miércoles, 1 de julio de 2015

Fallece el maestro organista de jazz, Eddy Louiss

Eddy Louiss, de nombre Edouard Louise, nació el 2 de mayo de 1941 en París y falleció el  30 de junio de 2015 en un hospital de la ciudad francesa de Poitiers. Fue uno de los mejores organistas de jazz, dominando desde el bop a los sonidos más contemporáneos pasando por el soul, los sonidos africanos, los latinos y el funk jazz. También tocaba la guitarra, el piano y teclados varios. Sin embargo, fue uno de los músicos más subestimados quizá porque nunca quiso cambiar su residencia francesa. Pese a ello, estuvo tocando por los principales escenarios de Europa, Esyados Unidos y Japón desde finales de los sesenta. En 1971 formó parte del cuarteto de Stan Getz, y grabó discos muy destacados con el pianista Michel Petrucciani y el acordeonista Ricardo Galliano. Su propia discografía desde los sesenta hasta los dos mil es amplia aunque en los ochenta estuvo durante años sin grabar discos.

Hijo de un trompetista de jazz originario de la Martinica, comenzó actuando con su padre en orquestas de baile en Paris, ciudad de donde era su madre. Estudio piano y solfeo en el Conservatorio de Paris. Al mismo tiempo actuaba en clubes de jazz de la ciudad parisina y en 1960 se unió al grupo vocal Double Six quienes ese mismo grabarían un disco con Dizzy Gillespie. Estuvieron de gira por los Estados Unidos y Canadá durante dos años, hasta 1962.

En 1964, fue galardonado con el Premio de Django Reinhardt. Desde ese año acompañó al cantante francés, Claude Nougaro aunque siguió protagonizando sus propias actuaciones y grabando discos de groove jazz. Conoce al organista Lou Bennett quien le instruye y poco después colabora con el  saxofonista tenor, Johnny Griffin. Ya en 1967 actúa por varios países, colabora con varios músicos del mundo del jazz, y en 1968 crea un trío con el baterista Kenny Clarke y el  guitarrista René Thomas con los que saca un álbum.  Ese año graba también otro disco con el baterista Jean-Louis Viale, el bajista Luigi Trussardi, y el trompetista Ivan Jullien. Tambièn grabaria un versión del "Porgy and bess".

Cuarteto con Eddy Louiss
En 1970 durante la Exposición Universal de Osaka graba un disco titulado “Room 1220” con una formación llamada European All Stars con otros músicos como Albert Mangelsdorff, Daniel Humair, Francy Boland, Jean-Luc Ponty, John Surman, Karin Krog, y Niels-Henning Ørsted Pedersen. Ese mismo año graba también en el Japón con el saxofonista John Surman y el baterista Daniel Humair el disco “Our Kind Of Sabi”.  Su prestigio aumenta y le contratan para tocar en numerosos festivales.  Al año siguiente, 1971, forma parte del cuarteto de Stan Getz con René Thomas y Bernard Lubat con los que graba el disco “Dynasty”. Ese mismo año ven la luz "Orgue, Vols. 1 & 2" con Kenny Clarke, Jimmy Gourley y Guy Pedersen,

Eddy Louiss
Ya en 1974 deja de colaborar con Nourago y se traslada a Costa de Marfil donde colabora con el percusionista Gaétan Pupenher quien también tocó con los Double Six.  Dos años después crean la efímera discográfica Gass Records.  A finales de los setenta ven la luz  “Combo” (1978) e “Histoire sans paroles” (1979). Después deja de grabar discos hasta finales de los ochenta cuando regresa con álbumes de jazz contemporáneo como “Sang Mêle” (1987), o “Tabataba” (1989). En los noventa saca “Wébé”  y un par de discos en 1994 y 1995 llamados genéricamente "Conférence de Presse” con el pianista Michel Petrucciani.  A partir de la década de los dos mil ven la luz álbumes como “Récit proche” (2001), “Face to face” (2002)  con Ricardo Galliano; y “Taurorque” (2010).   Siguió tocando con combos como la Multicoleur felling Orchestra.

Documentos sonoros: 

Eddy Louiss a mediados de los sesenta tocando el Hammond con mucho "groove" en este tema llamado "Le Climb".


Tema de R&B y jazz "Les Mines de Charbon" (1962) cantada por Claude Nougaro con Louiss al órgano.



"Boplicity" (Le legende du trobadour)" a cargo de los Double Six con Eddy al piano.



"Dum! Dum!" tema de Eddy Louiss interpretado con el cuarteto de Stan Getz en los setenta.


"You've Changed" con el trío formado por Eddy al órgano, más el baterista Kenny Clarke y el  guitarrista René Thomas 


"Autumm Leaves" interpretado en 1995 por Louiss y el pianista Petrucciani. 


"Sous le ciel du Paris" (2002) a cargo del acordeonista Ricardo Galliano y Eddy al órgano.


martes, 30 de junio de 2015

El Gallo Claudio homenajea a Eskorbuto con un par de emocionantes versiones folk con pasión punk

Portada
“Anti Todo” no solo es uno de los mejores discos del grupo vasco Eskorbuto sino que también está entre las obras cúlmenes de la historia del punk a nivel internacional. Fue editado en 1986 por Discos Suicidas y sus canciones son feroces cargas de certero nihilismo, marcado por la evidencia de sentirse impotente ante la imposibilidad de cambiar nada determinante, entre sucesivas críticas a la realidad social y política del momento, y con la muerte como única recompensa plausible.  Entre sus diez temas, destacan dos de ellos especialmente demoledores como son “Historia Triste” y “Cerebros destruidos”.

Claudio
Casi treinta años después, el Gallo Claudio, destacado "frontman" alicantino de numerosos proyectos de rock and roll, por todos conocidos, como son Las Membranas o Flamin Guays, ha versionado, en este 2015, las dos canciones mencionadas con su voz acompañándose por guitarra acústica y armónica. Sus fantásticas adaptaciones están arregladas en clave de folk aunque sin perder ni un ápice la pasión punk  del original. Rufus recordings se ha encargado de editarle ese sencillo grabado en casa con el título genérico de “Eskorbuteando”. Un emotivo trabajo que se nos antoja no solo un merecido homenaje a un grupo seminal del que dos de sus miembros murieron el mismo año, 1992, el de las cacareadas olimpiadas entre otros fastos, sino también a toda esa generación coetánea que, tras todos este tiempo de sobrevalorada experiencia, nos damos cuenta, estupefactos y algo cansados ya, que  la realidad cotidiana sigue siendo igual de decepcionante.

