jueves, 30 de junio de 2016

La Ruth Baker Band y su “Changing My Way”, fusión de rock y soul que genera una elevada carga energética

Portada
Se entiende la fusión como la mezcla de dos o más estilos con el propósito de dar vida a un proyecto artístico en el que confluya lo mejor de cada uno. Aunque visto así de simple es probable que, si no se aporta una visión propia y original, acabe por generar un potaje de ideas inconexas que no logren la deseada simbiosis aunque sean producto de un voluntarioso esfuerzo creativo. La amalgama de criterios es, evidentemente, mucho más; no está exenta de riesgo  y debe ser imprevisible, incluso provocativa. Para que nos entendamos: fusionar implica un prolífico festejo entre géneros como el que, por ejemplo, nos ofrece la Ruth Baker Band mediante su primer disco autoeditado y titulado “Changing My Way”.  Con una cantante de descomunal voz, forjada con el arte de las grandes divas del soul y el blues, más una sensacional banda capaz de procurarnos una descarga ardiente y eléctrica de riffs poderosos, este combo de Castellón han logrado entusiasmarnos con sus absorbentes canciones de rock and roll y soul. Temas propios en los que se pone de manifiesto que el proceso irrefutable de la ansiada fusión bien entendida, pasa necesariamente por la fisión del núcleo liberando una enorme carga de energía. 
 
Trayectoria 

Ruth Baker Band. Foto de su facebook. 
La banda está formada por Ruth Baker (voz principal), Nacho Fandos (guitarra y voz), Iván Chabrera (guitarra rítmica), David Franch (bajo), y Carlos Cruz (batería).  Son músicos experimentados  que han tocado en bandas como Los Búhos, Ultimabala, Skizophonic, The Electric Ones o Cover Shop.  Se crea en Castellón  Han tocado en festivales como el Sixties Rock Weekend, Four On The Road, Festival de Blues de Benicàssim o Pro Weekend, y han sido escogidos para tocar en la próxima edición del FIB (del 14 al 17 de julio en Benicàssim), concretamente en el escenario FIB Club, dentro de la programación que ha preparado la sala Razzmatazz. 

Ruth Baker Band. Foto de su facebook
El CD “Changing my way” se grabó en la Burbuja estudios con Nacho Fandos quien también lo ha mezclado, y producido con la ayuda de Iván Chabrera. Los temas son propios de Chabrera, Fandos y Jiménez. El libreto incluye las letras de los temas más fotos de Manuel Peris y Batiste Safont, y el sensual artwork es de Clara Guilella.   Para la grabación contaron con la colaboración de María Pascual (Los Búhos) al órgano Hammond y piano, más Javi Gascón al trombón. Cabe destacar que han grabado un videoclip del tema “Shake” dirigido por Coco Work, y que en 2015 obtuvieron el tercer puesto en la primera edición del concurso Dipcas Music Festival. También han preparado una versión del tema “You Let Me Down” de Spencer Jones del grupo australiano Beasts of Bourbon para incluirla en un recopilatorio editado por el sello francés Beast Records que se distribuirá por Europa, Asia, Australia y Estados Unidos.

Las canciones 

Ruth Baker Band. Foto de su faceboo.
El disco empieza con “Changing My Way”, tema que le confiere nombre genérico al disco, en el que se suman gran parte de los excelentes recursos instrumentales de esta potente banda. “Buscando el amor sin cambiar la forma de ser”, a modo de resumen de una letra cantada con una potencia deslumbrante a cargo de su magnífica cantante solista.   Tras un breve inciso acústico, descarga la maquinaria con grandioso trombón, guitarras fascinantes y una base rítmica sensacional. No faltan detalles de cualidad a cargo de piano y órgano, más riffs de R&B combinados con trallazos de hard rock de auténtica antología con algún que otro solo de guitarra ciertamente espectacular. Le sigue “In My Soul”, tema bailable en el que se conjuran brillantes momentos de soul con andanadas de rock aunando una capacidad desbordante para dejarnos anonadados mediante una habilidad para recrear melodías conmovedoras. Un tema vital y entregado que nos lleva a esos “Boys & Girls”, otra muestra de resistencia contra el conformismo, una canción para vivir la vida y cambiar todo lo que no nos gusta con el propósito de ser libres. Sensacionales juegos de guitarras rítmicas y solistas apoyando a la voz principal nos envuelven en un vendaval de sensaciones realmente espectacular. Ritmos de funk salvaje completan esta maravilla sonora en la que no faltan solos de eléctrica que ponen los pelos de punta, crescendos descomunales y, por supuesto, esa voz principal de auténtica diva del rock and soul. 

Ruth Baker Band. Foto de su facebook.
Le sigue “Walking Alone”, tremenda balada para seres solitarios, en la que la banda se muestra especialmente sensible para dar vida a esos arreglos que desprenden una intensidad excepcional sobre los que se lucen, una vez más, Ruth con su amplio recurso vocal más ese solo hiriente de guitarra eléctrica. Mención especial también para la sección rítmica que marca el tempo con una seguridad excepcional. Por su parte, “Special Night” confiere al disco un nuevo golpe de efecto gentileza de esas raíces sixties que la banda expone con solvencia y entrega y en las que se suman los efectos melódicos del beat con el soul de las bandas Motown.  En este caso, el trombón y guitarra interpretan un coro que desemboca en un glorioso acelerando final. Y de esa noche especial a otra sacudida sustancial de blues ultra convincente donde las guitarras dibujan recorridos salvajes acompañados por la proverbial sección rítmica. De nuevo, otro solo de guitarra convincente y la gran voz de Ruth luchando contra las adversidades de la realidad cotidiana. 

Ruth Baker Band
De este modo llegamos a “Love”, tremendo tema en el que se mezcla el funk con el hard rock  dando forma a un excelente corte, tan siniestro como aguerrido, en el que las guitarras se muestran especialmente inspiradas para dar forma a una concepción rítmica brillante e inusual en una canción de corazones rotos y amores pasionales.  Termina el disco con “Shake”, una maravilla final que arranca con la sección rítmica de bajo y batería compenetrados al milímetro a los que se suman varios riffs de guitarras y por último la voz de Ruth. Juntos dan forma a una magnífica canción de R&B que, como las anteriores, pide a gritos el directo, convencidos de que en vivo adquirirán una dimensión estratosférica.  

