viernes, 28 de noviembre de 2014

Fallece la cantante de R&B, Mickey Champion

Mickey Champion 
Nacida en 1925 con el nombre de Mildred Sallier en Lake Charles, Luisiana, Mickey Champion falleció el 24 de noviembre de 2014 en los Ángeles. Excepcional cantante de blues y R&B es una de las máximas exponentes de la escena musical de los Ángeles.  Empezó a grabar en los cincuenta, descubierta por Johnny Otis. En los sesenta dejó el mundo del espectáculo para cuidar a sus hijos. Volvería a los escenarios en los ochenta donde cautivó al público con una voz poderosa capaz de oírse perfectamente sin micrófono.  A partir de los dos mil grabó un par de Lp’s y se recuperaron los temas de su primera época.

Mickey Champion 
Siendo una niña, Mickey cantaba en la Iglesia cristiana metodista episcopal de Lake Charles donde su abuelo dirigía los oficios. Formó un trío vocal con el que cantó en la escuela y en una de sus actuaciones llamó la atención del director de orquesta, Louis Jordan, que queria contratarla para cantar en su banda itinerante pero la idea fue vetada por sus tíos con los que estaba por entonces viviendo.   Tras graduarse en la escuela secundaria,  se casó con Norman Champion. La pareja se mudó a los Ángeles donde empezaron a actuar por clubs con el nombre de Little Mickey Champion. El matrimonio no duró mucho. Su segundo marido fue Roy Milton con el que grabó para Modern, Dootone y King Records durante los cincuenta. Fue descubierta por Johnny Otis. Pese a tener una extraordinaria voz, no obtuvo ningún éxito considerable y decidió retirarse para criar a sus hijos las dos siguientes décadas al tiempo que  trabajaba de cocinera en el distrito escolar de los Ángeles. Atrás quedaban colaboraciones con  otros grandes como T-Bone Walker, Little Esther Phillips, Billie Holiday, Duke Ellington, Ray Charles, Jackie Wilson, entre otros.  También cantó con los Nic-Nacs y los Robins.

Volvería a cantar profesionalmente  en los ochenta y en el año 2000 grabó el álbum “I Am Your Living Legend!” y en 2003 “What your want” para Tondef records.  Sus primeras grabaciones fueron reeditadas en una antología de 2008 a cargo de Ace UK con el título de “Bam a Lam: The R&B Recordings 1950-1962”.  Champion y Milton estuvieron casados hasta la muerte de Roy en 1983. Paul Vic y Oletha Rogers realizaron un documental sobre su vida llamado “Champion Blues” en 2008.

Documentos sonoro: 


"Bam-A-Lama", uno de los temas más conocidos de su repertorio de R&B de los cincuenta. En la cara B está "I'm A Woman" acompañada por la banda de Roy Milton. El single fue editado por Dootone en 1956.  


Con los Nic Nacs cantando también en los cincuenta este "Gonna have a Merry Xmas". 


jueves, 27 de noviembre de 2014

Como un perro romántico soñando en un cruce de caminos con “Baby Hannah’s” de Carletti Porta

Portada
Desprende el disco titulado “Baby Hannah’s” del cantante, poeta y compositor Carletti Porta, una impresionante proximidad emocional que  me ha cautivado ya desde el primer verso y acorde. Este músico albaceteño ha logrado, con este  convincente álbum de debut, que me sienta plenamente identificado con su equilibrio existencial explicado mediante palabras cuidadosamente buscadas y arropadas por arreglos musicales cuyas combinaciones melódicas y rítmicas generan reacciones tanto psíquicas como físicas únicas, difíciles de describir.  La sencillez  y el cariño son dos de las características más singulares de este trabajo discográfico ciertamente impecable. Desde el sensacional dibujo de la portada, la destreza instrumental de sus protagonistas, hasta el sonido pasando por una edición a cargo de una las discográficas estatales más meticulosas y entusiastas de nuestra escena como es Hurrah! Musica, las canciones de este álbum reflejan una experiencia personal que se convierte en universal  en el momento que penetra en tu consciente para recorrer juntos un viaje existencial sin parangón alguno.


Carletti Porta. Foto: Maria Azaña 
Carletti Porta es Carlos N. Porta, un músico albaceteño, que inicia en 2010 esta aventura, acompañado por su compañera sentimental María, en la población irlandesa de  Skibbereen donde en una taberna del lugar, de la que toma el nombre el disco,  hace nuevas amistades como la del bajista Mike Collins, quien colaboró con el que fuera bajista de Jimi Hendrix, Noel Redding, cuando éste residía en Bandon, Co. Cork, Irlanda. Carletti se queda maravillado por su forma de tocar el bajo y le propone grabar juntos estas canciones. Collins, quien acabaría por tocar en siete de los ocho temas del álbum, le lleva al “Studio CPR” del ingeniero de sonido Laurie Hedger, en Lough Hyne, Skibbereen, Co. Cork, Irlanda, e inician el proceso de grabación, sin apenas ensayar, con la ayuda del propio Hedger a la batería más  Niall O’Driscoll al dobro.  La música fluyó con excelentes resultados. Después, la pareja regresa a Albecete  donde Carletti contacta con Honky Tonky Sánchez y Sergio Jiménez  quienes se hacen cargo de la producción, más masterización, de las canciones, excepto del tema “Del Viaje Astral los domingos” que corre a cargo de Quique González. El proceso de dar forma al disco seguiría en el “El Desván”, de Carabanchel,  Madrid, pasando por el hogar de José Manuel Mora.  Finalmente acaba en 2013, año en que otra buena nueva sucede antes en la vida personal de Carlos y María: nace su hijo Mario en primavera.

