martes, 28 de julio de 2015

Fallece William Brown de los Mad Lads

William Brown falleció el 24 de Julio de 2015 en Memphis, ciudad donde había nacido hace 69 años. Formó parte del grupo vocal de Stax, los Mad Lads, una banda de doo wop y R&B que consiguió algunos éxitos a mediados de los sesenta. Tras su disolución a principios de los setenta, trabajó de ingeniero de sonido para Stax, sello donde grabó numerosos coros para su catálogo de grupos y solistas. Brown se estaba recuperando de un derrame cerebral que había padecido hace un tiempo.

En 1964 creó los Emeralds con los amigos de la escuela Booker T. Washington High School  de Memphis: John Gary Williams, Julius Green y Robert Philips. También trabajó en la tienda de discos Satellite Record propiedad de la cofundadora de Stax, Estelle Axton, a la que convenció para que oyera a su banda. Acabaron firmando con su subsello, Volt.  Axton buscaba un grupo vocal para rivalizar con las discográficas de la costa este. Como ya existía un grupo llamado Emeralds, un empleado de Stax, Deanie Parker, les sugirió Mad Lads haciendo honor a su comportamiento y en homenaje al pseudónimo del Dj Reuben "Mad Lad" Washington. Grabaron "The Sidewalk Surf", co-escrito por Isaac Hayes con el pseudónimo de Ed Lee.

The Mad Lads

Tuvieron éxito en 1965 con el tema 'Don't Have To Shop Around' grabado con el órgano a cargo de Hayes y el piano tocado por Booker T. Jones. Le siguieron otros temas como  "I Want Someone" "I Want A Girl" y  "Patch My Heart",  hits de R&B de 1966. Ese año, Brown y Williams fueron reclutados por el ejército y mandados al Vietnam. Cuando regresaron dos años después, el resto de componentes ya los había substituido por Quincy Blips y Sam Nelson, quienes más tarde formarían los Nightingales. Los de Stax insistieron en reunirles pero la tensión entre la banda fue creciendo. Williams fue arrestado por atacar a un policía en 1969 y Green encarcelado por fraude en 1970.  Aún tuvieron otro éxito con la versión "By The Time I Get To Phoenix"  de Jimmy Webb grabada por Johnny Rivers en 1965, pero se separaron en 1972.

The Mad Lads
Tras disolverse la banda, Brown trabajó de ingeniero de sonido en discos como “Shaft” de Isaac Hayes en 1971 y en las sesiones de Elvis Presley para Stax en 1973. También colaboró con los estudios Ardent y Royal, y compuso algunos temas con Willie Mitchell así como aportó coros en numerosas grabaciones de Stax. Williams grabó un álbum en solitario “The Whole Damn World Is Going Crazy” (Stax 1973). Los Mad Lads regresarían en 1984 y grabaron el disco “Madder Than Ever” (1990) entrando a formar parte del circuito de “oldies”.  Solo queda con vida uno de sus miembros originales, Williams.  Julius E. Green falleció el 14 de enero de 2013.

Documentos sonoros:

Uno de los primeros temas grabados por los Mad Lads: "The Sidewalk Surf", co-escrito por Isaac Hayes con el pseudónimo de Ed Lee.


Primer éxito de los Mad Lads, 'Don't Have To Shop Around' (1965) con Hayes al órgano y Booker T. Jones al piano.



Los Mad Lads en 1968 cantando "So Nice", tema compuesto por Bettye Crutcher y Marvell Thomas.



“Vuelta y Vuelta” de suculentos sonidos jamaicanos gentileza de Akatz para Liquidator Music

Portada de Ribo
Ese vuelta y vuelta imprescindible para que algunos alimentos selectos no pierdan su genuino sabor a raíz de una excesiva cocción sirve de inmejorable título para el nuevo disco de los Akatz, un álbum con divertidas referencias culinarias y musicales que precisan de un trato no menos preciso como exquisito para que lleguen a nuestros oídos con su auténtica esencia. Editado este 2015, se trata del cuarto álbum de estos vizcaínos, el primero en el que colaboran con una de las más grandes discográficas especialistas en sonidos jamaicanos a nivel internacional como es Liquidator Music, creada como bien sabes en el año 1997 en Madrid. Cinco años antes, los Akatz iniciaban su larga como fructífera carrera musical. Durante estas más de dos décadas de trayectoria nos han ofrecido, con extraordinaria vitalidad creativa, un buen repertorio de ritmos y melodías cuya naturaleza procede de la isla caribeña, fusionados con detalles de música latina, el swing, el R&B y el jazz. Con estos referentes han dado vida a un espacio  musical propio consecuente con una imaginación desbordante y una no menos considerable destreza instrumental. Ambas características conforman su seña identidad que alcanza con este nuevo disco unas cotas verdaderamente fascinantes.
      
Trayectoria 

Akatz. Foto: Gorka Mirantes 
Akatz son Josu Santamaría, guitarra; Iñigo Elexpuru, voces y batería; Unai “Bita” Quecedo, voces; Aratz Díez, trombón; Andres Navascuez, piano; Oliver Munilla, trompeta; Jorge Alvaro, bajo; y Oskar Redondo, saxos y flauta.  El nombre de la banda procede del vocablo en euskera “akats” que significa error aunque también  del islote de Aketxe o Akatz, cercano a Bakio, municipio costero de Bizkaia donde se  formaron a finales de 1992 ofreciendo su primer concierto en el municipio también vizcaíno de Dima. La primera formación se consolidó en 1996 y en estos momentos solo quedan tres de los miembros originales, que son Iñigo, Oliver y Bita. Son los únicos que estuvieron en ese primer directo. Al año siguiente entrarían Aratz y Óscar.

En sus inicios. Foto extraída de su facebook
Desde un principio han defendido un repertorio propio con un sonido particular mediante una nutrida banda de entre 8 y 12 instrumentistas con los que han ofrecido ya más de 250 conciertos y han editado varios trabajos discográficos como son, los autoproducidos: “Ez zaitez gera dantza gabe" (1994) Mc con ocho temas en euskera y castellano, grabada en  los Estudios Belan de Barakaldo;  "One car" (1996) Mc grabada con 7 nuevas canciones en euskera, castellano e inglés, en el Estudio Big Bass de Bilbao; "Akatz" (1998), mini cd grabado con 4 temas nuevos en los estudios Entzun de Bilbao; y  "Particular Costa" (2000), Cd-promocional grabado  con 7 nuevos temas en el Estudio Euridia de Bilbao.  Por otra parte, Brixton Records les editó los Cd’s  “12 años de Éxitos” (2004) con 14 canciones, su primer álbum  grabado en Euridia con invitados como  Freddie Reiter de la New York Ska Jaz Ensemble, Roberto Sanchez de Lone Ark, Myriam Quiñones, y Alain Michel de King Mafrundi;  “Días mejores” con 5 temas, tras la grabación del videoclip “Better days” (2006); y “Rudo Bilbao” (2009) con 10 canciones grabadas en los A-Lone de Cueto (Santander) con el productor Roberto Sánchez. Ya en 2010 presentan en DVD  el concierto dado en el Kafe Antzokia de Bilbao el 18 de marzo de 2009 durante la gira de su  tercer disco "Rudo Bilbao". También en 2010 ve la luz un 10” con el título A Go Go”, con 6 temas, editado por Rude con versiones de  Willie Nelson, Millie, Nat Adderley/Rafael, Alton Ellis y Ken Boothe. Su música también ha aparecido en múltiples recopilatorios.  Como backing band han tocado con Mr T Bone  en 2011 y algunos de sus componentes acompañaron a los Heptones en una gira de 2008.

