jueves, 24 de julio de 2014

Muere George Riddle, intérprete y compositor de country


George Riddle nació el 1 de septiembre de 1935 en Marion, Indiana, y falleció el 19 de julio de 2014 en Gas City (Indiana) a consecuencia del cáncer que padecía. Reputado compositor de temas country, formó parte, como guitarrista, a principios de los sesenta de la banda del también insigne cantante, George Jones, fallecido en 2013. En los noventa cantó en el Grand Ole Opry con la banda de Bill Carlisle.  También grabó e interpretó sus propias canciones.

Riddle se uniría al Ejército de los EE.UU desde 1958 hasta 1960. Entonces se decidió por dedicar su vida a la música y se trasladó a Nashville, donde conoció a Jones de quien se hizo un gran amigo además de formar parte de su banda, los Jones Boys a principios de los sesenta. Tocaba la guitarra y aportaba voces. El resto de la banda eran Billy Wayne (steel), Jerry Star (guitarra solista, ex-Wanda Jackson), Gary Prawl aka Gary Parker (bajo) y Glen Davis (baterista). George Jones falleció el 26 de abril de 2013 (+ info). En el Grand Ole Opry formó parte de la banda de Bill Carlisle desde los noventa hasta poco antes de la muerte de Bill en 2003.
Como compositor, George Riddle escribió más de una decena de canciones para su amigo Jones, como por ejemplo "She's Lonesome Again", así como para Ray Charles, Tammy Wynette, Mickey Gilley, Del Reeves, Melba Montgomery y Margie Singleton. También grabó e interpretó sus propias cancones editadas por sellos como United Artists, Musicor, MGM, Starday, Marathon, y Roma Records, en siete álbumes y multiplea singles. También actuó en el Johnny Cash Show, Nashville Network, y en la película Country Music on Broadway (1965), así como en diversos programas de televición. 

Cuando acabó su etapa con Carlisle, volvió a Marion donde trabajó de Dj en la radio de Indiana. WCJC 99.3 FM. Presentaba un programa de música de raíz americana. Durante su vida de músico profesional recibió alfgunas menciones y premios como el concedido por la R.O.P.E. (Reunion of Professional Entertainers). 

Documento sonoro: 

George Jones y George Riddle cantando juntos a principios de los sesenta este tema de rock and roll "White Lightning"



George Riddle cantando el tema "Sing all the songs you Can" (1968).

miércoles, 23 de julio de 2014

Fallece el saxofonista Gene “King Sax” Walker

Eugene Ayers Walker, más conocido como Gene “King Sax” Walker fue un prestigioso saxofonista de jazz, quien acompañó desde finales del os cincuenta a numerosas bandas de soul, R&B, beat y rock and roll en sus grabaciones y en sus giras por los Estados Unidos. También fue profesor de saxo y jazz en la Universidad  Estatal de  Ohio, ubicada en Columbus en cuyo Wexner Medical Center falleció a los 76 años el pasado lunes 21 de julio de 2014. Aparte de ser un magistral saxofonista, también fue compositor,  director de orquesta, músico de estudio y gran  educador.

Walker nació el 14 de febrero de 1938. Desde 1958 acompañó a grandes solistas y bandas de gira como Sam Cooke, Jackie Wilson, The Chris Columbo Quintet, Jimmy McGriff o los Platters.  La lista de músicos con los que ha tocado Walker es larga y destacan,  entre muchos otros: Aretha Franklin, Etta Jones, Lloyd Price, Jimmy Reed, The Isley Brothers, Roy Hamilton...

Gene sentado tras sus amigos Beatles 
En el año 1965 realizó una gira con los Beatles tocando en el Shea Stadium de Nueva York junto a King Curtis el 15 de agosto de ese año.  Por entonces Gene tocaba en el Chris Columbo Quintet. Encontró un substituto, Jimmy Heath,  y voló hacia Nueva York para tocar en el Shea Stadium como telonero de los Beatles en la banda del tambièn saxofonista King Courtis Ousley. Primero actuaron Cannibal and the Headhunters, después Brenda Holloway and the Disco Dancers, y antes de los Beatles, The King Curtis Band con los saxofonistas Curtis y Gene. Tocaron el tema “Soul Twist” entre otros. Cuando salieron los Fab Four el ruido de las más de 55 mil personas del público ya era absolutamente ensordecedor. Los guardias de seguridad se tapaban los oidos y los Beatles casi ni se oían entre ellos. Después siguieron la gira por otras ciudades como Toronto, Atlanta, Houston, Chicago, Bloomington, Portland, San Diego, Los Angeles y San Francisco. En los traslados en avión gene se hizo amigo de McCatney y Ringo con quienes charló e intercambió conocimientos musicales.  

En 1988 regresó a Columbus donde ejerció de profesor en la Universidad de Ohio de saxofón y de combo de jazz. En sus clases estudiaron grandes saxofonistes como la británica Meilana McLean Gillard, establecida en los Estados Unidos.  Fue miembro activo del profesorado de la Universidad hasta 2001. También formó parte del Consejo de Artes de Ohio y sus seminarios eran famosos entre  todo el colectivo de instrumentistas de jazz a nivel mundial.

A principios de los noventa Gene recorrió Italia, Inglaterra, los Países Bajos con el Jimmy McGriff Quartet y en 1997 tocó con el Hank Marr Quartet en el Festival de Jazz del Mar del Norte en Holanda. En 1998 fue inscrito en el salón de la fama de músicos de Columbus (Ohio).

Su primera grabación de jazz fue con el tema "Do nothing till you hear from me" (1940) de Duke Ellington y su primer grabación de blues, "Saturday Night Fish Fry" (1949) de Louis Jordan's Tympani Five.  También grabó "Rediscovering Old Favorites" del Chris Columbo Quintet; "Love Potion #9" de Johnny "Hammond " Smith; "The Golden Thrush" de Byrdie Green; "Listen Here" de Freddie McCoy; "It's ‘bout Time" de Hank Marr; "Provisions", con Sean Carney; "The Happy Organ" de Dave Baby Cortez; "The Broom Switch" de Lloyd Price;  "Tommy's Girl" de Teeny Tucker;; "We'll B-3ing You" de Hank Marr; o Me and Gene" de Vince Andrews.