Contraportada
El alicantino Gallo Claudio, con nombre del conocido y bromista personaje animado de Warner Brothers, es un "perro viejo con alma de teenager" tal y como le definen los que mejor le conocen. Ha formado parte de numerosas bandas míticas como  Los Chicles, Los Corazones Eléctricos, Los Asaltadores, The Fucking Garage, los Limpia Botas, Las Membranas, La Década Pordiosera, o los Flamin Guays, entre otros combos.  En solitario, canta, toca la guitarra y la armónica, y su primer trabajo es este “Eskorbuteando” que fue grabado en su casa “con pocos medios y muchas ganas”, tal y como se especifica en la contraportada del single.  Paco Rufus se encargó de masterizar los temas y de confeccionar el artwork mientras que Alejandro Tévar es el responsable de las fotos de Claudio con guitarra en mano.  En la contraportada se pueden leer las letras. Con agradecimientos a familiares y amigos “por soportar mi ausencia en todas esas horas que le dedicó a la música”, el disco va dedicado a la memoria de Iosu Expósito (n. 1960 – f. 1992) y Juanma Suárez  (n. 1962 – f. 1992), guitarrista y bajista de los Eskorbuto, banda formada en 1980 en Santurce y completada al poco de crearse con el baterista Pako Galán.  Cabe destacar también que la edición es muy limitada, tan solo 150 copias.  

Las canciones

Gallo Claudio. Foto: Alejandro Tévar
En la cara A está la versión de “Historia triste”, una canción espeluznante  que empieza con versos tan realistas y a su vez estremecedores, como “pasan los años, pasa tu vida, pasan los meses, pasan tus días, pasan las horas, también tus minutos, éste puede ser tu último segundo.”. Una historia final que en manos del Galo Claudio adquiere un aire de folk americano gracias a ese trenzado de guitarra acústica con lamentos de armónica y su penetrante voz de cantautor que se sincera con toda la honestidad posible.  En la cara B, nos ofrece una adaptación de “Cerebros destruidos”  con reflexiones igualmente impresionantes: “Perdida la esperanza, perdida la ilusión, los problemas continúan, sin hallarse solución. Nuestras vidas se consumen. El cerebro se destruye. Nuestros cuerpos caen rendidos como una maldición”.  Los elementos acústicos consiguen mantener ese indiscutible nervio punk y la interpretación resulta realmente conmovedora no solo por la letra en la que destacan dardos muy actuales, absolutamente atemporales diría yo, como: “La mentira es la que manda, la que causa sensación. La verdad es aburrida, puta frustración” que se completan con reflexiones existenciales del tipo “Prefiero morir como un cobarde, que vivir cobardemente”.  Poca vida puede haber entre nosotros con “el  terror causando hábito y el miedo a morir”. Por eso acaba el tema repitiendo insistentemente: “Ya estáis muertos”.

Reflexión final 

Gallo Claudio. Foto: Alejandro Tévar
El tema que da título al disco de Eskorbuto, “Anti todo”, arranca diciendo:  “Nada más nacer empiezan a corrompernos,  crecemos y envejecemos, en absoluta sumisión.  No hay amigos, ni enemigos,  lucha necia, todos contra todos”. Y ese último verso se destaca por escrito en la carpeta del magnífico sencillo que nos presenta al Gallo Claudio con el título genérico de “Eskorbuteando” de la mano de Rufus recordings.  Este legendario trío de Santurce tuvieron tantos enemigos, en tantos frentes distintos,  que sus vidas acabaron siendo una continua lucha anti todo. Pocas bandas han sido tan coherentes, convincentes y cautivadoras como lo fueron ellos, y de esa devoción por su música y en especial por esa maestría en decir las cosas claras, sin tapujos que valgan,  nacen estas dos versiones del Gallo Claudio.  Con su extraordinaria voz, tan sentida y a su vez aguerrida, consigue que las canciones adquieran una visión propia en la que confluyen emoción, experiencia y lucha existencial. Acompañado por ese toque de guitarra acústica, entre oscuro y enérgico, aderezado por detalles blueseros de emotiva armónica, las dos canciones adquieren una dimensión fascinante que pone los pelos de punta.

Escuchando el disco,  me he acordado de esos ochenta salvajes, de los conciertos multitudinarios de punk, y de las fiestas desfasadas,  pero también de los amigos que murieron a consecuencia de sobredosis o por el Sida y que, como sucedió con los dos componentes de Eskorbuto, ya no están entre nosotros para comprobar si esa máxima de “no hay futuro” era realmente cierto.  Resulta acongojante comprobar cómo las letras de dos canciones de nuestra juventud siguen conmoviéndome por igual tras superar, en mi caso, medio siglo de existencia. Y esa sensación obedece a la realidad tangible de que las cosas no ha cambiado en absoluto y que, como reza la canción,  los “problemas continúan, sin hallarse solución”. Aunque a los entusiastas de la felicidad les pueda parecer imposible, la vida puede llegar a ser, tal y como nos contaron los Eskorbuto y nos recuerda el Gallo Claudio con este espléndido sencillo,  una auténtica historia triste.  Y ante esa posibilidad difícilmente eludible, quizá lo único que cambie, tras todos esos años de cerebro destruido, es que “esa mañana en la que despertarás de tus sueños y sabrás que vas a morir”, sea más real y cercana que nunca.      

Nota: Puedes oír las canciones y adquirir el sencillo en el bandcamp de Rufus recordings.  El Gallo Claudio presenta su trabajo en solitario en un concierto de entrada muy limitada el próximo 18 de julio de 2015 en la tienda de discos Naranja y Negro y la taberna Cucaracha, ambas en Alicante. Más información aquí. 

lunes, 29 de junio de 2015

Muere Billy Borgioli de los Real Kids

Billy Borgioli 
Según publican varios medios norteamericanos el 27 de junio de 2015 fallecía Billy Borgioli, guitarrista de los Real Kids, banda de punk rock formada en Boston, liderada por el guitarrista, compositor y cantante John Felice. Borgioli estuvo también en los Classic Ruins (1980), Primevals (1984), Primitive Souls (1986),  Lowdowns (1986) y Varmints (1988).

The Real Kids
Felice nació en 1955 y creció en la ciudad de Natick (Massachusetts) donde se convirtió en amigo de su vecino Jonathan Richman. Cuando Felice tenía quince años, a finales del año 1970, formaron The Modern Lovers pero un par de años después dejó la banda sin participar en el primer disco de 1972.  Formó su propio grupo al que llamó The Kids aunque al enterarse de que había otro, por indicación de Richman de que ellos eran los auténticos Kids, lo llamó The Real Kids.  Le acompañaban Rick Coraccio (bajo. DMZ y Lyres), Steve Davidson (guitarra. Slash) y Norman Bloom (batería).  En 1974 grabaron en directo "Foggy Notion", cuatro temas editados en 10" por Norton in 2005,  con Curt Naihersey a la guitarra y Howie Ferguson a la batería (The Mezz) quien regresaría a la banda en 1976 y 1998.

The Real Kids 
Grabaron su primer disco en 1977 con Felice, Billy Borgioli (guitarra), Allen "Alpo" Paulino (bajo) y Howie Ferguson (batería). Fue su único álbum y apareció en el sello Red Star. Felice compaginó su banda con ser roadie de los Ramones y formar parte de otras bandas como Taxi Boys. Tras separarse volvieron a principios de los ochenta para realizar una gira por Europa y grabaron un disco en directo, “Hit You Hard” (1983) para el sello francés New Rose. Después "Alpo" Paulino y Billy Borgioli dejaron la banda y se unieron a Primitive Souls. Ya en 1988, Felice crearia John Felice and The Lowdowns, con los que grabó el disco “Nothing Pretty” en el que participó Borgioli.