Contraportada de Ribo
“Vuelta y vuelta” fue registrado en 2014 en los estudios Euridia por Ibon Larrucea, quien fuera miembro fundador de la banda, y mezclado por el cántabro Roberto Sánchez en el A-Lone Ark Muzzik Studio. La edición es de Liquidator con la colaboración del sello Rudo Records. Colaboraron, en la grabación de los temas “Más Ruido” y “Fiesta del 73”,  Nerea Alberdi al violín y Ariadna Villate a la viola. Roberto Sánchez aportó coros. Agradecimientos también para A Dubby Ambassah por su percusión e inspiración, entre otros. Por lo que respecta al artwork, de sugestión culinaria con esas divertidas adaptaciones musicales de condimentos y salsas, incluido un huevo frito en la galleta, más esa cocina familiar con serios problemas, es obra del diseñador y dibujante de origen burgalés, Ribo.  Se incluyen también las letras de las canciones distribuidas en hojas de pedidos de restaurantes y fotos a cargo de Ana Peser y Gorka Mirantes.  

Anteriormente a este Lp, Liquidator publicaba un single en una única tirada especial para DJs, restringida a 500 copias, con las canciones “Fiesta Del 73”, todo un hit para la pista de baile, más “10 Especial”, no incluido en este disco, un sensacional reggae instrumental protagonizado por un dulce y sensual trombón. Puedes escuchar las canciones en el bandcamp de Liguidator y adquirir una copia del single en la web del sello.

Las canciones


Akatz en directo. Foto: Fernando Hevia 
El disco empieza mediante “Skarmentu Handiko Andra”, con el llanto de un bebe entre los ecos de la tormenta. Una exposición extraordinaria de ritmo caribeño en la que sobresalen  metales, guitarras más piano dando forma a ese efecto misterioso introductorio en el que destacan detalles solistas a cargo del magnífico trombón y la habilidosa trompeta. Con “Fiesta Del 73” se pone en funcionamiento toda la banda, con esa gran voz principal incluida, consiguiendo, mediante la maestría que les caracteriza, otro tema para engrosas su repertorio de “hits” para la pista de baile.  Una fiesta de alumnos de 1973 en la que ella estará allí. “No nos vemos desde los 16… No pretendes explicar lo que tiempo ya explicó… haga lo que haga estará bien”. De nuevo vuelve a impresionarnos ese inspirado  trombón que completa perfectamente a esa voz solista que nos explica la historia con indisoluble apoyo de metal para dar forma a este reggae bailable de bonita melodía.  Le sigue “Hijoputa con swing”, tema en el que ponen de manifiesto su convincente capacidad de big band jamaicana con saxofones como principales solistas, entre ese ritmo contagioso con el  que nos subrayan que con su música “ya estás maldito, vas a enloquecer”. Benny Goodman nos hechiza con sus canciones y nos recuerda: “siempre serás un hijoputa con swing”.

Akatz en directo. Foto: Fernando Hevia
Con “Vacío de ti”, los Akatz nos agasajan con un tierno rocksteady, en el que emergen los deseos del amado por “tenerte cerca de mí, para acariciar tu piel”. Una maravilla melódica que nos anega el alma y los ojos a la espera de que regrese la amada “para estar a mi lado, yo prefiero morir a alejarme de ti… nunca más dejaría que dudaras de mí”.  Cierra la cara A una curiosa como sensacional adaptación a los sonidos jamaicanos de “Salda beroa”, canción original de Takolo, Pirritx Eta Porrotx, incluido en un disco de música infantil titulado “Beti Martxan” (1999). El tema en euskera nos habla de un “caldo calentito” en el que meter la cuchara para empezar a bailar.  Incluso en la información del álbum, los Akatz nos detallan los ingredientes imprescindibles, (saxofones de piquillo picantes, voces de Bruselas, coros de Tudela, trompetas a la bizkaina, batería de cocina de calidad, bajos tiernos, órganos viscerales, medio trombón de chocolate…) y la receta para preparar este extraordinario plato que pasa de ser una canción popular a un bien medido y apasionante early reggae con metales generosos, destacando los solos de trombón y saxo, acompañados por una sección rítmica tremendamente conjuntada con breves apariciones de órgano y piano. Toda esta conjunción instrumental envuelve a la voz principal recitando los preceptos culinarios para empezar a bailar.  

Akatz en directo. Foto: Fernando Hevia 
Ya en la cara B nos ofrecen “Skandalo”, tema en el que critican el consumismo, las contrariedades de la ciudad, entre los bancos que roban, los ruidos y la contaminación. “Quién te dijo que es fácil vivir en la ciudad”, nos advierten a ritmo de ska danzarín, con buen solo de trompeta, y arreglos elegantes con los que completan esta reivindicativa letra.   A continuación, otro buen tema llamado “De cine”, ideal para alegrar ese “bajón” que experimentamos tras salir del cine y volver a la cruda realidad.  Con un sabor latino, nos cuentan “tú y yo, todo de cine, sin sabernos el guión”. Momentos de piano con mucho swing y aires de vodevil a ritmo de ska que nos colman de felicidad y nos predisponen para seguir oyendo “Comida casera”, un divertido reggae de pulsación rítmica extremadamente precisa, entre aportaciones de órgano interestelar. Tras esa extraordinaria presentación instrumental, entran las voces con aires latinos defendiendo la comida casera “pídelo, lo cocino para ti, pruébalo, y dime si repites conmigo esta noche”. Pero no voy a pedirte más “comido basura”. A estacar esa aportación de teclados atmosféricos sobre los que van enumerando platos suculentos como migas con chocolate, sopas de ajo con almejas, y una de tejas, con vino del país.  

