martes, 3 de mayo de 2016

Muere el guitarrista de jazz, Doug Raney

Doug Raney 
Doug Raney nació el 29 de agosto de 1956 en Nueva York y falleció a principios de este mes de mayo de 2016. Guitarrista de jazz, hijo del también guitarrista de jazz, Jimmy Raney (n. 1927 – d. 1995) formó dúo con su padre y tuvo una fructífera carrera en solitario con su propia formación con la que grabó varios discos de los setenta a la década de los dos mil.

Empezó a tocar la guitarra a los 13 años, se adentró en el mundo del jazz influenciado por su padre y de la mano de Barry Galbraight. A los 18 ya formaba parte de la banda de su progenitor quien colaboraba con el pianista Al Haig.  

Jimmy y Doug Raney 
Padre e hijo formaron un dúo y grabaron juntos el primer Lp de Doug “Introducing Doug Raney” (SteepleChase  1977). Con la misma discográfica grabó durante los setenta, ochenta y noventa varios discos como “Cuttin' Loose” (1978), “Listen” (1980), “I'll Close My Eyes” (1982), “Everything We Love” (1983), “Blue and White” y “Lazy Bird” (1984), “Guitar Guitar Guitar” (1985), “Something's Up” y “The Doug Raney Quintet” (1988), “Blues on a Par” (1993), “Raney '96” y “Back in New York” (1996), “The Backbeat” (1997) y “You Go to My Head” (1998).


Doug Raney
Colaboró con otros grandes del jazz como Kenny Barron, Joey DeFrancesco, Billy Hart, Duke Jordan, Jesper Lundgaard, Horace Parlan, Niels-Henning Ørsted Pedersen, Tomas Franck, Bernt Rosengren, y Chet Baker entre otros. En 1977 se estableció en Dinamarca.  Con el Doug Raney Trio grabó un disco en 2001 para Pony Canyon , y en 2008 salió el álbum “Blues, Ballads, Bebop And A Blue Girl” para Marshmallow.

Documento sonoro: 

Doug Raney Quintet y el tema "If You Could See me Now" en 1979. Disco grabado con el contrabajista Niels-Henning Ørsted Pedersen, el baterista Billy Hart, el pianista Horace Parlan y el saxofonista tenor Bernt Rosengren. 




lunes, 2 de mayo de 2016

Los Skyhooks con Nate Davis, tan estelares como la NBA y cercanos como echar unas canastas en el patio de atrás

Portada 7"
Skyhooks es una formación gallega que puede considerarse como la primera Basket  & Roll band de la historia.  No es la primera vez que el baloncesto y el rock and roll se compenetran mediante canciones dedicadas a míticos jugadores, canchas o equipos de la NBA o, incluso, de nuestra liga ACB.  Existen ejemplos varios: Desde los Red Hot Chili Peppers y las canciones "Magic Johnson" o “Salute to Kareem” (1989), o el tema "Ten", número de la camiseta del jugador Mookie Blaylock, primer nombre escogido para llamar a la banda que la compuso antes de optar por el más conocido de Pearl Jam; "Arco Arena",  pabellón de los Sacramento Kings al que los Cake dedicaron en 2001 una canción, o los Band of Horses que incluiría en un disco de 2009 un tema llamado "Detlef Schrempf", alero alemán que jugó en la liga americana.  Incluso aquí en España, tenemos a los Tackenko, por el jugador soviético  Vladimir Tkachenko, o los Anicet Lavodrama, nombre del ex jugador de origen centroafricano del OAR Ferrol,  que grabaron temas como "El último mate de Quique Villalobos".  En todas esas canciones se habla de la grandeza y la pasión de ese deporte de alturas que, si bien en los Estados Unidos atesora una larga trayectoria, en nuestro país empezó a ser multitudinario muy entrados los ochenta.  Y una de las principales razones por las que el básquet pasó de ser un deporte escolar a mediático la encontramos está en la contratación de jugadores norteamericanos como Nate Davis al que apodaron “El Extraterrestre”  porque su estilo le situaba a años luz de la media de juego que, por entonces, se practicaba en nuestros pabellones.   

Skyhooks y Nate Davis
La historia de Davis es tan intensa deportivamente como conmovedora a nivel personal, y esos dos aspectos son los que se remarcan en la canción de homenaje que han grabado los Skyhooks para la cara A del single editado este 2016 con la discográfica también ferrolana Tualmonteyoalmar.  En su cara B, otra maravilla en este caso de tintes psicodélicos también relacionada con el "basket".  Como en los anteriores ejemplos mencionados,  Skyhooks unen sus dos pasiones, el baloncesto y la música, pero van más allá del culto y lo convierten en su principal y único leif motiv, hablando tanto de la cumbre como de la base, de los héroes como de sus realidades callejeras. Sus excelentes músicos no solo participan activamente de esa devoción por el básquet sino que logran musicalizar esa pasión mediante originales canciones que cuentan con excelentes recursos melódicos y rítmicos no menos memorables.  

Trayectoria 

Portada del primer Ep
Los Skyhooks, cuyo nombre se refiere al famoso gancho celestial del legendario Kareem Abdul-Jabbar, se crean en Ferrol (Galicia) en 2015. La banda está formada por Manolo Drums aka Enmanuel Drumma (Pivot, batería), Melo García aka Dr. Feedback (ala-pivot, guitarra), Manel Cortizas aka Rimas Macgroove (alero, bajo), Óscar aka Shooting Quant (base, guitarra voz) y Danny Abeledo aka Danny Barkay (escolta, órgano y coros). Óscar Quant capitanea otros proyectos como el mencionado Quant o Weather Underground. Melo y Manel tocaban en Misquious, Manolo es un conocido baterista y Danny formó parte de los Insoulventes. En el mes de septiembre de 2015 se autoeditan su primera referencia, el Ep “Preseasongs” con cuatro canciones grabadas en los estudios Río Records de Ferrol, propiedad de Melo y Danny. Las canciones son “Opening game of the season”, “Dr. J’s malpractice” homenaje a Julius Erving, “El Extraterrestre (ND-86)” y “The night that Wilt score one hundred points” por los cien puntos de Wilt Chamberlain conseguidos el 2 de marzo de 1962, en una victoria sobre los Knicks por 169-147 en el Hersheypark Arena de Hershey, Pennsylvania. Puedes oírlas aquí en el bandcamp del grupo.