María Azaña con HT Sánchez
En este disco, Josué Santos colabora aportando órgano Hammond, piano,  y saxo soprano; Quique González  Moncayo, puso guitarra eléctrica; Rosendo Romero, armónica; Mariglo Sánchez,  trompeta; Honky Tonky Sánchez, coros; Kino Lucas, piano en “Sueños de rock and roll”; y Dani Pinelas al bajo más Andrés Ortiz “el negro” a la batería, ambos en “Del viaje astral los domingos”.  Su principal protagonista, Carlos N. Porta, autor de los temas, se encargaría de cantar y tocar la guitarra acústica en todos los temas, más la armónica en “Dios de la carretera”.

El diseño y maquetación ha corrido a cargo de Micoco Graphics, con ese magnífico dibujo de María Azaña en el que se puede apreciar un perro de apariencia famélica que husmea a su particular llama, la que alumbra su vida al igual que el faro que destaca en la contraportada. En su interior podemos leer mediante una hoja encartada las inspiradas letras de las canciones. Cabe mencionar también que la edición a cargo de Hurrah Musica contó con la colaboración del micro mecenazgo, así como que el disco está dedicado a la memoria del médico albaceteño Samuel Andújar Núñez  fallecido en junio de 2013. Por último mencionar que Carletti tiene montada una banda paralela llamada Dos Caballos con Carlos "Honky Tonky" Sánchez. 

Las canciones

Carletti, Antonio de Hurrah y HT Sánchez. Foto: María 
El álbum empieza con el ruido de las olas que se funden con la acústica y un riff de bajo fabuloso. De inmediato ceden protagonismo a la gran voz de Carletti acompañada de piano y órgano para poco más tarde incorporarse, con exactitud de metrónomo, la genial percusión. En “Paseo con una Sombra”, que así se llama el tema, nos comenta cómo “fumando la última china, esperando a que llegue mi amigo Piter Pan en su moto robada” consigue romper las reglas en el mar de la eternidad, soñando hasta llegar a la boca de ella, “qué maravilla… es un blues”. Un tema extraordinario con toques de guitarra eléctrica inmejorables, incluida una trompeta muy sutil, y múltiples detalles de cualidad en los arreglos instrumentales. “Dios de la Carretera” arranca con un diálogo entre armónica y acústica que precede a una melodía tierna entre toques oscuros de piano para contarnos la relación entre dos almas que se alejan con palabras no dichas que alimentan la imaginación y besos no dados porque solo acompañan la soledad. Un tema cargado de emotividad, con varios momentos solistas y atmosféricos a cargo de piano, percusión cariñosa y un excelso estribillo central muy luminoso con el que pide a ese dios de la carretera, si en él creyera, “que le lleve al día en que la conocí y se apiade el destino de mi”.  Un tema ciertamente sobrecogedor que nos traslada, con su intimismo a flor de piel, al siguiente corte titulado “Cruce de Caminos”. En esta canción se refiere a su amor por María, con la que se cruzó en el camino, para compartir sonrisas, castillos que el mar se llevará, consciente de que siempre hay un final.  La composición destaca por su baile de acústica dibujando instantes de folk fabulosos en los que se combina, con enorme destreza, instrumentación generosa y versos sentidos. Al final acaba creyendo en la salvación gracias a ella entre momentos  celestiales de órgano y trompeta. 

Carletti Porta
“Del Viaje Astral los domingos” cierra la cara A y en este caso nos cuenta cómo ella necesita “su ventana para contar las estrellas y las antenas”. Un lugar por el que vuele su imaginación y pasar al otro lado del espejo. Una espacio por donde mirar algo nuevo cada mañana. Al rememorar a su protagonista, sueños y realidad se confunden aunque, tal y como remarca, “aunque viva perdido, nunca la olvidará”. Con toques de blues cadencioso, la melodía va creciendo a medida que avanza con prestancia y elegancia entre detalles convincentes de eléctrica y juegos poéticos de enorme calado entre los se incluye, convenientemente citado, un verso de Antonio Machado que dice “el diablo de mis sueños ríe con sus labios rojos”. A destacar unos compases finales muy americanos con sensacional dobro incluido.    

“Perro Romántico” abre la cara B. “La vida se me fue como un perro romántico tras una perra siguiendo sus olorosas tarjetas de visita…rascándome “. La  canción de Carletti completa unos versos de un tema que cantaba su tío Alberto perteneciente a la obra de su amigo Carlos Wilson a los que les dedica su creación así como a Juan Carlos “El Tirillas”.  Musicalmente, aporta una sensibilidad extrema gracias a unos perfectos toques de dobro, la voz grave de su autor, y la percusión muy bien medida acompañando a una eléctrica y un soprano muy sensuales, entre teclados y un  bajo enormemente precisos y cariñosos, más una juguetona armónica. Todos juntos crean momentos mágicos que ensanchan el corazón hasta unos límites indescriptibles cuya serenidad nos lleva a deleitarnos con el siguiente tema “ Sueño de Rock & Roll”. Otra canción con enorme carga pasional en la que nos explica cómo se ve a sí mismo “sin construir nada que el tiempo no destruya, viendo el tren pasar”. Entonces, el  viejo loco que vive en su interior sueña con rock and roll.  En este caso utiliza un verso extraído de un poema de su padre, Antonio Navarro quien escribe: “Que mis caderas se fundan, se conviertan en martillos”.  De nuevo, la acústica, el piano, el dobro,  la percusión y su voz, caminan juntos dando pequeños pero, a su vez,  seguros pasos sonoros, tanto melódica como rítmicamente perfectos con los que consiguen que emane un swing extraordinario.      