Billy Borgioli 
Seguirían tocando de forma intermitente, siendo la más estable a finales de los novena. "Alpo" Paulino fallecía el 6 de febrero de 2006.  Borgioli estuvo también en los Classic Ruins (1980) done cantó y tocó la guitarra en el disco “Lassie Eats Chickens”; así ocmo otras bandas como Primevals (1984); Primitive Souls (1986) con un disco de título homónimo que salió al año siguiente; Lowdowns (1986) y Varmints (1988) con los que grabó “Spread Out” editado en 1989. En algunas de esas bandas militó también Felice.

En 2014 sale un nuevo disco de los Real Kids titulado "Shake...Outta Control" con Ace of Hearts records grabado por Dickie Oakes al bajo,
los bateristas Judd Williams y Randall Gibson; los guitarristas y cantantes Billy Cole y John Felice, más Chris Coughlin a los teclados; Charlie Leger a la mandolina, Lap Steel Guitar, armónica, voz y percusión; más Danny Pellegrino al Hammond.

Documento sonoro: 

Su esencial disco de título homónimo de 1977, "The Real Kids" con el difunto Borgioli al bajo.


Fallece Chris Squire de los Syn y los Yes

Chris Squire 
Christopher Russell Edward Squire nació en Kingsbury (Londres) el 4 de marzo de 1948 y falleció en su casa de Phoneix (Arizona) el 27 de junio de 2015 en Phoneix (Arizona). Componente de los Selfs, los Syn y los Yes, fue el único de sus componentes que aparece en la grabación de los 21 discos grabados entre 1960 a 2014 por este famoso combo de rock progresivo, sinfónico y tecno rock. También sacó un par de discos en solitario. Sus compañeros le apodaron “Fish” por su signo del zodiaco Piscis y porque en una ocasión inundó accidentalmente el cuarto de un hotel de Oslo, Noruega, mientras tomaba una ducha. En mayo de 2015 hizo público que padecía leucemia.
 

The Syn
Squire comenzó de muy joven cantando en el coro de la  iglesia y a los 16 años tuvo su primera guitarra aprendiendo a tocar el bajo. En 1964 le expulsaron de la escuela por llevar el pelo demasiado largo y le dieron dinero para que se lo cortara. No lo hizo y nunca más volvió a la escuela. Le contrataron para vender instrumentos en una tienda llamada Boosey & Hawkes de Regent Street.  Luego entró a formar parte de una banda llamada Selfs que se convirtió en los Syn.

Parte de los Syn procedían del combo de R&B High Court en el que tocaba Steve Nardelli a la guitarra y George Arzimanow como cantante solista. Nardelli pasó a ser cantante principal y John Painter se hizo cargo de la guitarra. A mediados de los sesenta se fusionaron con los Selfs donde estaban Chris Squire (bajo), Andrew Jackman (teclados) y Martyn Adelman (baterista). Peter Banks (n. 1964 – d. 2013) reemplazó a John Painter y Martyn fue substituido por el islandés, Gunnar Jökull Hákonarson (n. 1949-d. 2001). Entonces es cuando dejan atrás el R&B y se interesan más por la psicodelia. En 1967 sacan un par de singles con los temas “Created by Clive/ Grounded” y “Flowerman/14 Hour Technicolour Dream”. Tras telenoear a Jimi Hendrix en 1967 en una actuación en el Marquee Club, la banda se deshace. Banks y Squire se unieron a Mabel Greer's Toyshop que después pasaría a llamarse Yes.

Chris Squire
Nardelli y Jackman grabarían un single juntos con la canción “Sunshine and Make Believe”. Jackman  también grabaría con una orquesta, "The Last Performance of the Royal Regimental Very Victorious and Valiant Band". Los Syn volverían a mediados de los dos mil con un álbum llamado “Syndestructible” con Paul Stacey, guitarras, Gerard Johnson, teclados, Steve Nardelli, voz, Jeremy Stacey, batería, y Chris Squire, bajo. En 2007 ya solo quedaba Nardelli y dos años después sacarían un nuevo álbum llamado “Big Sky”. Jackman murió en 2003. Por su parte, Peter Banks en 1968 tocaría con la banda Neat Change, con los que publicaría un single. Con el bajista y vocalista Chris Squire, Clive Bailey a la guitarra rítmica y Bob Hagger a la percusión formaría los Mabel Greer's Toy Shop. Banks dejaría la banda y entró el cantante Jon Anderson. Bill Bruford sustituiría a Bob Hagger. Banks volvería a incorporarse, Bailey se iría y finalmente entró el tecladista, Tony Kaye. Fue entonces cuando deciden adoptar el nombre de Yes de forma temporal y así se quedó para las siguientes décadas.

Yes 
En 1969 los Yes grabaron su primer álbum de título homónimo que contenía el conocido tema "Beyond and Before". Al año siguiente, enfocan su segundo trabajo “Time and a Word” con una orquesta y reducen el protagonismo de Banks y Tony Kaye. A Peter no le gusta el resultado y les deja tras la gira de presentación del disco.

Se les une el ex-guitarrista de los Tomorrow, Steve Howe, y en 1971 sale el disco  “The Yes Album “ con el que definen su sonido clásico con temas como “Starship Trooper”, “I've Seen All Good People”, “Yours is no Disgrace” o “Perpetual Change”. Empiezan les tensiones en el seno del a banda hasta que Haye es despedido y Anderson más Squire se acercan al teclista Rick Wakeman quien tocaba en los Strawbs.  Entraría en la formación en 1972  y debutaría con el álbum de ese año, “Fragile” con canciones como “Roundabout”, “Long Distance Runaround”, “South Side Of The Sky” y “Heart Of The Sunrise”.  Le seguiría el mismo año “Close to the Edge” inspirado en la obra de Hermann Hesse con la pieza homónima de 20 minutos de duración, dividida en 4 secciones; “And You And I” y la clásica de la banda “Siberian Khatru”. Poco después Bill Bruford les deja para unirse a King Crimson.


Chris Squire
Atlantic Records les saca un triple disco en vivo “Yessongs” en el que se puede oír también al nuevo baterista Alan White, quien había tocado con John Lennon, George Harrison y Frank Zappa. En 1973 sacan el doble conceptual “Tales from Topographic Oceans” con cuatro  piezas, de unos 20 minutos,  que no convence a Wakeman quien opta por dejarles y seguir en solitario. Le substituiría el suizo Patrick Moraz, quien había colaborado con los ex Nice  en Refugee. Su primer trabajo con los Yes se titula “Relayer” (1974) en el que destaca una suite llamada “The Gates of Delirium”. Después de una gira, se toman un año de descanso en el que sacan trabajos en solitario. En 1975 Jon Anderson debuta con “Olias Of Sunhillow”; Chris Squire saca con la colaboración de Bill Bruford y Patrick Moraz, entre otros, “Fish out of Water”; Steve Howe también empieza su trayectoria en solitario con “Beginnings” y Patrick Moraz con "The Story of I". Por su parte, Alan White graba “Ramshackled” con Jon Anderson y Steve Howe.

