viernes, 19 de diciembre de 2014

Fallece Larry Henley de los Newbeats y prestigioso compositor

Larry Henley
Lawrence “Larry” Joel Henley nació el 30 junio de 1937 en Arp (Texas) y falleció el 18 de diciembre 2014 en Nashville (Tennessee) aquejado de Parkinson y Alzheimer.  Fue el cantante principal del grupo de pop soul The Newbeats a mediados de los sesenta con los que triunfó con el tema “Bread and Butter” llegando al número 2 de las listas vendiendo más de un millón de copias. También es conocido por haber coescrito con Jeff Silbar el éxito de 1989, " Wind Beneath My Wings " con el que triunfó Bette Midler, y por la que ganaron un par de premios Grammy a la canción del año, versionada por innumerables artistas.

The Newbeats 
Los Newbeats eran un popular  trío vocal que triunfaron en 1964 con su hit "Bread and Butter", lanzado en el sello Hickory Records.  Los otros dos componentes eran  Dean Mathis (nacido con el nombre de Louis Aldine Mathis, el 17 de marzo de 1939, Hahira , Georgia) y  Mark Mathis (nacido con el nombre Marcus Felton Mathis, el 9 de febrero de 1942, en Hahira). La madre de los hermanos Mathis les enseñó a tocar la guitarra y al poco ya dominaban también el piano , el bajo y la batería . Tocaron en bandas escolares de Bremen.

The Newbeats 
Dean se unió a la banda de western swing de Paul Howard en 1956 como pianista, y después estuvo en la banda de  Dale Hawkins donde se incorporó su hermano como bajista. Estuvieron en esa formación durante dos años y grabaron como dúo el tema "Tell Him No” para Chess records. Después crearon su propio combo y actuaron en  Shreveport, Louisiana .  Fue allí donde se encontraron con Larry Henley , quien hizo una prueba para la banda.

" Bread and Butter ", fue el primer éxito del grupo. Escrito por Larry Parks y Jay Turnbow, el tema alcanzó el número 2 en las listas Billboard. Se vendieron más de un millón de copias en los Estados Unidos. Le siguieron tres sencillos entre 1964 y 1965 con temas como "Run Baby Run (Back into my arms)”,  con el que consiguieron una respetable repercusión. Estuvieron con Hickory hasta 1972 y el grupo se separó en 1974 tras pasar por los sellos Playboy y Buddha . En los setenta, sus temas fueron redescubiertos por la escena Northern Soul  como el mencionado "Run Baby Run" y otros como “Don't Turn Me Loose” y “Crying My Heart Out Over You”.

Henley sacó discos a su nombre entre finales de los sesenta y merdiados de lso setenta como "We gotta start loving" o “Piece a Cake”.  También es autor del tema de 1973, "Till I get it right" interpretado por Tammy Wynette, llegando al número uno en la lista de singles de country.  Fue versionado por Barbara Streisand y Kenny Rogers.  Consiguió otros numeros 1 de country como “Is It Still Over?” interpretado por Randy Travis, "Lizzie and the Rainman" por Tanya Tucker, y "He's a Heartache (Looking for a Place to Happen)" por Janie Fricke. Otras de sus canciones famosas son "Shotgun rider" por Delbert McClinton, "You're Welcome to Tonight" por Lynn Anderson y  Gary Morris, y "The World Needs a Melody" cantada por The Carter Family con Johnny Cash.

Amigo de Bobby Goldsboro consiguió que cantara “Honey” de Bobby Russell porque en un principio no la quería grabar.  Consiguió el número 1 durante cinco semanas en 1968. En 2012, Larry entró en el salón de la fama de compositores de Nashville.  También compuso numerosas bandas sonoras.

Documentos sonoros: 

"Bread and Butter", (1964) tema con el que los Newbeats triunfaron por todo los alto.




“Crying My Heart Out Over You”, uno de los temas de los Newbeats que triunfó en la escena del Northern Soul a partir de los setenta.


"Till I get it right", un tema de Henley que llegó al número 1 de las listas de country, interpretado en 1972 por Tammy Wynette.


jueves, 18 de diciembre de 2014

Muere el alma de los Harptones, Raoul Cita

Raoul Cita
Raoul J. Cita nació el 11 de febrero de 1938 en Newark, Nueva Jersey, y falleció el 13 de diciembre de 2014 a consecuencia del cáncer que padecía. Cantante y pianista fue miembro de la banda de doo-wop, de principios de los cincuenta, los Harps quienes se convirtieron más tarde en The Harptones. Con ellos interpretó grandes temas como  "A Sunday Kind Of Love" y "Life Is But A Dream", entre muchos otros.  También formó The Royale Cita Chorus y colaboró con otros artistas como Gloria Hawkins, The Dreamers, Mabel King, The Joytones, The Hearts, Peggy Farmer, The Lyrics, Carol Blades, The Neons, The Rubies y Herb Lance. Sin los Harptones, y sin Raoul Cita, el R&B no hubiera existido con toda su grandeza y esplendor.