Completa el disco algunas tomas alternativas de los temas “In my soul”, producido por Andy Moore y Sam Agostino de los Digger & The Pussycats; “Love” producido por Harry Up!; y “Changing my way” producido por Andy Crofts (The Moons, Paul Weller).  

Reflexión final

Ruth Baker Band. Foto de su facebook.
A priori, es posible que la fórmula musical genérica de la Ruth Baker Band no sea desconocida para los amantes del rock and roll y el soul. Si tomas la decisión de acompañarles en su periplo artístico, estoy convencido de que no vas a tardar en percatarte que, para llegar hasta aquí, sus componentes han dado muchas vueltas enriquecedoras con diferentes proyectos. Esas sendas musicales recorridas con notables resultados, les permiten cantar, tocar y componer con la propiedad de los grandes. Por ello, es necesario remarcar que su proyecto nace de la experiencia pero con el propósito de ir más allá de lo previsible. Les avala esa destreza indudable pero también una imaginación desbordante para recrear sus referentes con el propósito de congeniar ideas diversas que se complementan engrasadas, sin fisuras, fascinantes de principio a fin. Entre descargas eléctricas y la sensualidad de su excelente cantante solista, logran que el título genérico de este álbum “Changing My Way” sea susceptible de aplicarse a la concepción que pudieras tener hasta el momento de la fusión entre el rock and roll y el soul. Sus canciones van a sobrecogerte, te invitarán al baile, te inhibirán de la absurda realidad cotidiana, y lograrán emocionarte con sucesivos trallazos de hard tock, desgarros del alma propios del soul y una entrega absoluta que les distingue como una de las mejores bandas de nuestra escena.  

Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp

Fallece el bajista Rob Wasserman

Rob Wasserman
El californiano Rob Wasserman nació en 1952 y falleció el pasado 29 de junio de 2016. Prestigioso bajista de rock y jazz, colaboró con músicos como Lou Reed, Bob Weir, Jerry García, Bruce Cockburn, Van Morrison, Rickie Lee Jones, Brian Wilson, Elvis Costello, Mark Morris, Aaron Neville, Chris Whitley, Studs Terkel, Pete Seeger, Neil Young, Ani DiFranco, Banyan y Oingo Boingo, entre otros.  A su nombre también grabó varios discos formando la trilogía de “Solo”, “Duets”, y “Trios”.

Wasserman empezó tocando el violín y luego se pasó al bajo eléctrico y contrabajo.  Estudió en el conservatorio de música de San Francisco y entre sus primeras colaboraciones figuran grabaciones  con María Muldaur, Oingo Boingo y Van Morrison en su disco de 1982 “Beautiful Vision”.  Al año siguiente sacó su disco “Solo” producido por David Grisman.  Le siguieron otros discos a su nombre como “Duets” (1988) y “Trios” (1994).  

Como principals colaboraciones destacan el disco “Flying Cowboys” (1989) de Rickie Lee Jones; el “New York” (1989) de Lou Reed; el “Mighty Like a Rose” (1990) de Elvis Costello; el “Magic and Loss” (1992) de Lou Reed; el “Naked Songs” (1995) de Rickie Lee Jones; el “The Charity of the Night” (1996) de Bruce Cockburn; y el “Lulu” (2011) de Lou Reed y Metallica.  También colaboró con Bobby McFerrin, Cheryl Bentyne, Stéphane Grappelli, Jerry García, Brian and Carnie Wilson, Al Duncan, Willie Dixon, y Branford Marsalis, entre otros. 

Rob Wasserman
En 1997 grabó un disco en directo con  Bob Weir de los Grateful Dead, y durante la década de los dos mil trabajó en el disco “Space Island”, donde introdujo la música contemporánea, así como varios álbumes con el grupo RatDog.  En 2005 sacó un disco a su nombre llamado “Cosmic Farm” y en 2011 un álbum de duetos. Su hermana la cantante Cindy Wasserman, forma parte de la banda Dead Rock West, y Sara Wasserman, su hija, también es cantante. Rob colaboró en el disco de los Dead Rock West, “It's Everly Time!” de 2015. 

Documento sonoro: 

Bob Weir y Rob Wasserman en directo. 


Rob tocando con Lou Reed. 


miércoles, 29 de junio de 2016

Muere Scotty Moore, guitarrista pionero del rock and roll

Scotty Moore
Winfield Scott Moore III nació el 27 de diciembre de 1931 en Gadsden, Tennessee, y falleció el 28 de junio de 2016 en Nashville, Tennessee. Guitarrista e ingeniero de sonido, es conocido por haber formado parte de la banda de Elvis Presley desde sus inicios en 1954 hasta 1958, colaborando con el Rey del Rock a principios de los sesenta como músico de sesión. Forma parte del Rock and Roll Hall of Fame desde 2000 y del Memphis Music Hall of Fame a partir de 2015. 

Con Elvis
Comenzó a  tocar la guitarra a los 8 años. Se enroló en la Marina en 1948 hasta 1952, y luego se estableció en Memphis. Formó parte de un grupo llamado Starlite Wranglers y Sam Phillips, de Sun Records, le puso a tocar con un joven talento llamado Elvis Presley, más el contrabajo de su compañero de banda, Bill Black. El 5 de julio de 1954  Elvis, Moore y Black entraron a grabar en el estudio de Sun.  Durante esa sesión surgió la versión del “That’s All Right (Mama)” de Arthur “Big Boy” Crudup, con el que iniciaron la leyenda. Después se les uniría el baterista D.J. Fontana.

Scotty Moore tocó en casi todas las canciones de Elvis de los primeros años, y fue su manager personal durante esos años.  Grabó "That's All Right", "Good Rockin' Tonight", "Milk Cow Blues Boogie", "Baby Let's Play House", "Heartbreak Hotel", "Mystery Train", "Blue Suede Shoes", "Hound Dog", "Too Much", "Jailhouse Rock" y "Hard Headed Woman", entre otras. También participó en las películas “Loving You”, “Jailhouse Rock”, “King Creole” y “G.I. Blues” filmadas en 1957, 1958 y 1960.

Scotty Moore
En 1958 Moore trabajó para Fernwood Records y produjo el disco "Tragedy" de Thomas Wayne Perkins, hermano del guitarrista de Johnny Cash,  Luther Perkins. Ya en 1960 tocó en las sesiones de RCA de Elvis grabando como músico de sesión las canciones "Fame And Fortune", "Such A Night", "Frankfort Special", "Surrender", "I Feel So Bad", "Rock-A-Hula Baby", "Kiss Me Quick", "Good Luck Charm", "She's Not You", "(You're The) Devil in Disguise" y "Bossa Nova Baby".  En 1964 grabó un disco a su nombre con el título de “The Guitar That Changed the World”. Elvis y Moore tocaron juntos por última vez en el especial de televisión “68 Comeback Special” de 1968. 