Nate Davis en los ochenta
Cuando el jugador norteamericano de baloncesto, Nate Davis regresa a Ferrol en octubre de 2015 con motivo del 40º aniversario del equipo donde militó en los ochenta, Askatuak de san Sebastián, sus amigos le preparan una fiesta de bienvenida donde los Shyhooks le presentan la canción que han compuesto para homenajearle. Nathaniel "Nate" Davis, nacido el 25 de octubre de 1953 en Columbia, Carolina del Sur jugó como alero ocho temporadas en nuestro país.  José Antonio Gasca lo traería a finales de los setenta a la liga española para sustituir al histótico Essie Hollis en el mencionado Askatuak.  En 1979 ficha por el Miñón Valladolid y se proclama máximo anotador de la liga, galardón que repetiría en otras temporadas. En 1982 prueba suerte en las Ligas de Verano de la NBA, y regresa a España con la liga de esa año ya comenzada. Ficha por el Obradoiro para sustituir al lesionado Chuck Verdever y en 1984 se enrola en el  OAR Ferrol, acabando de nuevo como máximo anotador de la liga ACB. En la Temporada 1985-86, se fractura la clavícula durante un partido que le obliga a dejar la cancha aunque su retirada fue motivada por la enfermedad de su mujer, que contrajo el SIDA tras una transfusión después del nacimiento de su segundo hijo.  Se trasladan a los Estados Unidos para encontrar una mejor cura pero su mujer lamentablemente acaba falleciendo. Arruinado por el gran coste de los cuidados médicos, no volvería a jugar al baloncesto a nivel profesional. El entrenador de baloncesto, Mario Pesquera lo bautizaría como “El Extraterrestre” por su insual como extraordinaria profesionalidad en el juego.

En este año 2016 los Skyhooks presentan un videoclip del tema “El Extraterretre (ND’86)” incluido en un single en vinilo 7” editado por Tualmonteyoalmar, el sello del ferrolano del siempre inquieto Tomás Romero. En su cara B, otro tema relacionado con el mundo del baloncesto, “Ashes and dust for… The incredible story, epic falls and unfortunate events of a jinxed coach”. En la contraportada de este single, el periodista Antoni Daimiel, de la NBA Canal +, dedica unas palabras al jugador, y describe cómo éste le cautivó en su juventud.  Por último mencionar que la camiseta de la portada y contrapotada, con el número 12, reproduce el modelo que llevaba Nate en el equipo OAR.  

El videoclip fue dirigido por el coruñés Pablo Goluboff y fue grabado en el pabellón de A Malata, cancha del OAR Ferrol, y Ferrol Vello. Cuenta con la participación del propio Nate Davis mediante  unas imágenes grabadas durante el homenaje celebrado en Meirás en su última visita a Ferrol, ente otros jugadores míticos de ese club como Manolito Aller o Miguel Loureiro.

Las canciones 

Los Skyhooks en directo. Foto de su facebook
En la cara A encontramos ese magnífico homenaje lírico que es “El Extraterretre (ND’86)”. Arranca con el sencillo teclado Casio al que se suman guitarras y percusión más voz principal generando una canción luminosa, sentida y emocionante tanto a nivel temático como sonoro. “Salto de gigante, no hubo nadie antes. Vuela alto y fuerte, un extraterrestre”.  Un solo a los teclados, crescendos de pop ciertamente  espectaculares, dos estribillos para ser coreados y un juego coral final convierten este tema en todo un himno. 

Los Skyhooks en directo. Foto de su facebook.
Ya en la cara B, la banda se torna psicodélica, sin abandonar los preceptos del pop cautivador. Una canción con varias tramas argumentales que se inicia con esos compases de aires  orientales y que  termina con efectos lisérgicos varios. Entremedias toda una lección de cómo arreglar con gusto, elegancia y originalidad, una canción de tintes ácidos en la que no faltan buenos solos a cargo del órgano, detalles imaginativos de guitarras acústicas y eléctricas, más una sección rítmica perfecta de bajo y batería que nos procuran cambios de tempo bien ensamblados al tiempo que se combinan las filigranas instrumentales con los diversos recitados vocales.    

Reflexión final  

Cuentan los Skyhooks que “todas nuestras canciones abordan desde distintos puntos de vista el noble juego de la canasta, desde el baloncesto callejero hasta las más altas cimas de la NBA”. Y es precisamente esa concepción tan personal  el que les distingue entre la gran mayoría de bandas que, de una forma u otra, han querido homenajear con su música a las múltiples leyendas del deporte.   En los Skyhooks se cuentan historias sobre baloncesto no solo desde la cumbre sino también desde la base, y con conocimiento de causa. Esa concepción les otorga un plus de credibilidad que les torna más cercanos aún si cabe. Encima, no se conforman con hablar de ello con franqueza sino que sus arreglos de pop y rock and roll, psicodelia incluida, constituyen una banda sonora ideal para que sus canciones brillen musicalmente con luz propia más allá de la emoción que comporta rememorar  historias tan intensas como la de Nate Davis.  Siguiendo con los símiles entre el arte deportivo y el musical, nos aseguran que:  “Os vamos a hacer vivir cada canción como una canasta en el último segundo, corear y aplaudir como si fuésemos MVPs (Most Valuable Player) de la temporada, y haceros bailar sobre el parquet como si hubieseis ganado vuestro séptimo anillo”.  Sin lugar a dudas, lo logran con creces, y sus canciones tienen tanta o más intensidad estelar que cualquier final de la NBA al tiempo que generan tanta empatía  como echar unas canastas con los amigos  en el patio de atrás.    

Nota: Puedes adquitir una copia del single en la web del sello Tualmonteyoalmar.

A continuación te invitamos a ver el videoclip del tema dedicado a Nate Davis.


 

Muere el baterista Remo Belli, el “rey del parche”

Remo Belli
Remo Delmo Belli nació en Mishawaka, Indiana, el 22 de junio de 1927 y falleció en Pasadena, California, el 25 de abril de 2016 tras complicaciones por una pneuopmía. Baterista de jazz, fue el creador de los famosos parches sintéticos con los que creó una poderosa empresa que internacionalizó la marca Remo.  Aunque no fue el inventor de los parches de plástico, fue quien los popularizó, y el resto de marcas tratan de imitar su producto. 

Comenzó a tocar la batería a los 12 años y a los 16 años ya era baterista profesional antes de servir en la Marina de EE.UU. donde tocó en una banda. Tras esa época, se traslada a California, donde actúa en clubes y colabora con Anita O'Day y Billy May. Abre una tienda de música, Drum City, en Santa Monica Boulevard, en 1950. 

Remo Belli
Con el crecimiento del rock and roll, se dio cuenta de que no habría suficientes suministros de piel de ternera, el material usado tradicionalmente para los parches de percusión. Se compró un suministro de Mylar, que es tereftalato de polietileno, también  conocido como politereftalato de etileno, polietilentereftalato o polietileno tereftalato, o por sus siglas en inglés PET. Se trata de una película de poliéster durable que grapó a un aro de tambor. Luego se asoció con el químico Samuel Muchnick que desarrolló una manera de unir la membrana de plástico a un aro de aluminio. 

Fundó la compañía Remo Inc. y comercializó los nuevos parches sintéticos en 1957, con la ayuda de bateristas como Buddy Rich y Gene Krupa. Los nuevos parches, comercializados como Remo Weather King, (con su conocida corona) fueron todo un éxito comercial. Su empresa creció y creó una gran  fábrica en Valencia, California, donde vivía. También desarrolló toda una gama de instrumentos de percusión, incluidos parches para banjos y se convirtió en un defensor de la utilización de percusión como terapia.  Entre los modelos de parches están Ambassador, Diplomat, Emperor, Pinstripe, Controled Sound, Power Stroke 3 y 4, Fyberskin, Renaissance, y Suede.