The Harptones fueron uno de los grupos de doo-wop más populares de los cincuenta. Se crearon en las calles de Harlem,  Nueva York.  Empezaron en 1951 como The Skylarks, con  William Dempsey James, Curtis Cherebin, y Freddy Taylor, a los que se añadieron Eugene "Sonny" Cooke, futuro líder de The Charmers, y “Skillum”.  Por otra parte estaban los hermanos Winfield: Willie, Clyde y Jimmy que formaban otra banda vocal de R&B. Juntos formaron los Harptones con Willie Winfield (tenor), Billy Brown (bajo),  Claudie "Nicky" Clark (primer tenor) William Dempsey (Segundo tenor), William "Dicey" Galloway (baritono), y Raoul Cita (pianista acompañante, arreglista, y ocasionalmente tenor y barítono).

Actuaron por donde podían:  en la calle, por el metro, algunos bares, con el nombre de Harps,. En un concurso donde cantaron el tema de Cita, “A Sunday Kind of Love”, fueron vistos por un representante de MGM records. Pero fueron fichados por  casualidad por Bruce Records con los que grabaron "A Sunday Kind Of Love" y "I'll Never Tell" en 1953. Para que no los confundieran con un grupo de góspel, se cambiaron el nombre al de Harptones.


Le siguieron otras grabaciones en 1954 como "My Memories Of You" y "It Was Just For Laughs".  Les respaldaban músicos como los Sonotones:  Al Cass (saxo), Jimmy Smith (órgano), y Don Gardner (baterista).  En 1954 sacaron "I Depended On You"/"Mambo Boogie".  En  este caso les acompañaban los Shytans,  o el single "Since I Fell For You"/"Oobidee-Oobidee-Oo".  Entre 1955 y 1956 vieron la luz "Life Is But A Dream", "You Know You're Doing Me Wrong", "My Success (It All Depends On You)", “You're Going To Need My Help Someday". "Mambo Boogie" o "High Flying Baby", entre otros.   Grabaron para Andrea Records, Rama y tras algunos cambios, la banda pasó a estar formada por Willie Winfield, Raoul Cita, William Dempsey, Jimmy Beckum, y Bobby Spencer. En 1956 también sonaron algunas de sus canciones en la película “Rockin’the Blues”.


Poco más tarde William "Dicey" Galloway volvió de su estancia en el ejército y recuperó su lugar reemplazando a Freddy Taylor quien también pasó por el quinteto en 1955.  Nicky Clark se incorporó a los 5 Crowns y también estuvo cantando en los Hrptones, Harriet "Toni" Williams. En el mes de mayo de 1956, Cita creó "Royale Cita Chorus" con los tres grupos que tocaba: The Harptones, The Joytones y The Lyrics. Billy Brown falleció de una sobredosis de droga. Tras esa tragedia, Cita dejó a los Harptones y se asoció con Gloria Hawkins en 1957 y sacó temas como “So Good, so fine” que ya habían grabado unos meses antes los Harptones  con los que no volvería a colaborar hasta 1964. A principios de los sesenta  editaron  temas como "Rain Down Kisses" , "Answer Me My Love" o “All in your mind”.  Cuando volvió Cita, el grupo siguió con Willie Winfield, Jimmy Beckum, William Dempsey, Nicky Clark, y el mencionado Raoul Cita.  Cuando lo dejó Winflied, otro del ps principales factótums, la banda decidió aparcar el proyecto.


Raoul Cita
Volvieron en los setenta con  Willie y Cita más Curtis Cherebin, William Dempsey, y Jimmy Beckum. Se incorporó Linda Champion y Lowe Murray de los Fi-Tones. Siguieron con más o menos regularidad y en 1982, grabaron el disco "Love Needs" para Ambient Sound, acompañando en 1983 a Paul Simon. En 1990, Lynn "Sugah" Middleton Grier de los Joytones reemplazó a Linda Champion que volvió cuando murió "Sugah" en 1994. Linda se retiró en 1999 y fue reemplazada por Vickie Burgess de The Joytones y The Charmers. Lowe Murray murió en 2008. Desde entonces seguíian cantandoWillie Winfield, Don Cruz,Vicki Burgess,William Dempsey y el difunto Raoul Cita. 

Documentos audiovisuales:

Uno de los primeros temas de los Harptones: "A Sunday Kind of Love" de 1953



The Hartpones en la televisión interpretando "High Flying Baby" de 1956. 

miércoles, 17 de diciembre de 2014

Futuro Terror, sensacional percepción nihilista de un campo magnético rotativo de tres fases

Portada Lp
En el mundo del arte, el miedo no nos deja avanzar; sin embargo el terror nos hace infinitamente creativos porque eleva las fobias a su máxima escala y ante esa circunstancia resulta imposible restar impasibles. Frente a ese futuro más que incierto, al que llegaremos maltrechos por la actual crisis económica y de valores, este gran trío alicantino, llamado precisamente Futuro Terror, han conseguido dar vida a un proyecto muy singular, altamente beneficioso, para vehicular el siempre sorprendente mundo de las emociones. Su obra se sustenta en el principio de reacción similar al llamado campo magnético rotativo de tres fases por el que sienten una considerable admiración. Para resumirlo en pocas palabras, este invento del siglo XIX es la base de la maquinaria de corriente alterna cuyo principio fue descubierto por el científico serbio-americano Nikola Tesla. Permite generar y distribuir grandes cantidades de energía a largas distancias de forma eficiente. Y ahí es donde entra en juego la magnífica discográfica Discos Humeantes que, al editar este disco de debut de título homónimo este año 2014, ha permitido que la fuerza colosal de tan poderoso trío llegue a nosotros con toda su descarga de potencia física y nihilismo psíquico. 