Moore creó su propio estudio, Music City Recorders, en Nashville, y colaboraría con otros grandes como Carl Perkins, Ringo Starr, Ronnie Wood, Levon Helm y Jeff Beck. Fue coautor de los temas "My Kind of Carrying On" y "Now She Cares No More" editados por Sun Records en 1954 cuando era miembro del grupo Doug Poindexter and the Starlite Wranglers con Bill Black como bajista. También coescribió el instrumental "Have Guitar Will Travel" en 1958 con Bill Black, editado por Fernwood Records. 

Documentos sonoros: 

"Hound Dog", Scotty Moore a la guitarra con Elvis Presley. 
 

 "Have Guitar Will Travel" a cargo del tro de Scotty Moore. 


martes, 28 de junio de 2016

Muere Mack Rice de los Falcons y autor de “Mustang Sally"

Mack Rice 
Bonny " Sir Mack" Rice nació el 10 de noviembre de 1933 en Clarksdale, Mississippi y falleció el 27 de junio de 2016 en su casa de Detroit por complicaciones de la enfermedad de Alzheimer.  Cantante y compositor formó parte del grupo de doo wop The Falcons y es el autor del famoso éxito “Mustang sally” así como coautor del tema "Respect Yourself", entre muchos otros. Fue de los pocos músicos que trabajaron para Motown y Stax.   Se calcula que compuso más de 400 canciones de R&B, muchas de ellas éxitos en las listas.  

The Falcons
Empezó formando parte de la banda de doo wop con base en Detroit, The Five Scalders en 1956 y al año siguiente entró a formar parte de The Falcons desde 1957 a 1963, grupo en el que también estuvieron Eddie Floyd (1955-1963), Wilson Pickett (1960-1963) y Joe Stubbs (1957-1960).  Coincidió con Lance Finnie (1957-1963) y Robert Ward (1957-1963). El grupo se había creado en 1955 grabando con el sello Mercury Records tras el que se pasaron en 1956 a Lupine Records grabando los temas  "You're So Fine" (1959) y "I Found A Love" (1962).  Originalmente, The Falcons estaba formado por Eddie Floyd (1955-1963), Bob Manardo (1955-1957), Arnett Robinson (1955-1957), Tom Shetler (1955-1957) y Willie Schofield (1955-1963).

The Falcons
Con Stubbs grabaron exitos como "Just For Your Love" (1959) y "The Teacher" (1960), antes de que le reemplazara Wilson Pickett en 1960. Tras 1963, se convierten en los Fabolous Playboys con Carlis 'Sonny' Monroe, James Gibson, Johnny Alvin y Alton Hollowell consiguiendo un éxito en 1966 con el tema "Standing On Guard".

Marc Rice siguió cantando en solitario pero sus mayores éxitos los tuvo escribiendo canciones para otros. Trabajó tanto con Motown como con Stax siendo uno de los pocos músicos que estuvieron en los dos grandes sellos. En 1967 empezó grabando para Stax y en 1968 para Atco. Consiguió dos grandes hits con los temas "Mustang Sally", con el que llegó al puesto número 15 de la lista de R&B en 1965, y "Coal Man", llegando al puesto 48 en la lista de soul de 1969. Como todo el mundo sabe, "Mustang Sally" llegó a tener mayor repercusión interpretada por Wilson Pickett en 1966. 

Mack Rice
Muchos de sus temas fueron un hit cantados por otros como "Respect Yourself", por Staple Singers, así como una larga lista de canciones como "Betcha Can't Kiss Me (Just One Time)", "Cheaper to Keep Her", "Cadillac Assembly Line", "Money Talks", "Cold Women With Warm Hearts", "Do the Funky Penguin, Pt. 1", "It Sho Ain't Me", y "Santa Claus Wants Some Lovin'". Fueron interpretadas por Ike and Tina Turner, Albert King, Johnnie Taylor, Shirley Brown, Rufus Thomas, Etta James, Billy Eckstine, Eddie Floyd, Buddy Guy, The Rascals, The Kingsmen, Albert Collins, Busta Rhymes, Lynyrd Skynyrd, Otis Clay y The Blues Brothers. También formó parte del grupo de gospel a finales de los sesenta, Ollie & The Nightingales.

En 1977 grabó el disco “I Made Music” y en 1992, acompañado por The Dynatones, Rice sacó un disco “Right Now” para Blue Suit Records, grabado y mezclado por Steve Scharren en Scharren Studios de Toledo, Ohio. En ese disco reinterpretó algunas de sus mejores canciones. Siguio cantando y grabando hasta la actualidad.   


 Documentos sonoros: 

Mack Rice cantando "Baby I'm coming Home" en 1962 para Lu Pine. 


Sir Mack Rice interpretando su tema "Mustang Sally". 


Los Antideslizantes surfean entre persuasivos aromas “instro” ilicitanos en su Ep de debut con "Final Feliz”

Portada 
Los Antideslizantes son una banda de rock and roll formada en Elche hace un par de años. A finales de 2015,  Discos El Carmen, les editaba un Ep de magníficas canciones instrumentales: dos de propias más dos sorprendentes adaptaciones al lenguaje del surf and roll. Cuatro temas deslumbrantes que te  descubrirán a un cuarteto imaginativo y habilidoso, con las ideas muy claras y una fructífera compenetración entre sus cuatro componentes. “Final Feliz” es el nombre genérico de tan sorprendente trabajo y el título de uno de los temas originales del disco en el que también  vas a bailar al ritmo de los “Skeletronics” o te emocionarás con dos brillantes versiones del himno “Aromas Ilicitanos” y del  “Attends ou va-te’n” de Serge Gainsbourg.      

Trayectoria

Los Antideslizantes. Foto de su facebook. 
Los Antideslizantes son Álex Román a la guitarra, Santi Díez al bajo, Javier Agulló a la batería, y  Guillermo Gabe a la trompeta.  El disco fue grabado y mezclado en Harrisound con producción de su responsable Álex   Román. El artwork con ese surfista australiano de los setenta es de Nastiplastic. Se forman en Elche en 2014. Alex Román creó por entonces las dos versiones incluidas en este Ep y tras el gran éxito local que consiguen, decide formar un grupo de instro surf.  Como sabes, es el responsable del prestigioso estudio Harri Sound y toca el bajo en proyectos paralelos como  Vocoder, aparte de haber sido baterista de The Bikinis.  El bajista Santi tocaba en los Camons, grupo de punk pop que ya no está en activo.  Por su parte el baterista Javi toca en otra banda de versiones llamada Palm Street.  Desde su creación, la banda ha cosechado buenas críticas y ha presentado en directo los temas con excelentes resultados.  