Con formacions propias sacó "A Great Big Helping of Jazz and Eggs", "More Jazz and Eggs" y  "Columbus Jazz is Community Music" con la Gene Walker's Generations Band;  más "Last Night in Manhattan ” y “King Saxe Plays the Blues” también a su nombre.

Documentos sonoros: 

Su primera grabación de R&B fue el "Saturday Night Fish Fry" (1949) de Louis Jordan's Tympani Five.


"Up comes monday", uno de los temas del disco  "Love Potion #9" de Johnny "Hammond " Smith que grabó Gene Walker en 1967. 


Akron nos propone con su “Synaptic Beat” un viaje a la jungla neuronal para entender sus misterios

Portada de "Synaptic Beat"
Como bien sabrás, Akron es el nombre de un proyecto instrumental mediante el que, su principal factótum, el músico barcelonés Pau Loewe da  rienda suelta a su enorme creatividad musical con imaginativos trabajos conceptuales.  A finales de 2013 sacaba al mercado discográfico, de la mano de Vampisoul de Munster, su segundo álbum titulado “Synaptic Beat”, un extraordinario compendio musical para investigar el papel de la mente, su relación con el cuerpo y, sobre todo, la conciencia del yo.  Como añade el mismo autor en  su obra, se trata de un viaje a la jungla neuronal para explorar la mente humana y contemplar sus maravillas y misterios. De hecho, la sinapsis es la unión funcional entre neuronas en cuyo contacto se transmiten los impulsos nerviosos.  En ese proceso se liberan los neurotransmisores, compuestos químicos, con lo que se traslada la información para excitar o inhibir la acción de la célula receptora.   La sinapsis tiene lugar en el momento en que se registra actividad químico-eléctrica presináptica y otra postsináptica. Si esta condición no se produce, no se puede hablar de conexión funcional del mismo modo que no podemos hablar de comunicación cuando no existe contacto entre emisor y receptor, o estos no comparten el mismo código.

Trayectoria


Portada de "Voyage of Exploration"
Durante su fructífera trayectoria musical, el compositor y multiinstrumentista Pau Loewe,  ha dejado su impronta en numerosas otras bandas como los Kongsmen, The Stringbones, Fabulous Ottomans, Canary Sect, Excitements, o en la gran  banda de instro surf, Born Losers, donde compone y toca la guitarra.


Pau también forma parte del dúo Y aka Ypsilon, creado con Guille R, con quien da vida a sonidos electrónicos con influencias que proceden de los setenta hasta el synthpop y el tecno industrial de los primeros ochenta. Debutaron en 2013 con el disco Horizonte de sucesos” (Burka For Everybody). 

7" con Carajillo Records
Con Akron, nombre que recuerda a la ciudad de los Devo, recrea su afición por los sonidos exóticos clásicos y esas peculiares bandas sonoras italianas de mediados de los setenta, más multitud de efectos electrónicos hipnóticos y atmósferas minimalistas.  Su disco de presentación fue grabado entre 2010 y 2011 por él mismo y luego masterizado en los Reclab Studio con Francesc Gosalves. Se titula “Voyage of exploration” y contiene nueve intensos temas para realizar un viaje interplanetario a través de otros mundos y civilizaciones. El disco fue autoeditado en una tirada limitada y distribuido por Munster con Cd de regalo. También tiene editado un single para Carajillo Records (2013) con las canciones “Tokelau” y “Eibon”.

Detalle del artwork

Su segundo disco “Synaptic Beat” fue editado por Munster en vinilo con cd de regalo, y en digipack digital.  Fue grabado entre finales de 2012 y principios de 2013 en Barcelona. El autor agradece la ayuda de Diego, Aitor, Dani, Adrià, Neus y Guille. Destaca por su original artwork (manufacturado por Distroluix con licencia de Akron) con una portada en la que se simula la red de conexiones neuronales animada con el movimiento de la funda interior. Contiene un gráfico con los lóbulos del cerebro y una hoja con las explicaciones pertinentes en inglés sobre el contenido relacionado con cada una de las 13 canciones. 

Las canciones 

Foto: Iván Montero

Con el primer tema “Synaptic Beat”. Akron nos da la bienvenida a este viaje fascinante que transcurrirá por diferentes niveles de la realidad, cuando las células disparan cargas eléctricas y las reacciones electroquímicas se traducen en información. Un espectáculo maravilloso que atañe a la experiencia del yo. El tema está repleto de matices sonoros con arreglos espaciosos que sutilmente van construyendo motivos que se introducen en nuestro cerebro con secuencias agridulces. Le sigue “Neural Network” en cuyo texto explicativo nos recuerda el papel de las neuronas y su conexión entre sí creando redes complejas como si fueran una maraña de raíces en el bosque. “En los niveles más altos de complejidad”, añade, “terminan por dar forma a nuestra realidad subjetiva”. La canción se desarrolla sobre un ritmo con aires selváticos que regula y distribuye una sucesión melódica que se interrumpe con una secuencia progresiva de sonidos enigmáticos para recuperar de nuevo el motivo inicial hasta el compás final.

Con el tema “G.E.B.” (parte primera) aparece uno de los grandes protagonistas teóricos de este disco: El libro “Gödel, Escher, Bach: un eterno y grácil bucle (Gödel, Escher, Bach: an Eternal Golden Braid - GEB) de Douglas Hofstadter, publicado en 1979 por Basic Books. Esta obra fundamental, ganadora de un premio Pulitzer, trata sobre la interacción de los logros creativos del lógico Kurt Gödel y su teorema de incompletitud, el artista M. C. Escher y el compositor Johann Sebastian Bach. Hofstadter se pregunta si las palabras y las ideas siguen reglas formales. Akron añade que Gödel dijo ya en 1931 que es imposible reunir todo el conocimiento científico en la forma de un sistema lógico. Musicalmente, esta canción activa nuestra conciencia con movimientos relajados al tiempo que se entremezclan dulces parámetros sonoros que van ganando entidad propia y construyendo un microuniverso de paz y reflexión. 