Trayectoria

Futuro Terror.
Futuro Terror es un trío alicantino formado con componentes de Los Plátanos, y Ansaldo Tropical, que militan también en otras bandas actuales como Cerdo Dinamita o Morenas, otra de las potentes formaciones del catálogo de Discos Humeantes. Ellos son José (guitarras y voz), Joan (batería) y Néstor (bajo). Los dos primeros formaron parte de los Plátanos con Semi e Iván, banda de garage punk creada tras Provisional Rock Unit y Blasfemia Anal. Precisamente Discos Humeantes les editó en 2010 un álbum llamado “Pioneros del Dólar” tras un Split con los Venereans (2009 Superfluous/Tron-U-Sound) y un Ep llamado “Geografía Liberal” (Iekk Sounds 2009).  El mencionado sello asturiano les editada en 2013 un split titulado “Compartido” con los vigueses Fantasmage quienes aportan dos temas titulados “Affaire Gitano” y “Espacio en tu Cabeza”. Los Futuro Terror contribuyen con dos canciones tituladas “El Rito” y “Atracción”.

Este 2014, la misma discográfica les saca este Lp grabado y mezclado por Marco en Mirador Studios en mayo de 2014. Fue masterizado por Daniel Husain en North London Bomb Factory.  Con un artwork en riguroso blanco y negro tiene como portada una foto del trío en una habitación con humos con trofeos de caza y un machete.

Las canciones

Futuro Terror
El disco impacta, ya desde un principio, con uno de sus temas más conocidos, “Maria Orsic”, enigmática medium austriaca de los cuarenta. Una historia de misteriosas desapariciones en la que el protagonista se queda solo en Benidorm. Néstor Sevillano ha sido el encargado de dirigir un video de este tema. Canción de guitarras disparando sin piedad con el propósito de abrirle camino a la fantástica voz principal con esa capacidad indiscutible de llamar nuestra atención. La repetición de frases como “ya no está”, refuerza la intensidad obsesiva del mensaje. Le sigue “Distancia”, ritmo marcado con pasos seguros y vibrantes que avanzan hacia el estribillo con valor para “acercarse a ella, con una mirada que esquivó frente a la que mantuvo el odio bajo control”. Son pequeñas historias cuyo peso no recae en el desenlace final, sino que más bien se recrean en sus circunstancias para permitirnos entrever los detalles de las reacciones, no sus consecuencias ni sus motivos.

Futuro Terror en Benidorm. Funtastic 2014. Foto: Magic Pop
A continuación nos ofrecen “Veneno”, tema de punk rápido con ligeros detalles de powerpop. Riffs contundentes y ritmos muy bien calculados sirven para acompañar la confusión del desamor, de aquello que “va a pasar”. Más guitarras creando un soporte armónico de ofuscación deliberada sirven de colchón de clavos para ese “Laboratorio” en el que “ha nacido ayer, sin saber por qué”. Un lugar que no tiene nada que ofrecer y que nos lleva a la siguiente canción llamada “Toda la noche”. Un profuso momento de percusión acelerada que va creando intensidades sonoras ciertamente turbadoras, entre un riff contagioso de bajo y guitarras resquebrajando el ambiente, mientras la voz principal nos cuenta cómo estuvo allí, “mirándote, observándote… toda la moche… hasta enloquecer”.  Cierra la cara A, “El proceso”, un corte contundente y bien planificado en Varsovia, de guitarras que se clavan como cuchillos en el cemento y un riff de bajo after punk sensacional, que en este caso alargan con una secuencia instrumental terrorífica buscando al final el cautivador estribillo con el que nos dicen adiós, “no le mires así”.    

Futuro Terror en Benidorm. Funtastic 2014. Foto: Magic Pop
La cara B empieza a bombear “Sangre” entre chillidos, llantos, repartiéndose los huesos de mi alma”, cantando una triste canción. Como “caballos sin cabeza” cabalgan sin piedad ofreciéndonos un excelente tema con otro genial intermedio de guitarra hiriente y ritmo poderoso. Vuelve el punk rock más poderoso con “Que sensación”, un ejercicio de olvido para que el fracaso duela menos. Lamentos que se vuelven amenazantes, insistentes y provocativos. “Su lamento”, siguiente corte, tiene otra línea de bajo sensacional y unos arpegios de pop fantásticos con los que se crea un contraste explosivo. Llega el estribillo y el cuerpo parece perder gravedad para desconectar y huir del aislamiento. Excepcional tema que nos dispone en la mejor de las formas para recibir la subversiva “Por miedo” al futuro, en la que se mezclan con extraordinaria fluidez pop y punk, guitarras agresivas con arpegios envolventes, más una rítmica generosa de bajo y batería imperturbables. Sin duda, uno de los momentos álgidos del disco que entra en su recta final con la no menos sensacional “Atracción”, hormigonera de acordes y percusión alocada que ya conocíamos por su Split con Fantasmage en la que las familias numerosas tienen descuento en el campo de concentración. Y para finalizar, “Todos te esperan”. Los últimos surcos van apoderándose de tu mente, mientras tu cuerpo se estimula. Miradas siniestras para encontrar el mañana entre guitarras combativas, un bajo acometedor y una percusión aguerrida.                          

