domingo, 4 de diciembre de 2016

Muere el guitarrista checo Radim Hladík, de The Matadors y Blue Effect

Raduim Hladik
Radim Hladík nació en Praga el 13 de diciembre de 1946 y falleció a causa de una fibrosis pulmonar  el 4 de diciembre de 2016. Fue un gran guitarrista, compositor y productor checo de rock.  Formó parte de bandas como Komety, The Matadors y Blue Effect. Entre sus más conocidas composiciones destaca el tema “Tea-room”.  Está considerado como uno de los más grandes guitarristas checos.

Cuando era niño, aprendió a tocar el piano. Durante dos años asistió al Conservatorio de Praga, donde estudió guitarra clásica. A los 15 años comenzó a tocar la guitarra en el grupo de rock and roll, Komety. Desde la segunda mitad de la década de los sesenta, es considerado como uno de los mejores guitarristas checos y ha ganado varios premios por ello.

Fue miembro de The Matadors con su amigo Vladimír Mišík.  La historia de los Matadors empieza con Wilfried Jelinek que forma el grupo checo-alemán de rock Pra-Be ("Praga-Berlin") en el año 1960. Jan "Farmer" Obermayer se añade a la formación como saxofonista en 1964 con Otto Bezloja al bajo. Entonces pasan a llamarse Fontana. Más tarde entrarían el guitarra solista Radim Hladík y Vladimir Mišík, a la guitarra rítmica que pasaría a la armónica y voces. Matadors nacen en 1965 por un órgano eléctrico llamado “Matador”. Se les uniría Karel Kahovec, a la guitarra, y más tarde el batería Miroslav Schwarz, también conocido como Tony Black. Durante toda la década de los sesenta se producirían más cambios en la formación.


Radim Hladik
En 1968 Hladík y Mišík crearon el grupo psicodélico Blue Effect.  Después de que Mišík dejara el grupo, Hladik se convirtió en el líder de la banda.  Los Blue Effect grabaron discos de jazz rock como “Coniunctio” y “Meditace”  (1970), “Nová Syntéza - New Synthesis “ (1971),  “Kingdom Of Life” (1972), o “A Benefit Of Radim Hladík” (1975) firmado por Modrý Efekt & Radim Hladík”, primer lanzamiento de una banda creada por miembros de Gramofonový Klub, Čs. Hifi-klub y  Diskotéka Mladého Světa. Los siguientes discos estñan formados por M. Efekt como “Svitanie) (1977), “Svět Hledačů” (1979), o “33” (1981).  En 1979, con el cantante Lešek Semelka y el baterista Vlado Čech, grabó la canción ganadora del festival de Bratislavská Lyre, “Šaty z šátků”. Más recientemente volvió a reunir una nueva formación de Blue Effect, trabajo en varios proyectos de composición y estaba ultimando un nuevo disco.  

Documento sonoro: 

The Matadors, "Get Down from the Tree" (1967).


Los Blue Effect en 1969 y "New Club".



"Tea Room" de Hladik también conocida por su nombre en checo, "Čajovna"




Fallece Wayne Duncan, bajista australiano

Wayne Duncan
Wayne Duncan falleció el 4 de diciembre de 2016 a los 72 años de un derrame cereral.  Bajista, formó parte de varios combos australianos de los sesenta como The Rondells,  y en los setenta como Sons of The Vegetal Mother que se convirtieron en los Daddy Cool, grupo de rock and roll más blues, y también en la banda de boogie, Gary Young's Hot Dog.  

Wayne Duncan al bajo y voz más Gary Young a la batería y voces formaban parte de la sección rítmica de muchas bandas instrumentales de los cincuenta acompañado a grupos como los Rondells que eran el combo del dúo de éxito Bobby & Laurie quienes llegaron al número 1 en 1966 con el tema "Hitch Hiker". Young conoció a Ross Wilson, que había formado parte de los Pink Finks, grupo de R&B que se pasó a la psicodelia con el nombre de  The Party Machine.  Wilson, Ross Hannaford ( fallecido este 2016), Young y Duncan formaron Sons of the Vegetal Mother, grupo de rock progresivo. Entusiastas del sonido de Frank Zappa, sacaron un disco llamado “Garden Party EP”. La banda evolucionó hasta convertirse en los Daddy Cool, que había empezado siendo una parte informal de los Vegetal Mother.  El grupo estaba formado por Wayne Duncan, bajista y voces; Ross Hannaford, guitarrista y voces; Ross Wilson, voz solista y guitarra, más armónica; y Gary Young a la batería. También estuvieron en la formación Jeremy Noone “Killock” al saxo y teclados (1971-1972);  Ian "Willy" Winter, guitarra (1972); Ian Gunther Gorman , guitarra (1975); y Wayne Burt,  guitarra (1975).
Wayne Duncan derecha,


Empezaron sacando un single con el tema  "Eagle Rock" y tras debutar con el Lp “Daddy Who? Daddy Cool” se convirtieron en una banda de éxito en su país. Le siguió otro álbum llamado “Sex, Dope, Rock'n'Roll: Teenage Heaven” y a finales de 1972 se parte la formación.  Wilson y Hannaford crean Mighty Kong con ex miembros de Spectrum y Company Caine y graban el disco “All I Wanna Do Is Rock” tras el que se separan.

Wayne Duncan



Young y  Duncan crean una banda de boogie Gary Young's Hot Dog en septiembre de 1972, cin la que sacan dos singles en 1973: "Rock-a-Billy Beating Boogie Band" y "The Saga of the Three Little Pigs". Duncan padeció un accidente de tráfico y se hizo cargo del bajo Hannaford. Duncan también colaboró con el cantante australiano Ross Wilson. 