Akatz. Foto: Gorka Mirantes 
“Ansiedad” se construye con los parámetros de una big band de R&B a ritmo sincopado. Otro extraordinario tema en el que describen a esos individuos que siempre necesitan ponerse al límite  con drogas, aventuras o deportes. Nada puede calmar esa angustia, así que mejor “quieto, no sigas por ahí”. Intervenciones de metales y movimientos sinuosos de toda la banda, a muy buen ritmo, se completan con riffs de guitarra blues con teclados envolventes. Con el tema Joakin Murrieta, se refieren al héroe mexicano  considerado el Robin Hood del Dorado ( nacido en 1829-1853 año en que se presupone su muerte), con cuya banda se dedicaba a robar y a vengarse de los “gringos” que previamente les habían arrebatado sus propiedades en la guerra con México en 1848. Toda una figura legendaria  que inspiró las leyendas del Zorro y el Coyote.  En manos de los Akatz, su historia se convierte en un reggae de inspiración western cuya temática, como bien sabes, siempre fue muy apreciada en la Jamaica de los cincuenta y sesenta.  “Más ruido” pone punto y final a este disco con otra exhibición de pulsión y pulsación jamaiquina orquestada con fascinantes detalles de cuerdas combinadas con vientos, dándole un toque de producción pensada para ser un éxito con reminiscencias del sonido Filadelfia de los setenta. Un tema ideal para las discotecas, con "toasting"de deejay incluido que amplifica esta maravilla sonora que, sin lugar a dudas, invita a pedir más con más ruido para bailar, afrontando los problemas con serenidad y atentos para tomar decisiones cuando llegue el momento oportuno.      

Reflexión final  

Akatz, Foto: Gorka Mirantes 
Los Akatz han contado, en alguna ocasión, que meditan y discuten  sus decisiones con el propósito de llegar, cueste lo que cueste, a ese consenso que beneficie al grupo. Es así como han logrado dar cada uno de los múltiples y originales pasos durante todos estos últimos  veinte años hasta conseguir este magnífico trabajo llamado genéricamente “Vuelta y Vuelta”.  Realmente, impresiona y emociona que una banda pueda presumir de una carrera tan larga como la suya, con tantos conciertos y con cuatro discos memorables, queridos por la escena y por su entorno, evolucionando con increíbles resultados al margen de la ignorancia de los mass media incapaces de apreciar su magnífica aportación a la música de referencias jamaicanas. Y eso que su amplia obra discográfica va mucho más allá del uso con buen criterio de los ritmos sincopados.

Cada disco de estos portentosos vizcaínos es una amalgama fabulosa de ideas en las que confluyen los preceptos rítmicos del reggae, como concepto genérico que engloba el ska, el rocksteady y los sonidos early roots, con los valores melódicos del R&B, soul, la música latina y la experimentación instrumental del jazz con mucho swing.  Todo ello cocinado, para seguir con el símil temático de este álbum, sin extravagancias ni exhibicionismos que valgan, mediante ese “vuelta y vuelta” con el que los alimentos no pierdan ni un ápice de su sabor auténtico. Sin lugar a dudas, los ingredientes utilizados son de primera calidad, no hay más que oírlos, y los cocineros destacan tanto por su enorme experiencia como por esa empatía con la que  son capaces de proponernos platos exquisitos que dan a nuestra cocina casera, esa siempre prolífica escena jamaicana estatal, un toque particular que los hace ciertamente inolvidables. Disfruten de los manjares de estos Akatz y dense un merecido homenaje musical con un banquete sonoro de auténtico lujo servido en el famoso establecimiento, con prestigio internacional, que es  Liquidator Music.          

Nota: Puedes escuchar los temas en el bandcamp de Liquidator y comprar una copia del disco en vinilo en su web. Puedes leer aquí una entrevista que publicaron la web Reggae.es en 2013 con motido de su 20 aniversario. 

lunes, 27 de julio de 2015

The Gundown vuelven a brillar con su nuevo Lp “Light Up in the Streets” para Fierro! records

Portada
The Gundown son, indiscutiblemente, una de las mejores bandas de punk hardcore a nivel internacional. No, no peco de exagerado, e incluso os diré más: la etiqueta resulta manifiestamente insuficiente para englobar todas sus excelencias musicales, que no son pocas, con las que nos sorprenden, una y otra vez, mediante cada uno de sus trabajos discográficos . Sus canciones no solo destacan por su fiereza rítmica sino también por una elevada persuasión melódica más una exquisita lírica en ingles en la que no faltan elevadas cargas existenciales de profundidad vital.  Con destreza y energía desbordante, mezclan recursos del punk’77, con detalles de hard rock o ese “powermod” hiriente, escogiendo los ingredientes precisos para formar una pared de cemento armado sin fisuras que delimita un estilo propio y brillante, fácilmente identificable. Acaban de editar este 2015 su segundo Lp con la no menos imprescindible discográfica Fierro! records, sello zaragozano que precisamente empezó editando un disco de los tarraconenses. “Light Up in the streets ” que así se titula este poderoso álbum de los Gundown, está pensado para iluminar nuestra calles, nuestras vidas, nuestras esperanzas, y lo hace con una fuerza descomunal, dosificada en doce tremendas descargas sonoras, absolutamente impecables, en las que no sobra ni falta nada, ni siquiera los guiños a grupos de cabecera de sobra conocidos.

Trayectoria 

The Gundown. Foto: Adrià Bertran
Los tarraconenses The Gundown son Quim Mas, guitarra y voz; Marc Anguela, batería y coros; y Sergi “Beni” Bertran al bajo y voz principal. Anteriormente llamados Isolation se forman con miembros de Caza de Brujas y otros grupos de punk hardcore. Han pasado por otras bandas insignes como VonDänikens,  Col·lapse, y Truckstop Maniacs.  Se crearon en 2007 y grabaron una demo anterior titulada “A tribute of Isolation”. Ese trabajo salió con una edición en Cd de 500 copias en 2008 y fue reeditado en 2011  con un 10" (Walk Alone records). Con Von Dänikens, otra de las mejores bandas tarraconenses de punk, compartieron un Lp, editado en 2009  por los valencianos Punk machine y los alemanes Subwix. Cinco magníficos temas de punk rock por grupo, cuatro propios y una versión, agrupados para regocijo de sus fans bajo el título de “Bomb this city”.