28 años después, Hofstadter escribiría el último capítulo de “G.E.B.” con el epígrafe de “I am a strange loop” ( Basic Books 2007), que a su vez es el título de la siguiente canción del disco de Akron. El libro se centra en el yo profundizando en el concepto de “bucle extraño” que ya trató en su anterior estudio. El autor nos dice que el yo es una ilusión necesaria, un mito o una alucinación imprescindible resultado de un complejo perceptivo sofisticado. La actividad de nuestro cerebro puede contemplarse a sí mismo y alberga no solo nuestra identidad  sino también muchos otros patrones “copias de baja resolución de los bucles extraños primarios que se alojan en otros cerebros”.  Todos los sonidos que se escuchan en esta canción se crean a partir de un solo sonido de un metalófono y su transformación a través de unidades de eco que crean diferentes notas y timbres. Verdaderamente, tan sencillo como alucinante.

En los Red Bell Studios

Con el corte “Mind and Matter” se asocia una cita de los Smiths, concretamente del tema de 1984 “Still Ill” donde dicen: “el cuerpo maneja a la mente, o es la mente quien maneja al cuerpo”.  Akron nos explica que ese debate procede ya de los primeros tiempos de la filosofía. También se refiere al dualismo cartesiano que considera que los estados mentales y físicos son dos entidades diferentes que coexisten en el mundo real, idea que fue superada con los fisicalistas quienes argumentan que, tras cada experiencia mental, hay uno o varios hechos físicos. También se contempla el trabajo del neurocientífico Antonio  Damasio quien afirmó  que la conciencia no se concentra en una sola parte del cerebro. Un debate complicado que se acompaña musicalmente con una canción, no menos enigmática, con sonidos entre arabescos y orientales más detalles de percusión y ritmos latinos persuasivos: Una preciosidad de baile hipnótico.

Akron en directo. Funtastic 2013. Foto: Magic Pop
“The Mind’s I” cierra la cara A de este disco.  Con ella, se incide en el yo mediante arpegios de guitarra acústica y dulces sonidos electrónicos que nos recuerdan a la flauta. Dice Akron: “parecemos  muy seguros de lo que es el yo y de lo que no lo es. Pero, ¿está tan claro?. Imagina que te separan el cerebro del resto del  cuerpo, pero mantienen cada conexión neuronal intacta a través de un sistema remoto. El cerebro está ahora en un laboratorio y el resto del cuerpo caminando por el mundo.  Puedes llevar una vida normal, ver, oír, comer, pensar, porque todo parece ser como antes, pero si te preguntan "¿dónde estás?", ¿Qué responderías?. ¿Eres el cerebro que se queda en el laboratorio o en el cuerpo que está llevando a cabo todas estas acciones?”.

Foto: Javier Tresguerres

Las dudas razonables persisten en la cara B que se abre con la canción “Neurogénesis”.  El mundo científico creía, de forma rotunda, que las neuronas no se regeneraban. Sin embargo,  hay estudios que afirman que la neurogénesis en el cerebro adulto es posible: “el nacimiento de una neurona, una nueva hormiga en la colonia”, como añade Akron. “Shadows in the mind” es el título del siguiente tema. Algunos sectores neurocientíficos aseveran que nuestra actividad cerebral es un proceso computacional, aunque otros profesionales  están en desacuerdo con tal afirmación. Por ejemplo, Roger Penrose utiliza el teorema de Gödel para demostrar que la conciencia no puede ser el producto de un proceso algorítmico, y cree que la respuesta hay que buscarse en la física cuántica. Tanto Penrose como Hameroff opinan que la mente y el cerebro son dos entidades separables. Mientras que Hameroff, se basa en estudios sobre los microtúbulos y el citoesqueleto celular, especialmente en las neuronas; Penrose se acoge al teorema de la incompletitud para afirmar que ninguna computadora podrá ser tan inteligente como un ser humano, ya que los sistemas formales algorítmicos, sistemas de instrucciones secuenciadas sobre los cuales están construidas las computadoras, nunca les facilitarán la capacidad de comprensión que tiene el ser humano. Por lo que se refiere al plano musical, el tema de Akron aporta una inquietante sucesión rítmica reforzando una gran expresividad melódica que musicaliza un debate al que añade una sucesión de razonamientos que clarifican las variadas posiciones científicas frente a los enigmas de la mente.


El siguiente protagonista temático y sonoro es “D.A.R.Y.L”, canción titulada como la película estadounidense de ciencia ficción dirigida por Simon Wincer y estrenada en 1985. Si eres un aficionado o aficionada al cine de ciencia ficción, sabrás que el argumento de este film versa sobre un niño con amnesia que solo recuerda que se llama Daryl. Aparece abandonado en una localidad de Virginia, donde le acoge un joven matrimonio. Ese niño, en realidad, es un androide con apariencia de adolescente que se ha escapado del centro científico donde ha sido creado. Daryl son las siglas de “Data Analyzing Robot Youth Lifeform”. Cuando descubren que ha desarrollado sentimientos y emociones humanas como el miedo, el proyecto se considera un fracaso. Akron también se refiere aquí a otros estudios sobre la inteligencia artificial como los llevados a cabo por Alan Turing. En el tema, la percusión sigue simulando conexiones neuronales en apariencia sencillas que se complican con la interacción de motivos melódicos que se reproducen con secuencias en apariencia frías pero que en realidad fomentan estados de ánimo intensos.

“Conquest” es la canción, eminentemente rítmica y, de nuevo, con profundidad selvática, que le sigue y en ella su autor se pregunta las razones por las que nuestro cerebro es grande, complicado de reproducir y tan frágil. Para aportar algunas respuestas posibles recurre al libro de Susan Blackmore, “La máguina de los Memes” (1999).  Un meme es la unidad teórica de información cultural que se transmisible de un individuo a otro, o de una mente a otra, o de una generación a la siguiente. Según Blackmore los memes necesitan de grandes cerebros para alojarlos. Pero resulta aún más fascinante, y así nos lo recuerda Akron, preguntarse: ¿por qué surgió la conciencia en algún momento de nuestro proceso evolutivo?. ¿Cuenta con una función de supervivencia o es sólo un efecto secundario de otras capacidades tales como el lenguaje o la inteligencia?.