Carletti Porta en Dos Caballos
En “Buenas Noches, María” vuelve a abrirnos su corazón refiriéndose a su compañera a la que canta: “si no ves la salida, si la noche es callejón, sigue la luz de tu corazón… solo tuyo es el horizonte que ves más allá”. Con emotiva sinceridad, Carletti se enfrenta solo con su guitarra a sus sentimientos hacia ella y “si no son para ti, para quien serán”.  Culmina tan tremendo trabajo compositivo y narrativo, otro buen solo de dobro.  “Con Todas las Canciones que Nunca Escribo (iré a las estaciones donde muero y vivo)” cierra tan emotivo disco “viendo pasar los trenes y algún amigo, unos los pierdo y al otro le despido”.  Sin rencor pero también sin olvido, culmina el canto a sus vivencias personales sobre lo vivido mediante  acordes de un blues rompedor, para bocas y pechos secos. De este modo genera una atmósfera  especial de arreglos arriesgados producto de una complicidad muy sugerente entre todos los músicos que entablan una comunicación impactante con el oyente.     


Reflexión final  

Carletti Porta. Foto: María  
Cuando oigo “Baby Hannahas” tengo la sensación de estar escuchando a un buen grupo  de músicos cantando y tocando en casa de algún conocido o amigo donde se celebra una fiesta más o menos improvisada que al final, por obra y gracia de sus canciones y la compañía, resulta absolutamente memorable.

Con ello me refiero a que se me antoja, desde el primer momento, un álbum que desprende esa proximidad,  que comentaba al principio de esta reseña, mediante un aire sorprendente de frescura en las formas al tiempo que emerge una calidez no menos asombrosa en sus contenidos. Esa percepción implica también descubrirse a uno mismo o incluso a alguna amiga del alma, aunque no se llame María, en cada una de las canciones permitiendo que la imaginación nos lleve a creernos protagonistas de unas historias muy bien hilvanadas con la destreza tanto poética como lírica de un excepcional Carletti Mora acompañado por su certera banda.


Por otra parte, se agradece que  no contamine sus sentimientos con ese desgarro intencionado en la voz al que otros cantautores recurren forzadamente para dárselas de canallas cuando en realidad, de esa actitud tan teatrera no tienen más que la pose.  Sin duda, aprovecha  los recursos graves de su poderosa dicción pero lo hace sin aditivos ni conservantes que valgan; sin ansiar la fama del supuesto maldito, ni  repitiendo esquemas de los conocidos crooners del lado oscuro de la vida. Sus canciones tampoco recurren a la rima fácil, y resultan únicas, tan fascinantes como reveladoras de ese posible tránsito astral en el que se confunde lo onírico con la realidad. Carletti nos habla del viaje de la vida mediante la convicción de un buen músico que comparte su obra y sus experiencias con todos aquellos perros románticos que, llegados a un cruce de caminos, soñamos con rock and roll mientras el diablo ríe con sus labios rojos de nuestra tragedia.  

Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp donde también podrás adquirir una copia del disco en vinilo más cd.  

miércoles, 26 de noviembre de 2014

Fallece Agustín Briolini de los Krebs

Agustín Briolini

El guitarrista y cantante Agustín Briolini nació en Las Sierras, Córdoba, (Argentina) en 1991 y falleció en la también argentina Villa Carlos Paz, Córdoba, el 23 de noviembre de 2014 mientras estaba preparando el espectáculo de presentación de su disco de debut con su banda Krebs. El grupo estaba realizando la prueba de sonido para debutar a la noche en la Sala 1 del Teatro del Sol de esa localidad cuando al tocar el micrófono, Agustín cayó desplomado probablemente a raíz de una descarga eléctrica, según apuntan los medios informativos argentinos consultados. 


Agustín Briolini

Con Diego Regali (baterista) y Gustavo Escobar (bajo y coros) formó en 2012 una de las bandas más populares en su provincia, con detalles de rock alternativo y post punk. El nombre del grupo procede de un grabado de 1968 de Salvador Dalí inspirado en el ciclo de Krebs (respiración celular). Colaboraron en varias ocasiones con  Moyano, de los Iceberg, y actuaron en varios escenarios y festivales de la zona y Buenos Aires. Con el cineasta Luciano Juncos grabaron un par de videos musicales con sus temas “No me destruyas” y “Sube la temperatura”.  Durante los últimos meses grabaron su primer disco en los estudios Audire, autoeditado con título homónimo y seis canciones que iban a presentar esa misma noche de 23 de noviembre de 2014. 

El personal médico no pudo hacer nada para reanimarlo. El fiscal de instrucción que interviene en el caso, ordenó que se llevara a cabo una inspección técnica para esclarecer los lamentables hechos.

Documento sonoro: 

Video dirigido por Luciano Juncos con uno de los temas de los Krebs, "Sube la temperatura". 
















martes, 25 de noviembre de 2014

Fallece Clive Palmer de la Incredible String Band

Clive Palmer 
Clive Palmer nació el 13 de mayo de 1943 en Edmonton, Londres, y falleció el 23 de noviembre de 2014 según anunció en las redes sociales su amigo y músico Wizz Jones.  Banjista y compositor de folk de prestigio, formó parte de la banda de folk Incredible String Band hasta su primer disco tras el que se fue a la India y Afganistan. Cuando volvió no quiso formar parte del ya famoso dúo y creó varios proyectos como la Famous Jug Band, C.O.B.,  entre otras formaciones y discos en solitario.

Palmer se subió a un escenario la primera vez a los 8 años y a los 10 empezó a tomar clases de banjo. En 1957 tocaba en bandas de jazz en el Soho y con Wizz Jones tocó en las calles de París desde finales de los cincuenta y principios de los sesenta. En 1962 se trasladó a Edimburgo donde se asoció con el cantante y guitarrista Robin Williamson (nacido el 24 de noviembre de 1943 en Edimburgo) formando un dúo de mñusica tradicional y bluegrass.