The Gundown. Foto de su fb.
En 2010, los Gundown sacaron un álbum editado en vinilo, con código de descarga y en color rojo o negro, titulado “Endless Loads Of Rage” (Sell Our Soul Records 2010) donde se incluyen 14 temas altamente creativos de punk rock como "From Death to Broken Nose", "Face the Lie", "Missing Parts" o "Requiem for the Mud Men". Le siguió "Pride" (Fierro!Records 2012) con cinco temas: “Need Our Pride Back”, “The Shining”, “Young Gun”, “Because Of You” y “Wartorn”.  Más información de ese disco en el Magic Pop aquí.  La banda también celebró su concierto número 100 el 30 de noviembre de 2013 en el Casal de Roquetes.  En 2014 sacaban un split con los suecos Smalltown editado por los californianos  Pirates Press Records, quien lo ha puesto en venta en los Estados Unidos, y por los aragoneses Fierro! Records quien lo distribuye aquí y resto de Europa. El split contiene cuatro temas, dos por banda. Uno original por grupo y el otro, una versión respectiva. Los Gundown aportan  “Count Me In” y la adaptación del “A Turn For The Worse” de los suecos. Los Smalltown han grabado su  “Spoiler Alert” y un cover del tema de los catalanes, “Pantomime”. Por último, en su bandcamp se puede oír y descargar un Ep con cuatro canciones en acústico y el título genérico de “Thunders”.   También en 2014 aportaban dos canciones al recopilatorio “Chaos in Catalonia”, (Common People Records) que son  “By The sea” y “Dead Plans”. Acaban también de grabar dos versiones de los Descendents (Hermosa Beach, California), concretamente "Clean Sheets" y "Cooffe Mug", para el recopilatorio de Rockzone Bipolar Sessions 2 (abril 2015).

Artwork
Por otra parte, cabe mencionar que Quim y Marc forman parte de los también tarraconenses Crim, otra excelente banda punk a tener muy en cuenta. Los tres Gundowns han creado recientemente los MastegoT, punk rock en catalán surgido de las cenizas de Truckstop Maniacs. Además Sergi está en los Bannerman!, rock alternativo con detalles de punk rock.  

El segundo disco de los Gundown fue grabado por Aleix Archs y Jordi Mas en el Bloq Estudi durante el mes de diciembre de 2013. Se mezcló en el mismo estudio en febrero de 2014 y en ese mismo mes se masterizó  por Gorka Dresbaj en The Room BCN Mastering Studio. El artwork, con ese barco en llamas luchando entre la tormenta, con las solemnes construcciones catedralicias de fondo, es obra de Sergi Bertran y la foto de la contraportada de Adrià Bertran. Isu, bajista de los Vondänikens canta en algunos coros y Matt Luzaich, segunda guitarra en los Appraise, se encargó de pulir el inglés de las profundas letras que vienen incluidas en la interior de la carpeta.  La extraordinaria edición de Fierro! Records permite escoger vinilo transparante, naranja o en negro. Finalmente, cabe mencionar que entre los agradecimientos de la banda se incluye a Toni Urbano "por su inspiración", músico tarraconense componente de los Leño quien fallecía en agosto de 2014.

Las canciones 


The Gundown. Foto de su Fb.
El disco empieza con “Control”. Una tema que pone todas las cartas sobre la mesa aunque eso no quiera decir, en absoluto, que las manos vayan a repetirse. Los Gundown nos absorben con esas descargas de guitarras frenéticas sobre las que ruge la voz principal y ese conglomerado de ideas brillantes está acompañado por una sección rítmica galopante. A mi modo de ver, resultan especialmente fabulosos esos crescendos sonoros que nos envuelven como una llamarada. “Tras la mitad de la vida haciendo lo que me dijeron que hiciera –nos cuentan– vuelvo a tomar el control”. Le sigue el tema que le da título: esa maravilla llamada “Light up the streets”. “Con el mundo a nuestros pies, nos hacemos mayores, buscando un último intento para tener éxito”, nos explican los Gundown. El tema se articula con acordes y punteados precisos que van dando forma a volúmenes sonoros que se superponen como balas en el cargador para dispararse en modo metralleta con el propósito logrado de dar en el centro de la diana justo en el estribillo. A continuación nos ofrecen “Hang’em high”, que como en la película de western de 1968, protagonizada por Clint Eastwood, también se ponen de manifiesto  injusticias, para “luchar en la guerra que quisimos”, una batalla en la que están llamados los “Manpower”, título del siguiente corte. Esa mano de obra que libera los demonios cuando llega el fin de semana, pagando por sexo, con el orgullo, la fe, el amor y el odio en peligro. Ritmos fascinantes articulados a modo de un trenzado de acero entre la batería y el bajo para procurar una base sólida sobre la que destaca, de nuevo, esa grandiosa voz principal y esos momentos de guitarra descomunales.

The Gundown en directo.  Foto de su Fb.
El disco discurre con “Behind These Bars”, un tema dedicado a Pablo Ibar, de origen guipuzcoano, quien lleva 21 años preso en Florida, 15 de ellos en el corredor de la muerte, condenado por tres asesinatos. Está a la espera de que el Supremo decida sobre su petición de un nuevo juicio.  En la canción, los Gundown nos dicen: “Sin perder la esperanza, no voy a renunciar, por mis derechos, por la vida”.  Otra excelente combinado de melodía y ritmo al que sigue ese no menos emotivo, “Late Youth Anthem”, todo un himno de la juventud tardía, para los que “cansados y aburridos, la vida ha pasado” al tiempo que podemos llegar a preguntarnos “si somos unos cobardes o unos combatientes”. “¿Qué puedo hacer?”, remarca la banda en este tema que cierra gloriosamente la cara A de este disco mediante arpegios luminosos, guitarras afiladas, redobles que  consiguen hacer hervir la sangre, y golpes de bombo y bajo que laten como el corazón arropando apasionados esos estribillos colosales entre solos magistrales.    

La cara B arranca con “I’m sick”. Un tema en el que remarcan que el “mañana no importa una mierda, no hay tiempo para las lágrimas y la tristeza… No hay tiempo”.  Poderoso tempo que entusiasmará por su brillantez melódica y por esos guiños que entusiasmarán a la comunidad modernista. Increíble combinación de recursos que ayudaría a entender, si eso fuese necesario, la etiqueta de hard mod.  Enfermos de tanta maravilla, nos topamos con otra excelente perversión de powerpop acelerado y no menos salvaje llamado “Floors and Ceilings”, producto de ese choque generacional o de intereses que explica como la luz de otros, oscurece nuestra vida, cuando el suelo de aquellos que nos impiden prosperar acaba por ser nuestro techo.

The Gundown en vivo. Foto de su Fb
Continúan las canciones especialmente reflexivas como esta “Small”, en la que el ritmo desbocado sirve para acrecentar la profundidad de sus reflexiones: “Nuestra carne es el carbón que alimenta el fuego donde todos nuestros pecados arden… No hay respuesta para  saciar nuestra sed natural… Estamos hechos para que nos rompan, para llenar el pozo repleto ya de ignorancia y avaricia”. Francamente, tanto las letras como sus recorridos musicales me dejan absolutamente anonadado.  A continuación más guiños al punk mod con esos “Dead Plans”. En este caso nos relatan cómo: “cuando se olvidan los planes de esperanza por ser algo en la vida, es necesario seguir la luz, aunque el futuro se tiña de sangre y mierda. No se detiene el deseo de vivir”. Espeluznante ese corte instrumental con el bajo rugiendo entre el discurso impecable de la guitarra entrando y saliendo del arreglo con una habilidad ejemplar.

