lunes, 11 de diciembre de 2017

Muere Leon Rhodes de los Texas Troubadours

Leon Rhodes nació el 10 de marzo de 1932 en Dallas y falleció en Nashville, Tennessee el 9 de diciembre de 2017.  Guitarra solista de los Texas Troubadours de Ernest Tubb en la década de los sesenta, formó parte esencial durante décadas de las bandas del Grand Ole Opry y el programa humorístico y country Hee Haw. Está considerado como uno de los más grandes guitarristas de la música americana. Tocaba con una velocidad deslumbrante y una precisión increíble.

Leon Rhodes 
Comenzó a aprender a tocar la guitarra con su hermano mayor a una edad temprana. Su familia no podía permitirse el lujo de conseguirle una guitarra propia, por lo que Rhodes recordaría durante su admisión al Salón de la Fama de la Música Country en 2014, que vendió su cama para comprar una. A la edad de 16 años tocaba en The Big D Jamboree, un programa de música country en la estación de radio de Dallas KRLD-AM. Rhodes grabó con Lefty Frizzell y Ray Price en Texas durante la década de los cincuenta, antes de que Tubb lo contratara para ser el guitarrista principal de los “Trovadores de Texas” en 1960.

Leon Rhodes 
Durante casi siete años, Rhodes tocó con el también guitarrista de Steel guitar Buddy Charleton, el bajista Jack Drake, el baterista Jack Greene y el cantante Cal Smith. Esa configuración de los Texas Trobaudours está considerada como la mejor que tuvo Tubb. Grabó discos ocmo0 "The Family Bible" (1963), o "Country Dance time" (1965). Les dejó en 1966, y se convirtió en miembro de la banda del Grand Ole Opry hasta 1999. Después continuó tocando en el programa de Porter Waggoner y con The Whites.


También trabajó como músico de sesión, apareciendo en grabaciones de Loretta Lynn, George Strait, Reba McEntire, entre otros, y pasó más de 20 años en la  banda del programa humorístico y de country "Hee Haw".  Se retiró en 2014. Ese año, también fue honrado por le Salón de la Fama y el Museo del Country. Le sobrevive su esposa Judi, la pareja habría celebrado su 53 aniversario en enero de 2018, con ocho hijos, 25 nietos y 17 bisnietos.

Documento sonoro: 

Leon Rhodes con los Texas Trobadours 



domingo, 10 de diciembre de 2017

Muere el baterista de jazz, Sunny Murray

Sunny Murray 
James Marcellus Arthur "Sunny" Murray nació el 21 de septiembre de 1936 en Idabel, Oklahoma, y falleció en París, el 8 de diciembre de 2017. Pionero percusionista de free jazz, grabó a su nombre desde mediados de los sesenta y colaboró con otros grandes como Cecil Taylor o Albert Ayler, entre muchos otros.

Murray pasó su juventud en Filadelfia antes de mudarse a Nueva York donde comenzó a tocar con el pianista Cecil Taylor.  Entre otros discos con Taylor tocó en el muy influyente “Nefertiti, the Beautiful One Has Come” grabado en el Café Montmartre de Copenhagen (Dinamarca) grabado el 23 de octubre de 1962, con Jimmy Lyons en el saxo alto.

Murray fue uno de los primeros en renunciar al papel tradicional del batería como exclusivamente medidor del tempo en favor de un juego textural que liberaba al solista de las restricciones del ritmo con una percusión continua. Tras su período con el grupo de Taylor, la influencia de Murray continuó como una parte central del trío del saxofonista tenor Albert Ayler con el que grabó “Spiritual Unity” (1964) con Gary Peacock en el bajo.

Sunny Murray 
Más tarde grabó bajo su propio nombre discos como “ Sunny's Time Now” (1965), “Sunny Murray” (1966)  para ESP-Disk, “Big Chief para EMI/Pathé (1968) y cuando se mudó a Europa en 1969 para BYG Actuel “Homage to Africa”, “Sunshine” y  “An Even Break (Never Give a Sucker)”. En los setenta sacó discos como  “Charred Earth” (1978 Kharma). “Live at Moers-Festival” (1979 Moers), “Aigu-Grave (1979 Marge) con Bobby Few, Alan Silva, Richard Raux, Pablo Sauvage” (1979); en los ochenta “Apple Cores” (1980 Philly Jazz), “Indelicacy” (1987 West Wind) y en los noventa ”13 Steps on Glass” (1996 Enja).