Incredible String Band 
Por entonces, Palmer ya estaba considerado todo un virtuoso del banjo. Dos años después se convirtieron en la Incredible String Band  con un tercer miembro, Mike Heron (nacido el 12 de diciembre de 1942 en Glasgow).  A principios de 1966, Palmer se convirtió en el director del  "Clive's Incredible Folk Club" en Sauchiehall Street, Glasgow. Tras grabar el primer disco con el productor Joe Boyd, editado en 1966 por Elektra con título homónimo con canciones como “Maybe someday”, “How happy I am” o “Good as gone”, Palmer se fue a la India donde tocó en la televisión nacional y en Afganistán.  A su vuelta, no quiso reunirse con el ya famoso dúo y grabó un disco de banjo llamado “Banjoland” que permaneció inédito hasta 2005. En 1968 se trasladó a Cornwall donde trabajó de profesor de carpintería con una gran actividad sindical.  También creó la Famous Jug Band con la que editó los discos “Sunshine Possibilities” en  1969 y “ Chameleon” en 1970. Después creó las bandas The Stockroom Five y The Temple Creatures con los que no grabó nada conocido.  Acto seguido dio vida a  C.O.B. (Clive's Original Band), con John Bidwell y Mick Bennettcon con los que sacó dos discos “Spirit of Love” (1971) y “Moyshe McStiff and the Tartan Lancers of the Sacred Heart” (1972). En 1978 sacó un disco en solitario llamado “Just Me followed”  con el sello alemán Autogram.

C.O.B.
Se trasladó a la Bretaña y en los noventa volvió a grabar música y se reunió con Williamson y Heron para salir de gira a finales de la década. Sacó un nuevo disco “All Roads Lead To Land” en 2004, y tocó en un dúo con Lawson Dando en 2007. Ese año volvió a Cornwall, donde formó equipo con  Tim Wellard de Stockroom 5 y Temple Creatures para grabar el disco “The Land of No Return" editado por el sello de Lleida, Quadrant Records en 2008. Como la Clive Palmer Band, estuvo tocando de 2008 a 2011 y sacó dos albumes, “Along The Enchanted Way” y “Live at the Acorn” en 2011.

Clive Palmer 
La Incredible String Band sacó su segundo disco en 1967, el psicodélico “The 5000 Spirits or the Layers of the Onion” al que siguió “The hangman’s beautiful daughter” (1968), experimentando con mitología celta y psicodelia, y el doble álbum “Wee Tam and The Big Huge” (1968) con las violinistasy novias, Rose Simpson y Licorice McKenzie.  Le seguió un quinto LP, “Changing horses” (1969), en 1970, “I looked up” y al año siguiente “U” (1971) con el que se convirtieron en quinteto más Malcolm Le Maistre al bajo. Ese año sacaron el directo  “Be glad for the song has no ending” y “Liquid acrobat as regards the air”. Después vinieron “No ruinous fed” (1973) y “Hard rope & silken twine” (1974), con Graham Forbes a la guitarra y Jack Ingram a la batería y Danny Thompson al bajo. Fueron sus últimos discos como grupo tras el que Heron y Williamson empezaron sus trabajos en solitario. En 2000 el trío original se reunió tocar aunque Robin Williamson lo dejó pronto. Sacaron un nuevo disco “Nebulous Nearnesses” (2004), reinterpretando temas de su trayectoria.

Documento sonoros: 

Disco de debut de la Incredible String Band con Clive Palmer  quien cantaba en algunos temas, tocaba el banjo, la guitarra y el Kazoo. Es autor de la canción "Empty Pocket Blues".


"Chain of Love", includia en el segundo disco de los C.O.B., “Moyshe McStiff and the Tartan Lancers of the Sacred Heart” (1972).


"Earl's Breakdown" de su disco de 2008, "The Land Of No Return".   


lunes, 24 de noviembre de 2014

Oscar Avendaño y “Demasiado Oro”, canciones geniales y Profesionales directas al corazón

Cuando sacamos los esqueletos del armario de nuestra vida con el propósito quizá de ser nosotros mismos, o cuando salimos de la neblina del pasado para ganar perspectiva, puede que nos encontremos de frente con demasiado oro que, más que iluminar nuestro camino, tan solo llegue a deslumbrarnos. Este pensamiento es, a nuestro modo de ver, una de tantas posibles y extraordinarias reflexiones existenciales que comparte con todos nosotros Oscar Avendaño mediante su nuevo disco editado por Folc records que ha contado con la ayuda del micro mecenazgo. Un imprescindible trabajo mediante el que este gran músico vigués se luce tanto a nivel compositivo, literario como instrumental, acompañado por una banda de lujo, unos auténticos Profesionales como su nombre indica y nunca mejor dicho.  “Demasiado Oro”, que así se titula precisamente el álbum, incluye diez excelentes temas que nos arropan con melodías y contenidos líricos que tienen tanto de desesperanza como de vitalidad entusiasta;  ambas reacciones se entrelazan con maestría con el objetivo de dar un paso más allá en nuestras vidas, de seguir luchando aunque se nos resistan los finales felices.  

Trayectoria  

Óscar Avendaño y los Profesionales. Foto: José Santomé
Oscar G. Avendaño es un prestigioso músico que ha formado parte de numerosos proyectos como Foggy Mental Breakdown, Brandell Mosca, Trem Fastasma o Los Casanovas, así como bajista desde 2001 de los legendarios Siniestro Total, formación en la que toca el bajo y para la que ha compuesto la música de varias canciones incluidas en el álbum “Country & Western” de 2010.