The Gundown. Foto de su Facebook. 
Llegamos ya a los últimos surcos de este espectacular disco mediante esa “Whrite in agony”. “Odio decirlo pero solo he perdido… retorciéndose en la agonía,  mejor hacer un cambio”. Más ejemplos sustanciales del impactante trabajo tanto musical como lírico realizado por los Gundown que se nos presentan como una mina rica en melodías absorbentes con las que logran entusiasmarnos mientras la sección rítmica nos invita al baile como si nos arrojáramos por el precipicio de la vida convencidos de que no caeremos sino de que volaremos ligeros de equipaje. Finaliza el álbum con la tremenda “Count me in”, una de mis favoritas, aunque son tantas… Más guitarras abriendo camino como si fueran un lanzallamas entre sentencias tan impactantes como “Hay un pedazo de nuestra última oportunidad en cada minuto que se pierde. Estoy seguro de que sabes dónde se puede encontrar. Cuenta conmigo”. Pues eso es, amigos, contad con su música, porque ellos lo han hecho con nosotros para dar vida a un álbum descomunal, rico en matices de principio a fin.

Reflexión final 

Dibujo inspirado en el artwork de los Descendents 
No nos engañemos: el rock and roll provoca indiferencia en gran parte de nuestros vecinos, conocidos y familiares, así como entre la mayoría de ciudadanos que no solo desconoce la actualidad discográfica sino que apenas puede citar a Elvis Presley y a los Beatles a modo de respuestas de Trivial. Por ello no debe de extrañarnos que los Gundown,  siendo como son una banda con repercusión internacional en el ámbito "underground", en cambio en su ciudad, Tarragona, sean casi unos perfectos desconocidos para la masa.  Por otra parte, me llama la atención que, a pesar de esa ignorancia supina sobre música, sorprende que a muchas personas les produzca un especial repelús el oír nombrar dos etiquetas que, si bien desconocen su auténtico significado, son repudiadas frontalmente sin atender a razones. Me refiero a la urticaria fomentada por los mass media ante el movimiento skinhead y hacia el estilo hardcore.  Un rechazo social al que se suman, inexplicablemente, los medios especializados quienes apenas prestan atención a los grupos que se engloban en uno de esos genéricos o en ambos a la vez.

La triple edición de Fierro! Records 
De los “rapados” ya hablaremos en otro momento, pero del hardcore, a ver si queda por fin claro que es mucho más que “punk a toda hostia tocado por salvajes descerebrados que vociferan letras sin apenas contenidos”.  Para contrarrestarlo, les recomiendo encarecidamente, especialmente a los más escépticos, que escuchen con atención, letras incluidas, el fantástico segundo álbum que acaban de editar estos Gundown con Fierro! Records.  Estoy convencido de que se les iluminará el cerebro y cambiarán esas anquilosadas ideas mal concebidas sobre un género tan variado como éste en el que son posibles grupos de todo tipo, algunos malos pero también muchos muy buenos como por ejemplo estos flamantes tarraconenses. “Light Up in the Streets” es, ante todo, el mejor disco de los publicados hasta el momento por este poderoso trío y, sin tapujos que valgan, creo que es uno de los mejores trabajos musicales editados este 2015.  La intensidad y la pasión que desprende es de tal magnitud que pone los pelos de punta mediante  auténticos himnos de puño en alto para esa juventud tardía que no renuncia, con esperanza, a seguir una luz, buscando respuestas, dispuestos a tomar el control de sus vidas conscientes de que esa última oportunidad está en cada minuto que se pierde.

Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp y adquirir una copia del disco en el facebook de Fierro! Records.   

domingo, 26 de julio de 2015

Fallece el guitarrista y compositor de R&B, Arthur G. Wright

Arthur G. Wright 
Nacido en 1937, el norteamericano Arthur G. Wright nos dejaba este mes de julio de 2015. Guitarrista, arreglista, productor, compositor, y vocalista, su destreza con la guitarra o en la composición más y arreglos de temas de R&B, soul, funk, disco y jazz está presente en más de cinco mil grabaciones. Fue miembro de los Wright Bros. Flying Machine, y del combo de estudio de los Angeles llamado Afrique. Como músico de sesión trabajó con muchos cantantes y grupos de soul desde los años sesenta como Smokey Robinson, The Supremes, Marvin Gaye, o los Temptations, entre muchos otros.  Empezó en los cincuenta acompañando a grupos de doo wop, fue muy importante para muchas grabaciones de soul de los sesenta, y sus ocmposiciones son recrodadas por los fans de la música disco. Siguió tocando hasta muy recientemente fusionando el jazz y el blues con el soul.

Su primera guitarra fue una acústica Harmony y la compró en una tienda de empeño de Dallas (Texas). Empezó tocando en grupos de la escuela y en clubs del área de los Angeles respaldando a numerosos grupos de doo wop. En 1956 formó el grupo The Circats con Hidle Brown Barnum, Ron Barrett, Glen Wade, Jy immy Benson, de 1959 a 1962 formó parte de la Gene Connors Band.

Arthur G. Wright 
Algunas de sus colaboraciones estelares, mediante arreglos o portentosos solos de guitarra y bajo, fueron en compañías pequeñas pero otras se puede oír en grandes éxitos como  “Love Hangover" de Diana Ross, el "Don't Leave Me This Way" de Thelma Houston, entre otras grabaciones de la Motown a cargo de Smokey Robinson, Stevie Wonder, Marvin Gaye's con su  "Let's Get It On", o The Temptations . También trabajó con Ray Charles, Vikki Carr, Donna Summer, Jose Feliciano, Ike & Tina Turner, Billy Preston, The Friends Of Distinction, Jimmy Witherspoon, The Righteous Brothers, Little Johnnie Taylor, The Jackson 5, Bettye Swann, The Emotions, Little Richard, Stevie Wonder, o The 5th Dimension, entre otros.


Arthur G. Wright 
A finales de los sesenta su banda llamada Arthur Wright & His Orchestra incluyó una versión instrumental de “Lay This Burden Down” en un single de Mary Well y otra de "Before it's to late" en otro sencillo de Jackie Day, a los que en la cara a acompañaban.  A principios de los setenta formó parte de la banda de estudio creada en Los Angeles con el nombre de Afrique.  A las guitarras estaban  David T. Walker y Arthur Wright; Charles Kynard (órgano); Joe Kelso, Paul Jeffery y Steve Kravitz (metales); King Errisson, Paul Humphrey, Wallace Snow, Charles Taggart y Chino Valdes (percusión); Chuck Rainey (bajo); y Ray Pounds (batería). El grupo grabó un disco llamado “Soul Makossa” en 1973 y también se presentaron como The Chubukos.