Volverían a reunirse en 1976. Se fuerza la salida de Moraz para que vuelva Wakeman. Sacan “Going for the One” (1977) en el que empiezan a colaborar para el artwork con el artista Hipgnosis en lugar del hasta momento colaborador Roger Dean. Vuelve el sonido con raíces clásicas de Wakeman en lugar del jazz de Moraz, y destacan con temas como "Wonderous Stories". Le sigue el controvertido “Tormato” (1978) con singles como "Don't Kill the Whale" o "Madrigal", “Onward”, “On the Silent Wing of Freadoms”, entre otros. Ya en 1979 entran en contacto en París  con el productor de los Queen, Roy Thomas Baker con el propósito de buscar el éxito comercial. Andersn y Wakeman se decantan por los sonidos New Age.  Alan White sufre un accidente con un patín de ruedas y regresa con Chris Squire más Steve Howe a Londres.  Los otros dos se quedan en la capital francesa grabando temas que más adelante saldrían en el disco en solitario de Jon Anderson, “Song Of Seven” de 1980.  Chris Squire, Steve Howe y Alan White componen nuevos temas en los estudios Town House y allí Squire conoce a The Buggles quienes habían triunfado en  1979 con la famosa canción "Video Killed the Radio Star".  Trevor Horn y Geoffrey Downes de los Buggles acabarían por reemplazar a Jon Anderson y Rick Wakeman, y graban el nuevo disco “Drama” (1980).  Tras otra gira Trevor Horn les deja decepcionado y castigado por la crítica. El proyecto de Yes finaliza.

Chris Squire
Mientras la discográfica rescata temas en vivo, en 1981 Trevor Horn y Geoffrey Downes sacan un segundo álbum, como The Buggles, llamado "Adventures in Modern Recording". Horn dejaría su carrera como cantante y se dedicaría a la producción. Steve Howe y Geoffrey Downes forman con John Wetton y Carl Palmer el grupo Asia y debutan con un álbum homónimo en 1982 al que siguió "Alpha" (1983) y "Astra" (1985).

Por su parte, Squire y White se unen a Jimmy Page en un proyecto fallido llamado XYZ ("ex-Yes y Led Zeppelin"). Sin Page en 1981 sacan un single navideño "Run With The Fox".  En 1982 se unen al guitarrista Trevor Rabin, de los Rabbit, y crean la banda Cinema con temas como "It Can Happen", "Make It Easy", o "It's Over". Invitan a colaborar a Anderson y acaban con una reunión de los Yes más un nuevo disco “90125” (1983). Les produjo Trevor Horn y se incluye para los directos al teclista Eddie Jobson.  También regresaría Tony Kaye ayudado por Cassey Young en las actuaciones. El disco contó con temas como el exitoso “Owner of a Lonely Heart” y ganaron en 1984 un Grammy con  "Cinema", como tema instrumental del año.  Después se recluirían en Italia y sacarían “Big Generator” (1987) con "Rhythm of Love" y "Love Will Find a Way".

Chris Squire
Ya en 1989 Anderson se reúne con Bill Bruford, Rick Wakeman y Steve Howe para formar “Anderson Bruford Wakeman Howe”, o "ABWH" grabando un álbum de estudio con el que regresan a los Yes más barrocos y alejándose del tecno rock de los anteriores trabajos. No pudieron llamarse Yes, porque el nombre era propiedad legal de Chris Squire. Grabarían un segundo disco llamado “Dialogue” (1990).  Jon Anderson y Steve Howe se trasladan a Nueva York para grabar con Jonathan Elias.

Por su parte Chris Squire recluta al guitarrista Billy Sherwood para su proyecto de Yes con White y Kaye. Acabarían por unirse para los directos con sus ex compañeros pero el choque de egos no permitiría que prosperase la idea.  Jon Anderson, Steve Howe y Bill Bruford, sin Wakeman, reaparecen en 1993 con el bajista Tim Harries, más Julian Colbeck y David Palmer a los teclados, y un nuevo disco llamado “Symphonic of Yes Music”, un disco de grandes éxitos con arreglos orquestales. Rabin, Squire, Kaye, White y Jon Anderson grabaron como Yes “Talk”, aunque Rabin y Kaye no durarían mucho. Trevor Rabin no volvería más y se dedicaría a componer bandas sonoras.   Tony Kaye y su hammond se fueron con Billy Sherwood, y Circa con Alan White y Jimmy Haun.

Yes 
“Talk” fue un fracaso comercial tras el que regresarían Howe y Wakeman. Salieron discos  como “Keys to Ascension” y “Keys to Ascension” de 1996 y 1997, con música en directo y de estudio.  Wakeman salió de la banda y entra Billy Sherwood más el teclista ruso Igor Khoroshev, y graban “Open Your Eyes” (1997).  Chris Squire y Billy Sherwood editan “Conspiracy” en 1999. Ese mismo año sale “The Ladder” con el productor Bruce Fairbairn quien muere en plena grabación.

Ya en los dos mil sacan un directo, “House of Yes: Live from House of Blues”. Expulsan a Billy Sherwood aunque seguiría colaborando con Chris Squire en discos como “The Unknown” en 2003. Igor Khoroshev también les deja tras un escándalo por acoso sexual a una de las chicas de seguridad de una gira. Así en 2001 el cuarteto formado por Anderson, Howe, Squire y White graban “Magnification”, el únido disco sin sus habituales sintetizadores. Para la gira les ayuda el teclista Tom Brislin. Después Rick Wakeman regresa al seno de la banda en 2002 . Tras una gira hasta 2004, cesan en su actividad hasta cinco años después.

Chris Squire resucita los Syn y edita “Syndestructible” (2005). Alan White saca el disco "White". Steve Howe revive a los Asia con un nuevo disco llamado “Phoenix”. Billy Sherwood reúne a Alan White, Tony Kaye y el guitarrista Jimmy Haun, y crea los Circa.

Chris Squire 
Los Yes volvieron en 2008 con Anderson, Squire, Howe y White. Jon Anderson fue internado en el hospital en mayo de ese año tras sufrir un grave ataque de asma, con lo que no participó de la reunión. El resto cancelarían la gira programada con la colaboración de Oliver Wakeman, hijo de Rick, pero al final deciden seguir con el cantante Benoit David del grupo tributo a Yes Close to the Edge. A Jon Anderson no le gusta el reemplazo y tras algunas discusiones cambian el nombre del proyecto por el de Howe/Squire/White: In the Present Yes. Actúan en directo y empiezan a grabar en 2010 un nuevo disco llamado “Fly From Here” (2011). Jon Davison de los Glass Hammer substituría después a Benoit David. Con Davison sacarían en 2014 el disco “Heaven & Earth”, el  vigésimo primer disco de estudio de los Yes con el sello Frontiers Records. El productor del disco sería Roy Thomas Baker, que ya trabajó con ellos en 1979.  Squire colaboró con Hackett de Genesis en el disco “A Life Within A Day” de 2012.  En 2015 vio la luz el disco en directo grabado por los Yes en los setenta, con el título “Progeny: Seven Shows From Seventy-Two”.