En solitario ha configurado durante todos estos años un amplio repertorio de canciones propias que presentaría en un principio acompañado de la banda madrileña Individuos formada por Agus Alonso, Perdo Avilés y Alex Santos, que cuando tocaban con él pasaban a llamarse Los Profesionales. Su primer disco en solitario lo graba con Ricardo Moreno (Los Ronaldos, Mastretta, Vilma y los Señores), batería; Luís García (Los Ronaldos), bajo; y Agus Alonso (Individuos, Matiné, Bobo) guitarra eléctrica. Con título homónimo fue editado por Folc en 2012, en vinilo de 10” con cd incorporado. Incluye seis canciones y la colaboración de Yago Santos al piano y David Rial a la trompeta. Fue grabado una tarde de enero de 2009 en RecReady Estudios (Toledo) con Chema de la Cierva. Las voces y la armónica fueron regrabadas en Villa Angelina (Vigo) con Gonso Pedrido, encargado de la mezcla y la masterización. Por otra parte, Producciones Mutantes y Gero Costas realización un videoclip de una de las canciones  incluidas, “Junto a mí”.

Óscar Avendaño y los Profesionales. Foto: José Santomé
Para la presentación de ese trabajo contó con la colaboración de nuevos Profesionales  como son Mauro Comesaña (The Soul Jacket), a la batería, y de Xabier Viéitez (Foggy Mental Breakdown, Transilvanians) a los teclados, más Indy Tumbita (Pedrito Diablo y los Cadáveras, Los Villanos de Boraville, Thee Tumbitas) a la guitarra; y al bajo, Alberto Gregorio, (guitarrista de The Soul Jacket) que fue substituido por motivos laborales por Andrés Cunha (ex-batería de Los High Sierras). Otras de las formaciones habituales de  Avendaño es Reposado, acompañado por Andrés Cunha a la batería y Mauro Comesaña al bajo. Con reposado grabaría un Ep en Cd y vinilo que se incluía como regalo para la campaña de mecenazgo de "Demasiado Oro".  Contiene la canción "Don't think twice", versión de Bob Dylan,  adelanto del próximo Lp de Reposado y que fue grabada en Guitar Town Recordings por Hendrik Röver quien también aportó guitarra, dobro, y steel. Sus artífices fueron Oscar Avendaño, a la voz, guitarra acústica y armónica; Mauro Comesaña a la batería y coros;  Andrés Cunha al bajo y coros; más Álvaro Lamas como colaborador al pedal Steel en un tema. Tienen previsto acabar de grabar ese álbum a principios de diciembre de 2014 y verá la luz durante el año 2015. Otros temas que contiene ese Ep son “Canción para después de la tormenta” y “Como un Ñu”.

“Demasiado Oro” ha sido editado por Folc records con la colaboración de la Iguana Club.  Fue grabado por Oscar Avendaño (voz y guitarra); Indy Tumbita (guitarra); Xabier Viéitez (teclados); Mauro Comesaña (batería y coros); y Andrés Cunha (bajo y coros). Contaron con las colaboraciones de Jorge Beltrán de Siniestro Total (saxo), David R. Rial (trompeta) y Fran Iguana (palmas y danzas). Se registró en Muu! Estudios de Vigo por Nando “Moure” Pali quien se encargó de producirlo y mezclarlo con la ayuda de la banda. Fue masterizado por Hector Quemada. El estupendo diseño gráfico, sobre un color blanco roto y varios elementos en azul grisáceo, corre a cargo de Tamara Roca. La magnífica ilustración de la portada con ese clavijero de guitarra, laureado por numerosos motivos como la concha, el girasol, o las hojas de vid, incluso con algún detalle que podría recordar a la Cruz de Santiago con esa espada central, es de Mauro Comesaña. Merece nuestra atención una significativa y apropiada brújula en la galleta del disco y por supuesto, las dos grandes fotos de sus protagonistas a cargo de José Santomé en la contraportada y Dani Conde en el encarte interior donde también se pueden leer las letras y los nombres de las personas que ayudaron a hacer posible la edición de este álbum. Cabe mencionar también que el primer videoclip con el tema "El suelo, otra vez" ha sido realizado por Nexus Videoworks con dirección de  Jose Aragunde. Por otra parte, hay que destacar  que la edición en vinilo se ha agotado, al menos en su bandcamp, aunque quizá quede alguna que otra copia suelta por alguna tienda. Por  supuesto aún puedes adquirir el Cd en "jewel box" con libreto de 8 páginas, aunque yo no me lo pensaría demasiado.         

Las canciones

En Iguana Club. Foto: Guillermo Lamas
Las letras de las canciones de este disco son todas originales de Óscar Avendaño, autor también de la música conjuntamente con el resto de los Profesionales. El disco empieza como la canción “El suelo, otra vez” y ese ritmo cadencioso y sensual a la batería que contagia a unas guitarras poderosas de blues que permiten a su cantante principal que nos cante acompañado por un cariñoso piano. Todos juntos se compenetran para explicarnos  cómo “tocar el suelo otra vez”. Abrimos el armario de los recuerdos, tras morir el monstruo que vivía en su interior y que nos impedía ser nosotros mismos. Es momento de airear los restos de nuestra experiencia  aunque haya que limpiar los trapos sucios e incluso algunas cosas haya que tirarlas. Felices por siempre jamás, aterrizamos marcha atrás mientras se combinan las intervenciones estelares de estos grandiosos músicos más un crescendo final que pone los pelos de punta y desemboca en un solo antológico de guitarra. Le sigue “Poster central” en la que nos cuentan la devoción por la modelo de un anuncio de Cartier con la que el protagonista ya se había acostumbrado a dejar de intimar. Una canción con detalles de soul y guitarras ardientes con órgano envolvente. Elegante R&B con los que nos invitan al baile mientras disfrutamos de su prestancia instrumental y vocal con las que, sin duda, “tienen lo que hay que tener”.  