Desde los sesenta grabó con Gil Evans, Jimmy Lyons, David Eyges, Billy Bang,  Khan Jamal, Alexander von Schlippenbach, Cheikh Tidiane Fall y Malachi Favors, Burton Greene y Alan Silva, David Murray, Dave Burrell,  Aki Takase, The Reform Art Unit, Charles Gayle y William Parker, Art Blakey and his Jazz Messengers, Archie Shepp, Gunter Hampel, Sabir Mateen, Christian Brazier, Walter Malli, Kenny Millions, Clifford Thornton, Arthur Doyle, Francois Tusques, Assif Tsahar y Peter Kowald, The Contemporary Jazz Quartet, y Telectu, entre otros.

Documento sonoro: 

Solo de Sunny Murray en 1968. 







Fallece el guitarrista finlandés Sir Christus


Sir Christus
Sir Christus nació con el nombre de Jukka Kristian Mikkonen el 10 de abril de 1978 falleció el 7 de diciembre de 2017. Guitarrista finlandés formó parte de la banda finlandesa de glam y hard rock Negative. Hijo del guitarrista de rock Arwo Mikkonen de los también finlandeses Popeda, quien falleció en 1986 de insuficiencia cardiaca. 

En 2002 entró en los Negative, banda ubicada en Tampere. Lanzaron su primer álbum, “War of Love” en 2003 y al año siguiente, el segundo, “Sweet & Deceitful” más “Anorectic•” (2006). La formación era: Jonne Aaron a la voz, Larry Love a la guitarra, Sir Christus a la guitarra, Snack al teclado, Jay Slammer a la batería, y Antti Anatomy al bajo. Desde el 15 de enero de 2008, Sir Christus ya no era parte de esta banda. Sacaron otros discos como “Karm Killer” (2008) y  “Neon” (2010).


Sir Christus

Formó parte de los SnoWhite, anteriormente conocidos como Blaquarium, banda creada en 2007 por Dino (batería), Purtsi (bajo), Julius (voz) y Vode (guitarra). En junio de 2008 Rafaello (guitarra) se unió a la banda.  Al poco Vode decidió irse y entró Christus hasta enero de 2010. Christus tenía un proyecto paralelo desde otoño de 2007 que se llamaba Black Jesus, también conocido como Black Jezus. Por esa banda pasaron Madbone Macceus a la voz, Sir General Christus a la guitarra más coros, El Rafaello  a la guitarra, Jimmie Sweat al bajo, y E.Ådolf Maniac II a la batería. Después formó parte del proyecto de su hermano Matthau Mikojan. 

Antes de Negative Christus estuvo en Bloodpit de 2000-2002, tocando la guitarra baja. En Bloodpit usó el nombre artístico de Christian Grigory. Además pasó por Lavasäteily, entreo tras formaciones como  Korbamosh, Ripuli, Lovebuzz, Bonemachine, Light honey pea, Lovemachine, Kuusinen, Claudio & sateenvarjolakanat, o The Salvation.

Entre sus fans era muy conocido también por su guitarra llamada Pink Lady, y por su peinado “Jukka-Palm”, por la forma que se erizaba recordando a una palma de yuca. 

Documento sonoro:

Sir Christus tocando la guitarra con los Negative



jueves, 7 de diciembre de 2017

Ambros Chapel siguen generando semblanzas vitales únicas y muy creativas con “Portraits” (Flor y Nata 2017)