Daddy Cool se reformaron en 1974 y la banda continuó hasta 1976, cuando se separaron de nuevo. Hannaford y Wilson volverían a colaborar en la banda sonora de la película de 1976 “Oz”. Posteriormente Hanna trabajó de músico de sesión y tocó en muchas bandas  como The Black Sorrows, Paul Madigan & The Humans, Critters, Ian Moss, Steve Hoy, Mark Gillespie, Billy T, Ram Band y Goanna.  Durante los noventa formó  la banda Diana Kiss y The Ross Hannaford Trio. 

Daddy Cool. Wayne derecha 

En 2000 Hannaford grabó como Hey Gringo “I Was There”.   En 2005 los miembros originales de Daddy Cool se reunieron para una actuación en un concierto benéfico en Melbourne para ayudar a los damnificados en el  tsunami asiático. Al año siguiente volvieron a grabar un nuevo single y un álbum, “The New Coll”.  En noviembre de 2007 realizaron una gira por Australia.  En julio de 2015, se anunció que Hannaford sufría "problemas graves de salud" que le obligaron a cancelar una gira. Los amigos organizaron un concierto benéfico para recaudar fondos que le ayudasen a pagar los gastos médicos.  En 2015 salió un último disco a su nombre. Falleció el 8 de marzo de 2016 (+ info).

Documento sonoro:

Daddy Cool en la televisión en 1971 con "Come Back Again".


viernes, 2 de diciembre de 2016

Fallece Micky Fitz de los Business

Micky Fitz
El 1 de diciembre de 2016, el website Louder Than War publicaba que Micky Fitz,  frontman de la banda de punk Oi! The Business, había fallecido a consecuencia del cancer.  Formada en octubre de 1979 en South London, la banda fue uno de los principales exponentes del llamado Oi! o Street punk.  Una de sus más recordadas canciones es “England 5 - Germany 1” basada en el resultado del partido clasificatorio para la Copa del Mundo de fútbol de 2002 jugado el 1 de septiembre de 2001, que se convertiría en todo un himno para los seguidores de la selección inglesa.

The Business


La banda  fue creada por los amigos de la escuela Steven 'Steve' Kent (guitarra), Michael Fitzsimons 'Micky Fitz (voz), Nicholas 'Nick' Cunningham (baterista) y Martin Smith (bajo).  En febrero de 1980 dieron su primer concierto y después se pusieron en manos de la manager Laurie “Lol” Pryor.  Su primer tema "Out in the Cold" se incluyó en un recopilatorio  Sudden Surge of Sound.  Pese que hubo bandas Oi! que tocaron en los conciertos del Rock Against Racism, el movimiento fue tildado de racista. Los Business se mantuvieron en contra del racismo y del extremismo político con letras que hablaban preferentemente de alcohol y fútbol.  En 1981 debutaron con el single "Harry May".
A finales de ese año se separaron. Kent, Cunningham, y Smith formaron Q-Bow. Fitz siguió con Pryor, y reclutaron a los guitarristas Graham Ball, Mark Brennan y Steve Whale de The Blackout, y John Fisher a la batería.  Debutaron con la nueva formación en 1982 y Ball más Fisher se salieron. 

Se quedaron en formación de cuarteto con Kev Boyce de The Blackout a la batería. Grabaron “Smash The Discos Ep”  con el que llegaron al tercer puesto de las listas y tras una gira grabaron su primer disco que debería haberse llamado “Loud, Proud, and Punk” pero desaparecieron las cintas tras desavenencias con el sello  y tuvieron que volver a grabar los temas  saliendo como “Suburban Rebels” en mayo de 1983. El disco fue remezclado por el sello Secret y tras dificultades económicas varias, acabaron por separarse.  Algunos de sus componentes formaron Chapter y Sabre Dance.
Pryor recopiló material inédito para su sello Syndicate y su éxito convenció a la banda para  reunirse sacando un álbum en vivo llamado  “Loud, Proud, and Punk” aunque fue grabado en estudio con ruido añadido de público. Pryor convirtió su sello en Wonderful  World y se embarcaron en una gira llamada “Drinking and Driving tour” con la que no se ahorarron las críticas conservadoras por el título. A finales de 1986 Brennan y  Pryor fundaron Link Records, y la banda volvió a separarse.  En 1985 vio la luz el disco “Saturday’s Heroes”, y en 1986 “Wellcome to the real World”.   

The Business
Ya en 1992 Fitz se unió a The Elite dio un concierto benéfico mientras  Brennan creó Captain Oi! Records.  Los nuevos Business fueron Micky Fitz (cantante), Steve Whale (guitarra), Lol Proctor (bajo) y Micky Fairbairn (baterista).  Sacaron el single "Anywhere But Here" y un Nuevo disco en 1994, “The Faith”.  En 1994 sacaron “Keep the Faith”.  Giraron por Europa y por los Estados Unidos   y en 1997 sacaron otro disco llamado “The Truth, The Whole Truth and Nothing But The Truth” producido por Lars Frederiksen de los Rancid.  En 2001 salió “No mercy for you”  y en 2008 “Mean Girl”.  Siguieron tocando por todo el mundo y con la muerte de Fitza se da por finiquitado el proyecto. 