Las canciones

Los Antideslizantes. Foto de su facebook 
“Final Feliz” arranca con el toque solemne de la trompeta que da paso a la ágil y cautivadora guitarra arropada por una sección rítmica de lujo. Acordes que se descuelgan con suma prestancia más punteos precisos que se compenetran con la melódica y mediterránea trompeta. Solos de gran belleza que nos embelesan de principio a fin y que dan paso al segundo corte de la cara A, esa versión estratosférica de “Attends ou va-te’n”, canción de Serge Gainsbourg que interpretaría en 1965 France Gall, muy conocida entre los seguidores del rock and roll por ser la sintonía del programa “Flor de Pasión” de Juan de Pablos, en su adaptación instrumental de Paul Mauriat.  Los Antideslizantes aportan un toque profundo  con ese persuasivo ritmo de tambores más el bombardeo de bajo y esa envolvente guitarra que va desgranando la melodía  principal con fiereza.   
       
En directo. Foto de su facebook
Ya en la cara B nos ofrecen otro tema propio con el título genérico de “Skeletronics”. En esta ocasión nos brindan un tema más pop, con aires de banda sonora, en el que se entremezclan varias figuras instrumentales con una soltura exquisita. Simulan un juego armónico  de esqueletos repiqueteando en la oscuridad, entre sutiles cambios rítmicos, y acordes mordaces entre pedales atmosféricos de trompeta; todo ello respaldado por un bajo y una batería meticulosos.   

“Aromas Ilicitanos”, cierra el Ep.  Se trata de una popular habanera de  Francisco Ibarra Cascales (música) y Francisco Mendiola Ibarra (letra) que se compuso en 1951 y que, con el tiempo, se ha convertido en himno de los aficionados del club de fútbol del Elche quienes lo suelen cantar al inicio de los encuentros de su equipo. 65 años después, en manos de los Antideslizantes, adquiere una potencia inusitada al trasladar su atractivo melódico al instro surf con esa guitarra que “reverbera” con suma pasión tras la entrada de la emotiva trompeta. Dos solistas de excepción acompañados por ese perseverante e imprescindible ritmo de batería y bajo.  

Reflexión final

Foto: Utopía Bohemia 
Lo que empezó siendo una necesidad artística personal de Alex Román adaptando un par de temas conocidos a los modos instrumentales de las bandas de surf de principios de los sesenta, se ha convertido, tras una buena acogida local, en un proyecto sólido de banda que engrandece notablemente nuestra inmejorable escena de surf and roll. Incluso han llegado hasta nuestros oídos creibles comentarios laudatorios sobre sus convincentes directos. Los Antideslizantes son un combo imaginativo, compuesto por músicos hábiles que parecen entenderse a la perfección a tenor de lo escuchado en este magnífico Ep que nos presentan.  Acaban de empezar su trayecoria, que esperemos sea larga y fructífera, con este “Final feliz”, título de un Ep que desprende esa vitalidad mediterránea, entre veraniega y canalla, de las cosas bien hechas, trabajadas y repletas de sensaciones a flor de piel.  Estamos convencidos que sus melodías envolventes y sus tempos bailables lograrán hacerte mover el “esqueleto” al ritmo de excelentes arreglos con profundos aromas “instro” licitanos.                      

Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp.  También está a la venta en la web de Discos El Carmen.
    

lunes, 27 de junio de 2016

Muere el baterista Jerome Teasley, de Jr. Walker & the All Stars

Jerome Teasley 
Jerome Teasley naciò el 13 de agosto de 1948 y falleció en el Hospital St. Joseph en Phoenix, Arizona, el 16 de junio de 2016, a consecuencia del cáncer que padecía. Baterista de soul formó parte de la plantilla de la Motown y de la banda de Junior Walker and the All Stars. También trabajó con Al Green, Jimi Hendrix, Wilson Pickett, Tina Turner, Bill Carr, Sonny Stitt y muchos más.

Con solo 16 años estuvo tocando la batería para Wilson Pickett. Teasley se unió a la banda de Motown, Jr. Walker a finales de los sesenta, tocando en el album “Home Cookin” (1969) donde está una de sus  canciones más conocida “What Does It Take (To Win Your Love)”. Aunque dejó la banda, volvería a tocar con ellos en años posteriors hasta 2004.  Desde finales de los sesenta y setenta, Teasley se convirtió en uno de los bateristas de estudio de más prestigio reclamado por innumerables estrellas de soul y funk.     

Jerome tocó la batería en el disco de debut de Al Green “Back Up Train” (1967) al tiempo que actuó en directo o grabó con las bandas de Ike and Tina Turner, Jimi Hendrix y Sonny Stitt. También formó parte de la banda de la cantante de blues  Janiva Magness, The Mojomatics. En los ochenta, Teasley dejó Detroit y se estableció en Phoenix donde solía tocar en clubs. 

Documentos sonoros: 

“What Does It Take (To Win Your Love)” a cargo de Jr. Walker & the All Stars.
  


Fallece Ralph Stanley, leyenda del bluegrass

Ralph Stanley
Ralph Edmund Stanley, conocido como el Dr. Ralph Stanley, nació en Big Spraddle, Virginia el 25 de febrero de 1927 y falleció el 23 de junio de 2016 en Sandy Ridge, Virginia, a consecuencia del cáncer.  Cantante y banjista, fue uno de los intérpretes más grandes del bluegrass iniciando su carrera en 1946 con su hermano Carter con el que creó The Stanley Brothers, y después acompañados por los Clinch Mountain Boys. Tras la muerte de Carter a mediados de los sesenta, Ralph siguió adelante con la banda llegando a compartir las voces principales con su hijo. Forma parte del Hall of Fame del Bluegrass y compuso más de 200 canciones a lo largo de su carrera. 