Reflexión final

Futuro Terror ha conseguido, con su primer disco, uno de los debuts más impactantes del año. Incluso me atrevo a añadir que se trata de uno de los trabajos más originales dentro el amplio espectro del salvaje e inquietante rock and roll.  Forman parte de una escena propia, a todo caso “humeante”. La versatilidad de su propuesta genera respuestas positivas en variopintos sectores de público gracias a su enorme credibilidad y un trabajo incansable con el que logran perfilar los temas hasta conseguir el propósito de conmoción deseado. Su apuesta, muy conseguida, nace encaminada a transmitir un producto propio, con las referencias precisas: tan solo aquellas influencias que puedan modificarse a su gusto, sin deberle nada a nadie.  Futuro Terror argumenta su nihilismo como negación rotunda a una agobiante realidad cotidiana. Sus canciones nos arremeten en forma de aversiones existenciales mediante apasionadas descargas de energía. La melodía emerge con riffs escalofriantes mientras que la rítmica golpea sin piedad el muro de nuestro propio miedo para que la música y las palabras penetren en nuestro cerebro y consigan sacarnos del letargo con resultados tan escalofriantes como inquietantemente satisfactorios. 

Nota: Puedes escuchar las canciones del disco en el bandcamp y también puedes adquitir una copia en Discos Humeantes.  Magic Pop ha reseñado también su split con Fantasmage y su concierto en el Funtastic 2014.

Videoclip del tema "Maria Orsic" realizado por Néstor Sevillano. 


 

Fallece Rock Scully, manager de los Grateful dead


Rock Scully
Rock Scully nació el 1 de agosto de 1941 y falleció el 16 de diciembre de 2014 en California a consecuencia del cáncer que padecía. Fue el manager de los Grateful Dead desde 1965 a 1985, así como coautor del libro sobre la banda, "Living With The Dead" con David Dalton. Dicen de él que se interesó en el guipo más como fenómeno social que como músicos. En los ochenta fue despedido bajo acusaciones de no llevar las finanzas con claridad, extremo que él desmintió reiteradamente.  

Grateful Dead con Scully primer plano
Cuando vivía en la calle Haight de San Francisco, epicentro del llamado “Summer of Love” Scully vió a la banda en una de las fiestas de Ken Kesey, el llamado profeta psicodélico. Ken Kesey y su grupo los Merry Prankster, iniciaron al LSD a todo el que quisiese en sus famosos Tests del Ácido en la década de los sesenta. Por entonces los Grateful Dead aún se llamaban The Warlocks. Firmó con la banda de inmediato y les buscó bolos por locales como el Fillmore donde compartieron escenario com bandas como Jefferson Airplane, Big Brother & The Holding Company, o Quicksilver Messenger Service, entre otros. Los Grateful Dead tuvieron que cambiar el nombre de The Warlocks debido a que otra banda, la futura Velvet Underground, estaba ya grabando con ese nombre. La primera formación fue: Jerry García a la guitarra solista, voz;  Bob Weir a la guitarra rítmica, voz; Ron "Pigpen" McKernan a los teclados, armónica, voces, percusión; Phil Lesh al bajo, voz; y Bill Kreutzmann a la batería.Compartía las tareas de manager ocn Danny Rifkin.

Rock Sculy, Jerry Garcia y Tom Wolfe
Tras 1967, los Dead ya eran famosos a nivel nacional y Scully les llevó a Woodstock y al Monterey Pop Festival.. Firmaron con la Warner Brothers y se inició la gran época de las giras multitudinarias. En 1970 se casó con Lady Carolyne Christie, sobrina del  Marquess of Zetland quien después de terminar el matrimonio con Scully, estaría casada con Roger Waters de los Pink Floyd. Scully se unió en matrimonio a Nicki Scully. En 1985 le echaron de la banda tras pasar por una clínica de desintoxicación de la droga. Al parecer le acusaron de no llevar las finanzas con claridad, extremo que desmintió categóricamente en su libro “Living With The Dead” (1996) escrito con David Dalton. En el libro se centre mucho en el tema de las drogas y en la personalidad de Jerry García. Residía en Monterrey (California). 

Documento sonoro: 

Los Grateful Dead en julio de 1966 en el Fillmore de San Francisco. 

martes, 16 de diciembre de 2014

Muere el músico de bluegrass, Joe Carr


Joe Carr
Joe Carr nació en 1951 en el condado de Denton, Texas, y falleció en Levelland, Texas, el 14 de diciembre de 2014 a consecuencia de un derrame cerebral. Fue un gran músico autodidacta, profesor y compositor, que interpretó folk y bluegrass formando bandas como  Joe Carr & the Texas Lone Star Band así como un dúo con Alan Munde de los Flyin Burrito Brothers con quien coincidió en los Country Gazette.com bo de country en el que también grabó a la guitarra y mandolina. Era un auténtico experto de todos los instrumentos propios del bluegrass.  