A finales de los setenta grabó un disco de funk soul con la banda Wright bros. Flying Machine formada con Eddie Watkins al bajo; James Gadson y Melvin Webb a la bacteria; Arthur G. Wright a la guitarra; Alan Oldfield, Greg Phillingaines, y Sonny Burke a los teclados; Clarence "Butch" Robinson a las congas;  Buddy (Milton L.) McDaniel, Herman Riley, Jackie Kelso, Jules Jacob, y Plas Johnson a los teclados; Alan Oldfield al sintetizador; Bradford Thoelke, Maurice Spears al trombón; y  Bobby Bryant, Clifford Ervin, Leslie Drayton a la trompeta.  Cantan Arthur Wright, Bonita Wilson, y Larry Wright. Uno de sus temas, "The Leatherman's Theme" estaba incluido en la banda somora de la película de 1978 que aquí se llamó "Por fin es viernes", un icono cinematográfico de la música disco.

En 2010 vio la luz un disco a su nombre con el título de "Love, about love" con temas de jazz soul y pop.

Documentos sonoros: 

Versión instrumental de finales de los sesenta del "Before It's too Late" de Jackie Day a cargo de Arthur Wright y su Orquesta.


"Leatherman theme", de la banda sonora de la película de 1978, "Por fin es viernes", compuesta por Arthur G. Wright para su banda Wright Bros. Flying Machine.



Arthur G. Wright en directo en el año 1994.


sábado, 25 de julio de 2015

Fallece el músico y productor alemán Norbert Schwefel

Norbert Schwefel
El músico y productor alemán, Norbert Schwefel, nació el 22 de agosto de 1960 en Lampertheim y falleció el 23 de julio de  2015 en Mannheim. Fue el máximo responsable de un proyecto llamado Schwefel, música de vanguardia y electrónica con la que realizó numerosas grabaciones en solitario o acompañado por otros músicos alemanes desde mediados de los ochenta. Sus ideas tuvieran una notable repercusión en la escena vanguardista alemana de rock electrónico y post punk de medisdos de los ochenta.



Schwefel 
Empezó sacando varias cintas de cassette como “Strange Orchestras” (1984); “Second” (1985); “The Dancing Partner” (1985) o “Nervous Tract” (1985) en las que tocaba él mismo todos los instrumentos. Más tarde invitó a otros músicos que colaboraron con sus ideas.  Le ayudaron músicos como Charles Lemming (1984–1986, voz); Martin Buchholz (aka Horacz Bluminth) (1986–1989 al saxo); Christian “Christl“ Marley (1988–1992, saxo y bajo); Axel Steuerwald a la guitarra (1989); Ralf Laubscher (1989–1992 a la batería y caja de ritmos); Mark Born (1990–1992 guitarra); Thomas Hinkel (1995–2012 teclados y bajo); Eddy Ziegler (aka Leroy Hartmann) (1999–2003 a los teclados); Hans Santisi (2001 al bajo); Thomas Zander (2003 a la batería); Verona Davies (2003, voz); y Thomas Nelliste (2004–2012, batería).

Norbert Schwefel 
Los primeros lanzamientos fueron muy bien recibidos por la prensa y encontraron muchos seguidores en la escena independiente alemana aunque no tuvo el respaldo de un sello con repercusión en el mercado. Después de sacar varios Ep’s y tres discos como “Hot in Hongkong” (1988 Amigo); “Luna Messalina” (1990 Vielklang); “All Shook Up” (1990 Vielklang); y “Motor Psycho” (1992; ; Vielklang), se quedó sin contrato y dejó el negocio durante varios años en los que se dedicó al mundo del vino. A finales de 1990, reformó el proyecto y volvió con un disco con los mejor de su carrera y otro llamado “Photosynthese” (1999 Sulphur Sonic Records). La crítica elogió especialmente su quinto disco “Edge City”, un álbum conceptual industrial dedicado a su ciudad, Mannheim, al que siguió otro álbum llamado “Mystifier” (2003 Sulphur Sonic Records).  Norbert también organizaría un festival con su propio sello Sulphur Sonic Records. Como su apellido en alemán, significa azufre.  Desde 2007 llevó a cabo varios proyectos multimedia, más una ópera y colaboraría con el violinista berlinés TThomthom Schrey y con Volker Hartmann-Langenfeldercreo creó Kolk.

Documentos sonoros: 

Schwefel sacó en 1986 un Ep con este tema de rock electrónico y post punk “Schizophrenic Party” para el sello alemán, Amigo.


Nos deja Eddie Hardin de la Spencer Davis Group

Eddie Hardin nació el 19 de febrero de 1949 en Londres y falleció el 22 de julio de 2015 de un ataque al corazón. Pianista y cantante, formó parte de la Spencer Davis Group, cuando deja la banda Winwood y su hermano Muff. Después crearía el dúo de jazz rock Hardin and York y la banda de rock Axis Point. Ta,bién tuvo una carrera en solitario a partir de los setenta. estaba aún en activo con una de las dos formaciones de la banda de Spencer Davis.

Spencer Davis Group 1974


En 1963 se creó la banda de R&B, Spencer Davis Group, en Birmingham con el guitarrista rítmico y vocalista galés Spencer Davis (nacido el 17 de julio de 1942 en Swansea), más Steve Winwood (nacido el 12 de mayo de 1948 en Birmingham), compositor, teclados, guitarra y cantante; su hermano mayor Muff Winwood (nacido el 15 de junio de 1943 en Birmingham) y el batería Peter York (nacido el 15 de agosto de 1942 en Middlesbrough). En 1964 firmaron con Fontana Records, con la que sacaron varios sencillos entre 1964 y 1965, con canciones como “Dimples”,  versión de John Lee Hooker, “I can’t stand it”, “Every little bit hurts”, versión de Brenda Holloway, o “Strong Love”, entre otras. Firmaron las caras B de esos singles con temas como “Sittin’ and thinkin’” o “It hurts me so”. No consiguieron mucho éxito pero se convirtieron en un combo de referencia.  En julio de 1965 sacaban su primer álbum con el título de “Their First LP”.

Consiguieron un número uno en las listas inglesas con la canción “Keep on running”, de Jackie Edwards y producida por Chris Blackwell.  Le seguiría otro single con un tema de Edwards llamado “Somebody help me” y un segundo álbum con el título de “The Second Album” (1966).  Poco después vino la primera cara A firmada por el grupo, “When I come home” de Steve y Jackie Edwards, y el mismo año sacaron otro disco llamado “Autumn 66” (1966) más el tema “Gimme Some Lovin'”, una canción de Steve, Muff y Spencer con la que llegaron al segundo puesto de las listas y en el Top 10 americano.