Portada Cd
Desde hace unos cuantos años, seis para ser exactos, que Magic Pop sigue con especial interés la carrera discográfica de Ambros Chapel, sensacional banda valenciana que este 2017 nos presenta su nuevo trabajo con el título de “Portraits”, editado por Flor y Nata Records. Cuando oímos atentamente su segundo disco titulado “Constants are Changing”, allá por 2011, nos dimos cuenta, sin titubeo alguno, de que estábamos frente a una banda única: Una formación de grandes músicos, excelentes instrumentistas que arropan a una excelente voz solista, trabajando en equipo como pocos para dar forma a creaciones ciertamente sorprendentes. Ambros Chapel emergen mediante un proyecto fascinante dispuesto a crecer ofreciéndonos un producto original que, si bien tiene unos referentes estructurales propios del post punk de los ochenta a modo de sólidos cimientos, su música no resulta en absoluto  predecible. Hace media década les reseñamos en este blog con nuestros mejores parabienes, esperando otros tantos trabajos igual de exquisitos e incluso mejores. El tiempo nos ha dado la razón. Por eso, tenemos el gran orgullo así como el enorme placer de hablaros de su nuevo disco; un álbum perfecto en el que más de una canción va a recordarte a algunos de tus grupos de cabecera pero no como homenaje, ni mucho menos como copia, sino con la absoluta certeza de que, a buen seguro, les hubiera gustado a esos grandes de la escena siniestra británica el haber compuesto canciones tan memorables como estas que nos ofrecen los Ambros Chapel.        

Trayectoria 

Ambros Chapel. Foto: Ana Sánchez
Ambros Chapel son actualmente Pablo Casero (voz y guitarra), Alfred Sanchís (bajo),  Oscar Vadillo (guitarra solista) y José Rodríguez (batería). Anteriormente, formaron parte del proyecto otros músicos como Vicent Ortiz (teclados) y Rafael Vicente (guitarra, coros). Empezaron en 2006, año en que grabaron su primera maqueta con la que consiguen cierta repercusión local a partir de su primer concierto en el Loco Club de Valencia. Al año siguiente dan forma a su segunda demo y salen de su ciudad para tocar en otros puntos del Estado quedando como semifinalistas de varios concursos a nivel nacional. Algunos de sus temas empiezan a ser bastante conocidos; aparecen en recopilatorios y en 2008 ganan el concurso Troglogló, en su sexta edición, organizado por la Caverna, local valenciano, al que se presentaron cerca de 40 grupos noveles. Ese premio les permite grabar dos canciones con Dani Cardona en Studio 54. Su agenda de conciertos sigue aumentando mientras ultiman la grabación de su primer disco que presentaron en noviembre de 2009 con el título de “Rome”, editado por el sello valenciano independiente Malatesta Records y distribuido por Everlasting/Popstock. A destacar que una de sus canciones más conocidas, “25” se emitiría en la BBC en el año 2009.

Ambros Chapel. Foto de su facebook
Su segundo álbum “Constants are Changing” (7days music 2011) fue grabado y mezclado por Paco Morillas en Blackout Musice y masterizado por Mario G. Alberni. Puedes leer una reseña de este disco en el Magic Pop entrando aquí.  A finales de 2012 graban y mezclan un Ep “Electric Eye” (7Days Music y To Jail Records).  También han aportado la versión de la canción “Wellcome” en el disco homenaje "Bajo un cielo prehistórico - Tributo a The Church" (2014, Lunar Discos).  Ya en 2015 versionan el tema “Blue Monday” para el disco “Dreams never end: A tribute to New Order” para los brasileños The Blog That Celebrates Itself (TBTCI Records).

Ese mismo año 2015 sacan su siguiente disco se titula “The Last memories” (7Days Music/Harmony Rock) del que también te hablamos aquí.  Además, este 2017 han colaborado  con una versión de “Adictos a la Lujuria” en un disco de tributo a Parálisis permanente bajo el título de “Unidos” editado por Leningrado records en 2017 y con una adaptación de “M”  para otro recopilatorio del mismo sello con canciones de los Cure con el título de “Close to you”.     

Artwork del disco 
Las canciones de “Portraits”, compuestas, interpretadas y producidas por la banda, se grabaron entre marzo y junio de 2017 por Carlos Soler Otte en los Millenia Studios, Carcosa Studios y Calexico Studios, de Valencia. El disco se mezcló en los Calexico Studios por el mismo Carlos Soler y lo masterizó Mario G. Alberni en Kadifornia Mastering.  La introducción hablada de “Déjà Vu” es del escritor y novelista estadounidense de ciencia ficción, Philip K. Dick. Las fotos son de Raquel Norte y el artwork del Cd de  Bhyf. Se incluyen las letras de las canciones en inglés.