Fallece el trompetista Harrison Calloway, el “padre” de los Muscle Shoals Horns

Harrison Calloway
Harrison Calloway falleció el 30 de abril de 2016 a los 75 años tras padecer una apoplejía en Jackson, Mississippi.  Trompetista, formó parte de la prestigiosa sección de metal de la banda de los estudios FAME (Florence Alabama Music Enterprises) en Muscle Shoals (Alabama). Considerado como el padre del grupo, esta banda de estudio participó en numerosas grabaciones de grandes del soul, funk y rock and roll desde finales  de los sesenta hasta los ochenta incluidos algunos éxitos con su propio nombre  como el hit de 1976, "Born To Get Down". 

Muscle Shoals Horns



La sección de metales estaba compuesta también por Ronnie Eades (saxo baritone), Harvey Thompson (saxo, flauta), y Charles Rose (trombón). Calloway, Eades y Thompson se conocieron en la Tennessee State University en Nashville, donde empezaron a tocar en bandas locales y en una ocasión con un joven Jimi Hendrix.  

Muscle Shoals Horns
Con Rose empezaron a grabar en los FAME estudios de Muscle Shoals a finales de los sesenta. Los estudios fueron a finales de los cincuenta por Rick Hall, Billy Sherrill y Tom Stafford en Florence y se traladaron a Muscle Shoals a principios de los sesenta cuando Halls se separó de los otrso dos socios. 

La famosa sección de metales grabaron unos 300 álbumes de grandes como Bob Dylan, B.B. King, Bobby Womack, Clarence Carter, y Elton John, entre otros, a menudo con la Muscle Shoals Rhythm Section en la que figuraron músicos como  Jimmy Johnson (guitarra), Roger Hawkins (batería), David Hood (bajo) y Barry Beckett (teclados). En esos estudios se grabaron éxitos como “I'll Take You There”, “Brown Sugar”, “When a Man Loves a Woman”, “I Never Loved a Man the Way That I Loved You” y “Mustang Sally”, entre muchos otros. 

Muscle Shoals Horns
Los Muscle Shoals Horns consiguieron éxito con temas como "Born To Get Down (Born To Mess Around)", "Open Up Your Heart", "Bump De Bump Yo Boodie", y "Dance To The Music".  Grabaron tres discos a su nombre: “Born To Get Down” (1976), “Doin' It To The Bone” (1977), y “Shine On” (1983). También fueron acreditados  en el disco en directo de 1974, editado por  DJM, de la banda de Elton John Band con John Lennon.  Sus cuatro miembros se reunieron en 2015 tras 30 años de no tocar juntos para celebrar la reedición de su obra en Cd. 

Documento sonoro: 

La sección de metales de los estudios Muscle Horns con su éxito "Born To Get Down (Born To Mess Around)" (1976).

El disco en directo que grabaron John Lennon, Elton John y los Muscle Shoals Horns el 28 sde noviembre de 1974 en el Madison Square Garden de Nueva York.


jueves, 28 de abril de 2016

Fallece Phil Humphrey de los Fendermen

Phil Humphrey
Phil Humphrey nació el 26 de noviembre de 1927  en Madison (Wisconsin), aunque otras fuentes dicen que vino al mundo en Stoughton, y falleció el  29 de marzo de 2016 en un hospital de Minnesota por  insuficiencia cardíaca. Formó parte del dúo de rockabilly e instro surf The Fendermen, creado con Jim Sundquist quien nació el mismo día en Niagara, Wisconsin, y fallecía el 4 de junio de 2013 en Fairfax, Minessota a consecuencia del cáncer.  Triunfaron en los sesenta con una versión del “Mule Skinner Blues”. 

The Ferndermen
The Fendermen eran  un dúo formado en 1958 por los ya difuntos Jim Sundquist  y Phil Humphrey. Ambos cantaban, tocaban la guitarra y, curiosamente, habían nacido el mismo día del mismo mes del mismo año. Los dos tenían su propia banda de rock and roll a finales de los cincuenta y se unieron como dúo en la universidad de Madison.  Ambos tocaban una Fender, una Telecaster (Phil)  y una Stratocaster (Jim) que conectaban al mismo amplificador, y empezaron grabando solo con las dos guitarras y voz, sin batería ni bajo, inusual para la época. Para los directos incorporaron batería.   

The Fendermen
En 1959 grabaron una versión del "Mule Skinner Blues ', una canción original de Jimmie Rodgers que grabó para RCA Victor en 1930 a la que luego llamó  “Blue Yodel No. 8". La versión de los Fendermen se editó con Cuca records con "Janice" en la cara B y fue distribuida a nivel nacional por Soma records quien sacó otra edición en 1960 con el tema propio “Torture” en la cara B.  Consiguieron una gran repercusión y llegaron a triunfar hasta en Inglaterra al mismo tiempo que tuvieron varios problemas con el reparto de los beneficios que generó el tema.  También sacaron otro single con una versión del "Don't You Just Know It" de Huey "Piano" Smith y un tema propio llamado “Beach Party”. Pasaron a formar parte del catálogo de Soma con los que editaron otro single con los temas  'Heartbreakin' Special'  y 'Can't You Wait'. 

No estuvieron juntos mucho tiempo  y a principios de los sesenta se separarían. Jim grabó el single con los temas ''Cocaine Blues” y “Molly And Ten Brooks” para Soma en 1961 con el nombre de Jimmy Sun and the Radiants.  Más tarde se llamarían los Muleskinners con otro single de 1964 que contenía los temas “Wolfman” y “Everglades”.  Soma también editó en 1964 un álbum con temas del dúo con el título genérico de "Mule Skinner Blues". Phil sacó un single con Sassy a principios de los sesenta con otra versión de  'Don't You Just Know It” más el tema “Popeye” con el nombre de Phil Humphrey & The Fendermen.  Después se estableció en Minnesota donde tenía un negocio de rehabilitación de viviendas 

 En 1999, Jim Sundquist sacó un álbum con el nombre de “Jim Sundquist & His Fendermen 2000: The Big solicitudes”. Siguió tocando y regentaba una tienda de instrumentos en Green Bay (Wisconsin). Ya en 2008, volvieron a tocar juntos puntualmente, por vez primera  en  45 años.  

Documento sonoro:

Así, con solo dos guitarras y dos voces, suena su versión rockabilly de la canción "Mule Skinner Blues" con la que triunfaron a principios de los sesenta.


martes, 26 de abril de 2016

Muere "Wölli" de los Die Toten Hosen

W. M. Rohde "Wölli"
El alemán Wolfgang Michael Rohde, más conocido como "Wölli", nació en Kiel el 9 de enero de 1950 y falleció en Düsseldorf el 25 de abril de 2016. Baterista, formó parte de la banda de punk rock Die Toten Hosen entre los años 1986 y 1998. También colaboró con otras bandas como   Abwärts, Einstürzende Neubauten, y los Die Suurbiers con el sobrenombre de Grandmaster Suurbier. Tuvo que dejar la batería por problemas de columna y un grave accidente, pero continuó cantando en bandas como Die Goldene Zeiten Orchestra y Die Band Des Jahres. 