Con los Roanoke
Empezó a tocar la guitarra a los 13 años y la mandolina a los 15 años en bandas locales. En los setenta formó parte de los Roanoke, ciudad del condado de Denton, Texas, en la que estaba también Michael Anderson. En 1977 sacaron un disco de título homónimo. Después, hasta los ochenta estuvo con los Country Gazette donde colaboró con el gran músico Alan Munde, banjo y guitarra, quien había formado parte en 1972 de los Flying Burrito Borthers. Por los Country Gazette pasaron otros músicos como Michael Anderson, Clarence White, o Gene Wooten.  

Carr grabó la guitarra en el disco de los Country Gazette,  “All This, And More Money, Too” de 1979, “American and Clean” de 1981;  y “America’s Bluegrass Band” de 1982 en el que tocó tambièn la mandolina. En 1980 sacó un álbum a su nombre con el título de “Other Nonsense” en el que colaboraron parte de los Country Gazette. En 1976 también grabaría con Dan Huckabee en el disco “Why is this man smiling”; y con Slim Richey’s Jazz Grass también en 1977. 
Carr formó un combo de western swing en 1987 llamado Joe Carr & the Texas Lone Star Band con los que grabó los discos “Let's Go Dancing Down in Texas” (Compose/Peter Pan, 1992); y “Dance Country” (Compose/Peter Pan, 1995). Con Alan Munde sacó el disco “Welcome to West Texas” (Flying Fish, 1998). También tocó a dúo con Gerald Jones.

Alan Munde y Joe Carr
Desde 1984 dio clases de música en Levelland, Texas, y se dedicó a la enseñanza del bluegrass hasta el final de su vida.  Escribió y grabó numerosos vídeos educativos sobre la mandolina, así como la guitarra, el banjo y el ukelele. Fue también coautor con Alan Munde del libro de 1996,  “Prairie Nights to Neon Lights: The Story of Country Music in West Texas”. 




Documento sonoro: 

Carr formó un combo de western swing en 1987 llamado Joe Carr & the Texas Lone Star Band con los que grabó los discos “Let's Go Dancing Down in Texas” (Compose/Peter Pan, 1992)

Fallece la soprano Millie Kirkham

Millie Kirkham
Millie Kirkham nació con el nombre de Mildred Eakes en Hermitage (Tennessee) en 1923 y falleció en Nashville (Tennessee) el 14 de diciembre de 2014 tras sufrir un derrame cerebral a principios de semana. Con una larga trayectoria como prestigiosa cantante soprano, fue muy conocida por sus múltiples apariciones con Elvis Presley colaborando con su voz en los coros de los Jordanaires con los que cantó con otros músicos. Tambiñen cantó con Roy Orbison., Jim Reeves, Dolly Parton, Patsy Cline, Jerry Lee Lewis, Johnny Cash, Brenda Lee, Willie Nelson, entre muchos otros. 
Millie y Elvis

Empezó cantando en bandas escolares antes de dedicarse profesionalmente a ser cantante de sesión. Acompañó a Elvis Presley en temas como “Blue Christmas” en 1957 junto a The Jordanaires, y tamibén puede oirse su voz en canciones como “Give Me The Right”, “The Wonder Of You”, “Surrender”, “How Great Thou Art”, “Polk Salad Annie”, “Bridge Over Troubled Water”, “Just Pretend”, “(You're The) Devil in Disguise”, etc. Formó los Merry Melody Singers con Gordon Stoker, Margie Singleton, Nal Matthews, y Ray Walker con los que grabó en 1962 con Clyde McPhatter. 
Millie, Jim Reeves y los Jordanaires
También colaboró con otros grandes como Roy Orbison en el tema “Pretty Woman” en 1963, así como con Jim Reeves, Dolly Parton, Patsy Cline, Jerry Lee Lewis, Burl Ives, Johnny Cash, Brenda Lee, Willie Nelson, Johnny Tillotson, Pete Fountain, Bob Dylan, Perry Como, Carl Perkins, Rosemary Clooney, Little Richard, Reba McEntire, Brook Benton, Tammy Wynette, Vic Damone, Paul Anka, George Jones, Sonny James, Patti Page, Les Paul and Mary Ford, Eddy Arnold, Loretta Lynn, Jim Reeves y un largo etcétera. 

En los ochenta giró con los Jordanaires para rendir homenaje a las canciones que había cantado con Elvis Presley. Estuvo casada con el baterista Doug Kirkham quien falleció en 1986 con el que coincidió en 1963 en grabación del disco “The Patsy Cline Story”. 

Documento sonoro: 

"Blue Christmas" inteprertada en 1957 por Elvis Presley con los Jordanaires y los coros de Millie Kirkham. Presley no quería grabar esta canción. Millie improvisó su  "whoo-ooh-ooh"  y Elvis le dijo que continuara. Al final todos rieron pensando que la compañía RCA nunca la editaría pero lo hizo.   

lunes, 15 de diciembre de 2014

Pigmy crea “Hamsterdam”, conmovedora ópera de pop intimista con vocación universal

Portada con el diorama 
Por alguna razón que obedece a la costumbre muy nuestra de ser implacables con todo aquello que por sistema no nos gusta, los discos conceptuales son considerados,  por muchos amantes del rock and roll, como aburridos y excesivos.  Si somos estrictos con su definición de manual, este tipo de álbumes únicamente se diferencian del resto en que su autor, solista o banda,  concibe y articula su obra mediante un vínculo temático que entrelaza las canciones. No son, en absoluto, características intrínsecas a esa cohesión argumental: que se parapeten bajo largos solos insustanciales de quince minutos, entre ambientaciones de relleno inexplicables con ínfulas  cinematográficas, musicalizando letras farragosas producto de iluminaciones sin pies ni cabeza, entre otros detalles que suelen producir sarpullidos al rockero “underground” que presume de ello. Lo conceptual no tiene porqué implicar necesariamente intelectualidad de postín con aires de grandeza. Como tampoco creo que el pop implique, sin otra posibilidad, una visión irrelevante y vacua de la vida, siendo por ello incompatible con la narración de historias más allá de los tres minutos entre dos escasos acordes.