Documento sonoro: 

Colección de singles de los  Business. 


miércoles, 30 de noviembre de 2016

Munlet despliega lo mejor de su original imaginario en un extraordinario disco llamado “Chupacabras”

Portada
El Chupacabras es un críptido, es decir, un espécimen mitológico que nace de la leyenda, en este caso contemporánea, sobre una especie de reptil que ataca a animales en zonas rurales o que te absorbe los sesos en el caso del tema que da título al nuevo disco de los Munlet. Un álbum que despliega todo el imaginario de este fructífero dúo de Mendaro (Guipúzcoa) hasta lugares inexplorados en el rock and roll dentro de un amplio abanico de recursos postpunk, tecno, o pop. Con elocuente portada del dibujante Miguel B. Núñez, autor de “Heavy 1986”, fue editado en septiembre de 2016 en vinilo, de color negro o naranja, por las discográficas KOTJ Records (Valladolid),  Ghost Highway recordings (Madrid), Mama Vynila records (Barcelona)  más Screaminguy records, sello de la banda, que se encarga de la edición en Cd.  Canciones muy conocidas como “Torsión”  que ya aparecieron en anteriores EPs, han sido redimensionadas para formar parte de este álbum donde escucharás otras excelencias nuevas como el tema que le da título, del que han creado un fascinante videoclip, entre otros momentos sonoros propios ideados con una garra deslumbrante, medidos con cambios de ritmo impresionantes, más una lírica sutil y contundente sin parangón alguno.

Trayectoria 

Munlet
Formados como dúo en 2002, tras la disolución de Uler 600, los Munlet graban tres EPs entre los años 2002 y 2005 a los que siguen los discos “Clínica de Ruidos” (Transpop, 2007), “Pong” (BiBateanDiskak, 2009), y “Cañón(Gaztelupeko Hotsak, 2010). En esa época pasan a quinteto, graban un single más una versión de los Oblivians para Ghost Highway Recordings (GHR) en 2011, y regresan al formato de dúo con “Bicefalopedia" (Bi Batean Diskak, GHR  y Screaminguy!,más Cd Digipak con la colaboración de Rumble Records, 2012).  Anteriormente a este nuevo álbum vieron la luz dos Ep's el 4 y el 5.

El disco que presentan este 2016, “Chupacabras” contiene catorce temas, uno más en la edición en digital, en los que se pone de manifiesto el enorme talento de esta pareja altamente creativa, siempre sorprendente, que conforman la singular Anita Ladyfingers a la voz principal, más sintetizador y percusiones; y el polifacético Ina Her Professor, a las guitarras, programaciones,  teclados, batería. Han contado con la inestimable ayuda, tras una sistemática relación en directo, de Carlos Cebrián en los teclados y sintetizadores, entre otros colaboradores de la talla de Alex Pis de los Ídolos del Extrarradio, Charlee Mito de los VIllapellejos o Mikel Bikitures, CJ Tower Lion, Mikel Bikitures,  Joe Jiménez, o Anton e Itzi, quienes aportan voces y guitarras en temas puntuales.

Artwork Miguel B. Núñez
El disco se grabó, mezcló y masterizó en manos del propio Ina Munlet durante un proceso dilatado de varios meses llevado a cabo con escrupulosa meticulosidad  en su propio y famoso estudio “El Cubo”.  Cabe destacar que la edición en Cd contiene un bonus track con el título de “Divina of the death”, una nueva versión del tema que el dúo creó para el artista bilbaíno Yogurinha Borova y que ha tenido un éxito inusitado en formato de varios videos y remixes.    

Las canciones 

El disco se abre con “Venganza” y toda la furia de esta gran banda capaz de aunar palabras, gestos, arreglos, y mucho arte para definir un proyecto propio y único.  “Yo solo quiero hacerte sentir… Venganza. Todo mi odio saliendo hacia ti”. Una “sátira emoción” en la que destacan esas descargas electrónicas tan consistentes que acompañan, con un ritmo impoluto, a la voz principal que nos anonada con una tesitura hecha a la medida de tan excelente tema.  Completa la canción esos efectos especiales que acrecientan su fiereza.  Le sigue “Torsión”, una maravilla de combinación de rítmica y melodía. La canción es una brillante armonización de ritmo bailable, juegos electrónicos espectaculares, descargas de guitarras y magníficas cascadas de efectos sonoros entre los que brilla la interpretación vocal de su cantante con esa facilidad para generar emociones y catalizar nuestra energía. Imposible resistirse. Nos abocan a movernos sin parar a un ritmo cautivador que nos invita a  contorsionarnos desde los pies a la cabeza entre “gritos no calmados” y revivir los sentidos entre impulsos. 


A continuación nos ofrecen “Transitoria belleza, plasmas y perdón”, ejemplar simbiosis de electrónica y hard rock con golpes certeros de guitarra entre “cristalinas las pupilas del terror que se abren paso hacia tu entraña”.   Siguen los versos extraordinariamente tallados con un cuchillo afilado como “las cloacas se defienden del hedor, de cataplasma de tu esfera de sudor, encharcada la basura, maldición…”

Con la “Noche del cocodrilo”, golpean con “enloquecida cordura” mientras introducen riffs de antología, cantando en este caso Ina con voz siniestra. Suculentos cambios de ritmos, “voces en mi mente” aportadas por Anita, entre “bicicletas, naves prohibidas que viajarán al lado escondido” con un “salvavidas de neopreno, esplendor del vacío, melancolía atípica, cierra los ojos del susurro…”. Un final instrumental de teclados envolventes borda este fantástico tema que nos lleva a “No te debo nada”, otra excelencia marca de la casa. Tempo salvaje, voz aguerrida, arreglos fabulosos, y una melodía apabullante nos martillean como un “corazón robotizado” por medio de un gran “poder mental”, entre secuencias instrumentales de órdago, y frases contundentes como “vomitando el rumor” entre “estrellas apagadas sin brillo y piedad”.     

Munlet. Foto: Art No
Le sigue “Ah! Y los borbotones del odio”, magnífico tecno punk con “guantes manchados” creando un “misterio oculto que sonríe ante el susurro al hielo de Satán, oculta el trazó sin hablar”. Otro sencillo pero muy efectivo riff de guitarra pop completa esta sucesión de bellezas sonoras que pueden mutar a descalabros salvajes como “Soledad Miranda”, fascinante instrumental con secuencias cinematográficas, una gran guitarra surfer, efectos espaciales y ritmo trepidante. Cierra la cara A “Autos Locos”, otro ejemplo de punk aderezado con detalles tecnológicos entre descargas de guitarras y momentos de teclados desquiciados que desembocan en un curioso momento de guitarra acústica rompiendo esquemas para volver al motivo central con “una mirada olvidada, atónita y molesta, una clase de heroísmo, un cadáver olvidado!”.   