Rohde recibió formación como electricista y en 1968, cuando se tenía que incorporar a filas se trasladó a Berlín donde conoció al cantante Rio Reiser.  No fue hasta llegar a la veintena que entraría en el mundo de la música. En la década de los setenta trabajaría en Londres en  estudios de grabación sobre todo con grupos de reggae.  En 1986 le ofrecieron substituir al baterista de los Die Toten Hosen, Jakob Keusen.  Entonces vivía en Berlín y ya había tocado en el estudio con bandas como Abwärts y Einstürzende Neubauten, más los Die Suurbiers de 1984 a 1986 con los que grabó el disco "Kein Mann Für Eine Nacht" (1985). Se trasladó a  Düsseldorf y se incorporó a la banda.

Die Toten Hosen
Die Toten Hosen significa literalmente "Los Pantalones Muertos" aunque en realidad es una expresión que en alemán se utiliza para describir un lugar aburrido. La banda se creó en Düsseldorf en 1982 con miembros de bandas anteriores como ZK y KFC: Campino,  cantante; Andreas von Holst, guitarrra; Andreas Meurer,  bajo; Michael Breitkopf, guitarra, Walyter November, a la guitarra, más Trini Trimpop a la batería al que substituirían otros bateristas como Jakob Keusen y después Wölli.  Han publicado 14 discos de estudio y 55 sencillos, de los cuales en Alemania han vendido más de 23 millones de copias. Sus primeros temas fueron “Wir sind Bereit” y “Reisefieber”.  Walter les dejó al poco tiempo para convertirse en Testigo de Jehová.  El primer álbum se llamó “Opel-Gang” (1983) al que siguió “Unter falscher Flagge” (1984) e incluía uno de sus primeros  éxitos, “Liebesspiele” con el que empezaron a ser conocidos por el resto de Europa.  En 1987 sacan el disco “Never Mind the Hosen - Here's Die Roten Rosen” parodia del conocido álbum de los Sex Pistols más el disco en directo, “Bis zum bitterem Ende”.  Le siguieron otros trabajos como “Ein kleines bisschen Horrorschau” (1988), basado en la Naranja Mecánica de Stanley Kubrick, y que contiene otro de sus éxitos “Hier kommt Alex”.  Tras la caída del muro de Berlín graban su séptimo disco “Auf dem Kreuzzug ins Glück”.

Die Toten Hosen
Ya en los noventa sacaron discos como “Kauf MICH!” (1993) y al año siguiente crean su propio sello dirigido por Hülder, JKP, Jochens Kleine Plattenfirma (el pequeño sello de Jochen). En 1996 tuvieron  su mayor éxito comercial “Zehn kleine Jägermeister” . Siguieron grabando discos como  "Unsterblich" 1999 (Inmortal) y ese año, Wölli es substituido por  Vom Ritchie, quien solía viajar con el grupo como roadie.  Rohde padecía lesiones en la columna vertebral que le impedían estar sentado tocando durante todo un concierto.

Durante los dos mil intensificaron su apoyo al equipo de fútbol Fortuna Düsseldorf y en 2002 editaron el disco “Auswärtsspiel”.  Con un nutrido grupo de fans en Argentina, sacaron en 2009 una versión del disco “In aller Stille”(2008) con el título de "La hermandad — En el principio fue el ruido”. En 2912 sacaron el disco “Ballast der Republik” y en 2013 editaron su quinto álbum en directo con el título de “Der Krach Der Republik”. 


Wölli 
En mayo de 2000, Rohde tuvo un accidente automovilístico que casi le cuesta la vida. Tiene que dejar de tocar la batería. En noviembre de 2001 crea un festival para bandas noveles llamado Rock am Turm, que se celebra anualmente en Meerbusch, y en diciembre del año 2007 saca un sencillo con la banda Die Goldene Zeiten Orchestra y Die Band Des Jahres donde compone y canta.  Volvería a tocar esporádicamente con los Toten Hosen quienes actuaron en su festival con el pseudónimo de "Die Jungs von der Opel-Gang". 

Docunentos sonoros: 

Die Suurbiers con el tema "Kein Mann Für Eine Nacht" de su primer Lp de 1985. 


Die Toten Hosen en directo en 1993 en Düsseldorf.  


Los Offbeaters nos ofrecen diez muestras originales para no olvidar nunca su magnífico reggae

Portada
Aunque el panorama de sonidos jamaicanos de nuestra prestigiosa escena estatal es sobradamente amplio y enriquecedor, nunca deja de sorprenderme con sus sucesivas entregas. Los grupos dan vida a  melodías y concepciones rítmicas propias al tiempo que imprimen matices con los que denotan un sello personal único que les distingue a nivel individual entre las excelencias genéricas.  Es el caso de Los Offbeaters, banda valenciana que en 2015 presentaba su primer álbum con el imprescindible sello Liquidator Music. Un disco que reproduce, mediante las mejores técnicas fonográficas, la pasión y entrega que demuestran en sus aclamados directos. Con la fusión exquisita de variados estilos como son el  Early-Reggae, Northern-Soul, Ska, Funk, la poderosa voz de dos cantantes solistas y una banda de instrumentistas de auténtico lujo,  nos ofrecen diez canciones con las que “You will never ever forget Amazing Reggae”, que así se titula este magnífico álbum que te presentamos a continuación.   

Trayectoria 

Los Offbeaters en la actualidad
Los Offbeaters se crean en el año 2010 como una formación de Ska-Jazz que paulatinamente fue evolucionando hacia el  early-reggae.   Ellos son Marcus “The Preacher” al trombón y “toasting”, Daddy Doo a la guitarra, Willy al Hammond, El Conde Chato a la batería, Paco Fer al bajo y el cantante Pablo Muñoz aka “The Pope”. Para la grabación de este disco contaron con la mágica voz de Key Day como solista y aportando coros.  Sus componentes han pasado por proyectos como Sensidubte, Dirty Soul Riders, Teleplasticos, O´chorizo.  Paralelamente, los cantantes tienen sus respectivos proyectos personales como es el caso de Pablo Muñoz “El Papado” y Key and Board.  El resto de músicos figuran, tres de ellos, en la banda Huessos, un grupo de garage punk, así como con otras formaciones como Le Grand Miercoles,  Radioactive, banda de funk, entre otras más. 