Vicente Maciá "Pigmy"
El nuevo trabajo de Pigmy, con el título genérico de “Hamsterdam” (Hurrah Música 2014),  es el ejemplo ideal para contrarrestar todos estos prejuicios ciertamente insostenibles y ridículos. Se trata de un disco doble con una cuidada y lujosa edición de vinilo, también la hay en Cd, en el que han colaborado un largo elenco de músicos y artistas con los que Vicente Maciá “Pigmy” ha culminado una preciosa ópera pop de marcado carácter intimista con vocación universal. Narra la vida de un ratón especial llamado Tomás (el nombre deriva de un roedor antepasado llamado Tom que Vicente creó ya en los Carrots), que puede escuchar el alma de las personas convertida en canciones. Esa habilidad condiciona su relación con su entorno y su destino. El protagonista acaba soñando una ciudad utópica para que también encuentren acogida las personas excluidas de la sociedad. Musicalmente, el disco presenta un variado abanico de arreglos preciosistas que entrelazan el pop psicodélico con el acid folk, incluidos cortes bailables, entre instrumentaciones de una sencillez que encoge el corazón mientras que otros se expanden con magníficas orquestaciones gracias a impecables secciones de cuerda, metales, teclados, percusiones y todo tipo de recursos sonoros con los que se construye un imaginario muy original de enorme belleza.      


Trayectoria

Pigmy "Miniaturas" (2006)
“Pigmy” es el nombre familiar con el que se conoce, a nivel artístico, a Vicente Maciá "Willy" (nacido en 1975) quien formó parte como guitarrista, cantante y compositor de los Carrots. Como bien sabes, se trata de una banda de pop psicodélico formada en 1997 en Barcelona y que, durante nueve años de trayectoria, grabaron tres Lp’s más Ep’s y maxis editados todos ellos por Grabaciones en el Mar. Entre esos discos destaca por su innovadora relevancia, “Sunshine”, un álbum reeditado recientemente en vinilo y una de las cumbres del popsike internacional de principios del milenio.  Tras separarse en 2005, Pigmy inicia una carrera en solitario y graba su primer disco con el título de “Miniaturas” (2006 en Cd por Junk Records y en vinilo en 2009 Rock on Music). El disco contiene 11 temas que se mueven entre el pop y el folk psicodélico de finales de los sesenta y principios de los setenta con un extraordinario dominio melódico. En 2009 los Carrots volverían a tocar juntos.

7" de adelanto con Chesapik
Ya en 2013, Pigmy saca un Ep con Chesapik, en el que incluye dos temas, “Pan y Regaliz” con su versión instrumental, y “Soldadito de Plomo” grabado con su amigo personal y también excelente músico, el murciano Angel Ninguno, en 2008.  Se trata de un Ep en edición limitada a 100 copias en el que se avanzan algunos contenidos esenciales para comprender la gran obra conceptual en la que su autor ha trabajado durante estos últimos años hasta la actualidad.  

“Hamsterdam” fue compuesto, escrito, arreglado y producido por Pigmy quien también se encarga de las orquestaciones con la ayuda de Raúl Patiño, así como de las mezclas con la colaboración de Esteban García. Se grabó en los estudios Odds, Ultramarinos Costa brava, Medusa estudio, Pigmyland y La Capsa, entre julio de 2009 y julio de 2014. Finalmente fue masterizado por Nathan James en The Vault Mastering (Nueva York). El proceso contó con al colaboración del micromecenazgo.

Pigmy en el estudio en 2009 
Pigmy se ha encargado de cantar, así como de tocar casi todos los instrumentos como el piano, la guitarra acústica y la eléctrica, más  la slide, el bajo, la percusión, clavicordio, harmonium, mellotrón, varios teclados, ukelele, mandolina, Glokenspiel… Han colaborado, en algunos de los temas, los siguientes músicos: Angel Ninguno a la guitarra, voz, harmónica y ukelele; los violinistas Jordi Montero, Asier Suberbiola, Ramsés Puente, Tania Mesa, y Laura Gaya; Felipe Escalada y Aroa García a la viola; Martín Meléndez más Cèlia Torres al violonchelo; Freddy Forner al piano; Enrique Forner y Pep Nula a la batería y percusión; Nathan Vilafranca y Mikel Vázquez el bajo; Robert Castellanos, contrabajo; Paco Loco al Hammond; Esteban García, trompa, piano, clavicordio y órgano Elka X750; Xavi Pastor al órgano Elka; Dani Artacho, vibráfono; Irene Sansalvadó y Jéssica Rizo a la flauta; Cari García al oboe; Jaume Peña y Jorge Sanjuás a la trompeta; María Puertas, tuba; Tito Suárez, trombón; Sergi Franch, saxo; Adrià Grandia, zanfoña; más las voces de Alondra Bentley, Eli Martín, y Mónica Escrig.                  