Detalle contraportada

En la segunda parte de “G.E.B.”, Akron adapta los textos de un posible diálogo entre Achilles y la Tortuga.  La clásica paradoja de Aquiles corriendo tras la tortuga es una de las más famosas de Zenón, filósofo griego que quiso demostrar que todo lo que percibimos es ilusorio, y que las cosas como el movimiento son simplemente ilusiones y no realidades. Según este argumento,  el rápido corredor Aquiles no podrá alcanzar nunca a la lenta tortuga, si le da una ventaja inicial en una carrera. Cuando Aquiles recorre el camino que la tortuga llevaba por delante, la tortuga habrá recorrido otra porción, aunque más pequeña, y así de forma infinita. En la canción la famosa paradoja se pasa a la música y el diálogo adaptado, traducido al castellano, es el siguiente:

Aquiles: Creo que he oído esta melodía antes, Sr. T.
Tortuga: Sí, amigo mío. Estaba en la cara A.
Aquiles: Pero, con renovada energía.
Tortuga: ¡Tienes razón! Estoy profundizando en este “beat”. Es como inquietante y maravilloso al mismo tiempo.

Detalle del libreto en la versión Cd

“Kalypaakqua” es el título de la penúltima canción del disco y en ella nos dice: “en los últimos siglos, la ciencia ha estado desplazando a la religión en la tarea de explicar la naturaleza y nuestra realidad...Mientras que el pensamiento perezoso aún se basa en lo paranormal para encontrar "respuestas" inmediatas a nuestras preguntas sobre el mundo, los científicos y filósofos siguen buscando, día a día, para comprender el funcionamiento de la naturaleza. Y una de las misiones en la que parecemos estar más cerca del punto de partida parece ser la comprensión de la conciencia”.

En este aspecto se refiere a la predicción de Raymond Kurzweil, según el cual, en 2045 la raza humana se enfrentará a un cambio radical y deberá fusionarse con los robots.  La inteligencia artificial será, según Kurzwell, una realidad. Seremos, por tanto,  inmortales y “es posible que tengamos la respuesta a este y muchos otros temas que permanecen ocultos para nosotros”. Musicalmente, la canción tiene un aire de danza inmortal con rítmica de habanera futurista que nos envuelve y nos traslada con placidez hacia ese futuro.

Sin embargo, acaba el álbum  con un tema de contenido más realista y menos futurista, “Death of a neuron”, distinguido por ese solemne pedal órgano sobre el que se superponen diferentes motivos analgésicos de oscura belleza melódica ciertamente extraordinaria. En la explicación adicional nos habla de la muerte de las neuronas; de ese inevitable proceso de envejecimiento, de las enfermedades cerebrales como el Parkinson o el Alzheimer. Akron acaba este apasionante viaje hacia esa realidad cotidiana reflexionando sobre la contemplación consciente de nuestro lento y progresivo camino hacia la muerte.

Reflexión final


Si en su primer álbum, “Voyage of Exploration”,  Pau Loewe nos proponía, mediante su proyecto artístico Akron,  un envolvente viaje instrumental por el espacio para incidir en la duda razonable de que no estamos solos en el universo, en este segundo disco “Synaptic beat” sus inquietudes  científicas tratan del no menos apasionante mundo de la mente, la concepción del yo y la inteligencia artificial. Para ello da vida a una banda sonora que musicaliza un intenso debate sobre  nuestra realidad neuronal cuyas investigaciones están ya determinando un futuro, quizá, a no tan largo plazo.  Con creatividad desbordante y pasión por los enigmas del cerebro y su relación con el cuerpo,  despliega un fascinante abanico de melodías persuasivas, entre juegos electrónicos analógicos y percusiones selváticas de ensueño con los bongos como principales protagonistas, que mantienen al oyente deslumbrado de principio a fin.

Nota: Puedes leer una reseña del Magic Pop sobre un concierto de Akron en el Funtastic aquí. También se pueden oir los temas de su obra en el bandcamp. Para adquirir el disco accede a la web de Munster.

martes, 22 de julio de 2014

Los Supertubos navegan con destreza en su “The Demeter” mediante melodías y ritmos selectos

Portada del Ep
La goleta rusa Deméter es la embarcación de la muerte que, en el libro “Drácula” de Bram Stocker, conduce al legendario Conde del puerto de Varna, en el Mar del Norte, hasta el de Withby en Yorkshire de Inglaterra a través de una densa neblina y un tormentoso oleaje. Inicia la navegación con una tripulación de veinte hombres y termina sin un ser vivo a bordo.  De esa legenda narrativa surge el título del segundo disco de los Supertubos editado este 2014 por Action Weekend Records. Contiene cuatro temas, tres de propios y una versión del productor y compositor Richard Podolor aka Richie Allen que grabarían los Chocolate Watchband en su primer álbum,  “No way Out” en 1967.  "The Demeter" de los  Supertubos rezuma la gran destreza instrumental de esta banda cántabra entre ritmos por momentos tormentosos en otros envolventes sobre los que siempre sobresalen juegos melódicos de gran belleza.

Trayectoria

Foto: Javi Pepeterr
Los Supertubos son un grupo de rock instrumental formado en Reinosa (Cantabria) a mediados de 2006 tras la disolución de una banda de “surfabilly” llamada Sinclairs. Su nombre procede de los potentes amplificadores de tubos o válvulas. Ellos son Ricardo Alvarez (Richie) a la guitarra solista; Raúl Herrero "de la Cruz" (Chino) al bajo, Javi Arias a la batería más Eduardo Marco (Teo) a la guitarra rítmica y percusiones.

Del facebook de los Supertubos
En 2007 graban un primer Ep de cinco canciones titulado como los estudios donde le dan forma, Drive Division, donde vuelven en 2010 para acabar de perfilar el que es su primer Lp con el título de “La fórmula Papini”. Se trata de un disco con diez temas, ocho originales y dos versiones de la banda sonora de James Bond y “The Trial” de los hermanos Good de los Sadies.  Se masterizó en 2011 por Ibon Larruzea en Euridia Estudios. Colabora en la grabación Alex "Pis" al Hammond y Theremin. Con diseño de Marc Argenter, las fotos son de Javier González, Francisco Moreno y Manuel Fernández.  Fue editado en vinilo verde por Los Pedros Recordings.

“The Demeter” se graba y mezcla en Guitar Town  por Hendrik Roever y lo masteriza Ibon Larruzea en Euridia Estudios. Colabora Jorge Stereo con el sintetizador en dos de los temas, “The Demeter” y “Expo 2000”. El artwork, con esa tétrica portada en la que se aprecia el famoso barco entre la tormenta, es obra de Carlos Espejo.

