Como guitarrista de sesión también colaboró con Ray Charles o Dusty Springfield. 

En 1968 Bobby grabó con Minit Records su primer álbum en solitario “Fly Me to the Moon” donde figuraba su primer hit, una versión del "California Dreaming” de los Mamas & The Papas.  Al año siguiente, 1969, colaboró con Gábor Szabó con el que escribió el instrumental, "Breezin'", que sería un éxito con George Benson.  También trabajaría con Sly and the Family Stone en el disco “There's a Riot Goin' On” y con Janis Joplin en "Trust Me" del album Pearl. Tras dos discos más con Minit se pasa a United Artists.  Entre los años 1970 y 1990, Womack tuvo 36 éxitos con canciones como un remake de “Looking for a Love”, o "That's the Way I Feel About Cha", "Woman's Gotta Have It" o “If You Think You're Lonely Now”.

Womack Brothers

Bobby tuvo una vida repleta de desgracias como la muerte de dos de sus hijos que se complicó más con un consumo de droga.  A partir de 1985 su carrera fue diluyéndose hasta que volvería en 1990 precisamente con el disco “Resurrection”.  Tras colaborar con Todd Rundgren y un homenaje a George Gershwin, en 2009 grabó con Damon Albarn de los Blur el tema “Stylo” para su proyecto Gorillaz. En 2012, Womack sacaría su primer álbum en más de diez años con el título de "The Bravest Man in the Universe". Supero un cáncer y padeció síntomas de alzheimer.  Su último concierto se celebró el 19 de junio de 2014 en Ámsterdam y falleció el    27 de junio de 2014.

Por su parte, Linda nació en 1952 y empezó su carrera en 1964 con once años de edad cantando temas como "I need a woman". Tras casarse con Cecil, trabajaron juntos como compositores para  Philadelphia International. Cantaron temas suyos artistas como los O´Jays y Patti LaBelle, entre otros. Su gran éxito fue un tema de 1980 llamado "Love TKO", que interpretaría Teddy Pendergrass.

Como dúo Womack and Womack debutaron  en 1983 con el elepé “Love wars” que les proporcionó más éxitos como la canción que la daba título. Más tarde triunfaron con canciones como  "Teardrops", de 1988 del álbum “Conscience”. Siguieron escribiendo temas para otros como Ruby Turner, para el que compusieron "Hurting inside" y "Sexy".  En los noventa viajaron a  Nigeria donde se relacionaron con la tribu de los Zekkariyas.  Linda pasó a llamarse Zeriya Zekkariyas y Cecil Womack, Zekuumnba Zekkariyas. En 1993 sacaron un álbum llamado “Transformed into the house of Zekkariyas”. En 2001 sacaron un álbum llamado “Sub Conscience”. Cecil murió en África donde pasó los últimos años de su vida con su esposa Linda componiendo e investigando sobre su pasado africano. 

A Bobby Womack no le hizo ninguna gracia que Sam Cooke permitiera que los Rolling Stones hicieran una versión del tema de los Valentinos,"It's All Over Now" (1963). Años más tarde fueron amigos y entendió que fue una jugada magistral para darles a conocer a nivel internacional.

Docunento sonoro:

"Somewhere  There's a God" (1961), los hermanos Womack con Curtis como solista

"Looking for a Love" a cargo de los Valentinos

Heatwaves, seductoras olas de pop a cargo de este nuevo “girl group” de Castellón

Portada 7". Foto: Wally Sanz

"Heat Wave" es una canción de 1963, escrita por el insigne equipo de compositores formado por Holland-Dozier-Holland, que grabaron Martha and The Vandellas para la etiqueta Gordy, subsidiaria de Motown. Con este tema, la banda alcanzó el primer millón de ventas así como el número uno de las listas norteamericanas de R&B.  Más allá de su acepción meteorológica, se nos antoja un nombre excelente para un grupo de pop como el formado por estos castellonenses que te presentamos. Los Heatwaves son una banda creada recientemente con músicos experimentados y una voz nueva que aportan, con talento y frescura, sus enormes dotes creativas e interpretativas para engrandecer el universo musical de los llamados “girls groups”. Como bien sabes se trata de bandas de los sesenta, con voces femeninas, que revolucionaron el panorama musical con sus canciones enérgicas y, a la par, conmovedoras como es el caso de estos cuatro temas que se incluyen en “Heatwaves#1”, Ep editado por los sellos Sweet Grooves records de Cáceres, No Tomorrow records de Castellón y Devil records de Valencia.   

Trayectoria 

Heatwaves. Foto de su facebook 

Heatwaves son un grupo de Castellón formado en 2015. Actualmente son  Ana Beltran (voz), Jose Dolz (bajo y coros),  Fernando Cabalo (guitarra y coros), Rafa Lahuerta (guitarra y coros) y Tomás Escoín (batería). Fernando ha entrado recientemente en substitución de Wally Sanz. Heatwaves nacen como proyecto conjunto de Jose Dolz (Shock Treatment, Prototipes, Telepath Boys) y Luis Sánchez (Depressing Claim, Prototipes, Los Reactivos), dos grandes de la escena punkpop estatal, con el propósito de hacer realidad una pasión común: el sonido 60s Girl Groups. Para ello incorporan a Ana a la voz, tras escucharla cantar en un karaoke. Luis dejaría la banda aunque sigue colaborando en calidad de compositor. 