La cara B empieza mediante las “Conductas de Autodestrucción”, un tema de extraordinaria compenetración poética y musical en el que destacan esos arreglos tan sugerentes de guitarras y electrónica  a cargo de unos Munlet en estado de gracia, con la ayuda inestimable de Alex Pis. Una pieza de orfebrería apta para la pista de baile con una letra cargada de lucha existencial, “huyendo de la imagen, de la mentira constante”.  Tras la gran voz del mencionado Álex, se añade Anita cantando en el estribillo: “Solos tu y yo … juegos de evasión, torturando la razón… pierdo el control, en paredes de hormigón, vomitando amor, conductas de autodestrucción“.  Un pasaje meramente instrumental antecede  a la iluminadora sentencia final: “A veces pienso  que el futuro no existe, pero el dolor nos cobija”. 

Munlet. Foto: Art No
El siguiente corte “Luna Pequeña” es otro instrumental de costura perfecta que no llega a un minuto. Una pequeña pieza calmada y un tanto siniestra que inspira una paz inquietante. Por su parte “Litio” tiene todo lo mejor de la banda con esa capacidad tan espectacular de conseguir canciones envueltas de pasiones en arreglos que mezclan “luces, agujas, ACCION”, luminosidad melódica, agujas procuradas por guitarras en distorsión o con detalles espectaculares de teclados, y esa acción que inspira la inmejorable aportación rítmica. Otro tema deslumbrante a la par que turbador “filmando tu muerte” con letras que nos dejan anonadados.     

A continuación nos ofrecen “Ausencia”, canción que tiene un inicio juguetón de efectos con halo de inocencia tras los  que aparece la voz sensual  de Anita acompañada magistralmente por un cúmulo de ritmos y acordes, más efectos, de pop oscuro. De este modo, nos envuelven con un manto agridulce de reflexiones amorosas: “navegando por mares de espuma, es tu llanto mi canción de cuna, tu sonrisa mis ganas de amar…. Y no, no puedo estar sin ti”. Llegamos así al flamante estribillo “buscándote, y no estás, y cada día viene y va”. La música se expande como “esos rayos de sol en potencia”. Una maravilla de canción que despierta los sentidos, con una parte instrumental muy cautivadora de teclado, contribuyendo  a engrandecer tanta belleza exquisita.    
 
Munlet. Foto de su facebook
Llegamos de este modo a “Chupacabras”, tema que da título al disco con su “psicodelia aventura, atornillándote la mente… con sonoras vibraciones…”. Canción demoledora de registros portentosos que crecen compás a compás como “carne densa” para el “chupacabras”. Sonidos escalofriantes y guitarras como “monos saltarines” dan forma a un tema salvaje en la que la banda consigue que enloquezcamos de pasión, “al otro lado, en contra siempre” para acabar con esos acordes mortuorios espeluznantes. Acaba el disco de vinilo con “(Yo quiero ser) Chus Lampreave”, sentido homenaje a la actriz española, “con gran corazón”, nacida en Madrid el 11 de diciembre de 1930 y fallecida en Almería el 4 de abril de 2016.  Tema de rítmica alocada en la que destacan su capacidad de “ser secundaria y llevarlo bien…descubrir la verdadera interpretación”.

Reflexión final  

Munlet. Foto: Beris.
“Chupacabras” encumbra la magnífica trayectoria de los Munlet con canciones persuasivas,  repletas de matices y detalles muy personales que nos invitan a escucharlas una y otra vez. Un disco apasionante y memorable que será, sin lugar a dudas, uno de los más sobresalientes  de este año.  Estamos ante el trabajo de unos auténticos genios, de cuyo enorme criterio y persistente trabajo nacen sensuales melodías con las que musicalizan letras penetrantes entre procesos de  rítmica industrial y múltiples efectos, tan divertidos como, en ocasiones, inquietantes.  Por suerte, no va a ser su mejor disco porque siempre lo acaba siendo el siguiente pero se acerca, y mucho, a la perfección absoluta para disfrute tanto de fans de la banda como de aquellos que buscan en la música una persuasiva amalgama de lírica y sonidos, ideal e ingeniosa, que nos  proteja de los seres críptidos dispuestos a sorbernos, sin escrúpulos, esos momentos únicos de felicidad absoluta que anhelamos para sentirnos más libres y ajenos a la mediocridad reinante gracias a proyectos tan imaginativos como el de los Munlet.     

Nota: Puedes escuchar y adquitir el disco en el bandcam de Munlet,  Kotj Records, o Ghost Highway. Te invitamos a visionar también su videoclip del tema "Chupacabras".

martes, 29 de noviembre de 2016

Fallece Carlton Kitto, la leyenda del jazz de Kolkata

Carlton Kitto

Carlton Kitto nació en 1942 y falleció el 28 de noviembre de 2016. Guitarrista de jazz, que se ganó la vida tocando en restaurantes y tocó con grandes maestros, fue uno de los grandes intérpretes de su país la India. Un documental llamado  “Finding  Carlton”  de 2013 del director Susheel Kurien, traza el camino de la escena del jazz de la India a través de la música de Carlton Kitto.

Kitto comenzó su carrera en Chennai (Madrás) en los años sesenta influenciado por Benny Goodman, Frank Sinatra y Bing Crosby. En 1973 se trasladó a Kolkata (Calcuta), donde empezó a tocar en la banda de un restaurante llamado Moulin Rogue de Park Street. Dos años después se cambió a otro restaurante llamado Mocambo. Se convirtió en profesor de jazz y guitarra en la escuela de Calcuta. También tocó con  Sonny Rollins, Clark Terry, David Leibman, Larry Coryell, Chico Freeman y Charlie Byrd, incluido  Ravi Shankar.