Los Offbeaters, foto contraportada Lp. Borja Pascual
Con un sonido peculiar y una sólida presentación en directo, los Offbeaters han compartido  escenario con gran parte de lo mejor de la escena estatal e internacional de ritmos jamaicanos. Su primera referencia discográfica aparece en 2013 en forma de Ep con el título de "The time is now" con el que obtienen una gran acogida por parte del público. El Ep estaba coproducido por Liquidator y el sello castellonense Jamaican Memories que celebraba por todo lo alto su décimo aniversario. Contiene las canciones “The time is now”, “Girlie”, “Leaving this train” y “Last time”.  Cabe destacar también que durante estos años han sido “backing band” para grandes como Roy Ellis (Mr.Symarip), Moisty Atshusi, Kat y Oldfashioneds. 

Éste, su primer disco Lp, se grabó hace casi dos años en Cartagena, con  Javier Bonmatí y Rubén Ros durante dos días de estudio manteniendo al máximo la inmediatez y la frescura de la música en vivo.  Colaboran en el disco Jose A. Iglesias, a la percusión, mitad de Dwomo y  bateria de Malarians, entre otros, así como David Cases al saxo, de los Mediterranean Roots. Se masterizó en Euridia Estudios (Bilbao) por Ibon Larrucea. El dibujo de la portada con ese escenario humeando,  tras el paso ardiente de la banda, es de Miguel Delicado. En la contraportada podemos ver una foto de la banda tomada por Borja Pascual.  Editado en vinilo por Liquidator Music, tiene una tirada limitada a 500 copias y lleva el CD de regalo en su interior. 

Las canciones 

En el Rototom 2015. Foto: Guillem Chesa
El disco arranca con “Monster Frog”, tema instrumental en el que se pone de manifiesto la perfecta compenetración entre la sección rítmica y los diferentes solistas aportando momentos de órgano, guitarra, trombón y saxo muy bien perfilados y ensamblados mediante  arreglos minuciosos que te cautivan desde el primer momento. Tal y como nos cuentan en este tema: “Damas y caballeros, acérquense y contemplen el más espeluznante circo de monstruos que jamás ha llegado a esta ciudad. Observen a nuestras criaturas perfectamente amaestradas para ejecutar el más delirante funky reggae. Pero tangan cuidado, si son mordidos por un offbeater se convertirán en criaturas enfermas, ávidas de sexo, ritmo y alcohol”. Le sigue “Come With Me”, extraordinario tema de “early reggae” con ese penetrante shuffle al órgano que marca el paso de una melodía amorosa conmovedora. Pequeñas intervenciones de trombón, un solo de guitarra, más la indispensable aportación del Hammond, entre detalles de calypso, acompañan a esa declaración amorosa en voz de su cantante Pablo Muñoz que nos cuenta: “dulce corazón, vivir sin ti no tiene sentido… esta no es forma de vivir”.   A continuación nos ofrecen “Like A Boom” en la que sobresale la magnífica voz de la cantante Key Day aportando detalles de funk soul con una energía desbordante, respaldada por una perfecta sección rítmica. Con ese estribillo tan pretendidamente provocativo, el solo de un trombón, nos anonadan con la aportación de una segunda voz igual de espectacular y la presencia impoluta del órgano.    
   
Offbeaters con Key Day.  Foto:Torrelavega mentretiene
Mediante “Nada Que Perder”, y ese arranque tan espacial, nos sitúan en el centro de una imaginable abarrotada pista de baile. Nos cuentan a dos voces: “Cansados de juegos, tu tiempo terminó y será mejor decir adiós… no tengo nada que perder, no tienes nada para mí, al fin acabo de entender que voy a estar mejor sin ti”. Exquisita combinación de metales, más una penetrante presencia del bajo para un tema que aúna lo mejor del soul con la arrebatadora concepción rítmica jamaicana. Finaliza la cara A con “Shake Me”, otra magistral puesta a punto de una banda muy bien compensada, con aportaciones del trombón, voces solistas ejemplares y detalles de guitarra más teclados esenciales. Con un devaneo rítmico impoluto, más coros de funk, la banda discurre con una elegancia y una seguridad deslumbrante. Nos cuentan “Algo en tu forma de mirar, que no acabo de entender…acláramelo de una puta vez.  Llegó el momento de actuar y nos iremos por la puerta de atrás… “. Aportan unos compases que invitan a un extended play en clave de dub con la presencia de un poderoso bajo y glissandos misteriosos trazando una línea envolvente tras la que recuperan el pulso melódico principal.       

Offbeaters con Key Day.  Foto:Torrelavega mentretiene
La cara B empieza con “Mr. Provocation”, ciertamente toda una provocación instrumental de auténtico lujo. Un tema con recitado inicial en el que destacan los  recursos de sus respectivos solistas, desde el órgano al trombón pasando por la guitarra, centrándose más en sus posibilidades rítmicas con fraseos que tienden a la sencillez no exenta de pasión. Tras este primer tema, nos sorprenden con “Bad And Smart” y su original arranque de trombón y saxo que nos arrojan al sensacional recorrido rítmico con guitarra y órgano arropando a la deslumbrante voz de Key Day más coros. Un solo de piano eléctrico de tinte jazzístico completa esta exquisitez de ska jazz con detalles de R&B.  

A continuación nos regalan “Loneliness Café”, una maravilla rítmica en la que órgano más bajo te cautivarán con ese acompañamiento tan sugerente con el que dan apoyo a la, de nuevo sensacional, voz principal. Se incluyen mensajes de contenido existencial sin desperdicio alguno:  “ No es cuestión de suerte ni de fe, tienes que ser fuerte y aprender a perder…”.  No pasan desapercibidos esos pedales y riffs de metales para reforzar el estribillo, las suculentas notas de teclados más un solo de guitarra con eco envolvente, y esos cambios armónicos de black músic con coros que definen un hermoso tema en el que “unos se van, otros que llegan, nadie se queda…”. Acaba la canción con un recitado de blues y un pase breve de saxo.        

Offbeaters con Key Day.  Foto:Torrelavega mentretiene
De este modo llegamos a la “La Penúltima” canción, que así se titula el tema y la copa. Otra maravilla de estilo jamaicano con más aportaciones geniales de órgano, coros de ska-mento, y detalles consistentes de trombón. “Siempre voy buscando el lugar, donde me sirvan una copa más… y cuando cae la noche, regreso al bar”.  Cierra el disco “The Unnamed” con ese inicio espectacular, tan “reggae rocker” de batería y bajo, al que se incorpora el sincopado de órgano y guitarra, más las voces de sus cantantes apoyados por metales. El tema combina early reggae y funk con una soltura endiablada, juegos vocales de respuestas corales, y arreglos de baile ciertamente fascinantes. “Ella es todo un hombre y él es toda una mujer… somos seres completos que no puedes etiquetar”.   

Reflexión final 

Dicen sus propios protagonistas que con su música “fusionan la pulsacion del skank y el perfume macarra del Hammond”. Sin duda, es una excelente definición que resulta muy ajustada para definir las excelencias de esta poderosa banda valenciana.  La  omnipresencia del órgano se distingue por su entrega rítmica más su encanto melodioso. Se encarga de dirigir los recursos caribeños fusionados, mediante una gran destreza y creatividad, con el soul y el funk. Sobre el stacatto tan particular a paso de early reggae y ska, originado con la escrupulosa compenetración de ejemplar batería más las sucesivas e imaginativas líneas de bajo, se superponen no solo los profesionales momentos solistas sino también los no menos esenciales pedales y riff de los metales o la aportación minuciosa de la guitarra.