Heatwaves. Foto de su facebook 

Los temas de este disco fueron grabados en los Rockaway Studios (Castellón) en 2016 bajo la magnífica producción de Cocky Ordóñez (Shock Treatment, Depressing Claim, Los Reactivos…), quien ha procurado también los espectaculares arreglos. Han colaborado Iván Pitarch al saxo tenor, Luisa Ros al chelo, y Miguel Falomir a la viola. La foto de la portada es de Wally Sanz. Se trata de una edición conjunta en vinilo de 7” de los sellos Sweet Grooves records de Cáceres, No Tomorrow de Castellón y Devil records de Valencia  

Las canciones 

Heatwaves. Foto de su facebook 

El disco se inicia con "My Baby Has Gone", mediante tremenda descarga de guitarra, bajo  y percusión sobre la que destaca esa descomunal voz principal arropada por riffs consistentes, coros de surf, y crescendos que, a buen seguro, te estremecerán. Una maravilla de tema con el que, estamos convencidos, pasarás a ser un fan incondicional de esta gran banda.  Le sigue  "You Don't Love Me No More", otra exquisitez del pop americano con raíces sixties en el que sobresalen detalles de la mejor escuela adaptados al imaginario de esta formación. Un tema cariñoso en el que el amor se expande en todas sus caras. Juegos vocales bien afinados, dirigidos por una fascinante solista, más una extraordinaria banda que da forma a esta canción, de forma conjuntada, con guitarras marcando el paso, más un preciso solo, respaldadas por los persistentes bajo y batería. 

Heatwaves. Foto de su facebook 

Ya en su cara B nos ofrecen "Lonely Nights", una canción que te pondrá los pelos de punta con ese medio tempo tan coqueto en el que la voz de su cantante luce en todo su esplendor arropada por coros, guitarras y sección rítmica, pero también por una sensacional sección de cuerda, entre pizzicatos, nebulosas de ensueño y solos de antología.   Cierra el Ep "My Baby Is True", la última descarga de emociones de este espectacular Ep, con más voces llamativas, guitarras tajantes, una sección rítmica inspirada, y un solo de saxo que completa esta maravilla armónica incluida en uno de los debuts más sensacionales que podamos recordar.      

  

Reflexión final 

Heatwaves. Foto: Manuel Peris 

Martha Reeves fue descubierta por el director de A&R de Motown, Mickey Stevenson, cantando en un club. Reconoció su talento, le dio su tarjeta de visita y la invitó a una audición. Reeves, que usaba el nombre artístico de Martha Lavaille, apareció en los estudios de Motown en Hitsville a la mañana siguiente, sin saber que antes debía llamar para programar una audición. Stevenson le pidió que contestara los teléfonos mientras se ocupaba de otros asuntos. Utilizando las habilidades que había aprendido en cursos comerciales en la escuela secundaria, Reeves contestó teléfonos, tomó notas, administró nóminas de cantante y acabó siendo imprescindible en el sello hasta que un día pudo cantar, substituyendo a otra grande de las "girls groups", Mary Wells, y nacieron Martha and The Vandellas. Resulta curioso que en el caso de la banda de Castellón Heatwaves, sus componentes descubrieran a su magnífica voz principal en un karaoke con lo que se confirma que, aún hoy en día, son posibles estas coincidencias curiosas y un tanto mágicas en el mundo del pop. La letra de "Heat Wave" de Martha and The Vandellas cuenta las impresiones de alguien que tiene su corazón "ardiendo de deseo" y "volviéndose loco" por el amor que nos conquista como una “ola de calor”.  De modo similar nos han conquistado estos Heatwaves de Castellón con su exquisita fórmula para recrear melodías bonitas mediante arreglos convincentes, interpretadas por una voz maravillosa y una banda muy bien conjuntada.   

Nota: Puedes  escuhar las cancionesen el bandcamp de los sellos Sweet Grooves y No Tomorrow  donde también podrás adquirir una copia.  

Muere Gregg Allman, músico de rock sureño

Gregg Allman 

Gregory LeNoir Allman nació en Nashville el 8 de diciembre de 1947 y falleció en Richmond Hill (Georgia). el 27 de mayo de 2017. Cantante, teclista, guitarrista y compositor fue miembro de los Allman Brothers Band, seminal banda del llamado rock sureño, con su hermano mayor, el guitarrista Duane, quien falleció en 1971 en un accidente de moto. También protagonizó una carrera en solitario sacando varios discos memorables, The Allman Brothers Band  se formó en 1969 en Jacksonville (Florida) por Duane Allman (guitarra), Gregg Allman (voz y órgano), Butch Trucks (batería), Berry Oakley (bajo) Jai Johanny «Jaimoe» Johanson (batería) y Dickey Betts (guitarra y voz).  También falleció Berry Oakley, y siguieron con el teclista Chuck Leavell y el bajista Lamar Williams.  Se separarían en 1976 y volvieron as reunirse en los ochenta hasta  2014.