El Diorama y el texto narrativo

Interior del disco 
La portada y el interior de “Hamsterdam” reproducen un diorama realizado por Oscar Sanmartín, (+ info) quien fuera autor también de la carátula principal de los discos del Niño Gusano. Se trata de una escenografía a escala 1/10, con las siguientes dimensiones:  50 cms de alto, 100 cms de largo y 40 cms de profundidad. Fue construido en siete meses y como el disco, el ratón es el elemento principal a modo de imagen simbólica de lo que representa y su evolución durante la historia. El proyecto es también un claro homenaje a la pintura Flamenca de los siglos XV y XVI, que enlaza con el título del disco.  Las fotografías de ese diorama son de José Manuel Fandos. Por otra parte, Iván R. Cuevas se ha encargado de redactar los textos que describe la historia principal y que podrás leer en los encartes de los dos discos donde también figuran las letras de las canciones y todos los datos tema a tema. También se incluye un plano de la ciudad de Hamsterdam con forma de ratón que contribuye a completar el preciosismo de esta magna obra en todos los sentidos posibles.

Las canciones 

Pigmy 
El argumento se remonta al principio de los tiempos, cuando la nada “hastiada de si misma, comenzó a tarararearse y se hizo la luz”. Tras cada nota, hay la explicación de nuestros orígenes y un ratón es el escogido para entender ese misterio que nos puede asegurar la salvación y la felicidad. Con este prefacio, empieza el disco 1 y lo hace con el maravilloso tema “Abriendo el retablo”. Nace en “Febrero” (como el mismo Vicente Maciá)  un minúsculo ratón y sus suspiros se confunden con estrellas en el firmamento.  Sobre el tierno piano, canta Pigmy, con su entrañable voz, una melodía cariñosa que nos lleva a unos espléndidos arreglos de cuerda. Le siguen los instrumentales “Juego de Niños” e “Hiato”, conmovedores, envolventes, con detalles fantásticos de piano, y un órgano celestial que precede a la entrada de la voz dulce de Eli Martín en “Canción de cuna”. Tomás aprende en su adolescencia a tolerar el sonido de la confusión. Muere su madre (la madre de Pigmy también murió) y la misma noche en la que a ella se le cierran los ojos, a él se le abren los oídos. Cierra ese primer capítulo, un tiempo musical oscuro y penetrante, aires de  incertidumbre con la música de las esferas entre sintetizadores, llamado “A.M.”.

A la mañana siguiente, su entorno “palpita con un ritmo diferente, extrañamente armónico”. Con “Pan y Música” surge el don de convertir el alma en canción. Un ukelele, y la voz de su autor diciéndonos que “no es de sabios pensar que estar triste lleva a algún lugar”. Un ritmo de pop amable con melodía de ensueño en el que sobresalen aportaciones fascinantes de bajo, oboe, y cuerda. Le sigue “Pastor”, otro tema de pop en su máxima esencia con detalles de folk, entre versos cautivadores como “me sobra amor y me falta valor para admitir que haciendo el mal soy feliz”. La cara A finaliza con la necesidad de nuestro Tomás aprenda a utilizar su fabuloso don.

Jordi Montero, Pigmy y Angel Ninguno (2009).
En la cara B del disco 1, Tomás abre todas las “Cajas de Música” de la Villa para que se escapen las melodías retenidas en la oscuridad durante mucho tiempo. Se trata de un instrumental extraordinario, con tal belleza de arreglos rítmicos y melódicos, que invita a encontrarle una voz principal que culmine ese fabuloso trabajo compositivo. A nuestro protagonista le cuesta encontrar el camino y opta por seguir de prestado el de otros mediante “El Buscador de oro” entre la basura. En este caso, la canción despierta el entusiasmo de aquellos que “recolectan miel entre la amargura”, “cambian sacrificios por calor” y empeñan el oro que encuentran por un verso, para al final conformarse con  “el bronce y ser un Tres”.

Con la siguiente melodía titulada  “Me enamoré de una perra” aparece el amor “que solo es vapor, etéreo gas”. Acompañado por la acústica, precisos abrazos rítmicos y violines sedosos, Tomás sueña con ser de su misma especie, “tropieza y vuelve a caer”, y al menos intenta ladrar por ella. Interludios de lujo contribuyen a buscar crescendos memorables con el propósito de conseguir ese equilibrio vital que nos facilite la melodía propia. Termina la cara y, de paso, el primer disco, mediante un instrumental llamado “No”, un extraordinario juego de líneas melodiosas elegantes, pulcramente definidas entre el silencio, con el oboe como principal protagonista.    

En directo en La Capsa, (2014)
Ya en el Disco 2 nace la ciudad de “Hamsterdam”, el Dorado para cobijar a los “sin brillo”. Un tema de pop psicodélico de ritmo marcial y juguetón, entre recursos prodigiosos. Tomás construye una ciudad dentro de él. Ya no cree ni en lo que ve. Le acompaña, en su marcha triunfal, una magnífica banda de metales. Ha llegado el momento de sembrar para recoger consejos. “Martillo al dedo”, siguiente canción, implica el momento en el que comparte la vida con todas sus maravillas pero también con sus inevitables dificultades. Mejor respirar y contar 10 antes de amar, y 100 antes de odiar. Arpegios delicados envuelven bonitos solos de flauta mientras la pareja “encuentra setas en un sucio bosque del sur”.