Óscar Avendaño y los Profesionales. Foto: Gulliermo Lamas
“La primera en la frente” es el título del tercer corte del disco. Cuando estamos hartos de tocar fondo, con el corazón seco, nos debería empezar a sobrar tiempo para comprender que nuestros sueños no nos van a dar de comer.  Ritmos de rock and roll contagiosos, punzantes riffs stonianos con Brian Jones, nos acompañan en nuestras vicisitudes desde la primera que “nos dio en la frente hasta todas las otras que arruinaron nuestra salud”. Tambaleándose hacia el amplificador, se añaden espléndidos momentos de saxo que contribuyen a engrandecer un tema que arrasa; una maravilla sonora con dosis de ironía. Con “La pecera”, nombre de la siguiente canción, la acústica envuelve a una armónica creando el preámbulo ideal para el tono de confesión con el que nos explica la pequeña historia de aquel que vive en su pecera viendo a las personas pasar hasta que un día alguien se fija en él. Entonces, surge ese miedo a salir de ese habitáculo por si no sabemos adaptarnos al mundo real que nos envuelve. En realidad, el problema es que ya no creemos “en las perdices del final”. Cambios sugerentes de acordes buscando varias melodías que se compenetran logran crear un ambiente cariñoso, un tanto agridulce pero sorprendentemente confortable. Con “Siéntate y mira” se cierra la cara A de este sublime disco. Un tema en el que uno se siente perdido, cansado y sin salud, recordando y sin saber donde ir. Surge la necesidad de  sentarse y mirar de encontrar un sentido a la vida. Musicalmente, es una canción redonda, muy bailable, que logra crear un entusiasmo fantástico con otro excelente solo de guitarra.    

Óscar Avendaño y los Profesionales.Foto: Travis Bickle
“Los Fortunas” es un excelente instrumental que inicia la cara B con lo mejor del surf and roll. Cabe destacar que se trata de un homenaje al músico vigués Alex Lago fallecido en 2013 (+ info), miembro de los Blows que también militó en Los Fortunas. La canción está interpretada con una extraordinaria guitarra compenetrada al mínimo detalle con un brillante órgano y cálida trompeta, creciendo juntos con elegancia mientras bajo y batería marcan el paso de forma y segura e imperturbable. Diferentes momentos solistas convierten a este tema en algo muy especial, difícil de olvidar, que nos lleva a la distorsión inicial de “El viento”, tema con momentos ácidos memorables, guitarras lisérgicas y ritmos geniales con los que dan paso a la siempre conmovedora voz principal. En este caso, llega el invierno, pisando cenizas de esos fuegos que creemos apagados. Tras dar saltos sin red, creemos que ha llegado el momento de lamer la herida, todo se oscurece y el viento empieza a soplar. Otra canción con un grandioso trabajo lirico con momentos estelares como “He reflotado barcos que se hundían para verlos hundirse otra vez”. 

Óscar Avendaño y los Profesionales.Foto: Travis Bickle
En “Las ruínas”, el protagonista mira el mundo con perspectiva tras salir de la neblina aunque eso implique “perderte a ti”. Atrás queda esa persona especial, las ruinas de lo que construyó. Una canción sobria, calmada, extraordinaria, con una carga emocional impresionante gracias a una expresividad inaudita en la voz principal arropada por una instrumentación fabulosa de guitarra y órgano, con un solo verdaderamente inmejorable a las seis cuerdas. Incluso en momentos menos trascendentales como el tema que le sigue, “Perdí mis gafas de sol”, en el que temáticamente hay poco más que una sola frase, la banda se muestra especialmente inspirada hasta el punto de convertir esa pérdida que resulta no tan irrelevante, en algo mágico y enérgico. Finaliza el disco con la sublime “Todas las canciones” un colofón temático ideal donde nos hablan de esas promesas de triunfo, de los finales felices, de cómo el amor va directos al colector… Sin embargo, la fatalidad no va a acabar con nuestras vidas porque seguimos cantando y nos dejamos querer. Fantástica forma de cerrar este enorme trabajo con filigranas lisérgicas aflamencadas entre pedales trianeros y arabescos mediante los que dan paso al enternecedor momento de acústica y contribuciones coquetas de eléctrica. Una canción que va ganando protagonistas y que se convierte en un, dos, tres… un himno a la supervivencia entre todas las promesas que nos hicieron y que nos dijeron sobre la felicidad.     

Reflexión final

Óscar Avendaño y los Profesionales. Foto: Guillermo Lamas.
Si en su primer disco, Oscar Avendaño y los Profesionales daban muestras inequívocas de un buen trabajo creativo, conjuntado y ciertamente destacable, en este segundo álbum han perfilado sus parámetros iniciales, en todos y cada uno de los aspectos posibles, tanto líricos como sonoros, para confirmar un micro universo propio en el que se nos muestran más pletóricos e incisivos que nunca. No debería extrañarnos que un segundo trabajo discográfico resulte mejor que el primero, aunque eso pareciese a priori imposible. Creo que ese propósito de superación es esencial para todo artista que se precie; ahora bien, en el caso de este “Demasiado Oro”, no solo se consigue una mejoría genérica altamente enriquecedora sino que incluso se permiten el lujo de pulir sus convincentes canciones mediante múltiples detalles que sorprenden tanto dentro de nuestra escena estatal como en el ámbito internacional. Su nuevo disco es claramente empático con aquellos a los que la vida les ha dado tantas razones para luchar como para lamentarse de su destino. Frente a las promesas de triunfo que no llega, ni quizá llegará, ante ese “demasiado oro” con el que nos deslumbra la vida, nada mejor que  seguir cantando, brindar sin sed y dejamos querer celebrando nuestro porvenir tal y como nos recomiendan en este fantástico álbum, a mi juicio, absolutamente imprescindible.
     
Nota: Las fotos en directo corresponden a la presentación del disco en la Iguana Club de Vigo el 27 de junio de 2014. Pudes oír los temas en el bandcamp donde también se puede adquirir el Cd.

Primer videoclip de "Demasiado Oro" con el tema "El suelo, otra vez" realizado por Nexus Videoworks con dirección de  Jose Aragunde.

jueves, 20 de noviembre de 2014

La Familia Caamagno con su “excitante novo son” para su nuevo disco “Hai que andar cos tempos!”