Los Offbeaters. Foto Festicidas
En resumidas cuentas, estamos ante unos instrumentistas muy bien compenetrados que respaldan, con elegancia y determinación, las dos magníficas voces principales encargadas de explicarnos, mediante un cautivador registro, pequeñas historias cotidianas, algunas amorosas, otras más existenciales, con un poder de convicción fascinante. El resultado son estas diez canciones, sin desperdicio alguno, que se desenvuelven a la perfección, con increíble frescura, aportando recursos propios muy originales que les sitúan entre lo más granado de la escena internacional ofreciéndonos inequívocas muestras, que no olvidarás, de que los Offbeaters son una banda única con un lenguaje propio que enriquece el siempre suculento mundo de los ritmos jamaicanos.     



Nota: El próximo 6 de mayo de 2016 presentan el disco en el Rock Palace de Madrid, y en septiembre, en Valencia.  Puedes escuchar los temas en el bandcamp y comprar una copia del Lp en vinilo, con Cd incorporado, en la web de Liquidator.
  

lunes, 25 de abril de 2016

Fallece Lord Tanamo, pionero del ska y veterano del mento

Lord Tanamo
Joseph Abraham Gordon, más conocido como Lord Tanamo nació en Kingston el 2 de octubre de 1934 y falleció el 19 de abril de 2016 en Canadá.  Miembro fundador de Skatalites y vocalista de la banda, empezó cantando calipsos y mento por los hoteles jamaicanos. Grabó ska con grandes productores durante los sesenta y en los setenta se instala en Canadá donde se casa y abre una tienda de discos. Entre sus mejores interpretaciones estan el doo wop “Blues Have Got Me Down”, los temas de ska “Come Down” y “In The Mood for Ska” o la versión jamaicana del  tema de Tony Joe White, "Rainy Night in Georgia".

Criado en Denham Town, en el oeste de la capital jamaicana, en la década de los cincuenta empezó cantando calipsos en los hoteles o acompañando a  Cecil Lawes en su local. Después conoció a Stanley Motta responsable de un sound system  quien le graba sus primeras canciones.  También grabaría con Ernest Raingling y Theophilus Beckford.  Entre sus temas destacados, el doo wop  “Blues Have Got Me Down”, con el que entra en la década de los sesenta.

Lord Tanamo

Fundador de los Skatalites, graba con ellos temas como “Come Down” o “In The Mood for Ska”.  También adaptaría al ska canciones como "Iron Bar" y "Matty Rag". Tuvo éxito con el tema "Ol' Fowl". En 1965 ganaría el primer premio de un festival con el tema “Come Down”. En esa década colaboraría con Duke Reid, Clemment Dood o Lindon Pottinger. En 1964 sale el álbum "Come,come, Come to Jamaica" (RCA) con los Calypsonians y en 1965 se publica su disco "Festival Jump-Up".

En 1970 graba una adaptación del tema de Tony Joe White, "Rainy Night in Georgia", con el que consigue un número uno en Jamaica. Se casa con una canadiense y  se instala en Canada donde abre una tienda de discos llamada Nook Shop. Volvería a Jamaica y regresaría a los estudios para grabar el disco “Calypso Reggae” con Bunny Lee como productor.  Volvió a formar parte de los Skatalites hasta 2008, año en que padece un derrame cerebral y cesa su actividad artística.

Documentos sonoros: 

 “Blues Have Got Me Down” (1960) interpretado por Lord Tanamo.


"In The Mood for Ska” cantado por Lord Tanamo. 


En 1970 graba una adaptación del tema de Tony Joe White, "Rainy Night in Georgia".



Muere el cantante de R&B, soul y jazz, Billy Paul

Billy Paul
Billy Paul nació con el nombre de Paul Williams el 1 de diciembre de 1934 en Philadelphia, Pennsylvania y falleció a conseucencia del cáncer que padecía el 24 de abril de 2016 en Blackwood, New Jersey. Fue una figura destacada en el llamado sonido Filadelfia, estrella de R&B, soul y jazz , con una larga trayectoria que arranca en los cincuenta y que consigue un gran éxito en 1972 con el tema “Me and Mrs. Jones” con el que ganó un Grammy.  

Nacido y criado en el norte de Filadelfia, empezó a cantar en la radio WPEN a los 11 años. Estudió en las escuelas de música locales y a los 16 actuaba en el Club Harlem. Pronto fue muy conocido y se le pudo ver en conciertos compartiendo escenario con  Charlie Parker, Dinah Washington, Nina Simone, Miles Davis, The Impressions, Sammy Davis, Jr. o Roberta Flack. En 1952 se traslada a Nueva York donde graba para Jubilee Records. Respaldado por Tadd Dameron al piano y Jackie Davis al Hammond, graba un single con los temas "Why Am I" y  "That's Why I Dream". Pocos meses después saca su segundo single con la Buddy Lucas Orchestra y los temas "You Didn't Know" más "The Stars Are Mine". 

Billy Paul
Su carrera dio un giro hacia el jazz cuando fue reclutado en las fuerzas armadas. Al igual que Elvis Presley y Gary Crosby, hijo de Bing, sirvieron en Alemania. Intentaron montar algo juntos pero Presley, quien quería ser conductor de jeep, no entró en el proyecto y los otros dos crearon la Jazz Blues Symphony Band. En esa banda estuvieron grandes instrumentistas como Cedar Walton y Eddie Harris. Actuaron por Alemania y cuando se licenció formó un trio de jazz con el pianista de hard bop Sam Dockery y el bajista Buster Williams. En 1959 fue fichado por New Dawn y sacó el single  "Ebony Woman" con "You'll Go to Hell". Le siguieron otros temas como "There's a Small Hotel". 

Billy Paul
Después pasó por The Flamingos donde se hizo amigo de Marvin Gaye. En 1968 grabó el disco  “Feelin' Good” en el Cadillac Club, editado el sello Gamble. Contenía versiones en clave de jazz mayoritariamente. Su segundo disco “Ebony Woman” (1970), fue más commercial y salió en la etiqueta Neptune de Gamble y Huff.  Aquí se fusionaba el jazz con el soul. Crearon el sello Philadelphia International Records (PIR) y Paul grabó con ellos “Going East” (1971) consiguiendo una notable repercusión con el tema "Magic Carpet Ride". Pero el gran éxito le llegó en 1972 con el álbum “360 Degrees” y el single "Me and Mrs. Jones". Fue el primer número uno de PIR. Sin embargo no logró el mismo éxito con el siguiente sencillo "Am I Black Enough for You?". No fue una decisión muy acertada y la carrera de Paul no siguió por los primeros puestos de las listas con álbumes como  “War of the Gods” (1973) donde se mezcla el pop, el jazz, el soul y la psicodelia.  Ese año giró con The O'Jays y The Intruders por Europa y grabó un disco en directo en Londres que se editó en 1974. Al año siguiente vio la luz el disco “Got My Head on Straight”.  Por el contenido de sus letras como  "Let's Make a Baby" le acarreó críticas del reverendo Jesse Jackson. Pese a nombrar a Martin Luther King, Jr. y Malcolm X en la versión de Paul McCartney en 1976 del éxito "Let 'Em In”, la controversia por el contenido de las letras se acrecentó con su siguiente disco que llevaba por título el nombre de esa canción. 