Las canciones

Contraportada
“Tablonazo matutino” empieza con acordes solemnes que nos hacen volar hasta la entrada de ese poderoso ritmo con el que acompañan una bonita melodía construida con guitarras luminosas reforzadas con el toque salvaje que otorga el reverb. Un tema con fantásticos arreglos que  perfilan la intensidad genérica con una compenetración memorable. Le sigue “The Demeter” con ese inicio fantasmagórico cuya tensión ambiental nos invita a zambullimos en un tema reposado con fascinantes dosis de intriga y con la misma destreza instrumental. Añaden momentos de rítmica apabullante y melodías carnosas que recuerdan magistrales bandas sonoras de serie negra.  Tampoco faltan detalles de distorsión que acrecientan la garra de un tema con extraordinaria solera.

Grabación  en Guitar Town. Foto: "Latunigatuni"
Ya en su cara B, los Supertubos nos sorprenden con esa “Hidrofobia”, canción de rock instrumental embellecida con momentos de pop y para ser más precisos incluso de oscuro post punk con aires latinos. El resultado se nos antoja muy original en tanto que ninguno de los referentes prevalece y, de este modo, logran dar vida a una canción que se nutre de múltiples influencias con el único y conseguido fin de agradarnos efusivamente. Cierra el Ep la antes mencionada versión de esa “Expo 2000” que, en manos de los Supertubos, emerge envolvente con la incorporación sucesiva de varios motivos de guitarra que confluyen, con violencia, en el tema principal. Una secuencia de intervenciones, algunas de ellas provocativas y duras, entre  efectos sonoros, que finalmente regresan al motivo inicial creando una atmósfera envolvente no exenta de momentos ciertamente psicodélicos.

Grabación en Guitar Town  Foto: "Latunigatuni"
Reflexión final 

La música de los Supertubos es como esa conocida ola worldclass situada al sur de la península de Peniche (Portugal):  rápida, contundente y con tubos profundos; en definitiva, una de las mejores de Europa.  Siguiendo con el símil del surf, estos cántabros no solo han conseguido cabalgar sobre esos fascinantes rulos aportando toda su gracia melódica sino que encima nos deleitan  con momentos memorables repletos de matices para regocijo de los amantes del instro más sofisticado y emocionante. Su nuevo disco, “The Demeter” confirma todas sus excelencias musicales y les destaca entre la élite del rock and roll instrumental tanto por su enorme destreza instrumental como  también  por esa concepción melódica tan extraordinaria que nos ha dejado completamente anonadados.

Nota: Puedes adquirir una copia del disco en Action Weekend Records y escuchar los temas en el bandcamp.

lunes, 21 de julio de 2014

Ukelele Zombies debutan con “Guou Lleah!!!”, un Ep de delirante como impecable “garage punk”

Portada del Ep
El poderoso trío valenciano Ukelele Zombies acaban de debutar discográficamente este 2014 mediante un esperado Ep titulado “Guou Lleah!!!”, primera entrega también del sello malagueño Pocket’s Robots Records. Contiene cuatro poderosos temas originales en los que  vuelcan su creatividad con entusiasmo al tiempo que aportan su impronta a la escena de rock and roll de su ciudad cuya calidad domina el espectro internacional de bandas con referentes sixties y actitud salvaje.  Son canciones divertidas y alentadoras, con un toque ácido, que tras triunfar en sus contundentes directos,  por fin sonarán en la intimidad de tu habitación o provocarán el delirio colectivo cuando el Dj las pinche en las mejores fiestas de “garage punk”.


Trayectoria

Fotos: La Nena Wapa Wapa 
Los Ukelele Zombies son Luis Armand Villalba, guitarra y voces; Andrés Palmero, vocalista principal y batería; y Daniel Peinado al bajo.  Se forman en el año 2011 y durante estos años han protagonizado algunos de los conciertos más emocionantes que se recuerdan tanto en su ciudad, actuando en festivales como el Wáchina Wàchina 2012 (+ info),  así como en otras capitales del Estado como en el Bule Bule de Tarragona en 2013 (+ info). El pasado 28 de diciembre de 2013 se presentaba en la sala la Edad de Oro de la capital valenciana un vídeo con su tema “El Feo” realizado por la Nena Wapa Wapa, Serafín González y Nacho Grech. Un excelente trabajo audiovisual que se añade al que realizaran en su día con la canción “La Jungla”.  En el repertorio de los Ukelele, aparte de los temas de éste su primer disco, destacan otras canciones como “Tengo Serpientes” o la que lleva como título “Bull Skull”, sobrenombre del prestigioso luthier de Catarroja (Valencia), Vicente Morellá quien no solo les procura la instrumentación, amplificación y distorsión para conseguir un sonido tan particular y emocionante, sino que también, en la grabación del Ep, les ha aconsejado en las mezclas con su gran experiencia. 

Contraportada del Ep

Éste es su primera entrega discográfica y lleva por título “Guou Lleah!!!” en un claro homenaje al dibujante valenciano de cómics, Jorge Parras, quien titula así, “Guou Llea”, una de sus conocidas series publicada en la revista “Argh” que fundaría con Félix Díaz. Los amantes del instro surf  sabrán de él también por tocar el bajo en los Lone Surfersss, combo formado en Alboraya en 2005.  El disco de los Ukelele fue grabado, producido y mezclado  por El Bola, quien integrara las primeras formaciones de Wau y los Arrrghs!!!, en abril de 2013 en los Monophonic Studios, (Alicante). Han colaborado en la grabación, con sus gritos en el tema “El Feo”, la Nena Wapa Wapa y Laura Assucena.
Luis Armand Villalba

Por lo que se refiere al artwork, es obra de Luis Armand Villalba, también dibujante, quien nos explica la composición de su obra en su blog Oreja Man.  Resulta especialmente atractiva la portada con esa exuberante pin-up, ataviada casco de aviador similar al que lleva Palmero en el videoclip del tema “El Feo”, apoyada sobre un fajín con el nombre del disco, al lado del logotipo del grupo con esas dos serpientes sinuosas con semblante canalla.  En la contraportada, la mencionada protagonista femenina golpea un goliath, timbal base o tom bass de batería, acción que suele formar parte del espectáculo en directo de este power trio.