Las canciones 

El disco empieza con “Mental”, fascinante mezcla de ritmos conmovedores con una melodía pasional en la que las guitarras tejen fraseos envolventes que van cautivando el interés del oyente acompañando a una sensacional voz solista. La perseverante sección rítmica avanza con soltura y poderío participando activamente en la expansión sonora de este estado mental cargado de paciencia y crueldad hasta la muerte. Le sucede “Glassvegas”, canción para un día soleado de domingo sin mentiras, en la que destacan esos arreglos soberbios de post punk que emanan con dulzura entre juegos corales, ritmos sensuales, y una sonoridad exquisita procurada por una voz solista descomunal acompañada por arpegios de guitarras y coros indispensables. Toques de oscura psicodelia y estribillos etéreos completan una canción atmosférica memorable.  Sigue el álbum con “Whiskey”, tema con “un corazón en el centro de mi whisky” a la búsqueda de alguien en que confiar.  Ritmos solemnes de bajo y batería, más aportaciones siniestras de guitarras pérfidas, dan cobertura a la insistente voz principal que desgrana esta plegaria espeluznante que explota con grandiosidad inusitada entre tremendos recorridos eléctricos.   

Fotos: Raquel Norte
El siguiente corte es “Someone”, otro sugerente ejemplo de la destreza de esta gran banda para perfilar arreglos que despiertan pasiones entre preguntas existenciales “dime quien soy, quiero ver qué está pasando”.  La concepción melódica se complementa con una rítmica muy bien perfilada sin olvidar el papel caudal de la voz y las aportaciones solistas de la guitarra. Llegamos a la mitad del álbum con “Déjà Vu” y la voz introductoria del escritor norteamericano  Philip K. Dick (nacido en 1928 y fallecido en 1982). Golpes de efecto, entre las estrellas y el hielo con el “deseo que la lluvia limpie el dolor”. Una canción majestuosa en la que sobresalen las andanadas del bajo, los choques de percusión, los arpegios siniestros, las segundas voces hirientes de la guitarra, y la voz enfática principal.  El tema crece hasta límites insospechados dando forma a un universo de matices ácidos y obsesivos. 

Ambros Chapel. Fotos: Raquel Norte
A continuación está  “In the Fall” con su ruego amoroso: “Dame una oportunidad, trataré de encontrar las palabras y ser tu amante bajo la lluvia de verano”.  Este tema arranca con una compenetrada sección de guitarra y bajo más batería que dan cobertura a la emotiva voz principal que nos conmueve entre descargas arrebatadoras que se repiten de forma hipnótica. Con “Beirut”, los Ambros Chapel se tornan más encantadores si cabe con un tempo relajado, esa voz que surge de lo más profundo del alma “susurrando al oído”, y esas guitarras que construyen arpegios sutiles que acaban convirtiéndose en acordes aguerridos o en un breve pero intenso solo “lidiando con el miedo”.
      
Prosigue el álbum con “Insight”, tema que recupera su entrega y forma más hiriente mediante ese meticuloso bajo, con guitarras ampulosas, metódica batería y voz tremendamente sugerente.  Otro canto sublime intimista que contiene otro momento original de guitarra. “Wonder Why” es el título del penúltimo tema, un corte altamente estimulante dentro del amplio abanico de parámetros de esta banda en la que todos y cada uno de los instrumentos se compenetran a la perfección levantando la sensacional voz principal a lo más alto del universo post punk, incluso con un leve pero perceptible toque de country oscuro nada desdeñable, sin faltar esos peculiares solos de guitarra ciertamente arrebatadores.  En este caso el protagonista se pregunta por qué “escondes tus miedos… tus ojos parpadean cuando mientes”.   

Ambros Chapel. Foto de su facebook

Acaba el álbum con “August”, la última de las distinciones de este portentoso disco, en la que te recomiendan que guardes tus armas para tiempos más difíciles en los que los días pueden llegar a ser muy largos. Suspiros entre resoluciones instrumentales fantásticas dando forma a sonoridades únicas que vienen hasta nosotros para aminorar nuestra ansiedad vital colmándonos de canciones sublimes.    
       