Cae la noche, y el búho le observa con sus garras de bisturí. Tomás, el pequeño ratón que no tiene canción” podría ser un banquete perfecto pero su potencial depredador le  deja ir “más sabio, más vivo”. “El Buho” que así se llama esta canción, contiene  cambios de ritmo que insuflan alegría y mucha humildad: “quieres ser serpiente y eres tan solo un cordel”, entre alguna que otra advertencia: “tu armadura es mantequilla al sol, las golosas moscas la besarán”.

El protagonista sigue su camino decidido  a abrir todas las jaulas que encuentre en él. Entramos en la pequeña máquina del tiempo que es “La Rueda”, una canción con momentos bailables que podemos coleccionar para elegir y convertirnos en la “Reina en este gran tablero de ajedrez”. Para viajar, “mueves tus pies”. “Detente, y caerás”.

En directo en la Capsa (2014)
La cuarta cara de este grandioso álbum nos recuerda que el Tiempo “es ese gato que acecha al que nadie jamás ha conseguido ponerle el cascabel”. “El gato y el ratón”, que así se titula el tema nos habla de situaciones que se repiten con los “mismos personajes y un idéntico final”. Todos colgamos del mismo hilo formando la gran familia de los que nunca existieron, los invisibles ante el poder establecido. La canción trenza guitarras, mandolina, sitar, autoarpa, y zanfoña, creando una extraordinaria atmósfera psicodélica entre campanas y relojes, más coros luminosos.

De este modo llegamos a la batalla que un “Soldadito de plomo” libra desde hace décadas contra la realidad, para defender  su dignidad. Una canción exquisita con la ayuda del gran Angel Ninguno, dispuestos ambos a “aprender para recuperar la desidia de poder tener”.  Diferentes teclados y percusión cierran el motivo principal en el instante que “cae la tarde sobre los confines del tablero de juego”. Tomás cierra los ojos y vuelve a comenzar la partida. “Si” que así se llama el último corte se mueve con toda la dulzura del mundo gracias a unos inspirados instrumentistas que desarrollan, con elegancia, la idea original de un Pigmy que cierra esta maravilla de disco firmando su rendición, como la primera de sus victorias, y diciéndonos en los últimos versos “para encontrar primero hay que perder…”. FIN.

Reflexión final

Foto de presentación en el Verkami
“Hamsterdam” surge de la enorme imaginación de un gran artista como es Vicente Maciá quien ha conseguido describir, mediante maravillosos momentos sonoros y profundas metáforas vitales, las preocupaciones pero también las motivaciones del antihéroe, excluido del triunfo personal que promueve el androcentrismo vigente mientras relega a los "perdedores" a un plano prácticamente invisible. Este disco conceptual culmina un proceso de varios años durante los cuales, Pigmy ha buscado en su interior melodías e historias conmovedoras que nos pueden ayudar a seguir soñando con un mundo mejor; como un soldadito de plomo que lleva años luchando contra la mediocridad y que, al final, opta por crear un nuevo juego con sus propias reglas. Destaca en la portada abierta del disco, la siguiente frase: "Yo os daré lo que ningún ojo ha visto y ningún oído ha escuchado, y ninguna mano ha tocado y que no ha surgido en la mente humana".  El compromiso se cumple en forma de ciudad onírica en la que compartimos algergue emocional con extraordinarios profesionales de la música, el arte gráfico o la literatura que le han acompañado en esta fantástica aventura de crear un mundo paralelo en el que puedes viajar con la mente aunque en realidad solo des vueltas a la monótona rueda de la existencia. Ante esa evidencia, resulta imprescindible recordar que si te detienes, caerás.

En directo en la Capsa (2014)
Sus canciones transmiten un extraordinario cariño no exento de algunas gotas ácidas producto de la impotencia ante la imposiblidad de modificar nuestra cotidianidad. No es un disco de discursos fáciles, ni promesas felices. Pigmy nos propone cambiar nuestra recurrente visión de fracaso con la evidencia de que una rendición a tiempo resulta siempre la primera de las victorias cuando decidimos volver a empezar. Para ello se ha metamorfoseado en un pequeño ratón que afronta la vida convirtiendo su entorno en canciones, modificando la realidad con un lenguaje que entiende y con el que se asegura la merecida felicidad. Todos podemos ser Tomás, y aquí radica la gran grandeza de este disco porque va más allá del intimismo y la experiencia personal de su autor. “Hamsterdam” comporta  una enriquecedora vocación universal, la de transmitir las fuerzas y la esperanza imprescindible para encontrar en nuestro propio camino la canción que resuelva “la ecuación en la que nos hallamos enfrascados con la queja como alquímico elemento”.  Simplemente genial.
                                          
Nota: Puedes adquirir una copia del disco en doble vinilo o Cd en la mayoría de tiendas de música del país así como escuchar las canciones en spofity.

Video con el tema que da nombre al disco "Hamsterdam" de Pigmy en el que puedes ver imágenes de cómo se fue fabricando el diorama de Oscar Sanmartín