A Wild  Uncertainty 
Ya en 1967 graban el single “I’m A Man” de Steve y Jimmy Miller, y Winwood dejaría la banda para crear Traffic. Ta,bien formaría parte de los Blind Faith y grabó con los  Third World. Su hermano Muff también abandonó la banda para trabajar  de A&R en Island Records de Chris Blackwell. Se incorporaron el guitarrista Phil Sawyer (ex les Fleur de Lys) y Eddie Hardin (ex-A Wild Uncertainty) a los teclados. Los A Wild Uncertainty sacaron un single en 1966 con los temas “A Man With Money”, versión de los Everly Brothers y "Broken Truth" de Tony Savva, cantante de la banda.  Miller se convirtió en su productor. Con la nueva formación sacan “Time Seller” (1967), y pocos meses después “Mr. Second Class”, su última entrada en las listas británicas. Le siguió un Lp con poco éxito “With their new face on” (1968) con Ray Fenwich a la guitarra y un par de singles “After tea” y “Short change”. York y Hardin abandonaron en octubre de ese año para formar un dúo. Fueron reemplazados por Dee Murray al bajo (después con la banda de Elton John) y Dave Hynes a la batería, reemplazado por Nigel Olsson. Sacaron el álbum “Funky” (1969) antes de separarse. Ese mismo año salió el disco "Heavies" en los USA. Hardin & York grabaron varios discos de jazz prog rock como “Tomorrow, Today” (1969 Bell Records); “The World's Smallest Big Band” (1970 Bell Records); o “For The World” (1971), entre otros, y colaboraron con Charlie Mc Cracken.

Hardin & York 
Los Spencer Davis Group se reunieron en 1973 con Davis, Fenwick, Hardin y York, más el bajista Charlie McCracken. Sacaron un par de discos antes de volver a dejarlo: “Gluggo” (1973) y “Living in a Back Street” (1974).  Davis quien había planeado un disco en solitario y se había trasladado a los Estados Unidos, trabajó de A&R y produciendo álbumes. A finales de los setenta dejó de existir el dúo Hardin and York, y Hardin creó Axis Point. Axis Point grabaron un disco para RCA de título homónimo en 1978 con Colin Jennings y John Gustafson a los coros; Charlie McCracken al bajo; Les Binks, y Rob Townsend a la batería; Eddie Hardin al piano, sintetizador, y voz; y  Charlie Whitney a la guitarra.

Eddie Hardin 
Hardin también tuvo una carrera en solitario con discos como “Home Is Where You Find It” (1972 Decca);  “You Can't Teach An Old Dog New Tricks” (Attic 1977); “Circumstantial Evidence” (1982 RCA); “When We Were Young” (1996 Inakustik) o “Just Passing Through” (2000), entre otros. Escribió canciones para el disco “The Butterfly Ball and the Grasshopper’s Feast”, un álbum conceptual de ópera rock del bajista de Deep Purple, Roger Glover.  En los noventa creó el proyecto Eddie Hardin's Wizards Convention.

Los Spencer Davis Group volverían en 2006 pero solo con Hardin y Davis. A partir de 2015 contaron de nuevo con York. Seguían tocando en directo desde 2010 con dos alineaciones en las que coincidía Spencer Davis.  La inglesa con Eddie Hardin, Miller Anderson, Colin Hodgkinson y  Steff Porzel; y la americana con  Ed Tree,  Taras Prodaniuk,  Jim Blazer y  Tom Fillman.

Documentos sonoros: 

"Broken Truth", tema de los A Wild Uncertainty con Hardin a los teclados


“Time Seller” (1967) ya con Phil Sawyer y Eddie Hardin en la Spencer Davis Group.


El dúo progresivo y jazzístico Hardin & York con el tema de 1969, "Tomorrow, Today"



viernes, 24 de julio de 2015

Steven Munar recopila 15 años de canciones simbólicas, inéditas y un tema nuevo, “Berlin”


Portada
El genial músico, compositor, cantante y guitarrista, Steven Munar acaba de sacar, con Flor y Nata Records, un trabajo discográfico en el que recopila 15 años de temas propios (2000-2015. 15 years of songs) entre los que destacan canciones inéditas, tomas alternativas, y un tema nuevo llamado “Berlin”. Se trata de  composiciones memorables recuperadas que fueron grabadas o compuestas ya sea con los míticos Tea Servants, o con las dos bandas de acompañamiento de su etapa en solitario como fueron los Lunatics o los actuales  Miracle Band. El disco incluye interpretaciones que en su día nunca vieron la luz, por varios motivos, y que completan su fructífero y original universo musical de pop folk. Más que un compilado de “lo mejor de…” se trata de un disco cuyo valor simbólico es altamente considerable. Sirve perfectamente como posible carta de  presentación de su principal factótum, por si aún pudiera quedar alguien que no conociera su ingente obra, así como para satisfacer al fan más acérrimo al que están destinado algunos guiños alternativos con vocación de futuro, aportando algunas ideas por las que probablemente discurrirá la futura carrera de tan imaginativo músico arropado por una banda de auténtico lujo "milagroso".  

Trayectoria

Steven Munar Foto: Braig G. Rouco
Ciudadano británico afincado primero en Mallorca y después en Barcelona, desde hace más de dos décadas, Steven Munar Smith empezó a finales de los años ochenta con una banda un tanto psicodélica llamada The Walk junto al guitarrista Miguel Pérez. Después formaría el conocido combo de pop The Tea Servants. Tras grabar varias maquetas, Steven y Miguel se trasladan a Barcelona donde editan su primer disco homónimo para el sello zaragozano Grabaciones en el Mar. Con esta discográfica publicarían otros dos discos, “Police Looking After Thieves” y “Greatest Hits”. Más tarde fichan con Houston Party Records donde publican “Higher” y “Travel West”. Participan en numerosos festivales de ámbito estatal hasta mediados de la pasada década que el grupo se separa en 2003. Volverían a  reunirse para algunos conciertos, tras la reedición de su segundo álbum, en 2013.

Steven Munar. Foto: Xavier Mulet
Steven inicia su carrera en solitario en 2005 acompañado por bandas llamadas The Coffee Masters, The Lunatics y posteriormente The Miracle Band. Con The Lunatics graba su primer disco en solitario titulado “Miracle Beach” (2007) en los estudios El Zigurat por Francisco Albéniz, de La Búsqueda y editado por su propio sello, Miracle Records. En ese álbum empieza a prevalecer una elevada dosis de folk que se expande a sus anchas en su precioso y segundo trabajo titulado “The Language Of The Birds” editado en 2010 por la Produktiva Records con la que seguiría trabajando en las siguientes entregas de su discografía. Un álbum sin desperdicio alguno donde destacan bonitas melodías con detalles de country americano.  El disco “Break The Rules" fue grabado en directo en el Red Bell Studio de Barcelona por Marc Tena, entre los meses de enero y mayo del año 2011. Su cuarto trabajo hasta el momento lleva por título  “Time Traveller". Fue grabado y masterizado también con Marc Tena, entre febrero y julio de 2013, en los Red Bell Studios.  De los dos últimos discos puedes leer una extensa reseña en este blog clicando en los títulos. A finales de mayo de 2014 graba con la Miracle Band la primera “Furious Streaming” para Dailymotion”. Recientemente, Steven ha formado un dúo con el  músico uruguayo-madrileño Pablo Sciuto. Con el nombre de Laurel Street, aúnan el folk americano de los sesenta y setenta y han grabado un mini LP de título homónimo que puedes oñir en el bandcamp. Entre otros proyectos futuros, está el publicar un libro con todas sus letras de sus proyectos en solitario.