Documentos sonoros: 

"Grounded" tema de 1967 interpretado por los Syn en los que tocaba el bajo el difunto Cris Squire.


Varios momentos musicales de los Yes durante finales de los sesenta y principios de los setenta.


Els Limboos, lliçó magistral de R&B al IV Aplec Mod del Sénia i les XI Jornades de l’Ermita d'Ulldecona

Concert dels Limboos a l'Ermita d'Ulldecona. Foto: Magic Pop
Com aquell que sí vol la cosa, l’Aplec Modernista del Sénia ha arribat a la seva quarta edició reinventant-se amb una extraordinària festa que passa de ser un cap de setmana de gairebé tardor, ubicat a locals de Vinaròs, a una jornada dominical, el 28 de juny de 2015, celebrada mati i tarda a Amposta i principalment a l’Ermita de la Pietat d’Ulldecona. Si tenim en compte el nombrós públic que hi va assistir, l’amic i escriptor Robert Abella la ben encertada amb el canvi i en aquest èxit ha jugat un paper molt important el recolzament rebut per part dels organitzadors, amb Nete Vericat al capdavant, de les magnífiques XI Jornades Musicals de l’esmentada ermita on vam tenir el gran plaer d’escoltar en directe al grup gallec i madrileny, The Limboos.

Les scooters amb la serra de fons. Foto: Magic Pop
La festa va començar cap a les 11 hores amb la trobada escuterista. Aquí mereixen especial menció tots els escuteristes que s’hi van apuntar des de diversos llocs de la comarca del Sénia, la Marina Alta, de l'Horta, de l'Anoia, del Barcelonès, del Priorat, de la Plana Alta, del Tarragonès i del Delta de l'Ebre, alguns d'ells fent més 200 quilòmetres a cavall d'una scooter. Tots plegats van desplaçar-se fins La Pepa d’Amposta on van gaudir d’un vermut i la punxada del Dj Moreno Ros.

De tornada a l'Ermita de la Pietat, cap a les 14:00 hores, començava el dinar de germanor i cap a les 16 hores el dàncing party amb nombrosos dj’s d’excel·lent criteri com són Jordi Besalduch, Xavi Vinaròs, Mar La-Bel, Catalina de Plaça i Robert Abella. Finalment, passades les 20 hores s’niciava l’esperat concert de The Limboos. Tancaren la festa dos Dj’s més, tots ells d'enorme criteri, com són Marc Goodfella y Turista Bang Bang. A destacar que el cartell d'enguany és obra d'Aleix Marcoval. 



Detall del dinar de germanor de l'Aplec, Foto: Magic Pop
Per entendre l’enorme èxit de la festa, més enllà dels aspectes merament musicals, cal tenir molt en compte diversos factors molt importants al nostre parer. Comencem pel lloc on va tenir lloc la trobada perquè es tracta d’un marc veritablement incomparable. L’Ermita de la Pietat d’Ulldecona és un conjunt històric del segle XII amb església, restaurant i hostatgeria, ubicat a la vessant sud est de la Serra de Godall des d’on teníem una vista espectacular de la Foia d’Ulldecona i de la serralada que dóna nom a la comarca del Montsià.  En segon lloc, cal anomenar l’excel·lent organització, atenta i eficaç en tot moment, tant per part dels responsables de l’Aplec del Sénia com dels responsables de les exitoses Jornades musicals de l’Ermita. Amb aquests aspectes força determinants, s’entén en un tant per cent molt considerable la resposta massiva de persones de totes les edats provinents dels pobles veïns que amb la seva inestimable presència van aconseguir un ple gairebé absolut.  

The Limboos a l'Ermita d'Ulldecona. Foto: Magic Pop
Pel que fa al concert dels Limboos, creiem fervorosament que van donar una lliçó magistral dels inicis de la música negra, i de com aquesta es va enriquir des de la dècada dels quaranta,  cinquanta i seixanta amb els ritmes llatins i jamaicans. Al seu brillant concert es poder escoltar blues, R&B, i jazz però tal i com s’escoltava als seus orígens, o sigui ballant; però també vam gaudir de mescles fascinants adobades amb mambo, bossa nova, rumba o sons jamaicans. El resultat era gairebé enciclopèdic i alhora altament divertit, aconseguint que el nombrós públic congregat no s’aturés del ballar des del primer al darrer tema, bis inclòs, tant pel que fa als instrumentals extraordinàriament ben executats com als temes cantants amb una passió irrefrenable. Van començar amb el “Big Cheff” que obre el Lp editat en 2014 amb Penniman, un disc fantàstic del que també interpretaren altres temes propis com “Jambalaya Walk”, “Early in the morning”, “Nervous”, “Rockin”, “What i’m saying”, “Space mambo”, “Keep your hands off My Pocket” o la versió “Thell Me Pratty Baby”  de Archie Shippings que enregistrà per a Shippings l’any 1959, Screamin 'Joe Neal.  Durant el concert també ens van oferir nous temes destinats a ser enregistrats, quan els hi sigui possible, i editats amb format single o Lp com són “Crazy Rhumba” o “Walking my way”.  I per acabar, una divertida versió del popular “Manisero” de Moisés Simons que va arrodonir una vetllada musical tant instructiva com lúdica.

The Limboos a l'Ermita d'Ulldecona. Foto: Magic Pop 
A nivell instrumental, la secció rítmica de bateria i baix va estar impecable en tot moment mantenint els tempos amb una agilitat extraordinària, mentre les dues guitarres, en ocasions un d’ells als teclats o maraques, ens oferiren moments solistes brillants, amb penetrants riffs de R&B.  Completava la formació un saxofonista baríton que aportà des de pedals greus a solos jazzys i  de soul francament immillorables. I per damunt d’aquesta antològica combinació , la veu aspra, convincent i passional d’un cantant solista que ben bé podria passar per un cantant afroamericà que hauria estat una gran estrella durant el boom del R&B a les principals sales de música negra i llatina de Nova York durant la dècada dels cinquanta.

El nombrós públic a les 11es Jornades. Foto: Magic Pop 
En definitiva, un concert memorable on tot va sonar com calia, amb un bon equip de professionals del so, un públic atent i entregat en tot moment, un bon servei de bar, uns Dj's amb enorme criteri per mantenir la pista plena a vessar, i una organització certament perfecta. Tots plegats van facilitar  que una banda única com són els Limboos, amb prestigi internacional, sonés conjuntada, àgil i ben professional, per tal de fer-nos gaudir com va ser el cas d’un concert fantàstic en un marc no menys captivador.        