The Allman Joys 

Duane y Gregg Allman crecieron en Daytona, Florida. Formaron un dúo llamado Escorts, que se convirtió en The Allman Joys, a mediados de los sesenta.  Tras pasar por St. Louis y los Ángeles con el nombre de Hour Glass grabaron  dos discos para Liberty Records sin éxito. Duane se traslada a Muscle Shoals, Alabama para trabajar de músico de sesión, mientras Gregg se queda en Hollywood vinculado a Liberty. La separación dura un año aunque coinciden en Miami para tocar en una maqueta del grupo 31st of February, con Butch Trucks a la batería. Duane firmó con FAME un contrato de cinco años y formó un proyecto con Johnny Sandlin y Paul Hornsby más el batería Jai Johanny «Jaimoe» Johanson y el bajista Berry Oakley.

Los hermanos Allman 

Duane, descontento son su trabajo metódico en FAME, y Jaimoe se trasladaron a Jacksonville en marzo de 1969. Se les unieron el batería Butch Trucks y el bajista Oakley con el guitarrista Dickey Betts más Reese Wynans, miembro de Second Coming. Su hermano Gregg  reemplazó como teclista a Wynans. Gregg entró en el grupo el 26 de marzo de 1969. Al poco debutan con el nombre de The Allman Brothers Band.

La banda se traslada a Macon, Georgia, donde crean una comunidad y en agosto de 1969, se trasladan a Nueva York para grabar su álbum debut.  Con título homónimo lo sacan Atco y Capricorn. No tienen excesivo éxito y se instalan en Macon aunque les recomiendan que se fueran a los Ángeles por cuestiones mediáticas.  Durante 1970 realizan multitud de conciertos y su segundo álbum de estudio sale con el título “Idlewild South”. Tras ese disco Eric Clapton contacta con Duane para que contribuyera en su nuevo proyecto, Derek and the Dominos. Le ofrece ser miembro de su banda, pero Duane decide volver con los suyos. La banda graba sus actuaciones en la sala Fillmore East (Nueva York) los días 11, 12 y 13 de marzo de 1971 y lo editan con el título de “At Fillmore East”. El álbum está considerado como uno de los mejores discos en directo de todos los tiempos y con él ganan una gran repercusión.

Allman Brothers Band

En octubre de 1971, Berry Oakley, Duane Allman y los pipas Robert Payne y Joseph «Red Dog» Campbell ingresan en el hospital Linwood-Bryant para su rehabilitación. El día 29 de ese mismo mes, Duane, con 24 años muere en un accidente de motocicleta cuando regresaba a Macon. Deciden continuar, pese a todo, y en diciembre regresan a Miami para grabar su tercer álbum de estudio, con pistas en directo grabadas en Fillmore East. Se llamaría “Eat a Peach” y salió en 1972, fue su segundo trabajo de éxito. El 11 de noviembre de 1972, Oakley, se estrella con su motocicleta contra un autobús, a escasos metros de donde Allman había fallecido. Fallecería más tarde de un edema cerebral. La banda seguiría con el bajista Lamar Williams. Además  el pianista Chuck Leavell, quien colaboró con Gregg Allman en su primer disco en solitario, empieza a integrarse en la banda. En octubre de 1972 empiezan a grabar su cuarto trabajo de estudio, “ Brothers and Sisters”, publicado en agosto de 1973, convirtiéndose ya definitivamente en una banda de masas.  Después  que Dickey Betts y Gregg Allman publicaran sendos trabajos en solitarios, el grupo grabaría un nuevo disco a mediados de los setenta, “Win, Lose or Draw”.  No tuvo tanto éxito, y empezaron los problemas personales entre los músicos hasta que se separaron en 1976. Chuck Leavell, Lamar Williams y Jaimoe continuaron juntos en Sea Level. Dickey Betts estuvo en Great Southern y Gregg Allman continuó su carrera en solitario.  

Gregg Allman 

El grupo volvió a reunirse en 1989 y publicaron nuevos álbumes. Con la llegada del nuevo milenio, Dickey Betts abandonó la formación, y se incorporaron el bajista Oteil Burbridge y  los guitarristas Warren Haynes y Derek Trucks. En 2014, tras la salida de sus dos guitarristas, la banda volvió a separarse. En toda esta trayectoria han conseguido once discos de oro y cinco de platino, y en 1995 fue incluida en el Rock and Roll Hall of Fame.

Gregg Allman tuvo serios problemas con las drogas y el alcohol, y sacó varios discos en solitario como  “Lady Back” (1973),  el proyecto Allman and woman con la que fue su mujer Cher,  “Just Before the Bullets Fly” (1988), o “Low Country Blues” (2011).  Tuvo cinco hijos, cuatro de ellos músicos de rock and roll: Michael Allman, Devon Allman, Elijah Blue Allman, y Layla Brooklyn Allman. En 2011, Greg  recibió un trasplante de hígado. 

Documento sonoro:

"Spoonful" a cargo de los Allman Joys 

The Alllman Brothers Band en directo en septiembre de 1970 en el Filmore East. 

"Multy-Colored Lady" de Gregg Allman en solitario en 1973. 