Las canciones

Steven Munar y la Miracle Band. Foto: José Luís Luna
Más que una perfectamente justificable  colección de “lo mejor de”, este recopilatorio  destaca por su elevada carga emotivas. En este sentido y en las notas aclaratorias  del disco, Steven nos cuenta que “Heart And Soul”, por ejemplo,  es la canción que, con más frecuencia, ha tocado de los Tea Servants de los que recupera también un tema de una maqueta, “A way a smile” y que “Acid Rain” fue la primera que escribió tras la separación de la banda.  Así como “And if you want my recrods” fue la primera que compuso para su hija Elsa, y que “Time Traveller” se incluye por ser toda una declaración de principios.  Por otra parte recupera “Lover” porque en su día no encajaba en su primer disco más folk.

Steven con Carrie Lewis. Foto de su facebook.
Munar también nos descubre el porqué no incluyó en su día “There is a place” en el disco “Break the Rules”, ya que creía que le vendría mejor una voz femenina. Por eso la recupera con la voz de Carrie Lewis. No es la única que colabora en el álbum, a destacar también la aportación de Roger Espa y su gran solo de saxo en “City of Cats”, entre otros.

El disco arranca con “Berlin”, un tema nuevo grabado con la Miracle Band que presenta en directo en estos momentos al tiempo que homenajea al disco “Nashville Skyline” de Bob Dylan, álbum que interpreta íntegramente acompañado por una banda llamada para la ocasión, The Nashville Sinners.  El recopilatorio contiene también temas de los Tea Servants como “Travel West” (2003) y la inédita “A way a smile” (2000) grabada en 2015. En este mismo año también se grabaron una desconocida “There is a place” de 2011.  Cronológicamente el disco nos ofrece una versión alternativa de 2004 del tema “The end of the autumn of the fears (No fear)”; un par de canciones con los Lunatics como son “Lover” (inédita 2005) y “Acid rain” ( Miracle Beach 2007); dos más de 2010 incluidas en el disco “The Language of The Birds” como son “And if you want my records” y la que le daba título a ese álbum; otro tema de 2011 llamado “Golden Lights” incluido en el disco “Break the Rules” también con la Miracle Band; dos más no publicados hasta el momento como son “Show me the way” (2011) y “Why not your baby” (2012); el “Time Traveller” de 2013, en cuyo año se hicieron dos versiones alternativas e inéditas de las canciones “City of cats” y “Shiny Days” incluidas en este recopilatorio.    

Steven Munar y la Miracle Band. Doto: Xavier Mulet
Entre todos los temas, destaca por su novedad y por su enorme valor creativo presente con visión de futuro, esa “Berlin” grabada en 2014 con la Miracle Band acompañada por el Brossa Quartet de Corda con arreglos de cuerda de Alberto Pérez (producción), más coros de Kathy Sey, Clara Sallago, y Anita Zengeza.  La canción mantiene un ritmo marcado sobre el que Steven va generando espacios sonoros compenetrados con cuerda,  recitados, haciendo alarde de una capacidad innata para crear tensión emocional con crescendos espectaculares que explotan en pasajes amplios y se recogen de forma intimista con una habilidad pasmosa.


Las nuevas grabaciones se llevaron a cabo en Sol de Sants Studios con Alberto Pérez, con la producción del propio Steven y Alberto Sol de Sants. Steven Munar canta y toca la guitarra acompañado por La Miracle Band  formada por Luis Bestard (batería), Patricia Serrano  (guitarra eléctrica), David López (bajo),y  Amaia Hernández a las voces.  Por otra parte, cabe mencionar también el magnífico trabajo visual realizado por  Marc Argenter a cargo del diseño de la portada del recopilatorio y del single con esa instantánea de la pelicula "Metrópolis" (1927) de Fritz Lang. Se incluyen también en el folleto del Cd diversas imágenes históricas tomadas por varios fotógrafos sobre la trayectoria de Munar y los  detalles pormenorizados de cada tema.  

Reflexión final

Steven Munar. Foto: Maria Mateu
Steven Munar es uno de esos extraordinarios artistas, tan perseverantes como fructíferos, al  que  los melómanos nunca nos cansamos de escuchar,  anonadados y satisfechos al mismo tiempo,  tras comprobar su enorme capacidad para reinventarse, sobresaliendo, con dignidad a raudales,  entre tanta hipocresía mediática en la industria discográfica, y al margen de esa falsa humildad que caracteriza a  tantos cantautores lánguidos y cansinos de la radio fórmula.  Tras su etapa con los Tea Servants, durante la que cautivó indiscutiblemente a la comunidad “indie” en la década de los noventa, ha conseguido crear un espacio sonoro propio en solitario, acompañado eso sí por otros grandes músicos, en el que tanto el folk como el pop tienen un protagonismo constatable. Dos géneros que en sus manos y su imaginación se entienden a la perfección, trenzados con detalles de otros tantos estilos que van de la psicodelia a la música americana de raíz.  Álbum tras álbum, Steven ha afianzado una obra honesta, consistente y altamente creativa que le permite, en todo momento, virar su trayecto hacia otros  mundos gracias a su experiencia, a su versatilidad, pero también a esa entrega emocional que se manifiesta en cada una de sus canciones. Y es precisamente esa pasión personal, como amigo, padre o amante, la que articula,  de forma esplendorosa,  este sensacional recopilatorio editado por Flor y Nata. Un disco que agrupa para deleite de sus fans, una fantástica selección de canciones para recordar y  completar toda una vida de un gran artista que seguirá su camino,  de forma irrenunciable, en un viaje sin fin por el tiempo.

Nota: El pasado viernes 24 de julio de 2015 Steve Munar intepretaba, a propuesta de Producciones Acaraperro,  el disco "Nashville Skyline" de Bob Dylan  en La Cava Club de Sitges en una segunda y seguramente última oportunidad. La primera fue el mes pasado, junio, con The Nashville Sinners en la Rocksound.  

Puedes  escuchar el disco "Steven Munar (2000-2015. 15 years of songs)" y comprar una copia del Cd en la web de Flor y Nata.