Billy Paul
Ya en 1977 sacó el disco “Only the Strong Survive” y en 1979 “First Class”.  Ya en los ochenta sacó los álbumes “Lately” (1985) con Total Experience Records y “Wide Open” (1988) con Ichiban records. En 1989 anunció su retiro  aunque siguió actuando puntualmente. En 2000 sacó el disco “Live World Tour 1999-2000” en su propio sello PhillySounds. Durante esos años ganó un juicio por los derechos de autor que se le debían por sus canciones y en 2011 colaboró con la cantante francesa Chimène Badi. 

Documentos sonoros: 

"Me and Mr. Jones", el gran éxito de Billy Paul 

domingo, 24 de abril de 2016

Fallece el cantante congoleño de soukous, Papa Wemba

papa Wemba 
Jules Shungu Wembadio Pene Kikumba, más conocido como Papa Wemba nació el 14 de junio de 1949 en Lubefu, por entonces el Congo belga, actualmente la República democrática del Congo, y murió en Abidjan, Costa de Marfil, el 24 de abril de 2016 mientras actuaba en el Festival de Músicas Urbanas de Anoumabo.  Cantante de soukous, se le conocía mundialmente  como el rey de la rumba congoleña.  Había formado parte de la prestigiosa formación Zaiko Langa Langa de la que surgió en los setenta  la banda Viva La Música. Se desconocen las causas de su muerte aunque recientemente padeció malaria cerebral, enfermedad que lo mantuvo hospitalizado varios días en un centro de París el pasado mes de febrero y que le obligó a suspender algunos  conciertos.  Entre sus grandes éxitos figuran los temas “Sai Sai”, “Yolele”, “Maria Valencia” o “L’Esclave et Le Voyageur”.

Zaiko Langa Langa 
Durante la década de los cincuenta y sesenta, varios músicos  que habían formado parte de las bandas de Franco Luambo y Grand Kalle crearon sus propias formaciones.  Tabu Ley Rochereau,  fallecido en 2013, y Dr. Nico Kasanda crearon African Fiesta National donde fusionaron la música popular congolesa con el soul y arreglos caribeños y latinos.  A ellos se unieron Papa Wemba y Sam Mangwana, y triunfaron con éxitos como “Afrika Mokili Mobimba”.  Su música se conoció como “rumba” congolesa o “soukous”.  Otros grandes de esa época y estilo fueron Koffi Olomide, Tshala Muana y Wenge Musica.  Algunos de esos músicos como Papa Wemba se decantaron más por las influencias del rock and roll y crearon Zaiko Langa Langa en 1969. Otra de las bandas que sobresalieron fue la de Pepe Kalle con Papy Tex,  llamada Empire Bakuba.  En una época convulsa políticamente los grupos fueron moviéndose por los países Tanzania y Kenia. Los Zaiko Langa Langa popularizaron una concepción rítmica bailable llamada “cavacha”.  Las diferentes orquestas fueron incorporando varios recursos occidentales y locales creando estilos como el "Swahili sound" o "Congolese sound".

El soukous se hizo popular en Londres y Paris a finales de los setenta y los ochenta.  Papa Wemba sacó su primer disco “Pauline”  en 1970 con la Zaiko Langa Langa. En 1977 Wemba y otros miembros de Zaiko Langa Langa crearon  Viva La Música, formación con la que conseguirían el éxito internacional. Con esta banda sacó discos como “Niekese! Elengi Hein!” (1983), “Beau Gosse Ya Paris” (1985) o  “Love Kilawu "Amour Fou" (1987).

Papa Wemba instalado en París mantenía su orquesta Viva la Música más otra con estilo pop.  En los ochenta, en la capital francesa triunfaría el estilo de las Antillas francesas, el zouk que se mezcló con el kwassa kwassa forma rápida de tocar el soukous.  En los ochenta se convirtió en una estrella de la llamada world Music grabando para el sello Real World, de Peter Gabriel  discos como "Le voyageur" ( 1991), "Emotion" (1995) o "Molokai" (1998).


También destacó por su singular forma de vestir que se puso de moda entre los jóvenes congoleños creando un movimiento llamado “sapeurs” . En 2011 subastó la ropa para recaudar dinero para construir escuelas y orfanatos en Kinshasa.   Por otra parte cabe destacar que en 2003 fue detenido en París  acusado de pertenecer a una red que introducía en Europa inmigrantes ilegales. Un tribunal belga le dictó una condena de 30 meses de prisión y multa de 22.000 euros.  En 2001 salió el disco “100% Star Bakala Dia Kuba” al que siguió “Somo trop” (2003), “kaka Yo” (2009), “Notre Pere Rumba” (2010) y “Maitre D'Ecole (Rumba na Rumba)” (2014).  

Documentos sonoros: 

"Chouchouna"de la  Zaiko Langa Langa.  


Viva la Música en directo a principios de los ochenta, 


Papa Wemba en concierto en 2015. 


viernes, 22 de abril de 2016

Fallece Gib Guilbeau, pionero del country rock con Sweetwater y Flying Burrito Brothers

El 12 de abril de 2016 fallecía Gib Guilbeau a los 78 años. Floyd August "Gib" Guilbeau nació el 26 de septiembre de 1937 en  Sunset, Louisiana. Violinista, guitarrista, pionero del country rock y experto en la música cajun,  empezó a formar parte de bandas de músia amrciana en los años cincuenta. Entre sus principales proyectos destacan el dúo Guilbeau & Parsons de 1966 a 1967, la banda Nashville West de 1968 a 1969, los Swampwater de 1970 a 1972, y The Flying Burrito Bros en varias etapas desde 1973 a 1998, entre otros combos a cuál más importante e imprescindible.

The Castaways 
Guilbeau empezó a tocar el violín y cantar a los 14 años en bares de Opelousas. Durante su paso por la U.S. Air Force, formó con otros militares la banda The Sons of the South tras los que se unió a The Hinkley Valley Boys. Tocó en una sucesión de bandas incluidos The Hi-Flyers y Four Young Men con los que grabó varios sencillos en los sesenta. Le siguieron The Castaways, y seguidamente se unió a Gene Parsons. Hacia 1966 formaron un grupo juntos que se llamó Cajun Gib and Gene, al que en ocasiones se unió Clarence White. Grabaron dos sencillos y un álbum para el sello Bakersfield International label. Después los tres crearon Nashville West con Wayne Moore. Fue uno de los primeros grupos en mezclar el country con el pop y el rock. Trabajaron extensamente con Gary Paxton, Gosdin Brothers y Paxton himself. También colaboró con Ernie Williams y Darrell Cotton.