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La legendaria discográfica compostelana Lixo Urbano, con una trayectoria de dos décadas promocionando grupos que cantan en gallego, acaba de editar este 2014 un nuevo trabajo de los coruñeses Familia Caamagno con el título genérico de “Hai que andar cos tempos!”. Un disco que contiene cinco temas propios más una versión del “Poison Ivy” de The Coasters, interpetados en su lengua materna. Seis canciones extraordinarias que ponen de manifiesto los excelentes resultados de “o novo excitante son estereofónico” a cargo de un quinteto que aúna buen humor, arreglos estimulantes, y referencias sixties mediante un arte propio muy convincente y, por supuesto, andando “cos tempos” siempre con la sana e imprescindible ironía gallega.     

Trayectoria

Anyerior imagen "mafiosa" de la Familia Caamagno
A Familia Caamagno són de Sigüeiro (A Coruña). La banda está formada por Toni Caamagno (batería y coros), Lano Caamagno (bajo),  Francesco Caamagno (guitarra y coros), Jess Caamagno (guitarra) y Manuele Caamagno (voz y saxofón). Empezaron a ensayar a finales de 2010. Tres de ellos, Jesús, Lano y Manuele procedían de una banda llamada Plan9 que hacían versiones de los Misfits. Fran estuvo en los Electróxeno, ptra banda de Oroso (A Coruña) que sacó un disco, mientras que Antonio estuvo con Kastomä y forma parte de los Chavales (+ info). Empezaron a hacer versiones de temas de los sesenta y adaptaron al gallego canciones de los Standells, Easybeats, Birds, Kinks, entre otros. En el verano de 2011 debutan en directo y se atreven con las primeras canciones propias como  “Non volvas máis”.  Al año siguiente, 2012, graban su primera maqueta con título homónimo en los estudios Rapapoulo de Ordes (A Coruña), con Mou y Fredi. Contiene tres temas propios con los títulos de “O ritmo da caverna”, “Non volvas máis” y “Ringo Starr”, más tres versiones llamadas “Fodín cos pes no río” (“Dirty Water” de los Standells), “Perdoa” (“Sorry” de los Easybeats) y “Se magná chove” (“There's a Storm Coming” de los Standells). Fue publicada en octubre de 2012.

Toni, Lano, Jess, Fran y Manuele. Foto: Úrsula Prego

Siguen con más conciertos y en diciembre de ese mismo año sale “Cantan Polo Nadal!” (Familia Caamagno, 2012). Se trata de un single de Navidad grabado en los estudios A Ponte (A Coruña) con Tomás Ageitos. En este caso se incluyen dos temas, la original “Panxoligna de amor R5” y la versión de “Run Rudolph, run” de Chuck Berry a la que llaman “Bule Rudolph, bule!”.  También tienen una banda de versiones paralela con el nombre de Muebles Mendoza en la que adaptan canciones de punk’77 creadas por los Buzzcocks, Undertones, The Clash, Ramones, etc… Cabe destacar también que el 20 de septiembre del 2013 ganan el Concurso Rock de la Diputación de A Coruña.

Ese mismo mes de septiembre de 2013 graban en dos días, el 13 y el 14, en los estudios del Circo Perrotti de Gijón este nuevo disco llamado  “Hai que Andar cos Tempos!” (Lixo Urbano, 2014). Jorge Explosion es el responsable de la mezcla y masterización, aporta también percusión, clavioline aullidos y guitarra en algún tema.  La foto de la portada de la banda, con esas magníficas camisas rojas con chorreras de gala, es de Úrsula Prego, y la maquetación de Mou DKTC con diseño de Manuele Caamagno.  La edición en vinilo contiene un encarte con fotos de sus protagonistas y las letras de las canciones. A destacar también la inclusión de la conocida frase de Frank Sinatra: "A música rock fana deficientes mentais que cantan letras maliciosas, lascivas. É a forma de expresión mais brutal, nauseabunda e viciosa que tiven a desgraza e escoitar". Tal y como añaden en la contraportada, el disco es una respuesta afirmativa a la incógnita sobre si el rock and roll es aún un vehículo válido para corromper aún más a la juventud en pleno siglo XXI. Por cierto, ningún baterista fue maltratado durante la grabación de este disco.        

Las canciones

En directo. Foto: Ada Seoane
Ya en la primer canción, mientras tomamos el sol tranquilamente en la playa de la Lanzada, entre O Grove y Sanxenxo (Pontevedra) aparecen los nazis haciendo surf. “Vegnen a por nós” causando el terror entre los pacíficos bañistas.  Al parecer la canción está inspirada en una película de ciencia ficción, con catástrofe mundial, de 1987 llamada “Los surfistas nazis deben morir” dirigida por Peter George.  El tema se construye sobre una base de riff, más rítmica, silbidos y coros de surf. La banda aporta una excelente melodía de rock and roll que culmina en el cautivador estribillo. Con “Rantanplan” nos hablan del obsesivo culto al cuerpo en aquellos que van acabar siendo los más sanos del cementerio. Un tema de R&B salvaje, enérgico, con entrega absoluta por parte de cada uno de los instrumentistas y una más que convincente voz principal. Excelente tratamiento rítmico que nos lleva corriendo hasta “Mentireira”. Último tema de la cara A con el que nos narran los problemas de amor entre un y una moza un tanto mentirosa y con mucho genio. Se trata de una bailable canción de pop con detalles beat entre apasionantes arreglos y un preciso solo de guitarra.  