Carlton Kitto
Kitto estaba en el apogeo de su carrera cuando en 1977 el gobierno del Frente de Izquierda de Bengala Occidental impuso un fuerte impuesto sobre las facturas de restaurantes y discotecas que hasta entonces habían patrocinado bandas de jazz y artistas. La gente se negó a pagar. Las peleas comenzaron y, al final, los propietarios dejaron de contratar músicos. 

Además de eso, la escena del jazz cambió de Calcuta a Mumbai (Bombay). El compositor Louiz Banks se trasladó a Bombay, y además de trabajar con RD Burman, pasó a componer más de 8.000 jingles en los próximos 15 años. Una de las muchas películas basadas en el músico, “Finding  Carlton”  de 2013 del director Susheel Kurien, traza el camino de la escena del jazz de la India a través de la música de Carlton Kitto.

Resulta muy decepcionante que alguien de su habilidad musical fuera relegado a una pequeña habitación en las calles traseras de Calcuta. Pero Carlton siempre se mantuvo fiel a sus raíces musicales y al Jazz. Todo un símbolo y leyenda en los anales del jazz indio. 

Documento sonoro:

Carlton Kitto en directo. 



Fallece Ray Columbus de los Invaders y Art Collection

Ray Columbus
Raymond John Patrick "Ray" Columbus nació en Nueza Zelanda el 4 de noviembre de 1942 y falleció en North Auckland el 29 de noviembre de 2016. Fue un cantante y compositor, presentador de televisión, manager, con una carrera que abarca seis décadas. Lideró la banda Ray Columbus and the Invaders, un combo de rock and roll que derivó al mersey beat y que tuvo éxito con el tema “She’s a Mod”.  Se trasladó a mediados de los sesenta a California donde formó las bandas de "garage" psicodélico Newcastle Five convertida en The Art Collection, y rechazó formar parte de los Monkees, así como también se negó a crear un proyecto con Crosby y Clark de los Byrds. 

En 1959 creó The Dominoes y formó parte de los Downbeats Band que más tarde se convirtieron en Ray and the Drifters. La formación con los Invaders se formó en Christchurch, al estilo de Cliff y los Shadows. Se trasladaron a Australia donde consiguieron un número uno con el tema "She's a mod" en 1964. Acompañaron a Eden Kane, Del Shanon, y en 1965 a Roy Orbison en una gira. Al parecer el manager de la gira les dijo que no trajeran sus guitarras. En el primer concierto les facilitaron guitarras Fender Jazzmaster y Fender Jazzbass. La gira llevó por nombre "Big Beat '65" y participaron Roy Orbison, Rolling Stones y los Newbeats. Ellos también tocaron con su propia formación. Recorrieron Nueva Zelanda y Australia. 

Art Collection
A principios de los sesenta sacaron varios singles con canciones como “Ku-Pow”, “Money Lower”, o versiones de los Beatles como “I Saw Her Standing There”. En 1963 sacaron un Lp “Every Night” con Billy Kristian al bajo, Jimmy Hill a la batería, Dave Russell y Wally Scott a las guitarras, y Ray Columbus a la voz principal. Triunfaron con el tema de Terry Beale de los Senators “She’s a Mod” en 1964. Ese mismo año sacaron los temas “Yo-yo”,  más “I wanna be your man”. En 1965 sacaron el álbum “Original Numbers” con los singles "C'mon and Swim",  "Till We Kissed"  y “Where Have You Been". Ya en 1966 vio la luz el sencillo con "We Want a Beat".  

Ray Columbus
Cuando se separaron en 1965, Ray se trasladó a los Estados Unidos donde formó con Rich Martin la banda psicodélica Newcastle Five, que se renombraron como The Art Collection. Sacaron cuatro singles para el sello Colstar con temas como "Kick It". Se separaron y a Columbus le ofrecieron una audición con los Monkees que rechazó. También rechazó unirse a David Crosby y a Gene Clark tras dejar los Byrds. Se convirtió en manager de grupos. 

A finales de los noventa dirigió la banda de rock Zed. En 2004 padeció un ataque al corazón y un accidente cerebral en 2007 que le dejó parcialmente inmóvil.  

Documentos sonoros: 

"She's a Mod" interpretada por Ray Columbus y los Invaders 


Ray Columbus y los Art Collection con "Kick it"

lunes, 28 de noviembre de 2016

Muere la cantante y percusionista de jazz soul, Shirley Bunnie Foy

Shirley Bunnie Foy 
Shirley Bunnie Foy nació en Harlem Nueva York el 13 de octubre de 1936 y falleció en Niza (Francia) el 24 de noviembre de 2016 a consecuencia de un ataque al corazón. Cantante de jazz,  percusionista y compositora, inició su carrera musical interpretando góspel, blues, o sonidos caribeños.  Shirley trabajó con grandes del jazz como los saxofonistas Archie Shepp y Johnny Griffin, los bateristas Art Blakey y Jo Jones, el pianist Randy Weston, el organista Lou Bennett, y el vibraphonista Milton Jackson. También oclaboró con los músicos italianos: los guitarristas  Franco Cerri y Bruno De Filippi, los bajistas Pino Presti y Stefano Cerri, los pianistas Enrico Intra y Renato Sellani, los bateristas Gil Cuppini y Tullio De Piscopo. Por otra parte también colaboró con el clarinetista Americano Tony Scott y el pianista jamaicano  Sonny Taylor entre otros. 