The Limboos a l'Ermita d'Ulldecona. Foto: Magic Pop 
Trajectòria

The Limboos es van formar a principis de 2013 amb Daniela Kennedy (bateria y percussió), Sergio Alarcón (guitarra, orgue i percussió), Marcos Mascato (baix) i Roi Fontoira (veu y guitarra). Marcos i Roi formen part dels Phantom Keys i Roi dels Allnight Workers. El projecte el van iniciar Roi i Daniela, als que aviat es va unir Marcos i completà la formació Sergio. Junts han donat forma a un repertori molt original que ve a cobrir un espai vital de mestissatge sonor de música negra i llatina amb apassionants aportacions i un resultat final francament enriquidor. Cal destacar que al festival Funtastic Drácula de 2014 els van acompanyar en directe un trio de saxos anomenat els Saxos del Averno (+ info).  Al concert de l'ermita d'Ulldecona els acompanyava el saxofonista Dani Niño, habitual ja a tots els seus directes. 



The Limboos a l'Ermita d'Ulldecona. Foto: Magic Pop

Amb la producció de Mike Mariconda i l’edició de Penniman Records, tenen un parell de singles i un Lp editats. Al primer senzill es poden escoltar els temes "Not a Soul Around" a la cara A i "Space Mambo" a la B, els dos temes originals, com la gran majoria, de Fontoira i Kennedy. Al segon s’inclouen les cançons "Big Chef" a la A i "Limbootic" a la B. La cara A del primer single com la B del segon no estan incloses a l’àlbum. El Lp que presentaven al 2014 amb el títol de "Space Mambo" fou enregistrat també als Big Cheff Studios de Madrid amb Pedro Sancho. Compta amb una excel·lent portada on destaca una foto de Dodo Estudio. El disseny és de Jordi Duró i les fotos de contraportada de Micoco Graphics i Dena Flows. Pots llegir una ressenya d’aquest àlbum al Magic Pop entrant  aquí.  

viernes, 26 de junio de 2015

Rafa Skam, "romántico" del indiepop con fantástica inspiración creativa y mucha magia en directo

Rafa Skam. Foto de su archivo personal 
The Yellow Melodies son de esos grupos que resultan ideales para explicar qué es el pop en su máximo esplendor. Su música encaja sin fisuras en varias escenas aunque no quizá con el entusiasmo que bien se merecen. Su repertorio está formado por canciones luminosas en las que se manifiesta el enorme talento compositor de un siempre inspirado Rafa Skam más la inestimable ayuda de una banda que últimamente no ha pasado por sus mejores momentos. Tras dejarles su teclista, el baterista sufrió una lesión que les ha obligado a estar parados unos cuantos meses.  Afortunadamente, las circunstancias permiten de nuevo llevar a cabo un plan de ensayos para afrontar la creación y grabación de un nuevo álbum. Será un disco propio que sacarán en los próximos meses tras el homenaje que acaban de rendir a otro grande como es Duglas T. Stewart, principal factótum de los BMX Bandits. Se trata de un álbum editado por Sweet Grooves Records en el que versionan seis de sus temas.  Para hablar de todo ello hemos contactado con Rafa Skam al que hemos planteado nuestras habituales diez preguntas.

Pregunta: Empecemos si te parece por el disco de homenaje a Stewart.  Creo que le conociste cuando trajiste a su banda a tocar a la sala 12&Medio de Murcia dentro de la programación de Microsonidos 2012.  ¿Cómo fue ese encuentro y qué destacarías de su persona así como de su trabajo musical?.

Rafa Skam. Foto de su archivo personal
Respuesta: En realidad ya le conocía de antes, ya que vino al Lemon Pop a Murcia a tocar en 2009, y luego en 2011 fui a ver de nuevo a los Bmx Bandits al Glasgow Popfest, donde tocaban en casa y ofrecieron un concierto magnífico. Douglas me parece una persona fantástica, un enamorado del POP con mayúsculas, con una extraordinaria sensibilidad musical, un tipo auténtico y encantador. Los Bmx Bandits fueron gustándome cada vez más, hasta terminar haciéndome con toda su discografía en vinilo y cd; llegó un momento en que no podía dejar de escucharles, me pasaba todo el día tarareando sus canciones, y necesitaba exteriorizar toda esa pasión, así que grabé las versiones de este EP, una especie de tributo a alguien al que le tengo mucha estima como persona y como músico, y de paso reivindicar a uno de los grupos más infravalorados de la escena de Glasgow de los últimos treinta años.

P: Ese disco de tributo, así como como los tres que habéis grabado con fantásticas versiones más el de homenaje a los Television Personalities, ejemplifican la conjunción perfecta entre los tres principales grupos implicados en la comunicación musical, es decir: los fans, los músicos y los periodistas especializados. Y tú, Rafa, eres uno de los pocos, poquísimos ejemplos, que engloban esa trinidad divina.  Compones e interpretas canciones, realizas una excelente labor como informador mediante tu fanzine/programa de radio, y manifiestas una actitud de fan con aquellos compañeros de profesión que admiras. ¿Crees que ese “tres en uno” es imprescindible para un artista o más bien lo asumes como una necesidad personal a la que no cabe darle demasiada importancia?

Rafa Skam. Foto de su archivo personal
R: Para nada es imprescindible, de hecho a veces hasta resulta contraproducente, porque no te toman en serio en alguna de las facetas. Para mí es una necesidad personal dar salida a toda la incontinencia musical que siento. Soy fan comprando discos y viendo a mis grupos favoritos en conciertos y festivales, y hasta un poco grupi conociéndoles en persona!. Con la radio y el fanzine hablo de los grupos que más me gustan, que muchas veces no coinciden con los de los medios más conocidos; aunque lo que me apasiona de verdad es hacer canciones, grabarlas y tocarlas en directo.

P: Hablemos de tu trayectoria. Sabemos que compaginas tus varias facetas musicales con un trabajo en el mundo de la enseñanza.  Desde la creación de los Yellow Melodies a finales de los noventa, habéis editado siete álbumes más numerosos Ep’s y singles, algunos con repercusión en el mercado internacional. ¿Cuál sería tu análisis sobre tu evolución personal y la de la banda en todos estos años?

R: Me siento muy bien después de todo este tiempo, y más al tener otro trabajo distinto al de la música, lo que me hace ser verdaderamente independiente al componer, permitiéndome hacer las cosas por verdadero amor al arte… Sólo intento divertirme haciendo lo que hago, y esa es la razón de que llevemos tantos años haciendo canciones: siempre hemos hecho lo que hemos querido, y nunca hemos sentido presión de la industria ni de nadie… todo a nuestro ritmo, cuidando todo el proceso desde la creación de una canción hasta que sale publicada por ejemplo con nuestro sello Discos Imprescindibles, producirla nosotros mismos, y ahora estamos hasta haciendo nuestros propios videoclips!.