The Stanley Brothers

Nació y creció en una zona rural del suroeste de Virginia, en un lugar llamado  Big Spraddle, de donde se trasladó en 1936 al condado de Dickenson. Su padre no tocaba ningún instrumento pero les cantaba a menudo canciones de iglesia. Tuvo su primer banjo de cinco cuerdas siendo adolescente y lo aprendió con el sistema “clawhammer” en el que las cuerdas se tocan rasgando hacia abajo. Su madre lo tocaba al igual que sus 11 hermanos y hermanas. Se graduó en la escuela secundaria el 2 de mayo de 1945 y se alistó  en el Ejército el 16 de mayo del mismo año, donde sirvió poco más de doce meses.  Tras volver a casa empezó a actuar. Por entonces, su hermano Carter estaba tocando y cantando con Roy Sykes and the Blue Ridge Mountain Boys.  

The Stanley Brothers
Tras considerar la posibilidad de estudiar veterinaria, decidió unirse a tocar con su hermano mayor Carter Stanley (1925-1966), quien tocaba la guitarra, en los Clinch Mountain Boys en 1946.  Interpretaban canciones de la zona con  dulces armonías en las estaciones de radio locales.  Su principal referente fue Bill Monroe pero, entre 1947 y 1948, escribió más o menos unas 20 melodías de banjo, al tiempo que  Carter compuso otras tantas canciones. Cuando firmaron con Columbia Records como The Stanley Brothers, Bill Monroe dejó el sello y se unió a Decca. Más tarde, Carter volvería  a cantar para el "Padre de Bluegrass", Bill Monroe. Los hermanos Stanley fusionaron los ritmos de Monroe con canciones folclóricas de bandas como The Carter Family, también de Virginia.  Cantaban con una armonía en la que intervenían la voz solista de Carter, el tenor de Ralph y otra más alta cantada por Pee Wee Lambert. Entre sus mejores temas destacan “The Lonesome River”,  “White Dove”  o  “Man of Constant Sorrow”, canción que Bob Dylan también grabó en los años sesenta.

Ralph Stanley
Los Stanley Brothers se unieron a King Records a finales de los cincuenta, una compañía de la que formaba parte entonces James Brown. De hecho, James Brown y su banda estaban en el estudio cuando los Stanley Brothers grabaron "Finger Poppin 'Time". Ralph y Carter tocaron como los Stanley Brothers con su banda, The Clinch Mountain Boys, de 1946 a 1966. Ralph mantuvo el nombre de la banda cuando continuó como solista después de la muerte de Carter, hasta la actualidad.
Tras la muerte de Carter por complicaciones de la cirrosis en 1966,  Ralph se enfrentó a la  difícil decisión de continuar. Al final se decidió por seguir con los Clinch Mountain Boys entre los que figuraban músicos de prestigio como  Larry Sparks, Roy Lee Centers, Charlie Sizemore, Jack Cooke, Keith Whitley y Ricky Skaggs.  Con el tiempo, su hijo, Ralph Stanley II, asumió el papel de cantante principal y guitarrista rítmico.  Stanley ganó el Grammy por la banda sonora de “O Brother, Where Art Thou?” (2000) de los hermanos Coen. 

Documento sonoro: 

The Stanley Brothers interpretando "The Rank Stranger".


Ralph Stanley y "Ill fly away". 


domingo, 26 de junio de 2016

Those Pretty Wrongs, auténtica luminosidad pop folk tras la noche de San Juan en el Continental de Barcelona

Those Pretty Wrongs. Foto: Eva Ferrera
Los propios Those Pretty Wrongs consideran que su disco es "como un sol brillando después de una lluvia larga y dura". Pues bien, parafraseando sus propias impresiones, su concierto en la sala Continental de Barcelona del pasado 25 de junio de 2016, dentro de la gira organizada por el sello aragonés You are The Cosmos, tuvo esa luminosidad extraordinaria que inspira una paz contagiosa tras la intenaa y azarosa noche de San Juan. El que fuera baterista de los Big Star, Jody Stephens, más el no menos prestigioso músico californiano Luther Russell, nos ofrecieron un concierto fantástico, rico en matices vocales y con una amplitud de recursos a la guitarra ciertamente destacable.  Mientras Stephens nos deleitaba con su voz, serena, entre frágil y tierna, su compañero Russell aportaba coros muy bien ensamblados con la línea solista al tiempo que se las ingeniaba para ofrecernos un amplio muestrario de cambios de acordes, en múltiples posibilidades y variantes, recorriendo el mástil de su guitarra de doce cuerdas con destreza, imaginación y una ejecución memorable.


Those Pretty Wrongs. Foto: Eva Ferrera
Abrieron con uno de los mejores temas de su Lp, “Ordinary”, precisamente el primer corte de ese gran disco y quizá uno de los más emotivos. Una canción en la que nos recuerdan que son, precisamente, esas cosas más cotidianas las que más notamos en falta cuando perdemos a un ser querido o pasa éste por alguna dificultad transitoria. En su caso, contado por el propio Jody, la canción se inspiró en una mascota, un perro que enfermó. De ese álbum sonó todo el resto de canciones si no me falla la cuenta. La gran mayoría de ellas son una conjunción extraordinaria de pop y folk, con influencias claras de los Big Star, y en especial con el referente clave de Alex Chilton como principal inspirador. Precisamente nos regalaron un par de versiones de esa legendaria banda de powerpop que contribuyeron notablemente a cautivar definitivamente a la treintena de personas congregadas en la sala.  Acabaron el concierto con el "Way Out West"  del disco de los Big  Star de 1974, “Radio City” y arrancaron el bis con el “Thirteen” del “#1 Record” de 1972. 



Those Pretty Wrongs. Foto: Eva Ferrera
Sin embargo, su microuniverso va más allá de rememorar el muestrario de los ya tristemente desaparecidos compañeros de Stephens. Los Those Pretty Wrong  aportan su propia creatividad, que no es poca, con fraseos de beat y una pizca de piscodelia. Entre las mejores de sus creaciones, figuran ese “The Cube” con motivos circenses, "Never Goodye" o el fabuloso “Lucky Guy” que fue su primer single y que despierta los sentidos con ese perfecto dominio melódico nada desdeñable que distingue toda su, hasta el momento, obra original.    