Archie Shepp y Shirley 
Empezó cantando por la costa Atlántica y Canadá en un grupo llamado The Dell-Tones tambièn conocido como Enchanters, formado por Della Griffin aka della Simpson, Gloria Lynne, Sonny Til, Slide Hampton y otros. En 1959 se instaló en París donde fue contratada por el club de jazz La Calvados, cerca de los Champs-Élysées. Más tarde giró con el pianista Pierre Franzino, su future esposo, por Francia, Bélgica, Alemania, Suiza y norte de África. En 1965 actuó en Nueva York con Archie Shepp y los aiguientes años colaboró con el trompetista Charlie Shavers, el bajista  Arvell Shaw, el baterista Papa Jo Jones y el saxofonista  Curtis Porter aka Shafi Hadi en sus composiciones y arreglos para 16 voces. En 1974 sacó un disco de soul jazz titulado “The Gypsy (Way-O Comin' Home)” para Diagram en Italia. Ya en 1975 canto y tocó maracas más percusión  en el álbum de Archie Shepp  “A Sea of Faces”.


Shirley Bunnie Foy
Durante los noventa se instaló en Niza donde siguió cantando. Su último disco “Shirley Bunnie Foy (60th Anniversary)”, fue producido por Pino Presti, Mad Of Jazz y Claudio Citarella, y cisnta de 17 canciones grabadas por Bunnie Foy de 1954 a 2009 acompañada por  Tony Scott, Archie Shepp, Franco Cerri, Pierre Franzino, Lou Bennett, entre otros. Fue editado por MAP Golden Jazz, en 2013. 

Documentos sonoros:

Shirley cantó con las Dell-Tones también conocidas como las Enchanters a finales de los cincuenta. 


Ya en 1975 Shirley canto y tocó maracas más percusión  en el álbum de Archie Shepp  “A Sea of Faces”. 


Fallece el cantante de R&B, Colonel Abrams

Donald Abrams, más conocido como Colonel Abrams, nació el 25 de mayo de 1949 en Detroit  y falleció el 25 de noviembre de 2016 en Nueva York. Cantante, compositor, bailarín y actor, formó parte de bandas de R&B desde los setenta como Heavy Impact, Conservative Manor, y 94 East. Debutó en solitario a mediados de los años ochenta y destacó por temas como “How Soon We Forget”, “Trapped” y “I'm Not Gonna Let You”. 

Su familia se trasladó al East Village, Manhattan y desde muy temprana edad empezó a tocar la guitarra y el piano. Empezó tocando en bandas como Heavy Impact con Joe Webb (guitarra), Lemar Washington (guitarra), Marston "Buffy" Freeman (bajo), Ronald Simmons (baterista), Harry Jones (trompeta) y Barbara Mills (saxo). En 1976 formó parte de Conservative Manor, y cantó en 94 East con Prince a la guitarra. 

Tuvo su primer éxito en 1984 con el tema "Music Is the Answer" al que siguieron otras canciones como "Leave the Message Behind the Door", "Trapped" (top ten en UK, Irlanda, Alemania, y Holanda), "The Truth", "Speculation", "I'm Not Gonna Let You" y "Over and Over", con el que ya se estableció como cantante solista en Europa y después en los Estados Unidos. En 1985 sacó su primer disco de título homónimo.  En 1987 triunfó en los Estados Unidos con "How Soon We Forget", el mismo año que sacó su Segundo disco “You and Me Equals Us”.

Ya en 2007 sacó el tema "Just When You Thought", tercer single con su propia discográfica tras  "Heartbreaker" y "Let Us All Be Friends". Ese mismo año editó "Never Be", "Just Like Mathematics", y "True Stories". En junio de 2008 vio la luz "Only a Few".  

En 2015 se organizó una campaña de crowdfunding para recaudar fondos con el propósito de ayudarle a costear un tratamiento médico vital ya que se encontraba en una situación económica muy precaria.  Sin hogar durante tiempo, falleció por varios problemas médicos. Entre sus últimos trabajos destaca una colaboración con Omar-S titulada “Who Wrote The Rules Of Love”.

Documento sonoro:

Colonel Abrams y su éxito "Trapped" (1985).

Fallece el ejecutivo discográfico y filántropo, Tony Martell

Tony Martell
Tony Martell nació en 1926 y falleció el 27 de noviembre de 2016 en Madison, New Jersey.  La carrera de Martell en la industria de la música abarca desde  la década de los sesenta hasta los noventa,  como director de A&R, vicepresidente y director  discográfico, principalmente con CBS Records (ahora Sony Music Entertainment) y sus subsidiarias. Martell trabajó con músicos de múltiples estilos desde jazz, rock and roll, soul, pop, blues y heavy metal. También creó la Fundación T.J. Martell que financia la investigación  médica innovadora centrada en la búsqueda de curas para la leucemia, el cáncer y el SIDA.

Durante los sesenta y setenta ayudó a dirigir las carreras de grupos como los Isley Brothers, y los O'Jays. Durante los ochenta su trabajo fue fundamental para traer a Stevie Ray Vaughan y  Ozzy Osbourne a Epic Records.  Su nombre  aparece como productor ejecutivo en varios trabajos de artistas como los mencionados Stevie Ray Vaughan, The Isley Brothers, The O'Jays, o George Benson, Gerry Mulligan, Jim Hall, Lalo Schifrin, Bill Withers, Patti Austin, George Duke, Harold Melvin & the Blue Notes, Eumir Deodato, y Stanley Turrentine.

Tony Martell
En la década de los ochenta Martell fue la cabeza de CBS Associated Records, que formaba parte del grupo E / P / A (Epic / Portrait / Associate). Martell continuó su trabajo con Ozzy Osbourne y también firmó con The Fabulous Thunderbirds, Electric Light Orchestra, Joan Jett, y Henry Lee Summer entre otros. 