Reflexión final 

Ambros Chapel
Cuenta el periodista valenciano César Campoy, sobre este nuevo disco de Ambros Chapel titulado “Portraits”: “En estos tiempos frenéticos en los que bailamos, debatiéndonos entre el optimismo pasajero y lo existencial en su vertiente más desconcertante; en esta era en la que el tiempo transita veloz y apenas brinda un respiro a lo meditativo, no resulta nada sencillo mantenerse firme en convicciones, fiel a los principios que nos mueven. Los creadores sobreviven, a duras penas, transitando entre senderos flanqueados por muros de espinas que tratan de impregnar de cicatrices con la palabra "efímero" el ideal de arte”. En ese contexto, sigue  Campoy, “Ambros Chapel permanecen despiertos, casi impasibles, luchando por mantener, sorprendentemente, aquella filosofía a la que decidieron abrazarse hace más de una década. Sin desfallecer. Aquellas fuentes a las que acuden, de seguido, para seguir inspirándose a la hora de cincelar, con mimo, sus criaturas sonoras”. Ante presentaciones tan certeras y emocionantes como ésta, que puedes seguir leyendo en su bandcamp, poco a nada de relevante le queda a este cronista que añadir sobre tan fascinante disco, quinta entrega del universo de esta banda valenciana  editada por Flor y Nata este 2017. Si bien la banda ha aprehendido todo lo mejor del sonido post punk de los ochenta, su obra no se ha quedado anclada en esos referentes sino que ha evolucionado para dar sentido a un espacio creativo propio del que emergen canciones tan sublimes como éstas con las que conforman un trabajo discográfico excelente repleto de momentos sonoros estremecedores.    

Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp del grupo aquí o en el del sello aquí donde podrás adquitir tambiñen una copia del Cd.  

Fallece Johnny Hallyday, cantante de rock and roll

Johnny Halliday
Jean-Philippe Léo Smet, más conocido como Johnny Hallyday nació en París, el 15 de junio de 1943 y falleció en Marnes-la-Coquette, Altos del Sena el 6 de diciembre de 2017 a consecuencia del cáncer de pulmón que padecía, según anunció el mismo día su esposa Laeticia a France Presse. Cantante, compositor y actor, está considerado como el máximo representante del rock and roll de su país, llamado incluso el Elvis Presley francés.  Casado durante 15 años con la cantante búlgaro-francesa Sylvie Vartan, se convirtieron en la pareja de moda en los sesenta y setenta. Durante su trayectoria, Hallyday realizó más de cuatrocientas giras, tuvo 18 discos de platino y vendió más de 110 millones de discos en todo el mundo, convirtiéndolo en uno de los artistas con más ventas de todos los tiempos. 

Johnny Hallyday
Jean-Philippe Léo Smet nació en el París de la Francia ocupada. A los pocos días fue abandonado por su padre. Su madre lo entregó en adopción a sus tíos paternos. Su tía Desta  estaba casada con un artista de variedades llamado Lee Hallyday, de quien tomó su apellido artístico. Pasó gran parte de su infancia en Londres, donde su familia se instaló por unos años para evitar represalias por el colaboracionismo con los nazis. A los 16 años compró su primera guitarra con su sueldo de cargador de camiones en el Mercado Central de París y empezó su carrera artística cantando en clubes de la capital francesa.

En el año 1959 debuta en la radio y en la televisión y en el mes de marzo de 1960 saca su primer disco, el sencillo "Laisse les filles", publicado por Disques Vogue.  Ese mismo año sale su primer álbum, “Hello Johnny”, y al año siguiente su primer gran éxito con una versión del tema "Let's Twist Again" titulada "Viens danser le twist", con la que vendió más de 1 millón de copias. A partir de aquí triunfó con sus versiones de rock and roll en francés en el disco “Johnny Hallyday Sings America's Rockin' Hits” (1962).  Su fama se expande por América y Europa, y en 1965 se casa con Sylvie Vartan de la que se divorcia en 1980. Tuvieron un hijo llamado David Hallyday.  

Johnny Halliday
A finales de los sesenta colaboró con Mick Jones, guitarrista de Spooky Tooth, y Tommy Brown como directores musicales y con Big Jim Sullivan, Bobby Graham y Jimmy Page como músicos de sesión. Sacaron varios discos como “Jeune Homme” (1968), “Rivière... Ouvre ton Lit” (1969) y “Vie” (1970). En los temas "A tout Casser" y "Psychedelic" contó con la guitarra de Jimmy Page, y en  los temas "Reclamation", “What You Will”  y "Amen (bang bang)" de los Small Faces.  También colaboró Peter Frampton.