Fallece el guitarrista y compositor Kenneth Cordray

Kenneth Cordray 

Kenneth "Kenny" Cordray  nació el 21 de julio de 1954 y falleció el 21 de mayo de 2017. Guitarrista y compositor de Texas,  compartió escenario con John Mayall, John Lee Hooker, y Billy Gibbons de ZZ Top. Cordray fue guitarrista de The Children bajo la etiqueta ATCO y después trabajó con ODE records bajo la producción de Lou Adler. Por otra parte, coescribió el tema "Francine"  en 1969 con Steve Perron que fue reeditado para el álbum de  ZZ Top "Rio Grande Mud" (1972). Además colaboró con  Jaco Pastorious, y tocó con  Wayne Cochran y la C.C. Rider band. También formó parte de la banda de Jerry Lee Lewis. Creó los Civilians y  Kenny Cordray and Blue Science. Según las fuentes consultadas, murió a manos de su propio hijo quien le disparó y después se suicidó.  

Kenneth Cordray 

Cordray fue guitarrista de The Children grupo de folk rock psicodélico que grabó con la etiqueta ATCO, en substitución de William Ash cuando se trasladó a Japón con su familia. En esa banda colaboró con Steve Perron. Luego se trasladó a New Orleans para tocar con los C.C. Riders y Edgar Winter antes de crear su propia formación, Cordray con músicos como Clay Hemphill, David Lee Watson, Allyn Robinson, y Mark Campbell.  Su primera actuación fue le 6 de enero 1986. En 1991 creo The Civilians y grabó el disco "Miracles". Al año siguiente, Cordray, Dave Foster, y Todd Harrison formaron una banda de rock blues y psicodelia llamada Kenny Cordray and Blue Science.

Ya en marzo de 2012, sacó su ultimo trabajo "It Takes Everything" con  Kenneth a la guitarra, Mark Andes al bajo,  Tyson Sheth a la batería, y Paul English a los teclados. Cuando el disco salió el Houston Chronicle llamó a Cordray "one of Houston’s greatest guitarists". Además se dedicó por muchos años a la enseñanza de la guitarra.  

Según medios de comunicación norteamericanos, la policía descubrió el domingo los cadáveres de Kenny Cordray, y de su hijo Kelly Cordray, de 33 años, dentro de su casa en  Nassau Bay, Texas. La esposa de Kenny dijo a las autoridades que presenció el crimen mientras los vecinos aseguraron haber escuchado una discusión seguida de disparos.  Los mismos medios aportan que Kelly podría haber matado a Kenny antes de suicidarse.

Documento sonoro: 

"Francine" en su versión original de finales de los sesenta interpretada por los Children. 

Fallece el baterista de jazz, Mickey Roker

Mickey Roker 

Granville William "Mickey" Roker nació el 3 de septiembre de 1932 en Miami (Florida) y falleció en Filadelfia (Pensilvania) el 22 de mayo de 2017. Baterista de jazz, hard bop y bebop, tuvo una larga trayectoria grabando con grandes como  Dizzy Gillespie, Sonny Rollins, o Duke Pearson, entre muchos otros.  A finales de los setenta formó parte de Quadrant, con el guitarrista Joe Pass,  el vibrafonista Milt Jackson, y el contrabajista Ray Brown. En los noventa substituyó a Connie Kay en el Modern Jazz Quartet.

Roker nació en el seno de una familia muy pobre. No conoció a su padre y cuando su madre murió, su abuela lo llevó a vivir, con diez años, a Filadelfia con su tío Walter, quien le dio su primera batería y le inculcó su amor al jazz. El joven Roker se convirtió en seguidor del baterista Philly Joe Jones y se introdujo en la escena del jazz en Filadelfia. 

Mickey Roker 

A comienzos de los años cincuenta, empezó a ganar reconocimiento como baterista, y se ganó el reconocimiento de  Dizzy Gillespie.  Mientras estuvo en Filadelfia tocó con Jimmy Oliver, Jimmy Heath, Jimmy Divine, King James y Sam Reed antes de mudarse a Nueva York en 1959, donde sus primeros conciertos fueron con Gigi Gryce, Ray Bryant, Joe Williams-Junior Mance, Nancy Wilson y la Duke Pearson big band. 

A finales de los setenta formó parte de Quadrant, con el guitarrista Joe Pass,  el vibrafonista Milt Jackson, y el contrabajista Ray Brown, grabando un par de discos.  Ya en 1992, substituyó a Connie Kay, fallecido en 1994, en el Modern Jazz Quartet. Siguió tocando hasta muy recientemente y durante su larga trayectoria grabó con Dizzy Gillespie discos de los setenta (del “Big 4” de 1974 al “Dizzy’s Party” de 2976), Sonny Rollins en “There Will Never Be Another You” (1965), Duke Pearson (desde el “Wahoo” de 1964 hasta el “It Could Only Happen with You” de 1970), o Tommy Flanagan, Ella Fitzgerald, Zoot Sims, Horace Silver, Junior Mance, Sarah Vaughan, Milt Jackson, Herbie Hancock, Phil Woods, Oscar Peterson, Ray Brown, Bucky Pizzarelli, Stanley Turrentine, Toshiko Akiyoshi, Hank Jones, Bobby Hutcherson, Joe Locke y muchos otros músicos de jazz.

Documento sonoro: 

Sonny Rollins, Dizzy Gillespie. Hank Jones, Rufus Reid y Mickey Roker en 1987.