Foto: Javi Artistaminiko

La cara B se abre con un canto al baile desenfrenado en “C’mon baby, Unga-Unga”, rock and roll de manual con detalles de ye ye y twist más esas indiscutibles referencias a las bandas instrumentales “garajeras” con los que la Familia Caamagno ha sido capaz de crear un tema muy original. Le sigue “Fóra de control”, tema con sensacional arranque de “garage punk”. El protagonista espera a esa persona especial, entre la cordura y la locura, confundido entre el mundo psicoactivo con el real, sin “vivir en min”. Magnífica canción con una fuerza inusitada en la que se lucen, una vez más, en todas y cada una de las partes sonoras, desgarrando la voz principal con un entusiasmo sin igual muy acorde con el buen solo de saxo con el que culminan un tema apabullante que pone los pelos de punta. En el último corte, “Mala Herba” versión del “Poison Ivy”, canción de Mike Stoller y Jerry Leiber que hicieron popular los Coasters en 1959, nos narran una historia de amor entre un chico y su novia que al parecer era de ETA. No la quiso denunciar por amor; aunque el auténtico terrorismo fue el que padeció cuando la chica le dejó y se fue para Madrid. Dice de ella: “una mala hierba con apariencia de rosal”. En el plano musical, la versión es divertida, muy original y está arreglada con buen gusto y manifiesta personalidad.

Reflexión final

Foto: Ada  Seoane
A estas alturas no creo que a nadie, con buena fe, le resulte extraño oír temas de rock and roll cantados en gallego; ni tampoco voy a caer en la condescendencia de destacar  la evidente realidad de que se entiende bastante bien o que se trata de un síntoma de normalidad lingüística en el estado español. Ambos comentarios se me antojan más  bien sospechosas sentencias de perdonavidas a los que el gallego les parece erróneamente algo menor al que se puede dar una oportunidad. En mi opinión, todos y cada uno de los idiomas habidos y por haber son adecuados para comunicarse. Que encajen o no con el rock and roll o las películas de serie B depende de la creatividad de los autores y de su destreza para aunar ambas musicalidades en sus canciones. El gallego desde luego funciona muy bien para cantar surf, garage o pop, y así nos lo demuestra esta brillante Familia Caamagno con su sonido excitante. Ahora bien, su aportación va más allá de sus ingeniosos juegos lingüísticos porque, en todas y cada una de sus canciones, tanto propias como versiones, han sido capaces de impregnar los arreglos instrumentales con tanta diversión como talento. De este modo dan vida a unos grandes éxitos con los que vas a tener la seguridad de “andar cos tempos!” ya sea en Galicia como en cualquier otro lugar del mundo.

Nota: Puesdes escuchar las canciones y comprar el disco en vinilo con Cd de regalo en el bandcamp.

Fallece el músico y productor David Appell

David Appell
David Appell nació el 24 de marzo de 1922 en Filadelfia, Pensilvania y falleció el 18 de noviembre de 2014. Fue productor musical, arreglista musical para big bands en los cuarenta y músico con banda propia a finales de los cincuenta, los Applejacks con la que sacó varios singles y respaldó a varios con el sello Cameo-Parkway donde trabajo hasta mediados de los sesenta.

Empezó a colaborar como arreglista para varias big bands de la Armada de los Estados Unidos a mediados de la década de 1940 durante su servicio en la Segunda Guerra Mundial, incluida la orquesta del saxofonista  Jimmie Lunceford. Después trabajó para orquestas de baile entre las que estaban las bandas de Benny Carter y Earl "Fatha" Hines. Grabó para Decca Records como Dave Appell Four, hasta que Paul Cohen, le sugirió cambiar el nombre por el de los Applejacks. Appell también fue editor en 1955, colaborando con Max Freedman.

Con los Appel jacks
En 1956 apareció en la película de Alan Freed, “Don’t Knock The Rock” y colaboró como director musical en el programa de televisión de Ernie Kovacs, entre otros programas de radio, en Filadelfia. Con los Applejacks estuvo una temporada tocando en las Vegas y después regresó a su ciudad natal, donde comenzó a trabajar para Cameo Records, un sello fundado por Kal Mann y Bernie Lowe. Como Dave Appell And His Appell-Jacks ‎editaron para Tone Craft singles con canciones como "Honey Bunch". Con President sacaron temas en 1956 como "Rock and Roll Story". 

Para Cameo,  fue músico de sesión cantando coros, guitarrista, y  realizó tareas de ingeniero de sonido, y producción. Colaboró en éxitos como el tema de Charlie Gracie  "Butterfly”. Su banda respaldó al cantante en varios temas más como "Fabulous", "Ninety-Nine Ways" y "Wander in' Eyes." En 1958 Appell y su grupo tocaron con John Zacherle en el Top 10 "Dinner With Drac".

Los Apple jacks
En el verano de 1958, Appell pensó un tema para la Filadelfia String Band en la que mezclaría el tipo de marcha con un ritmo de baile. Escribió una canción instrumental "The Mexican Hat Rock," version de la conocida "La Raspa" que se convirtió en un gran éxito editada por Cameo a su nombre. The Applejacks sacaron también ese año "Rocka-Conga".

Appell y su banda fueron los músicos de estudio de  Cameo-Parkway y respaldaron a numerosos artistas como Chubby Checker, Bobby Rydell, The Dovells, Dee Dee Sharp y The Orlons. También coescribió con Kal Mann, hits como "Let's Twist Again," "Bristol Stomp," "Mashed Potato Time" y "South Street”. Finalmente dejó Cameo en 1964.

En los setenta produjo a Tony Orlando and Dawn  éxitos como "Knock Three Times" (1970) y "Tie a Yellow Ribbon Round the Ole Oak Tree" (1973), para Bell Records en New York. En los ochenta colaboró con Terry Scott y en los noventa con Melissa Manchester, entre otros.

Documentos sonoros: 

"The Rock and Roll Story",  tema editado en single para President en 1956.


Y aquí su exitosa versión instrumental de la polka mexicana por todos conocida con el nombre de "La Raspa".