Con los Sweetwater y Linda Ronstadt
En 1969 grabó el disco “Cajun Country” y formó parte de Sweetwater, una banda que en un principio iba a reemplazar a los Stone Poneys, grupo de acompañamiento de Linda Ronstadt y Arlo Guthrie. Sweetwater grabó un disco y un par de singles, más otro disco para RCA Records.

Los Flyinbg Burrito Brothers 
En 1973 sacó el álbum “Gib Guilbeau Sings”, grababa en Nashville pero quería irse a  Los Angeles para tocar con Sneaky Pete Kleinow en bandas como Cold Steel, Lone Star y The Docker Hill Boys. Kleinow y Gib entraron a formar parte de unos renovados Flying Burrito Brothers con Gene Parsons, Chris Ethridge, Joel Scott Hill y  Skip Batten. Grabaron dos álbumes de estudio para Columbia, “Flying Again” (1975) y “Airborne” (1976). Hasta 1997 fue uno de los pocos miembros fijos de los Burrito. Cuando dejó la banda trabajó como productor, músico de estudio y grabó una serie de discos en solitario. En 1978 sacó el disco “Toe Tappin' Music”.

Guilbeau fue también un prolífico compositor y sus temas fueron grabados por David Alan Coe, Bobby Womack, Jimmy C. Newman, Ricky Nelson o Rod Stewart. En 2003 vio la luz el álbum “Songs I Like”.

Documentos sonoros: 

Fue tan extensa la trayectoria de Gib que te invitamos a ver un vídeo resumen de todas las bandas por las que pasó desde los cincuenta.


Fallece Lonnie Mack, guitarrista, cantante y compositor de rock and roll, soul, blues y country

Lonnie Mack
Lonnie McIntosh  nació el 18 de julio de 1941 en  Dearnborn, Indiana,  ya falleció el 21 de abril de 2016 en Nashville, Tennessee. Conocido por su nombre artístico de Lonnie Mack , fue un prestigioso cantante y guitarrista de rock and roll, blues y country.  Durante los sesenta grabó varios discos instrumentales de guitarra con temas destacados como "Memphis", "Wham!", o "Chicken Pickin " al tiempo que destacó como cantante de  "blue-eyed soul", entre otros estilos como el country, blues, rockabilly, el southern rock, R&B, bluegrass o el gospel.  Aparte de su carrera en solitario colaboró con Stevie Ray Vaughan, James Brown, Freddie King, Joe Simon, Ronnie Hawkins, Albert Collins, Roy Buchanan, Dobie Gray y Arthur "Big Boy" Crudup , entre otros. 

Lonnie Mack
En 1941, la familia de Mack se trasladó desde el sureste de Kentucky al sur de Indiana, donde fue criado cerca del río Ohio en hogares sin electricidad. La familia tenía una radio primitiva, con pilas y eran devotos del Grand Ole Opry.  Siendo niño se convirtió en fan del country, el góspel y el R&B.  Comenzó a tocar a la edad de siete años, con una guitarra acústica que había cambiado por una bicicleta.  Empezó tocando bluegrass con su familia. Su padre tocaba el banjo.   Su madre fue una clara incluencia para su amor por el country Ralph Trotto, un cantante local de gospel, fue su primer maestro musical.  Abandonó la escuela a la edad de trece años después de una pelea con un maestro, y con una identificación falsa pudo tocar en el área de Cincinnati.  Empezó a grabar a finales de los cincuenta para el sello Sage temas como "Pistol-Packin' Mama" y "Too Late to Cry". Reunió una banda propia con la que tocó rockabilly y R & B a la que llamó The Twilighters al tiempo que adoptó el sobrenombre de Mack. Fue entonces cuando compró su Gibson Flying V, en su primer modelo atraído porc la forma de flecha. 

A principios de los sesenta Mack trabajó como músico de sesión para la Fraternity, un pequeño sello discográfico en Cincinnati que alquiló los estudios de King Records mucho más grandes para sus sesiones de grabación. Allí toca en una serie de sencillos de R & B con artistas como  Max Falcon, Beau Dollar and the Coins, y Denzil Rice de The Charmaines  (quien como "Dumpy" Rice pasó a convertirse en pianista del  banda de Mack).  El 12 de marzo de 1963, al final de una sesión de grabación para  Charmaines, Mack y su banda grabaron durante los restantes veinte minutos de alquiler del estudio una versión instrumental del éxito de Chuck Berry, "Memphis, Tennessee".  Más tarde, y sin que él lo supiera se convirtió en todo un éxito.  El mismo año sacó otros instrumentales como  "Wham!", " Chicken Pickin ", y una versión del tema de Dale Hawkins "Suzie Q".  Aunque entonces no existía la eriqueta ahora están consideradas como las primeras grabaciones de blues rock.  En 1963 salió el álbum “The Wham of that Memphis Man!”. 

Lonnie Mack
En concierto, Mack cantaba baladas de blue-eyed soul de inspiración góspel como “Why?", "She Don't Come Here Anymore" y "Where There's a Will".   Incluso llegaron a invitarle a una entrevista en una radio de R&B de Birmingham, Alabama, y cuando le vio el locutor que era blanco canceló la entrevista porque “era del color equivocado". Llegó a estar incluso censurado en algunas emisoras. En 1969 vieron la luz los discos “Glad I'm in the Band” y “Whatever's Right”.

Lonnie Mack


Durante la década de los setenta, grabo menos blues y baladas de soul, y más country y rockabilly. En los ochenta grabó una versión del tema de T-Bone Walker" Stormy Monday ", y la balada “Stop", o una versión góspel del tema de Wilson Pickett "I Found a Love". Su último álbum para Elektra fue “The Hills of Indiana” tras el que pasó del R&B y el rock and roll al country y el góspel. Dejó los Ángeles y volvió a su casa. Le siguieron otros trabajos como  “Dueling Banjos” (1973), “Home At Last” (1977), “Lonnie Mack With Pismo” (1978), “South” (1979); “Strike Like Lightning” (1985), “Second Sight” (1986), “Roadhouses and Dance Halls” (1988), y “Attack of the Killer V” (1990).  En 1975 recibió un disparo en un altercado con un policía fuera de servicio. En 1983 se trasladó a Texas donde siguió actuando al tiempo que se hizo muy amigo de Stevie Ray Vaughan.  Estuvo enfermo y tras recuperarse firmño en 1984 con Alligator records. Durante lso siguientes años grabó y tocó regularmente por su país y Europa hasta 2004. En 2011 estaba trabajando en un libro de memorias publicando en su web algunas canciones.  

Docunentos sonoros: 

El álbum  “The Wham of that Memphis Man!” (1963) con instrumentales de R&B y baladas de soul gospel. .

Albert Collins, Roy Bachanan y Lonnie Mack en 1985.


Lonnie Mack y su amigo Stevie Ray Vaughan en 1986.