Those Pretty Wrongs. Foto: Eva Ferrera
El repertorio mantuvo una línea sonora magnífica que nos embelesó, de principio a fin, y nos arropó entre arpegios muy bien ejecutados, juegos vocales extraordinariamente bien definidos y sobre todo afinados,  más algunos riffs de calidad que aportaban los consiguientes modos americanos con los que redondearon un concierto extraordinario de pop poderoso con detalles folk, o si lo prefieres al revés, de ese folk intimista con sonoridades pop. En resumidas cuentas, canciones bonitas muy bien intepretadas que no solo funcionan en el magnífico formato de dúo en el que han sido ideadas, sino que también podrían vestirse con arreglos para banda si se terciase  redimensionarlas a ese formato más amplio tal y como puede apreciarse en su disco de debut.  
 

Trayectoria 

Jody Stephens, Foto: Eva Ferrera
Those Pretty Wrongs son Jody Stephens (nacido en Memphis el 4 de octubre de 1952) y Luther Russell (nacido el 30 de noviembre de 1970 en los Ángeles). El nombre lo toman de un soneto de Shakeaspeare en el que dice en su priemr verso: "Those pretty wrongs that liberty commits".  Jody Stephens  fue el baterista de los míticos Big Star, más los Golden Smog con los que grabó el disco "Weird Tales" (1998) y algunos temas de "Another Fine Day" (2006) y trabaja en los no menos legendarios estudios Ardent en Memphis. Por su parte Luther Russell lideró la banda The Freewheelers con los que sacó el disco de título homónimo de 1991, "The Freewheelers Play Bob Russell" (Promo LP, 1993), y "Waitin' For George" (1996). Ahora es un prestigioso solista y productor. Luther tiene editados hasta el momento en solitario los discos "Down At Kit's" (Cravedog Records 1999), "Spare Change" ( In Music We Trust 2001), "Repair" (Ungawa, Adrenaline 2007) y "The Invisible Audience" (Grabaciones de Impacto 2011).

Se conocieron en los noventa pero es, a raíz del documental "Big Star: Nothing Can Hurt Me" (2012) dirigido por Drew DeNicola y Olivia Mori, que empezaron a trabajar juntos. Jody le pidió a Luther que le acompañara en algunas presentaciones promocionales del film. Se entendieron muy bien y comenzaron a escribir canciones. Burger Records lanzó el pasado año el 7" con Lucky Guy / Fool Of Myself.  La primera está incluida en su primer Lp, la segunda no.

Luther Russell. Foto: Eva Ferrera
Las 10 canciones de su primer Lp de título homónimo, editado este 2016 por los sellos Ardent Music en Cd y Bruger Records en vinilo, fueron compuestas por Jody Stephens y Luther Russell. Se han grabado en los estudios Ardent con Mike Wilson, usando buena parte del material que en su momento se utilizó para los discos de Big Star, incluyendo el Kit con el que Jody grabó "Radio City" (1974) y "3rd" (1975), así como la guitarra acústica Yamaha de Chris Bell y las eléctricas Gibson 330 usadas para "#1 Record" (1972). Posteriormente se mezcló en Electrosound de Los Angeles, con Jason Hiller y Luther. Han contado con la colaboración de Jason Hiller al bajo, Danny De La Matyr en voz y mellotron, Chris Joyner al acordeón, y el ingeniero de Memphis, Mike Wilson, en el fliscorno. El artwork es de Luther Russell.

Nota: La gira de los Those Pretty Wrongs, gentileza del sello zaragozano You are the cosmos, pasa por el Dabadaba de Donostia el 22 de junio, el 23 en el Nebula Bar de Pamplona, el 24 en el Loco Club de Valencia con Star Trip, el 25 en el Continental.Gràcia de Barcelona, el 26 en Las Armas de Zaragoza,  el 28 en el Café & Pop Torgal de Ourense, el 29 en el Colegio de Abogados de Bilbao y el 30 de junio en el El Sol (Son Estrella Galicia) de Madrid.

Puedes ver más fotos del concierto en el flickr de Eva Ferrera entrando aquí

Fallece Bernie Worrell de los Palliament-Funkadelic y los Talking Heads

Bernie Worrell
George Bernard "Bernie" Worrell, Jr. nació el 19 de abril de 1944 en Long Branch, New Jersey y falleció el 24 de junio de  2016 en Everson, Washington. Pianista muy influente y compositor, se le conocía como "The Wizard of Woo". Fue miembro de los Parliament-Funkadelic, y colaboró con los  Talking Heads durante gran parte de su discografía.  Tuvo varios proyectos propios y el listado de colaboraciones estelares es amplio. Es miembro del Rock and Roll Hall of Fame desde 1997 como componente de los Parliament-Funkadelic.  

Se crió en Plainfield, New Jersey. A los tres años ya empezó a tocar el piano y a los ocho ya había compuesto un concierto.  Estudió en la Juilliard School y en el New England Conservatory of Music donde se licenció en 1967.  En su época de estudiante formó parte de un grupo llamado Chubby & The Turnpikes, también conocido como Tavares o The Tavares Brothers. 

Bernie con los Parliament-Funkadelic
Conoció a George Clinton quien tenía formada la banda de doo-wop The Parliaments. Se unió ellos y se trasladaron a Detroit donde se llamaron Perlamients-Funkadelic.  Clinton regentaba una famosa peluquería en Plainfield donde los Parliaments cantaban doo-wop para los clientes. Los Parliaments fueron el primer grupo de Clinton formado en 1964 que cambió de nombre a Funkadelic por problemas legales con la discográfica. Después se les conocería como P-Funk All Stars. Worrell tocó con ellos el piano y el sintetizador. Fue el segundo que tocó un Moog y es el responsable del sonido de aire futurista de la banda.  Entre sus intervenciones más destacadas están las de los temas  "Mothership Connection (Star Child)" y "Give Up the Funk (Tear the Roof off the Sucker)" del disco “Mothership Connection” (1975),  y "Aqua Boogie" de “Motor Booty Affair” (1978).

Warrell con los Talking Heads
Worrell grabó también en 1978 un álbum en solitario, “All the Woo in the World” respaldado por los miembros de P-Funk.  Cuando la banda se tomó un descanso a principios de los ochenta, Adrian Bellew le reclutó para tocar con los Talking Heads. Aunque nunca formó parte de la banda de forma oficial colaboró con la formación de David Byrne en casi todas sus grabaciones y se le puede ver en directo, por ejemplo, en la película “Stop Making Sense” (1984) dirigida por Jonathan Demme. 