Más recientemente, en 2006 realizó dos duetos con la cantante italiana Laura Pausini o colaboró con Loquillo en su álbum “Balmoral” (2008), participando en el tema “Cruzando el paraíso”.​

Johnny Hallyday
Su actual esposa dijo en un comunicado: “Johnny Hallyday se ha ido. Escribo estas palabras sin creérmelo. Y sin embargo es así. Mi marido ya no está. Nos deja esta noche como vivió a lo largo de su vida, con valentía y dignidad".  Hallyday había sido ingresado el 17 de noviembre por una insuficiencia respiratoria relacionada con su dolencia. Sus últimos discos son “Rester vivant” (2014), “De l'amour” (2015), “Rester vivant tour” (2016). Según su representante,  estaba a punto de terminar un nuevo álbum y pensaba realizar una nueva gira en 2019. 

Documento sonoro: 

 Johnny Hallydayen directo en 1963 en Amsterdam.





martes, 5 de diciembre de 2017

La Banda Magnética apuesta por volar bien alto disparando temas contundentes de punk rock

Portada del Cd
Resulta sintomático que la burgalesa Banda Magnética  reinterprete un tema  de su primera maqueta llamado precisamente  “Quiero Volar” y lo incluya en su segundo disco también  autoeditado este 2017. “Dispara” que así se titula este segundo trabajo recoge esa canción de tan explícito título más otros once destacadas creaciones con las que este poderoso trío  ha pasado de ser una formación de rock and roll  respetable a “volar” bien alto con una resolución   mucho más ambiciosa que en sus inicios. Un proyecto amplio,  versátil y repleto de matices de diversos estilos como pueden ser el powerpop, el “garage”, el punk o el post punk. Todo ello muy bien interconectado con el propósito conseguido de delimitar una jurisdicción propia de la que emergen grandes creaciones de melodías sugerentes y ritmos recios.     

Trayectoria 

La Banda Magnética. Foto: Aitor Gil
La Banda Magnética empieza a tomar la forma actual en 2015 con Jaime Recio al bajo y voz, Iñigo Alonso a la batería, y Juan Riscado a la guitarra.  Dos años antes Jaime, desde su estudio, contacta con Iñigo. Se les une Alberto y Jaime pasa al bajo.  En 2014 graban los primeros temas que sacan mediante un primer Cd de título homónimo con  diez temas de rock and roll grabados en  los Estudios Checkpoint de Salas de Bureba (Burgos) de donde proceden.  Alberto decide dejar el grupo y se les une Juan, con el que la formación adquiere detalles de post-punk y  powerpop que enriquecen su amplio abanico de estilos. En 2016 su actividad se torna más constante,  tocando en varios festivales como Dolmen Music de Villarcayo, Espeleo Rock de Santelices, Tortilla Rock de Oña, Burgos, Trespaderne y consiguiendo el primer premio del concurso Pop-Rock Las Merindades.  

Logo
“Dispara” ve la luz en la primavera de 2017. Se grabó, mezcló y masterizó entre los meses de diciembre de 2016 a enero de 2017 en los estudios Checkpoint por Jaime Recio. Colaboró Claudia Costa tocando el violín en “Ya no me ves”.  El diseño gráfico es de Ion Velasco, y la fotografía de Vicente Gómez más Jony Arnaiz, incluido un dibujo de un corazón a cargo de Juan Riscado. 

Las canciones 

El disco se abre con “Un bonito regalo”, canción repleta de buenas ideas con una descomunal entrada de guitarras rugientes que derivan en un tema furioso con melodía hiriente con la que “celebraremos nuestra amistad y la falsedad”. Un tic tac que no debes abrir todavía “porque no quiero estallar”. Le sucede “Te buscaré”, otra andanada de guitarra y bajo más batería con recursos de oscuro hard rock trenzados con un despliegue de riffs de rock y actitud punk. “Morir no me da miedo, mi amor. No soy un ser inmortal. Mi gran miedo es pensar en  que no te volveré a ver”. Incluyen un ágil solo de guitarra acompañado por una rítmica penetrante. A continuación nos ofrecen “Empiezas a arder”, un tema sugerente con recursos de emergente  pop poderoso para explicarnos unos momentos cargados de sexualidad con imágenes resueltas de forma genial con frases como “encima de mi cuerpo cabalgas muy bien, tu eres mi amazona, yo soy tu corcel…nunca queda un centímetro por explorar, somos perfectas máquinas de amar”.  
  