Las canciones

Andrés Palmero

El Ep arranca con ese demoledor “Babe come with me” cantado en inglés con la desgarradora  voz de Palmero mientras aporrea su batería con extraordinaria solvencia, acompañado por la potente guitarra de Luís y ese preciso bajo de Dani cerrando esa enérgica combinación que triangula descargas emocionantes. Un tema de magnífico estribillo, una de las grandes cualidades  de estos valencianos quienes en el estudio suenan con el mismo arrojo que si estuvieran en el mejor de sus directos. La siguiente canción arranca con notas dominantes de bajo que golpean las sienes. “Nuestro amor (ya se murió)”,  así se llama el corte, es un tema de R&B acelerado que desprende emociones, sin contemplaciones, atropellando todo lo aburrido y mediocre que se pueda entrecruzar en tu camino. Con semejante discurso melódico y rítmico “aquí solo queda ya…” la potencia de una banda que nos deja completamente anonadados con esta grandiosa primera cara.

Daniel Peinado

Ya en la B,  nos ofrecen su gran éxito, tantas veces coreado en los directos, titulado “Muerto y Alegre”. Un tema de ritmo hipnótico con percusión selvática, maracas incluidas, y guitarras entrecortadas, para glosar la alegría de estos “zombies”,  quienes rinden homenaje al maestro “The Originator”, mientras perfilan su propia música con estos excelentes descalabros. Acaba el Ep con el no menos conocido “El Feo”, tema de poderoso  “garage punk” en el que sobresale otro breve pero intenso solo de guitarra entre desarrollos rítmicos que nos envuelven profusamente y nos invitan a salir corriendo a bailar al son de esta increíble banda.

Reflexión final

Los Ukelele Zombies forman un fascinante trío de rock and roll con la indiscutible capacidad de crear estribillos contagiosos entre una amalgama de sonidos potentes que entroncan con los parámetros alocados del llamado “garage punk”.  Esas pequeñas frases repetidas con insistencia casi demente nos atrapan dentro de su acogedor microuniverso de gritos, guitarras hirientes y ritmos selváticos. Sus tremendas canciones emiten ráfagas eléctricas excelentemente distorsionadas que nos ponen los pelos de punta mientras las frecuencias rítmicas percuten con furia entre pecho y espalda.  De este modo consiguen que  nos sintamos, más que nunca, “vivos y alegres” de seguir siendo unos fans devotos de tanta algarabía y buen criterio.
   
Nota: Si quieres conseguir una copia del disco puedes dirigirte al correo del grupo ukelelezombies@gmail.com, al del sello rocketinmypocketfestival@gmail.com o bien acceder al Facebook de Ukelele Zombies o al de Pocket's Robots Records. Su próxima cita en directo tendrá lugar en el festival Pinup Fest (El Melic-L'Ancora - Playa de la Oliva) el próximo 15 de agosto de 2014 con un  cartel de lujo protagonizado también por Wau y los Arrrghs!, Aullido Atómico. Ukelele Zombies, Help me Devil, Mamomes y Ultrazorras.  Puedes comprar las entradas en Movingtickets.  Además si eres uno o una de los afortunados/as que has conseguido entrada podrás verles y oírles en directo en la próxima edición del Funtastic 2014.

Documento audiovisual:

Videoclip del tema de los Ukelele Zombies, "El Feo" realizado por la Nena Wapa Wapa, Serafín González y Nacho Grech.

jueves, 17 de julio de 2014

Nos deja el bluesman Johnny Winter

El bluesman Johnny Winter fallecía el 17 de julio de 2014 a los 70 años en Zurich (Suiza), según anunciaba Jenda Derringer, esposa de su compañero de banda Rick Derringer. John Dawson Winter III nació el 23 de febrero de 1944 en Beaumont (Texas). Considerado como uno de los mejores guitarristas del mundo, fue un gran interprete de blues, cantante y productor de grandes mitos como Muddy Waters con el que ganó varios premios Grammy. En 1988, fue incluido en el Salón de la Fama de Blues.

Johnny (centro) and The Jammers.
Empezó tocando el clarinete siendo muy niño y a los ocho años lo dejó por recomendación de su ortodoncista. Al parecer le producía un problema de maloclusión.  Entonces aprendió a tocar el ukelele de su padre aunque lo cambió por la guitarra a los 11 años cuando se aficiona a un programa de radio donde ponían blues llamado "The Big Bopper of "Chantilly Lace". A los 14 años forma su primera banda  Johnny and the Jammers con su hermano Edgar, que también nació albino como él. Grabó temas como “School Day Blues” para una discográfica de Houston y tocó en clubs de la zona con otros bluesman como Clarence Garlow o Calvin Johnson, e incluso con BB King en un concierto en Beaumont. Después crearía un trio llamado The Cyrstaliers and It and Them con el que llegó a tocar a Chicago. En 1967 grabó con los Traits un disco con los temas "Tramp" y “Parchman Farm" (Universal Records) y en 1968 sacó su primer album The Progressive Blues Experiment, con Sonobeat Records de Austin.

Mike Bloomfield al que conoció en Chicago le invitó a tocar en un concierto de Al Kooper en el Fillmore East de Nueva York y allí le oyeron responsables del sello Columbia con los que sacaría un álbum en 1969, año en que también tocaría en Woodstock, entre otros festivales. Lo grabaría con la misma banda Progressive Blues Experiment, o sea con el bajista  Tommy Shannon, el batería Uncle John Turner, más  Edgar Winter a los teclados y saxo, y los legendarios Willie Dixon al contrabajo y Big Walter Horton a la harmónica en un tema llamado “Mean Mistreater”. En 1969 grabaría en Nashville su segundo trabajo “Second Winter”.  Antes de Columbia había grabado varios temas producidos por Roy Ames quien al parecer le trató de mala manera y se aprovechó de su trabajo.  Los piratas de esa época pre Columbia  le han perseguido hasta el final.    