Bernie Warrell
En 1984 produjo y tocó en el disco de Fred Schneider. Desde los ochenta hasta los dos mil Warrell tocó con Bill Laswell, en el disco de Sly and Robbie “Rhythm Killers” y en el de Fela Kuti, “Army Arrangement”.  Creó una banda llamada Bernie Worrell and the Woo Warriors, grabó en varios discos de Jack Bruce, colaboró con Black Jack Johnson, creó con  el bajista  Les Claypool, el guitarrista Buckethead y el baterista Bryan Mantia el grupo Colonel Claypool's Bucket of Bernie Brains y estuvo en el proyecto Baby Elephant entre muchos otros. 

De 2011 a 2015 estuvo tocando en su propia Bernie Worrell Orchestra en la que colaboraron varios músicos como Bootsy Collins, Tina Weymouth, Chris Frantz, Jimmy Destri, Mike Watt, Rah Digga y Gary Lucas.  En 2016 le diagnosticaron un cáncer contra el que estuvo luchando hasta su muerte.

Docunentos sonoros: 

Bernie Warrell en los Parliament-Funkadelic, en directo a mediadosde los setenta.


De la película "Stop Making Sense", Bernie Warrell a los teclados con los Talking Heads.  



La Bernie  Warrell Orchestra en 2011.

miércoles, 22 de junio de 2016

Terrible Min recopila sus demos en un álbum de melodías sensuales y ritmos combativos


Portada
Conocimos a los Terrible Min gracias a la primera de las tres maquetas que, hasta el momento, ha grabado este gran trío de Benidorm formado por músicos experimentados procedentes de combos conocidos más allá del ámbito local. En todas esas demos destacan grandes canciones propias de melodías sensuales y ritmos combativos en las que el power pop, el punk, y el rock and roll se entremezclan para crear su propio universo musical. Para regocijo de sus fans, acaban de autoeditarse, con el sello Pipus Records, un Cd en el que se incluyen esa docena de temas grabados durante los últimos meses, con excelentes resultados, en los estudios Harri Sound de Elche. Bajo un curioso artwork protagonizado por las figuras artísticas de los selknam, pueblo amerindio de la isla Grande de Tierra del Fuego exterminado en el siglo XIX por la codicia de los colonos, los Terrible Men se nos antojan uno de los últimos supervivientes de ese pop poderoso que mantiene viva la llama del rock and roll entre las amenazas de la sociedad mercantilista más pendiente de los perecederos avances tecnológicos que de las enriquecedoras referencias culturales.   
 

Trayectoria

Terrible Min
Los Terrible Min se crean en Benidorm, al acabar el verano de 2014, por Pintaius Basuribus a la batería; Thierry Romain a la guitarra y voces; y Alest Bonobo al bajo y voz principal. El nombre de la banda lo toman de la deidad egipcia Min, el dios de la fertilidad masculina, entre otros poderes mitológicos. Nuestros Terrible Min son: Pedro Delgado (Pintaius Basuribus) que ha formado parte de proyectos como Bastardos, Vickileytones, Blue Vandals o Cromosoma Tres. Thierry Romain es el compositor de todas las canciones y también formó parte de los Blues Vandals. Alest Bonobo es conocido por su anterior formación con el Escuadrón Bonobo, y miembro de otros combos como los Pirañas, los Flain Dog, Cromosoma Tres, 7-11’s, Nº 5, entre otras.


Terrible Min. Foto de su facebook
Tras grabar tres maquetas, la primera comentada aquí, en los estudios Harri Sound de Elche, con Alex Román, acaban de autoeditarse un Cd con sus mejores temas, todos ellos con letra y música de Thierry Romain. En el artwork destacan figuras de los selknam u onas, pueblo amerindio de la isla Grande de Tierra del Fuego, que fueron exterminados por los colonos entra la segunda mitad del siglo XIX y las primeras décadas del siglo XX.

Las canciones

En driecto, foto: Gunila.
Empieza el disco con una infelicidad bajo el título de "Presto". "Tienes que decirle la verdad, que la engañaste, estuvo mal…¿dónde vas?, presto, te mudas de ciudad", canción con bonita melodía a ritmo de punk, mediante riffs imaginativos, un bajo constante y una batería milimétrica. Le sigue "Andás", con guitarra afilada de rock and roll, arropada por una sección rítmica muy bien conjuntada. "Lloverá y sangrará la herida… sigues sin aliento, me importas un pimiento, vivo o muerto". Canciones refugio para los amantes del pop poderoso que toma del punk 77 la fiereza sin perder el valor melódico como se puede comprobar también en el siguiente corte, "Héroe". Sigue asombrando esa excelente combinación de voz principal con arreglos anfetamínicos con algunos detalles solistas dignos de mención incluida la batería. "Dónde vas con esa máscara y las mallas a medio levantar, es una urgencia, vas a demostrar que eres un héroe".

En el estudio de Alex Román
El siguiente corte lleva por título "Tómalo", descarga de sensaciones a ritmo de rock aguerrido y salvaje, repletos de riffs convincentes, más ese imperturbable acompañamiento de bajo y la no menos precisa batería, incluidos cambios de ritmo sensuales… "tómalo, déjalo, tuyo es, mío", desde los que se crecen con una energía desbordante. Le sigue "Mi situación", tema reflexivo con fuerza de punk pop: "dame pasta, muevo pasta.. qué fue de aquel tipo importante, que escalaba puestos… que hacia fortuna sin impunidad.. soy un caradura y me piro a la de tres". Coros de puño en alto ensalzan los estribillos para ser coreados en los entregados directos. Con "Tembló" llegamos a la mitad del Cd. Se trata de un tema más oscuro que evidencia el amplio repertorio de este trio. "Lo bueno es que tu música tembló, oh sí, tu música vino y tembló. Claramente se oía en la oscuridad...". Un tema excelente en el que se suman recursos variados de guitarras trenzadas con bajo y batería con una enorme soltura.

Foto de su facebook.
Arranca la segunda mitad de este Cd con la no menos emocionante "La distancia" y ese crescendo inicial que nos sitúa en una canción de pop que toca la fibra sensible con esa maravilla de melodía y ese magnífico solo de guitarra… "se me complica la vida… sin ti, no hay luz. Me llamas y voy… soy tu admirador, preciosa". Y de un tema cariñoso a otro más "Aturdido" en el que vuelven a emerger esos riffs cortantes de guitarra marca de la casa, entre bajo y batería perseverantes que van "soñando el fin del mundo para este domingo". Siguen dando muestras excelsas de ser audaces creando melodías "al acecho, planeando los tejados del planeta". Terrible Min se convierte en el destino de la madre naturaleza más pop con canciones que despiertan los ánimos como la siguiente. En este caso "La llama", que así se titula, se enciende con arreglos salvajes comandados por un bajo percutiendo en tus sienes, al tiempo que los acordes punk distorsionados te envuelven con una facilidad pasmosa. Con algunos detalles que nos recuerdan el pop más yeyé… "gritarás y repetirás, soy la llama colorada", incluido un peculiar solo de hard rock. Un tema de pasiones desaforadas con momentos instrumentales fascinantes entre gritos y velocidad, que nos invita a repetir su audición una y otra vez.