Muere el guitarrista de jazz y bossa nova, Irio De Paula

Irio De Paula

Irio Nepomuceno de Paula más conocido como Irio de Paula nació el 10 de mayo de 1939 en Rio de Janeiro y falleció el 23 de mayo de 2017 en Roma (Italia). Guitarrista y compositor destacó por sus creaciones de jazz, bossa nova y samba. Desde los setenta residió en Italia donde acompañó a las cantantes Elza Soares y Giovanna Marinuzzia.

Aprendió por su cuenta a tocar la guitarra y en los años sesenta acompañó a la cantante Elza Soares, con el percusionista Mandrake y el baterista Afonso Vieira. También trabajó como músico de sesión en muchos discos, entre ellos el álbum “Per un pugno di samba”, grabado en Roma por Chico Buarque de Hollanda con arreglos de Ennio Morricone.

Irio De Paula 

Su mayor éxito en Italia fue el tema “Criança” interpretado con Giovanna Marinuzzia en el dúo Irio E Gio, a partir de que se incluyó en la banda sonora de Franco Micalizzi, de la película de Raimondo Del Balzo, “L'ultima neve di primavera” (1973) saliendo en la cara B del single. Durante su trayectoria su nombre figura en cincuenta discos, en solitario o con varias formaciones, o acompañando a la guitarra a otras figuras de la música latina, brasileña, o el jazz, como Sergio Mendes, Elza Soares, Baden Powell, Eumir Deodato, Astrud Gilberto, Gato Barbieri, Chet Baker, Tal Farlow, Archie Shepp. Debuto con “Jazz a Confronto” en 1972 al que siguió el disco Casinha Branca (1976) con Afonso Vieria a la batería, y Alessio Urso al bajo. Entre sus últimas obras, figura el álbum de 1009 “Recado Bossa Nova” con  Gianni Basso. 

Documento sonoro:

Irio de Paula en 1976 con Afonso Vieria a la batería, y Alessio Urso al bajo

El “Assalto Acústico” del power trio Os Novos, dos temas fieros de cowpunk más ukeleles y acordeón

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Vincular el punk con la distorsión y la salvajada no implica ningún tipo de exclusión consecuente por mucho que te empeñes en que solo es punk si lo dices tú, eso sí, con tu indudable buen criterio. A veces hay más punk en un par de acordes de acústica que en la enésima copia “ramoniana” de turno. Prueba de ello son los dos temas que Os Novos acaban de sacar este 2017 de la mano de la discográfica también gallega Lixo Urbano. Un single titulado, de forma extraordinariamente concisa, “Assalto acústico” en el que nos ofrecen la canción original “Vam por ti” en su cara A y una versión acústica de su conocido “Nom Lugar” en la B. Dos memorables temas de letras, cantadas en gallego, con elevada carga social, envueltas en unos arreglos sublimes de guitarra y bajo acústicos, más percusión y descarnada voz, a cargo de este poderoso combo, a los que se añaden un elenco de excelentes músicos tocando acordeón, ukeleles diversos, más cajón y coros. Todo un lujo para los sentidos que podría ubicarse dentro del llamado cowpunk, género que enriquecen ambos estilos fusionando la rabia del punk con la melodía añeja del folk americano.        

Trayectoria

Os Novos. Foto: Noviño Ra E Ka

El power trío de Os Novos se forma en Santiago de Compostela en 2012 por Alberte Lixo (bajo y voz), Soni (batería y voz) y Quiquinho de Melide (guitarra y voz). Proceden de una banda de punk  llamada Tommy Gun. Alberte también tocó en los Dirty Barriguitas, Samesugas; Sono estuvo en los Contrastes, los Royalties y los Redullos; y Quiquinho en Madame Germen y de gira con Ekkaia. Tal y como cuentan en la biografía publicada en la Fonoteca, el nombre del grupo, que se podría traducir al castellano como los Nuevos o Los Jóvenes, obedece a "un poco de todo, nos gustaba como sonaba, para impregnar-nos del espíritu juvenil y, también, como homenaje a “The Young Ones” (BBC2, 1982-1984), una serie que nos marcó a los tres, desenfadada, provocativa, con mezclas de diferentes culturas underground (hippies, punks, mods...)”.

Os Novos. Foto: Roberto García Sánchez

“Nom Lugar” (Lixo Urbano, 2014), Lp 10" más Cd en digipack, es su primera referencia y contiene siete temas. Más información de ese disco en Magic Pop.  Las dos canciones de este single que te presentamos fueron  grabadas y mezcladas, de nuevo, por Hevi (Fluzo) en el Laboratorio Soyuz y masterizadas por Mike Mariconda en Sonic Boom Room.  Han contado con la colaboración de Alonso Caxade al acordeón, y la Ukestra do Medio (Yolanda al cajón y coros; Sara y Kátia al ukelele soprano y coros;  César al ukulele resonador y coros; Fon al ukulele tenor y coros; y Alberte al banjolele.  El diseño es de Cristian Fojón Caruncho, y en portada como contraportada podemos disfrutar de un dibujo con aires del far west  al que no faltan detalles como esos aerogeneradores que rodean al banco, los forajidos musicales con la Ukestra más acordeón, o pintadas reivindicando el sello o la figura del anarquista navarro Lucio Urtubia que recordarás por ser uno de principales responsables de una acción en los ochenta para recaudar fondos a base de una estafa al First National City Bank mediante la falsificación de travellers checks.   