La Banda Magnética
Le sigue “Dispara a mi corazón”, con más riffs persistentes, “sin miedo a matar”. Fraseos envolventes para “reventar gasolineras” con vistas a realizar alguna visita al banco del pueblo. Melodía bien resuelta con un convincente estribillo, interpretada por una buena voz y una minuciosa sección rítmica, que se completa con buen solo de guitarra dura.   

Continuamos con “Micky Mouse”, una crítica a la falsa moral que “me hace vomitar” en una desastrosa relación personal. “Tu cola de ratón delata tu condición, tanta falsa bondad me hace estallar”. Un tema que destaca por su consistente bajo y esa mezcla original de los recursos de un rock duro con detalles “garajeros” y de post punk. Llegamos de este modo al meridiano del disco con “Ya no me ves” que arranca con tenebrosas guitarras que se completan con una concepción rítmica oscura y poderosa mediante la que nos dicen: “me quedan tantas cosas por aprender, la más importante saberte escuchar…pasas cerca de mí y no me ves, no soy un fantasma”. A mencionar la gran aportación del violín dotando al tema de una dosis lisérgica muy enriquecedora.      

Triunfando en directo
Con “Quiero volar” nos ofrecen otras situaciones sexuales explícitas  del tipo “mi desnudez te incita a amarnos otra vez…acaríciame, muérdeme, házmelo otra vez”.  De nuevo nos absorben con una sustanciosa exhibición de  rock and roll con riffs afilados que se completan con buenas voces y una secuencia rítmica que incita al baile. No falta un ácido solo de guitarra que pone de manifiesto la habilidad  de su responsable. Mediante “Tu calor”, inciden en que “me duele el corazón. Vomito en un rincón, sangre y rock and roll. Es tu calor en mi cama que no me deja despertar”. Los recursos musicales proceden de un  punk aguerrido a base de movimientos marcados, acordes que distorsionan la melodía, con solo incluido de eléctrica, que va a “lamerte y morderte” de principio a fin.   
El siguiente corte se pregunta “¿Soy feliz?”. Otro gran tema en el que el protagonista juega “a ser un valiente guerrero que jura salvarte, destrozaré a tus enemigos”.  Arranca con marcado ritmo de batería al que se añade un suculento riff de guitarra eléctrica que, con la aportación del bajo, explotan en un magnífico tema ardiente y, sin lugar a dudas, valeroso. Tras un fascinante cambio de tempo que ralentiza el ritmo, se crecen para recuperar la enérgica descarga inicial  en la que nos topamos con otro movimiento solista de su guitarrista en plena forma.    

La Banda Magnétics. Foto de su facebook
Vamos terminando  con “La próxima curva”, un tema de reflexión personal: “llevos años andando y no veo el final. Mi cuerpo sudoroso pide un stop. A ver si en la próxima curva me detienes tu”.  Sensacional distribución instrumental con acordes cortantes sobre los que tejen fraseos galopantes en los que los tres componentes de este poderoso trío se lucen con extraordinaria versatilidad. La penúltima canción se llama “Alguien me ha robado”, un tema curioso en el que inciden en su habilidad de intensificar sonoridades pop con arreglos fogosos que van a convencerte. El protagonista anda preocupado, o quizá no, porque alguien le ha robado a su chica en el bar y “nadie sabe quién puede ser. Me será difícil buscar a alguien que se deje querer”.  Termina el álbum con “No me apagues la luz”, la última de las excelencias de esta banda burgalesa capaz de generar impulsos guitarreros que heredan la fuerza del hard rock con detalles de punk setentero para dar forma salvaje a melodías penetrantes dispuestas a muy buen ritmo para iluminar su trayectoria al tiempo que disipan esos “fantasmas miedos en la oscuridad”.    