En 1973, el hijo de Martell, T.J. Martell fue diagnosticado con leucemia y murió en 1975 a la edad de 21 años. Ese año Tony Martell comenzó a recaudar fondos para la investigación del  y creó la T.J. Fundación Martell en memoria de su hijo.  Se trata de la fundación más grande de la industria de la música que financia la investigación  médica innovadora centrada en la búsqueda de curas para la leucemia, el cáncer y el SIDA. La Fundación, con sede en Nueva York, tiene oficinas en Nashville, y los Ángeles. Es una organización nacional sin fines de lucro  que ha otorgado millones de dólares para la investigación en los  mejores hospitales de los Estados Unidos.  

En 1996 varios artistas de country grabaron un single "Hope" cuyos beneficios fueron donados a la fundación TJ Martell. Entre otros, cantaron John Berry, Terri Clark, Vince Gill, Faith Hill, Tracy Lawrence, Little Texas, Neal McCoy, Tim McGraw, Lorrie Morgan, Marty Stuart, Travis Tritt, y  Trisha Yearwood.  Fue editado por  Giant Records,y llegó al puesto 57 de la lista Hot Country Songs en mayo de ese año.  



viernes, 25 de noviembre de 2016

The Smoggers siguen su periplo internacional con Trash Wax más Charm Bag y Chaputa records con The Satelliters

Doble single Smoggers y Satelliters
Una de nuestras mejores y más prolíficas bandas de “garage”, los andaluces The Smoggers siguen su periplo discográfico internacional sacando impactantes singles de la mano de sellos de reconocido prestigio mundial. Por una parte, los británicos Trash Wax records les editan una canción,  compartiendo sencillo con otra creación de los Charm Bag (dúo formado por dos de sus componentes, Fernando y Ana). Por otra, los portugueses Chaputa records les licencian un doble single con los alemanes, y no menos indispensables,  The Satelliters, con el fuzz y el órgano Vox como elementos identificativos del mejor “garage punk” de la historia del género. Se trata de un par de ediciones muy cuidadas en las que sobresalen canciones propias y fascinantes firmadas por tres de las bandas más impactantes del momento, en especial los andaluces quienes, con su reciente formación, confirman que son uno de los mejores combos actuales capaces de perfilar una obra original ya sea desde el estudio o presentada en directo con una pasión y una entrega indiscutible.       
                  
Trayectoria  

The Smoggers son una banda andaluza con músicos sevillanos y malagueños, formada actualmente por  Fernando, voz principal, guitarra y armónica; Ana a los teclados y voz,  Gusti al bajo; y Goyo a la batería, más percusión.  Se crean en el año 2008 con Ana González a la batería, órgano y voz; Gustavo Jiménez al bajo; Fernando Jiménez, voz, guitarra, armónica; y Jesús Blanco, voz y guitarra. Tras aparecer en algunos recopilatorios, debutan en febrero de 2011 con un mini Lp 10”, editado por Clifford Records, con el título de "Smoggin´Your Mind". Ese mismo año sacan un single con Grit records y a principios de 2012 presentan, también con Clifford, otro mini Lp con el título de “Chinese Food”. Estos tres trabajos consecutivos les sitúan en el candelero de los mejores grupos actuales de “garage”  a medio camino entre el “Back from The Grave” y la primera época de Crypt Records. 
En 2012 graban en los Hollers Analogic Studios de Málaga los temas de sus siguientes sencillos. El primero editado con KOTJ Records con los temas “Shame on You”, más una versión del “It´s just not the Same” de los Delinquents, banda tejana de los ochenta y un tercer tema titulado “Jump inside”.  Su siguiente Ep se titula “Breaking your boots wih…” y sale también con KOTJ Records y  Ghost Highway Recordings.  En verano de 2013, el sello neoyorquino Chickpea Records editaba un split con los japoneses The Fadeaways. Por su parte, aportan el tema “I let you Go” más “I wanna be a Zombie”, incluido en su disco "Chinese Food”.  Su segundo Lp “Join The Riot” fue grabado en los Holler Analog Studios de Málaga en verano de 2013 (+ info).

Por su parte, Ana y Fernando tienen montado un dúo llamado Charm Bag con el que ya han sacado un par de discos en 2015.  Como bien sabes, los franceses Kizmiaz Records se encargaron de licenciar el debut  de “Voodoo Rock’n’Roll”  al que siguió otro álbum publicado por los norteamericanos  Dead Beat Records con el nombre genérico de "An Andalusian Dog".  (+ info).

The Satelliters se crearon en Hamburgo (Alemania) en 1993 y desde entonces han editado una decena de discos con Dionysus, Screaming Apple o Soundflat: “Hi-Karate” (1996), “The Thyme Is Now” (1996), “Wylde Knights Of Action!” y “Shapes Of Sound” (1997), “Shake, shake,shake!” (1998), “What's Up With Timothy Dee?” (1999), “Sexplosive” (2001), “Hashish” (2005), “Where do we go” (2007), “Outta here” (2010) y “More of…” (2014).  Con los sellos españoles el Beasto recordings sacaron un par de singles,  “Unknown State (Of Mind)” (2008) y “Lost in tyme” (2010),  y con Hey Gril, “Shake,shake, shake” (2010). En 2013 editaron un single con Chaputa con los temas “Girl It's Over / When I'm In-between”. Ellos son Steve (voces, órgano, pandereta), Alex (batería), Thomas (bajo, voces) y Zahni (guitarra, voces). 