Las canciones

Os Novos. Foto: Sime Gavira

En su cara A nos deleitan con esa feroz e implacable canción llamada  “Vam por ti”. Guitarras acústicas estremecedoras, percusión precisa, acordeón pisando con firmeza, ukeleles cariñosos y una melodía que pone los pelos de punta. Resulta muy destacable la magnífica  voz principal arropada por bonitos coros, y ese crescendo hacia los compases finales con el que la canción se torna más furiosa si cabe. Un amplio abanico de detalles de gran calidad que les sirven  para musicalizar una letra sin desperdicio alguno: “E os mercados vam por ti, dissimula o narrador, inexoravelmente, sem piedade sega a vida de quem quer viver, enfim…  Governam a tua vida, disponhem o que vales como em Auschwitz o código na pel(e)”.

Os Novos. Foto: Santiago Carollo

En la cara B nos ofrecen una fascinante versión acústica de uno de sus temas estrella, “Nom lugar”. Una elegía punk que, mediante las guitarras acústicas, el acordeón y los ukeleles más la percusión, no pierde ni un ápice de su fuerza emocional, ideal para recordar ese lugar que sus moradores dejaron perder, “um lugar onde non queriam nada que a terra pudesse dar”.  Sin lamentos, ahora ya es tarde para llorar. Solo queda derrumbarlo, para después sembrarlo con nuevas ideas.  Acompañan a la gran voz principal, esos fascinante arreglos procurados por un inspirado acordeón aportando momentos solistas cautivadores más síncopas diestras, entre coros de puño en alto, y persuasivos rasgueos de las cuerdas entre un preciso acompañamiento rítmico. Una combinación memorable con la que redimensionan este tema de forma excelente. 

Reflexión final:

Os Novos. Foto; Diego Abelheira

Recientemente nos conmovía la muerte de Rafael Metlikovez, nacido en Canovelles, en el año 1964 y fallecido el 19 de mayo de 2017 en Granollers, también provincia de Barcelona. Formó parte del dúo poético Accidents Polipoètics fundado en 1991 con Xavier Theros (Barcelona, 1963). Una de sus obras más recordadas lleva por título “Van a por nosotros” y en ese poema, que recitaban a dos voces, dicen, entre otras genialidades: “Las hordas internacionales de madres y delegados y funcionarios y  chinchillas y hurones moralistas que desean llevarte, cogidito de la mano a la jubilación… Van a por nosotros…por nuestros pecados”.  Un título que entronca precisamente con la letra de este “Vam por ti” de Os Novos. En ambos casos  destaca ese componente, para nada desdeñable, de firme crítica social, repleta de furia punk si se me permite, expresada con la enorme destreza de sus creadores, ya sea lírica como melódica.  En unos momentos “en el que los mercados van a por ti y gobiernan tu vida”,  grupos como Os Novos son ciertamente imprescindibles tanto como lo fueron y lo seguirán siendo los divertidos y concienciados Accidents Polipoètics. Corren tiempos que se nos antojan sumamente anodinos culturalmente en el ámbito de los mass media y nos alegra la vida que aún sigan existiendo proyectos que luchen por un espacio propio y original con la gran calidad e imaginación de la que pueden presumir los gallegos Os Novos, de la mano de la irreductible discográfica que es Lixo Urbano.  Siguen yendo a por nosotros, sí. Pero con Os Novos no nos faltarán buenas razones para defender “nuestros pecados”.      

Nota: Puedes escuchar las canciones y adquitir uan copia del disco en el bandcamp.      

Fallece el cantante, guitarrista y compositor Jimmy LaFave

El  21 de mayo de 2017 fallecía en Austin (Texas), el cantante, guitarrista y compositor Jimmy LaFave a los  61 años, a consecuencia del cáncer que padecía. Había nacido el 12 de julio de 1955 en Willis (Texas).   Discípulo de Woody Guthrie, se le considera uno de los compositores más originales de los Estados Unidos que creó un sonido propio llamado  "Red Dirt Music", mezcla de rock, folk, rockabilly, y country.

Empezó tocando la batería. Tras mudarse a Stillwater, Oklahoma, LaFave tocó en la banda de la escuela y a los 15 años se pasó a la guitarra formando un grupo propio llamado The Night Tribe.  Creó un estilo propio llamado música “Red Dirt”.  En 1996 recibió el premio del año al mejor compositor del  Kerrville Folk Festival.  Durante su trayectoria grabó 15 álbumes  desde su primer disco "Down Under", aparecido en 1979 en el sello Snowbound Records. Le siguió “Broken Line” (1981). En esa época compagina la música con un trabajo de gerente en un club. También grabó para las discográficas Bohemia Beat, Red House y Music Road Records. Su disco de  2007, “Cimarrón Manifesto”, alcanzó el número 1 en la lista de álbumes de Americana Music Association. En 2012, LaFave lanzó el álbum de estudio “Depending On The Distance”. 