En 1970 su hermano Edgar prefirió seguir en solitario y Johnny creó con miembros de la banda The McCoys la Johnny Winter And, título también de su primer trabajo. Se trata del guitarrista Rick Derringer, el bajista Randy Jo Hobbs, y el baterista Randy Z. hermano de Rick cuyo apellido real es  Zehringer. Randy fue substituido por Bobby Caldwell. Fue una época difícil en la que estuvo enganchado a la heroína aunque logró superarlo y en 1973 sacaría el disco “Still Alive and Well”. Con un blues eléctrico de corte duro llegó a producir los tres últimos álbumes de Muddy Waters para Blue Sky distribuida por Columbia, con quien ganaría tres premios Grammy. Fueron los discos que más beneficios le repercutieron a Waters. Se trata de los discos “Hard Again” (1977); “I'm Ready” (1978); “Muddy "Mississippi" Waters. Live” (1979) y “King Bee” (1980).

Ya en los ochenta grabó discos con Alligator. El primero de 1984 estaba compuesto de clásicos temas R&B con la ayuda de la “Albert Collins Icebrakers Band”. En 1986 saca “Third Degree”, compartido con antiguos compañeros de gira. Seguiría cosechando nominaciones para los Grammys en los noventa con los álbumes “Let Me In” y “Hey, Where's Your Brother? “. La década terminaría con varios trabajos en directo editados.

Winter regresaría a los estudios en 2004 con el disco “I'm a Bluesman” que también fuen ominado a los Grammy. Seguiría actuando aunque sentado por problemas del síndrome Túnel Carpiano y de cadera que padecía. En 2011 sacaría su último álbum con el título de "Roots". Tenía previsto sacar en los próximos meses un álbum con el título de “Step Back”. En mayo de 2014 acompañado por su hermano Edgar realizaba una gira por varios escenarios del Estado. 

Documentos sonoros:  

"School Day Blues", uno de los priemros temas que grabó Johnny Winter con su hermano Edgar y la banda los Jammers. 


Johnny Winter en Woodstock en 1969 



Jesús Trujillo pone fin a Carlo Coupé, genio que hizo posible una música negra española de calidad

Carlo Coupé en directo
Tras haber leído el mensaje de despedida que Carlo Coupé nos dejaba estos días de mediados de julio de 2014 en su Facebook, he sentido un vacío enorme que, con enorme tristeza y resignación, he intentado llenar escuchando, en la intimidad, sus diversos como excelentes proyectos musicales. Mientras oía y egustaba ese amplio abanico de matices creativos que le distinguen como nuestro mejor compositor de música negra, de todos los tiempos, no he podido resistir la tentación de buscar factores a los que culpabilizar  de tan lamentable noticia. Realmente, no sé si somos aún del todo conscientes del alcance de esta decisión. En mi opinión, es una auténtica tragedia aunque os parezca que estoy pecando de exagerado. Y lo es no solo porque desaparece el mejor de nuestros creadores con enorme prestigio internacional, sino que también nos abandona un productor de calidad ilimitada y, justo, cuando parece que el estilo tiene en nuestro país más adeptos y más grupos que nunca, los cuales aseguran ser devotos del funk o el soul. La verdad es que no entiendo nada o quizá lo entienda todo demasiado bien pero me resista a aceptarlo. Pero vayamos por partes. Este es el escrito que puedes leer en su Facebook, espacio personal que se cerrará en breve:  

“Este es un mensaje de despedida. Mi carrera musical ha acabado. Estoy terminando la producción de mi canción nº 100 y con ella pondré fin a la historia de Carlo Coupé. He perdido por completo la ilusión y cada día que pasa me aburre más la idea de encender el equipo para ponerme a componer. Así que lo dejo.

Quiero daros las gracias a todos los que en algún momento de mi vida profesional me habéis apoyado y animado a seguir. Gracias a los cantantes, instrumentistas y grupos que me habéis permitido disfrutar y aprender de vuestro talento. Gracias a las compañías discográficas y a los distribuidores que han creído en mí. Y, sobre todo, gracias a todos vosotros, queridísimos amigos: sin vosotros hubiera dicho adiós mucho antes. ¡¡¡Gracias de todo corazón!!!

Besos, Carlo Coupé

Más claro, imposible. Carlo Coupé dejará de existir dentro de muy poco por falta de ilusión creativa. No hay ningún reproche y seguro que los tiene pero así es él: elegante y sensato hasta el final. Como no podía ser de otra forma, los comentarios de sus amigos, amigas y fans, aparecen en la mencionada red social con opiniones emocionadas, deseos de prosperidad, ánimos, palabras justas y sentidas revindicando su figura y deseándole todo lo mejor para sus nuevos proyectos. Carlo responde: “Por favor, que nadie se preocupe. Es una decisión muy meditada. Y es realmente lo que necesito en estos momentos para ser feliz, dejar por fin esta historia y dedicarme a otras cosas que me apetecen mucho más. Más besos”. 

Insisto,  seguro que es una decisión muy meditada, necesaria para esa búsqueda tan humana de la felicidad pero no puedo quitarme de la cabeza la auténtica pena de perder a uno de los grandes. Así que, una vez más, vamos a recordar a grandes rasgos quien es Carlo Coupé, alter ego del jerezano Jesús Trujillo afincado en Madrid desde hace décadas. 

Con el prestigioso flautista Julián Elvira en la Dársena 
Aparte de músico, Jesús Trujillo es también periodista, crítico de música clásica, y escritor. Empezó colaborando con la revista Ritmo entre varios medios de comunicación escritos como el País,  ABC o el Cultural de La Razón. También trabajó en Sinfo Radio (SER) como presentador de programas y guionista y en Radio Clásica de RNE. Por otra parte es autor de libros como “Este burdel no es una ópera” con Máximo Pradera (Planeta 1998) y “La Breve Historia de la Ópera” (Alianza Editorial 2007). Con su buen criterio ha firmado estudios en los programas de mano del Teatro Real y El Liceu así como coordinaría y escribiría varias colecciones de quiosco para Ediciones del Prado o Altaya, entre conferencias y otras actividades de tipo cultural. Actualmente dirige el programa ‘La Dársena’, magacín de actualidad musical de Radio Clásica de lunes a viernes, de 12 a 1:30 del mediodía. Presenta el programa con Arístides Carra y Cristina Moreno. Un programa dedicado al panorama musical español con entrevistas a las personalidades más relevantes del momento y reportajes de las presentaciones y exposiciones más interesantes de la temporada. También cuenta con secciones de novedades y reediciones discográficas, agenda de conciertos, jazz… El pasado 30 de junio de 2014 nos ofrecían el programa especial fin de temporada.