Reflexión final 

La Banda Magnética. Foto de su facebook
Parafraseando un verso de una de sus canciones llamada “La próxima curva”,  podemos afirmar que “canción a canción vamos sumando a su historial” un amplio abanico de temas bien definidos mediante un amplio abanico de referencias en los que, muy probablemente, se manifiestan las influencias de los tres y excelentes músicos que integran este poderoso trío. Con especial incidencia en reafirmar una cautivadora concepción melódica, arropada por andanadas de guitarra bien compenetrada con bajo y batería más voz principal, los disparos certeros de la Banda Magnética nos descubren a una formación que mantiene firme el vuelo con seguridad y buen criterio mediante este segundo álbum bien trabajado con resultados arrebatadores. Por ello, y siguiendo con otro de sus versos nada desdeñables, a “los grupos buenos da gusto reseñar, en los mediocres, ni nos fijamos al pasar”.     

Nota: Te invitamos a  visionar y oir un videoclip de "Un bonito regalo", tema con el que abren su Cd.


lunes, 4 de diciembre de 2017

Muere el guitarrista de jazz y compositor, Mundell Lowe


Mundell Lowe nació en Shady Grove, cerca de Laurel, Misisipi, el 21 de abril de 1922 y falleció en San Diego, California, el 2 de diciembre de 2017. Guitarrista de jazz, compositor y director de orquesta, a partir de los treinta tocó country y dixie, grabó a su nombre desde principios de los cincuenta, trabajó en producciones de cine y televisión desde los sesenta y setenta, y en los noventa con el André Previn Trío. 


Hijo de un ministro baptista, Lowell creció en una granja en Shady Grove, Mississippi, cerca de Laurel. Comenzó a tocar la guitarra cuando tenía ocho años, con su padre y su hermana como sus primeros maestros. Cuando tenía trece años, se escapaba de casa para tocar en bandas locales. Ocasionalmente, su padre lo encontraba, lo traía a casa y le advertía sobre los peligros del whisky. A los dieciséis años, Lowe trabajó en Nashville en el programa de radio Grand Ole Opry. Fue miembro de la orquesta de Jan Savitt antes de servir en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial.


Se hizo amigo de John Hammond, quien organizaba jams los fines de semana. Actuó en una banda de baile del ejército en Guadalcanal. Tras licenciarse, llamó a Hammond, buscando trabajo, y Hammond lo envió a Ray McKinley. Pasó dos años con la gran banda de McKinley en Nueva York. Se unió a la orquesta de Benny Goodman, luego trabajó intermitentemente durante los siguientes años en varios clubes en Nueva York.


En 1950, fue contratado por la NBC como músico de estudio. Con Ed Shaughnessy fueron miembros de la banda del Today Show durante más de diez años. Los fines de semana tocaba jazz con Jimmy Dorsey y Tommy Dorsey, Bill Evans, Billie Holiday, Red Norvo, Charles Mingus, Charlie Parker, Sauter-Finegan Orchestra y Lester Young. Compuso y arregló para la NBC. Fue el responsable de presentar al gran pianista Bill Evans al productor Orrin Keepnews, que dio como resultado las primeras grabaciones de Evans como líder de su propia banda.


Mundell Lowe
En 1965 se mudó a Los Ángeles y siguió trabajando para la NBC como guitarrista, compositor y arreglista. Escribió música para los programas de televisión Hawaii Five-O, Starsky & Hutch, y The Wild Wild West, o las películas "Billy Jack" o "Everything You Always Wanted to Know About Sex, But Were Afraid to Ask". Grabó con Carmen McRae y Sarah Vaughan. Durante la década de los ochenta colaboró con André Previn, Tete Montoliu y las Great Guitars. Fue professor en el Guitar Institute of Technology y la Grove School of Music. Durante años fue director musical del Monterey Jazz Festival. Lowe era un músico habitual en la reunión anual del W. C. Handy, Festival de Música y miembro de la W. C. Handy Jazz All-Stars.


En 1998 fue incluido en el Music Hall de la Fama de Mississippi, y en 1999, el Millsaps College en Jackson, le otorgó un doctorado honoris causa en Artes en reconocimiento por toda su vida artística. El 17 de julio de 2009, regresó a su casa en Laurel, donde le fue dada la llave de la ciudad y fue honrado por el alcalde quien proclamó el 18 de julio de 2009 como el Día de Mundell Lowe en Laurel. Lowe estuvo casado con la cantante Betty Bennett, y apareció en el año 1990 en la grabación de su álbum "The Song Is You", con Bob Cooper, George Cables, Monty Budwig y Roy McCurdy.


Documento sonoro:

 Mundell Lowe "Mr. Lucky, The Untouchables & Other TV Action Jazz"