En 2007, LaFave se unió al ingeniero de grabación Fred Remmert y al empresario de Dallas Kelcy Warren para crear Music Road Records, ubicado en Austin, Texas.  El Salón de la Fama de la Música de Oklahoma anunció que LaFave sería uno de varios músicos que entrarían a formar parte del  mencionado Salón en una ceremonia que tenía previsto celebrarse el 14 de junio de 2017. En 2014 produjo "Looking Into You. A Tribute To Jackson Browne", un doble álbum que contó con aportaciones de, entre otros, Bruce Springsteen, Lucinda Williams, Ben Harper y Lyle Lovett.

En un artículo publicado en The Austin Chronicle en abril de 2017, LaFave anunció públicamente que estaba luchando contra un sarcoma de células fusiformes, una forma rara de cáncer que le había sido diagnosticada un año antes. Después de varios tratamientos fracasados, los médicos le dijeron a LaFave que no había nada más se pudiera hacer.  Durante el curso de su enfermedad,  LaFave continuó tocando y grabando nuevas canciones para añadir a su legado. Hace tres días participó de un homenaje que organizaron sus amigos.

Documento sonoro: 

Jimmy LaFave en directo en los noventa.

El admirable universo pop de los D’Addario, de las armonías del gran Ronnie al “Do Hollywood” de The Lemon Twigs

Portada YATC

En la historia del pop, no es fácil encontrar a músicos que sean capaces de hacerlo todo tan extraordinariamente bien como Ronnie D’Addario: ya sea con su proyecto en solitario o acompañando a otros, cantando o tocando varios instrumentos, componiendo o produciendo, trabajando como ingeniero de sonido o con la luminotecnia. Un auténtico profesional con una trayectoria ejemplar, un artista total que, desafortunadamente, no ha tenido la repercusión que bien merecía más allá de encandilar a unos cuantos  “connaisseurs”. Por suerte, el sello zaragozano You are The Cosmos ha recuperado su obra compuesta entre 1976 y 1983, mediante un vinilo con lo mejor de esa época, más un box set de tres cd’s con los tres primeros discos al completo más bonus tracks.  Una edición de lujo que se completará próximamente con la salida al mercado discográfico, por parte de la misma discográfica, de sus otros tres álbumes más recientes, al menos en formato Cd aunque cabe la posibilidad de algún que otro vinilo.

Portada Do Hollywood

Todo ello coincide en el tiempo con el debut  en 2016 de sus dos hijos, Michael y Brian D’Addario, componentes del grupo The Lemon Twigs, quienes han grabado el no menos memorable  “Do Hollywood” para 4AD.  En todos y cada uno de estos trabajos hay infinidad de razones para llevar a esta familia de artistas neoyorquinos  hasta lo más alto de los altares de los fans acérrimos del powerpop. Si bien las canciones del padre obedecen a unos patrones de los sesenta con melodías de ensueño, armonías perfectas, y ritmos envolventes que aportan a lo mejor del género una voz propia, los hijos defienden un producto propio, no menos original,  en el que los matices se corresponden a un cúmulo de referencias posteriores adaptadas a otro modo propio de expresarse quizá más psicodélico y barroco.  Ahora bien, ambos proyectos coinciden en una cosa esencial, el culto irrenunciable a las canciones bonitas que inspiran momentos de una belleza existencial inusitada.

Trayectoria

Ronnie D'Addario

Ronnie D'Addario nació y se crío en Manhattan (Nueva York). Su padre era músico profesional, aunque no llegó a conocerle y su madre le regaló una guitarra en 1964. Ambos compartían la admiración por los Beatles. Tras pasar por varias escuelas,  empieza su carrera musical como músico de estudio tocando la guitarra, el bajo y cantando en varias sesiones. Estuvo en varias bandas y colaboró con Tommy Makem (n. 1932 – d. 2007) cerca de veinte años. Makem fue para él todo un maestro. Ronnie tocaba la guitarra acústica y Tommy el banjo.   Por esa época trabajó en el estudio Dimensional Sounds de Nueva York y en un estudio de cine, Filmsounds. Fue ingeniero de sonido en Folk City para músicos de Greenwich Village, como Rick Danko, Peter Tork, Richard Thompson, Delores Keane y Silly Wizard, entre otros trabajos de sonido y luces. También tocó en muchas bandas irlandesas y produjo a Morning Star, Mary O'Dowd, Danny Quinn, y The Irish Mist.

Uno de sus temas más representativos es “Falling For Love”, canción que grabaron los Carpenters pero que nunca editaron. La mandó en 1981  por correo al sello A&M en Los Ángeles, al agente y al mánager de los Carpenters quienes la grabaron con Karen haciendo una toma de prueba. Después enfermó y murió en 1983 sin grabar una toma final.  No hubo otra toma y nunca fue editada con las voces de los Carpenters. 

Por otra parte, Ronnie es autor de varios proyectos para niños como "Dancin' in the Kitchen," (1998) o  "Try Out a Song" (2002). You are the cosmos ha recuperado en Cd los discos “Take In A Show” (1976), “Falling For Love” (1981) y “Good For You (1983)” más Bonus Tracks, incluídos juntos en un Box Set.  Un total de cuarenta temas de los cuales, se han escogido 12 para editar un vinilo con "The Best of Ronnie D’Addario 1976-1983".  Los discos incluyen las letras de las canciones. El sello zaragozano tiene previsto sacar en un futuro no muy lejano sus más recientes tres álbumes al menos en CD: “The Many Moods of Papa Twig” (2016); “A Very Short Dream” (2015) y “Time Will Tell On You” (2011).