De su último 7"
Con su alter ego de Carlo Coupé, Jesús volvía a estar de actualidad recientemente con el que es su último proyecto, al menos hasta el momento, llamado Black Nylon Corporation donde toca todos los instrumentos: teclados, guitarra, percusión, bajo, e incluso canta con excelentes resultados. En 2013 grababa un par de canciones que han acabado formando parte de su primer single editado con su propio sello Bewitching y con la ayuda del micro mecenazgo. Lis pastas vocales femeninas las aportaba Yoko Oh.  En la cara A podemos disfrutar de la canción “My sexy robot” presentada en un magnífico vídeo producido por Dodo Estudio y dirigido por Jaime Martín Pantoja y Julia Sáinz Cortés; y en su cara B, el instrumental “Hypnosis”. Ambos temas son un magnífico compendio de música negra, con detalles de soul-funk de los ochenta, interpretados mediante un toque personal que las convierte en dos piezas de orfebrería  a base de guitarras sutiles, un bajo penetrante, sintetizadores clásicos de los setenta y los ochenta (Moog, Roland, Korg, Yamaha…) y cajas de ritmo como la Oberheim DMX, la Linn LM1 o la Roland TR808.

Inicios
Carlo Coupé nunca se ha considerado a sí mismo como un teclista virtuoso, principal instrumento al que hasta el momento se le asociaba, sino más bien como un compositor. De lo que no hay duda es que se trata de uno de nuestros mejores maestros de  música negra, con repercusión internacional, que siempre ha destacado por atesorar objetivos artísticos propios con una mente clara y altamente creativa. A parte de su faceta como músico en bandas como los primeros Sweet Vandals, y en dúos magistrales, Carlo es muy conocido por haber producido a los mejores combos estatales de música negra de aquí como los Speak Low o más actulmente los Teenagers, Refoundations, Vibe Creators, Faith Keepers o Filetones.  Por otra parte, ha trabajado con fabulosos cantantes de la escena internacional como son Mayka Edjole, Glen Anthony Henry, Ola Onabule, con el que grabó hace unos años y cuyo resultado permanece lamentablemente inédito hasta el momento, por razones ajenas a su voluntad, y con Astrid Jones con quien formó su anterior proyecto, Wondertronix, para sacar verdaderas perlas de soulful disco, el soul interpretado con ritmos de baile que estuvo de moda entre finales de los setenta y principios de los ochenta.

Etapa soulful
Desde el principio de su carrera, Carlo estuvo obsesionado, con buen criterio, por el sonido. Tras sus primeros discos en digital con Subterfuge, como ese “Estereo espectacular” (2000), decide crear su propio sonido trabajando con cinta dándole a la música toda la calidad y profundidad necesaria. Es así como crea su colección de “Guateque Sideral” donde mezcla bossa nova de los setenta, exotica, lounge, etc… y después su propio sello Funkorama que cierra por las enormes dificultades que encuentra en un negocio discográfico costoso que le complica la vida enormemente. En una entrevista que nos concedió el pasado mes de septiembre de 2013 (+ info), nos decia: “La industria ha muerto. Las grandes compañías quedarán sólo, con una actividad y unos ingresos cada vez más raquíticos, para explotar el trabajo de los artistas que más dinero hacen. Seguirán intentando descubrir el pelotazo de turno y por el camino quedarán un montón de jóvenes explotados, quemados y desilusionados, con carreras efímeras por no haber alcanzado las expectativas financieras previstas por las compañías (ya sabes que ahora les quitan la pasta hasta de los bolos). El único futuro está en la autoproducción”.

Jesús Trujillo ha decidido cerrar una etapa más de su vida y se despide de Carlo Coupé. La noticia nos sorprendía casi el mismo día que se hacía público que las ventas de música crecen en España por primera vez desde 2001 y en un momento importante para la música negra en nuestro país con numerosos grupos que graban discos de soul y funk aunque, como bien apunta Carlo en la entrevista antes mencionada: “ Creo que hoy hay mucha más música negra en España que hace unos años y que hay cosas buenas (yo he tenido la suerte de estar metido, como ingeniero o como productor, en algunos de los buenos discos de estos últimos años). Aunque para mí, a muchos proyectos les falta autenticidad. Muchos músicos se han sumado a esta corriente porque creen que es una salida, que hay una especie de moda… Y es gente que viene del jazz, del rock… y que no siente verdaderamente la música negra, que no tiene un bagaje cultural suficiente y muchas veces se nota que es un disfraz…”.

Siempre con muy buena compañía
De lo que no cabe ninguna duda es que Carlo Coupé nunca fue un disfraz para Jesús Trujillo. Tuvo una entidad propia inigualable con la que nos enseñó a muchos a comprender, interpretar, grabar y oír la auténtica música negra. Por eso esta pérdida resulta especialmente tan triste: porque con él se va un modo genuino de entender la vida sin imitar a nadie ni a nada. Vistas las ansias que hay hoy en día de comulgar con la Black Music, Carlo Coupé se merecía haber sonado insistentemente en todas las llamadas fiestas de pista negra de este país, que sus tiradas de discos se hubieran agotado en días, que las discográficas se hubieran peleado por contratarle y que las revistas especializadas le hubieran destacado en portada innumerables veces. Pero eso no ha sido así y claro, al final, uno acaba por perder la  ilusión. Absolutamente nada que reprocharle; ahora bien, ojo con los panegíricos. Se aconseja prudencia, más que nada por no hacer un espantoso ridículo. Gracias Carlo por todos estos años de buena música, de sensaciones a flor de piel, de humildad desde la más absoluta genialidad. Tus fans te recordaremos siempre y si algún día decides volver a deleitarnos con tu arte que sepas que aquí estamos para escuchar y bailar al ritmo de tus fabulosas canciones. Por cierto, dile a Jesús Trujillo que no estaría nada mal que ahora se volcará, más aún si cabe, y si le apetece, a su carrera de escritor musical. Estamos más que convencidos que tiene muchas cosas que contarnos a todos y todas. Mucha suerte, Jesús, con mis mejores deseos para que tus nuevos proyectos te procuren tanta felicidad como nos dio a nosotros el magistral Carlo Coupé.