En el caso del doble single editado por Chaputa records, destaca su portada abierta con ilustración de Rui Ricardo, diseño de Esgar Aceler Ado. Los dibujos están inspirados en la película de 1968, The Green Slime (Batalla más allá de las estrellas) de Kinji Fukasaku. Los temas de los Smoggers fueron grabados, producidos, mezclados y masterizados en diciembre de 2015 en los estudios de Max Holler, mientras que los Satelliters los grabaron con Roman Aul de Living Room Studios (Alemania), producidos por Aul más la banda, y masterizados en Analoghaus (Alemania). Se pueden ver fotos de ambas formaciones, que en el caso de los andaluces son de su archivo personal, y en el de los alemanes de Regine Ullrich.   Cabe mencionar que este doble single, en el que también se han impreso postales con fotos de las bandas, es la segunda entrega de una serie llamada “Chaputas’s Double Feature” en la que los portugueses logran que compartan edición lo más granado de la escena garajera mundial. En la primera entrega, reunieron a los Nomads y los Maharajas.
Portada split Smoggers/Charm Bag

Los temas del sencillo para Trash Wax fueron grabados en 2016, como la gran mayoría de su trabajo en los estudios Hollers Analog  de Málaga, con Maxi Hollers quien produce y masteriza a los Charm Bag, mientas que de la canción de los Smoggers se encarga, de la producción y mezcla, Mike Mariconda. En la portada y la contraportada podemos visionar un par de fotos de ambos proyectos. 



Las canciones 

Los Smoggers aportan al doble single editado por Chaputa! Records los temas "Because I love you" más "Who I am".  En la primera, tras esos acordes que se descuelgan, emerge el órgano dialogando con la guitarra con gran persuasión, trenzando riffs poderosos sobre un potente tempo de bajo y batería, más la sugerente voz principal. Melodía oscura, con algunos detalles arabescos, más una rítmica minuciosa perfilan una canción que va creciendo y descargando con propiedad sobre el estribillo principal entre momentos instrumentales de gran fuerza "garajera".  En la segunda, la banda opta por un tempo más relajado, a la par que envolvente y cautivador con el que generan una enorme intensidad. La voz principal nos encadila cantando sobre el tenebroso pedal del órgano quien aporta un sugestivo momento solista, entre los riffs aguerridos de la guitarra y la impecable sección rítmica.  

Por su parte los Satelliters interpretan "What's wrong with Mr. Shale", una canción que arranca con momentos espaciales de teclados, sobre los que emergen la voz , los riffs de "garage", acompañados por una metódica sección de bajo y batería, con cuidado solo de guitarra. Con una melodía marca de la casa, se desenvuelven dando muestras de sus convincentes aptitudes entre arreglos que les distinguen como uno de los mejores proyectos de "garage" a nivel internacional.  Por otra parte, nos ofrecen "The Thing", otro destacado tema de guitarras afiladas marcando secuencias rítmicas con una gran entrega, que invitan al baile salvaje y que harán las delicias de los amantes de ese "garage punk" con el que van a enloquecer en los directos. Aquí es el farfisa quien se encarga de los breves pero sensacionales momentos solistas.  


Portada Split Charmb Bag/Smoggers
En el single para Trash Wax los Smoggers nos ofrecen "It's my time", tema en el que nos confirman, una vea más, el gran talento compositivo de esta banda con una capacidad innata para diseñar, una tras otra, canciones valientes, decididas y conmovedoras. Con la espectacular entrada del órgano y la guitarra, envueltos por la espectacular sección rítmica, los andaluces reivindican su tiempo, ese en el que se merecen triunfar por todo lo alto en infinidad de escenarios europeos. La guitarra aporta otro momento solista salvaje que se completa con filigranas de farfisa en estado de gracia salvaje. Por su parte, los Charm Bag arremeten con "The presence of the beast", canción estremecedora de ritmos con enorme poderío, guitarras descarnadas y voces tenebrosas generando una ambientación  de rock entre psicodélico y primitivo que transforman la melodía en un canto entre lisérgico y escalofriante. La canción muta al final en un tempo más rápido y se despide con un acorde espeluznante.        

Reflexión final

Sirva tan memorable ocasión para incidir, una vez más y cuantas sea preciso, en un aspecto reflexivo, importante a nuestro juciio, desde la modestia de nuestra línea editorial, que puede servirnos para enfocar convenientemente la actual escena del rock and roll. Un aspecto fundamental que no por ser muy evidente, creemos que resulta tan clarividente como sería deseable para, al menos, no  caer en equívocos injustificables. Ahí va:  no todo lo que suena a distorsión a la salvajada es “garage”. Vale que el fuzz sea el cáliz sacrosanto del que beben muchas formaciones de rock and roll pero del mismo modo que somos capaces de diferenciar aquellas bandas que utilizan la etiqueta como sinónimo de “underground”, la mayoría “indies” con ínfulas de “chicos malos”, habría que dejar claro que el sonido “chatarra” es muy divertido y rico, pero es punk, solo punk, y no “garage”… y no pasa nada por decirlo así de claro.  Los Smoggers, con sus Charm Bag, y los Satelliters son bandas de “garage” y si quieres, le añades el vocablo punk por su actitud y puesta en escena. Lo merecen. Pero principalmente son eso, “garajeros” como debe ser, formaciones altamente creativas que tiene muy claros sus referentes y que logran atesorar un repertorio sumamente  creativo con detalles de cosecha propia que les distinguen y les convierten en unas de las mejores bandas a nivel internacional. Pues queda dicho, así sin ganas de polémica, y con la sensación de que somos más los que así lo vemos, que los que se cierran en banda negando la evidencia. 

Nota: Puedes oir las canciones de los Smoggers en el bandcamp y adquitir una copia en cualquiera de las direcciones linkadas en esta reseña. 

Por otra parte, los Smoggers y los Satelliters tocan el 26 de noviembre de 2016 en la sala Egolive de Alcalá de Henares. (+ info). 

Por su parte los Satelliters actúan el 25 de noviembre en la sala Black Pearl de Valladolid (+ info).   El 24 de noviembre tenían previsto actuar en Satélite T en Bilbao pero una huelga de la compañía Lufthansa lo impidió.