The Lemon Twigs

The Lemon Twigs son una banda formada en Long Island, Nueva York, por los hermanos Brian D’Addario (n. 1998) y Michael D’Addario (n. 1997), ambos cantantes, compositores, y multi-instrumentistas, a los que acompañan en directo Megan Zeankowski al bajo y Danny Ayala (Dr. Danny) a los teclados y coros. Crearon la banda siendo estudiantes en la Hicksville High School de Long Island. Tras un cassette en 2015 “What We Know” (Winspear Records), sacan su disco “Do Hollywood” (4AD 2016) más el single "These Words"/"As Long As We're Together" que venden durante la gira de otoño de ese año.

Las canciones

El disco con lo mejor de Ronnie se abre con “Wait In the Wings” de su segundo disco del que también han escogido en su cara A, “Falling For Love” y "Let Me Just Look At You”. En este mismo lado nos ofrece “Nice Meeting You - Again” y  “Love Stepped Out” del primer trabajo, y “Good For You” del tercero.  La cara B arranca con “It's Spring Too Soon” del primer álbum  y cierra con dos más de ese disco “Take In a Show” más “The Sun Is Out”. Entre medias “Part Time Lovin' Is a Full Time Job” y Thinking Out Loud del tercero, más “I'm On To Something” del segundo. Por lo que respecta a los trabajos completos y autoeditados inicialmente por Homburg Records: en el primer disco de 1976 encontramos nueve canciones con tres bonus tracks, con todos los temas escritos e interpretados por Ronnie.  En el segundo, nos deleitan con doce canciones, más cuatro bonus tracks, en las que cuenta con la ayuda puntual  de Charlie Scibetta a la batería, Sam Burtis al trombón, Jimmy Bralower a la batería, Bill Horowitz al piano, Amanda Ettinger a la flauta, Ed Fox al Piano, Nick lohri a la guitarra, Chris Scotti al bajo y Buddy Zech a la batería. Y en tercero, figuran doce temas interpretados por D’Addario más la ayuda de Fox a la flauta y Amanda Lynne a la narración.

The Lemon Twigs

Por lo que respecta a los Lemon Twigs, éstos han incluido en su disco de debut diez temas, seis en su cara A: “I Wanna Prove To You”, “Those Days Is Comin' Soon”, “Haroomata”, “Baby, Baby”, “These Words”, y “As Long As We're Together”; más cuatro en la B: “How Lucky Am I?”, “Hi+Lo”, “Frank”, y “A Great Snake”. S u padre solo ha colaborado haciendo la mezcla de  “How Lucky Am I?” aunque padre e hijos contrastan opiniones mutuamente sobre los nuevos temas.  Ronnie les enseñó a usar su equipo de grabación. Jonathan Rado, de Foxygen, les produjo y grabó en Los Ángeles, aparte de tocar la guitarra solista en el tema “Baby,baby”. Brian mezcló el disco en su estudio casero.

Reflexión final:

The Lemon Twigs

Analizando de forma conjunta la obra de los D’Addario, padre e hijos, me parece relevante destacar, aunque resulte evidente, que no se atisba ningún abismo generacional por lo que respecta a los parámetros musicales de ambos proyectos. Pasado y presente tienen un firme nexo de unión y ese punto de encuentro no es otro que el pop de canciones bien hechas con melodías  conmovedoras.  Ambas propuestas responden a un trabajo pormenorizado, ciertamente original, que absorbe toda la relevancia sublime y conceptual de las raíces sixties, aunque en el caso de Ronnie primen más quizá las armonías  y, en el de sus hijos, los momentos más psicodélicos, por establecer alguna distancia conceptual.

Ronnie D'Addario

Ahora bien, eso no implica en absoluto que el progenitor necesite del triunfo de los hijos para ser reconocido, como tampoco que los vástagos, tengan que recurrir al padre para ser reverenciados en justicia.  Cada uno de ellos tiene una entidad propia que, como buena que familia que son, comparten con muy bien criterio aunque sin interferirse para nada.  Si bien en un primer momento las hordas y medios “indies” se relamieron los labios de carmín al oír su tema de los Lemon Twigs,  “As Long As We're Together”, como si de la nueva esperanza glam se tratara, ahora parece que andan un tanto decepcionados con su, a nuestro parecer magnífico,  “Do Hollywood”. Incluso hay quien se atreve a llamarles “antiguos” porque suenan a los sesenta.  Estupideces al margen, queda muy claro que este dúo de hermanos, con veinte años de edad, aportan un modo de componer propio que les distingue y en ese periplo, del que esperamos grandes obras, van a contar con la inestimable opinión de todo un maestro que también seguirá, por su parte, en la brecha aportando otras genialidades como las que nos ofrece You are the Cosmos en este recopilatorio que recupera gran parte de su esencial discográfica.   

Nota: Puedes adquirir los discos de Ronnie D'Addario en la web de You are The Cosmos. Puedes leer una entrevista en castellano a Ronnie en LaPoplife. Más información de los Lemon Twigs en el sello 4AD.