P: Me gustaría que ahora contextualizaras esa visión propia dentro del panorama musical pop tanto en el ámbito estatal como el internacional.  ¿En qué crees que hemos mejorado y en qué empeorado?          

Rafa Skam. Foto de su archivo personal
R: Hemos mejorado en los medios que existen de acceder a la música, ya que hoy puedes conocer un montón de bandas interesantes con un solo click del ratón, por las redes sociales, por foros, bandcamp, soundcloud, etc… también gracias a algunos festivales puedes ver a un montón de grupos que de no ser así, sería difícil que se pasaran por una sala de tu ciudad… pero también hemos empeorado en esos mismos aspectos. Me explico: por una parte hay tantos grupos que hay que saber buscar e incluso tener criterio para elegir entre los cientos y miles de bandas que te puedes encontrar por la red… por otra parte, en cuanto a los festivales, hay muchos pero la mayoría dan pereza porque programan a los mismos grupos. Hay sin embargo algunos festivales que siguen manteniendo criterios musicales y que merecen mucho la pena.

P: Como músico, te sientes bien contigo mismo. ¿Cuál es tu nivel de exigencia cuando compones o cuando tocas en directo?  ¿Consigues tus propósitos artísticos con facilidad? 

The Yellow Melodies. Foto de su archivo personal 
R: Me dejo llevar normalmente por la inspiración (a la hora de componer) o por la magia del momento (cuando tocamos en directo), aunque sí que es cierto que nos gusta pulir las cosas que hacemos y ser algo perfeccionistas, así que no resulta fácil conseguir lo que nos proponemos. En directo, no somos un grupo que esté ensayando todos los días ni que esté tocando todos los fines de semana. Y en estudio la verdad que lleva mucho trabajo conseguir que las cosas queden como las tenemos en la cabeza.

P: ¿Crees que todo ese trabajo con la banda, tanto propio como conjunto, se valora aquí como es debido tanto a nivel de crítica como de público?

The Yellow Melodies en el Vértigo Estival 
R: La verdad es que a nivel de crítica no nos quejamos: los medios nos ponen bien. Sin embargo, eso no se traduce en una mayor venta de discos, pero pienso que es más porque la gente ya no compra discos como antes. Es curioso que en la mayoría de festivales, como el FIB, antes solía haber un montón de puestecillos de discos, y ahora sólo los hay de ropa y de comida. Cuando nos autopublicamos los 3 LPs de versiones con Discos Imprescindibles tuvimos más pedidos de fuera de España que de aquí. Y nosotros, en vez de pasarnos a lo digital y abaratar costes, hacemos todo lo contrario, ya que últimamente estamos publicando casi exclusivamente en vinilo. Es una locura, pero es que debemos ser de los últimos románticos que quedan!

P: Es posible que, como periodista especializado, recurras a las etiquetas para catalogar a los grupos. Mientras algunos las consideran excesivas y poco claras, otros las entienden como imprescindibles para realizar su labor informativa.  ¿Qué te inspira el uso del término “indie” y cómo valoras la opinión de aquellos que la desprecian por lo que pueda comportar de “mainstream” así como la de aquellos otros que les sugiere sinónimo de tendencia ineludible. ¿Qué sería para ti ser “indie”? ¿Encaja en tu proyecto creativo?    

Rafa Skam. Foto de su archivo personal
R: El término Indie ha perdido toda su esencia y carece del significado original en nuestro país. No hay más que ver lo que se asocia con “Indie” por aquí, que si bandas como Love of Lesbian, Amaral, Second, Supersubmarina, Vetusta Morla o Izal, que graban para sellos tan “indies” como Warner, Sony o Emi; o festivales que programan a estos y otros grupos similares como Arenal Sound, Ebrovisión, B-Side, Santander Music, etc…  y cuyo riesgo es equivalente a cero. Si todo esto es Indie, por favor, quiero que me etiqueten de mainstream o de cualquier otra cosa. Mi idea del Indie está más cerca del indiepop que se acuñó en el Reino Unido a principios de los ’80, con la proliferación de fanzines fotocopiados, una escena musical derivada del punk, sellos discográficos como Postcard, Sarah Records o Rough Trade, la famosa cassete C-86 del New Musical Express, o el sonido de bandas como The Pastels, Orange Juice, Heavenly, The Field Mice, The Wedding Present, Bmx Bandits, Television Personalities, Talulah Gosh, o hasta los primeros Primal Scream, entre otros. Todo eso conlleva también una forma de hacer las cosas: independencia a la hora de crear tu música, de grabarla, producirla, editarla y hasta distribuirla. Por eso adoro festivales realmente indies como Indietracks y Wales Goes Pop en el Reino Unido, los Popfests, o algunos de aquí como Lemon Pop, donde la forma de hacer las cosas y la contratación de grupos se basan más en criterios musicales que en el tirón de público que tienen las bandas. A veces parece que con no ser Alejandro Sanz ya eres Indie, y por eso me molesta mucho el uso denostado que tiene esa etiqueta hoy en día. Si quieres acercarte a grupos de indiepop acude al catálogo de ellos nacionales como Elefant Records o Discos de Kirlian, o de fuera como Cloudberry, Shelflife, Fortuna Pop!, Matinée, OddBox, Fika, Firestation, Jigsaw, etc…  Lo que tenéis que hacer es entrar en la web de Sweet Grooves Records (www.sweetgroovesrecords.com) y pedir nuestro nuevo EP en vinilo, ¿a qué estáis esperando?


Rafa Skam. Foto de su archivo personal
P: Pasemos a hablar de tu nuevo disco, el que estáis preparando. ¿En qué fase se encuentra, tenéis marcada alguna hoja de ruta, puedes avanzarnos algo de su contenido?.

R: Pues mira, son canciones que ya empezamos a grabar hace unos meses, de hecho, han pasado ya hasta tres baterías distintos por algunas de estas canciones. Tenemos seis o siete medio grabadas, y otras tantas por grabar. Son temas que suenan a The Yellow Melodies. Estamos ahora mismo preparándolas en el local de ensayo, para intentar terminarlas en los próximos meses, a ver si las pudiéramos tener listas para antes de fin de año.

P: ¿Te has planteado en algún momento un fin para tu carrera artística?. ¿Qué catástrofe natural o existencial debería producirse para que nos veamos privados de tu genio artístico?.     

R:  La verdad es que no tengo un fin. Me conformo con seguir divirtiéndome componiendo canciones, sacando discos y tocando en salas y festivales. Me encantaría poder tocar en Japón, USA o Sudamérica.

Rafa Skam. Foto de su archivo personal
P: Por último, crees que la música pop y el rock and roll tienen futuro, y si lo tienen, qué problemas consideras que seguiremos acumulando y qué soluciones, si las hay, propones para evitarlos. 