Foto: Lydina Na
Le sigue "Lo Nuestro", una canción más pop con fascinante melodía y perfecto acompañamiento rítmico de bajo y batería. De nuevo, hace acto de aparición el amor aunque "lo nuestro no es normal". Parafraseando sus versos, no solo les regalamos el benefició de la duda, sino que ponemos toda la cordura del mundo para ensalzar esta gran canción de pop poderoso aderezada con momentos de guitarra cautivadores. El siguiente corte lleva por título "Perdido", otra muestra inequívoca del gran talento de este combo en el que bajo, guitarra y percusión se compenetran con una enorme facilidad para explicarnos una historia personal de superación, con encargo que cumplir, pese a los inconvenientes de la realidad cotidiana y "sin dinero". Y lo consiguen intercalando secuencias de blues mediante otro buen momento de guitarra, magnífica escolta de bajo y aportación exhaustiva como brillante de batería. Cierra el disco "Desubicado" , canción que destaca por la profusión rítmica salvaje con la que miden ese "comentario con tono desubicado" al que hacen referencia en la canción. Un tema de reproches frente a la soberbia de ciertos personajes que se las dan de "eruditos". Añaden otro buen solo de guitarra y magníficos momentos de rock and roll, entre algunos cambios de ritmo, redobles con soltura más crescendos espectaculares.

Reflexión final:


En Terrible Min todo encaja, incluso aquellos detalles que podrían parecernos menos relevantes de su curioso artwork. Un par de ejemplos: El aspecto físico de los selknam era el resultado del mestizaje entre pámpidos, altos y robustos, más los fuéguidos, más bajos y delicados. En la música de esta poderoso trió se suman los detalles de un punk rock más fiero y rítmicamente poderoso, con la melodñia más cautivadora y tierna de un pop conmovedor. Y aún hay más. En la contraportada de este disco, se destaca la imagen de la carta del Tarot, "Le mat" (El Loco). Un hombre camina hacia el futuro apoyándose en un bastón. Lleva un fardo colgado de un palo al hombro, va vestido de bufón y un lobo le intenta morder para frenarle. La carta no lleva número y eso significa que no pertenece a este mundo, que vive al margen de la realidad cotidiana porque ha elegido un camino distinto al previsible. No se me antoja nada más preciso para describir la obra de esta magnífico grupo de Benidorm; así que, si quieres comprobarlo, te aconsejamos que acudas a alguno de sus grandes directos o consigas, vía el grupo en su facebook alguna de las copias de este Cd que acaban de editar. No te arrepentirás.

Fallece Wayne Jackson de los Mar-Keys y los Memphis Horns

Wayne Jackson nació el 24 de noviembre de 1941 en West Memphis, Arkansas, y falleció el 21 de junio de 2016 a consecuencia de una insuficiencia cardiaca. Trompetista de R&B y soul formó parte de Mar-Keys, banda de Stax Records, y después de  The Memphis Horns, una de las mejores secciones de metales de la historia de la música negra.  Formando dúo en Mar-Keys con el saxofonista Andrew Love,  grabó con Otis Redding, Sam & Dave, y muchos más.  Ya con los Memphis Horns trabajó con Neil Diamond, Elvis Presley, Al Green, y Dusty Springfield.  Ambos estuvieron de gira con los Doobie Brothers, Jimmy Buffett, Robert Cray, entre numerosos proyectos.  Love falleció a los 70 años en 2012, ese año los Memphis Horns recibieron un Grammy por su trayectoria. 

The Memphis Horns 
Wayne Jackson tocó su primera trompeta a los 11 años.  Los Mar-Keys se formaron con músicos de los Royal Spades.  Originalmente fueron un sexteto pero pasaron a ser un dúo formado por Andre Love y Wayne Jackson. También estuvieron los músicos Ed Logan, James Mitchell, Joe Arnold, Jack Hale, Floyd Newman, Gene "Bowlegs" Miller , Don Nix, Gene Parker, Ben Branch, o Bob Syder, entre otros. Los Mar-Keys grabaron discos como "Last Night"(1961), "Do the Pop-Eye" (1962), el "Bsck to Back" (1967) con Booker T. and The Mg's, "Dqamifiknow" (1969) o "Memphis Experience" (1971). Los Memphis Horns también sacaron discos a su nombre como “Memphis Horns” (1970), ““Horns For Everything” (1972), con Memphis Slim y Canned Heat, “Memphis Heat Blue Star” (1974), “High On Music” (1976), “Get Up & Dance” (1977),  “Band II” (1978) o “Welcome To Memphis” (1979).                  


La trompeta de Wayne Jackson y el saxo de Andrew Love se pueden oír en temas como “Respect” o el “(Sittin' On) The Dock of the Bay” de Otis Redding, “Son Of A Preacher Man” de Dusty Springfield o “Let’s Stay Together” de Al Green. Pero solo son una pequeña muestra de más de cincuenta éxitos de Aretha Franklin, Albert King, Delaney & Bonnie, entre otras formaciones de soul, funk, pop rock o en la película Pulp Fiction.  

Andrew y Wayne
En los ochenta y noventa, Wayne y Andrew trabajaron  con la Robert Cray Band y sacaron varios discos de funk y soul como Strong Persuader (1986); Don't Be Afraid of the Dark (1988); Midnight Stroll (1990); I Was Warned (1992); Sweet Potato Pie (1997). En 1992 sacaron su propio álbum con el título de “Flame Out” producido por su compañero de Stax, Terry Manning. Andrew dejó el proyecto y Jackson más Tom McGinley que tambien había estado en los Memphis grabaron con Neil Young su "Prairie Wind" (2005). En 2007 Wayne se reunió con Jack Hale y McGinley, reformaron los Memphis Horns y colaboraron con el cantante Andrew Jon Thomson para crear su "All Star Superband". Al año siguiente tocaron con los Raconteurs.

Documento sonoro: 

El archiconocido "Last Night" (1961) de los Mar-keys. 

The Memphis Horns y "Soul Bowl".