R: Mira, sobre esto que dices del futuro del pop y del rock’n’roll estuve pensando hace unos días, después de ir a un concierto de Cooper a las 12 del mediodía, como parte de una gira llamada La Gira del Aperitivo, y en el que podías ver a fans del grupo con sus niños en primera fila vibrando con las canciones de Alejandro y compañía. Eso hace que a los más pequeños les pueda picar algún día el gusanillo de coger unas baquetas, una guitarra o un micro, y hacer música tal y como la conocemos. Es importante que se cambien ciertos hábitos musicales en nuestro país desde las instituciones, y que se trate la música como un producto cultural valioso, accesible a todas las edades. Es fundamental la reducción del IVA cultural, facilidades para que las salas puedan programar, etcétera… aunque todo esto cambiaría sólo si se tomara la música como un bien cultural disfrutable al que hay que apoyar, y dejar de poner ya trabas administrativas y de todo tipo.
   
Nota: Puedes leer aquí una reseña de la trayectoria del grupo y en especial del último disco editado hasta el momento, ese homenaje a BMX Bandits editado por Sweet Grooves Records.

jueves, 25 de junio de 2015

Los Blue Marinos surfean con maniobras rápidas al estilo “Off The Lip” en su flamante primer Ep

Portada de Mik Baro
En el argot clásico surfer, "Off the Lip" es una maniobra que consiste en golpear el labio de la ola cuando empieza a romper y aprovechar esa espuma para que te empuje la tabla hacia abajo en la dirección en la que parte. Nos lo explica un buen conocedor de los entresijos de este deporte acuático como es Pepe Birra (Asskickers Enmascarados, Alaridos Salvajes) a propósito del single de presentación del cuarteto de Valencia, los Blue Marinos. Un disco editado por los alicantinos Rufus recordings con genial artwork de Mik Baro y cuatro fantásticas canciones propias en las que se suman exquisiteces aprehendidas del género, completadas con notables detalles solistas, más consistentes resoluciones rítmicas propias de auténticos profesionales. Un extraordinario Ep de debut que confirma el buen estado de salud de las bandas de nuestra escena instro surf y en especial de aquellas que nacen en el amplio y siempre novedoso panorama de la escena valenciana de rock and roll.        

Trayectoria


Los Blue Marinos
Los Blue Marinos se formaron en el año 2005 en Valencia. Ellos son actualmente Sebastián Marino, guitarrista y autor de los cuatro temas del disco; José L. Segura "Fletán" a la bateria, Giuseppe Caprara a la guitarra; y Nacho Penalba al bajo. Sebastián Marino fue fundador de los argentinos The Surfacers y cuando se instala en la capital valenciana se rodea de excelentes músicos con los que crea este combo en los que se funden referencias de grandes bandas como Astronauts, Surfaris, Piramyds, Ventures, Eddie & The Showmen, entre otros. Fletán es uno de los mejores bateristas de rock and roll de nuestra escena y, tras numerosas formaciones como los Fletanes, Tail, y un largo etcétera, forma parte de la banda de "garage punk", Wau y los Arrghs, entre otras formaciones como The Untendedmen. Por su parte, Giuseppe toca la guitarra y canta en la banda de rock’n’roll, soul y rhythm’n’blues, The Great Travellin Band. 


Contraportada
El Ep fue grabado el 9 de febrero de 2013 en los estudios Mono phonic de Alicante , mezclado y masterizado por "El Bola" de las Membranas. El artwork es obra de Mik Baro quien dibuja en la portada a una divertida morsa surfeando mientras toca la guitarra. En la contraportada hay una foto de los componentes de la banda con sus respectivos instrumentos: dos Fender Jaguar American Vintage Reissue ’62; un Fender Jazz Bass 60’s y una batería Ludwig Downbeat. La fotografía es de Colo y el rótulo de la banda rubricado con la plancha de surf de Iván Castro.

Las canciones 


Los Blue Marinos en 2012 en la Caverna


"6K6" es el tipo de válvula de potencia que se colocaban en las "reverbs" de los años sesenta, y así se titula el tema que abre este Ep. Tras el redoble, emerge la combinación perfecta de dos guitarras dialogando con ejecuciones precisas. Construyen frases melódicas de encanto al ritmo perseverante de un bajo así como la presencia consistente y ágil de la batería. Diferentes motivos sonoros se entrelazan para dar forma a un tema rápido tras el que nos ofrecen la canción que da nombre genérico al disco, "Off the lip". Con aires bailables muy mediterráneos, los guitarristas digitan con dominio combinando notas agudas con graves con las que diseñan unos arreglos cautivadores. Destacan tanto los solistas como el acompañamiento, preciso de principio a fin. La agilidad de sus componentes vuelve a manifestar como uno de los puntos destacados de la banda mediante otra canción emocionante en la que no faltan recursos beat muy sixties y algunas filigranas latinas.

Los Blue Marinos en el Quasimoto Surf fest 2013  
En la cara B nos sorprenden con "Adventure Reef". En el peligroso arrecife del fondo del mar donde revientan las olas, la fuerza y la intensidad de los Blue Marinos se torna más conmovedora si cabe. Surgen motivos de una gran calidad, posibles gracias a esa experiencia mencionada que, por otra parte, también requiere el surf para cabalgar sobre olas de "reef". Termina el disco con "Infeccioso", tema que como su nombre indica nos infecta de extraordinario rock instrumental mediante un agresivo y cautivador riff de guitarra que discurre a la carrera perfilado por la gran sección rítmica hasta desarrollarse en solos de fantasía que acaban por completar un tema de instro con solemnidad de clásico y actitud festiva contemporánea. Un colofón perfecto para este gran Ep que nos sacia con cuatro geniales canciones al tiempo que nos abre el apetito de más entregas discográficas de surf and roll a cargo de los sensacionales Blue Marinos.
  
Reflexión final


Hay en los Blue Marinos una consistente base instrumental altamente creativa, producto de la experiencia de años de subirse sobre tablas tocando rock and roll en múltiples proyectos, agradando y convenciendo a propios como ajenos. Su primer disco no es, ni parece en absoluto, un trabajo de debut sino más bien refleja la abnegada dedicación de cuatro grandes músicos por contribuir a engrandecer un mundo de sensuales guitarras y contundentes tambores manejados con soltura, con esa elegancia propia del género, pero también con la fuerza necesaria que distingue a una buena banda de instro surf. Las cuatro canciones que se incluyen en este Ep son el resultado de un sonido conjunto en el que los solistas sobresalen por una cuidada ejecución, en todo momento realzada por el dominio del tempo a cargo de una sección rítmica que se integra sin fisuras en el proyecto global. Completa este excelente trabajo sonoro un divertido artwork surfer a cargo del siempre imaginativo Mik Baro y una cuidada edición, en formato vinilo, en manos de la no menos atenta Rufus Recordings. Dispuestos a seguir surfeando con todo tipo de maniobras "clásicas" como la "Off the lip", su estilo propio perfecciona una tradición instrumental que arranca a finales de los cincuenta y principios de los sesenta del siglo pasado, para perpetuarla, mediante nuevas ideas, con todo el apogeo del mejor surf & roll del siglo XXI.


Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp de Rufus Recordings donde también está disponible la venta del disco.