viernes, 22 de septiembre de 2017

You are the Cosmos nos ofrece una segunda parte de canciones exquisitas (1986-2017) de Ronnie D'Addario

Portada Lp
El sello You are the Cosmos nos ofrece la segunda parte de la excelsa obra discográfica de Ronnie D’Addario mediante un Lp en vinilo con lo mejor de sus últimos trabajos hasta el momento, es decir de 1986 a 2017, más un box set de tres Cd’s donde se incluyen los tres discos que ha grabado en estas últimas décadas. Degustada convenientemente la magnífica primera parte recopilatoria con sus primeras grabaciones, entre los años 1976 y 1983, y admirado de nuevo ante esta impresionante continuación, cualquiera con un mínimo de sensibilidad va a preguntarse cómo es posible que este compositor, letrista, multiinstrumentista, etc no figure en los anales enciclopédicos del mejor rock and roll de todos los tiempos. Su fascinante universo musical está repleto de magníficas canciones enfocadas desde múltiples estilos, ciertamente impresionantes tanto melódica como rítmicamente.  Con la base emotiva y sensual del mejor pop, D’Addario viste sus maravillas compositivas con arreglos geniales que van del powerpop al blues, pasando por el country, el soul o el rock, dominando a la perfección todos los tempos, de la balada al ritmo más enérgico y bailable. Todos y cada uno de sus temas van a resultarte exquisitos, repletos de matices, compuestos con humildad y convicción, mediante una fuerza o una delicadeza según sea el caso, digna de los más grandes compositores e intérpretes de pop.
      
Trayectoria

Ronnie D'Addario
Ronnie D’Addario  nació y se crío en Manhattan (Nueva York). Su padre era músico profesional, aunque no llegó a conocerle y su madre le regaló una guitarra en 1964. Ambos compartían la admiración por los Beatles. Tras pasar por varias escuelas,  empieza su carrera musical como músico de estudio tocando la guitarra, el bajo y cantando en varias sesiones. Estuvo en varias bandas y colaboró con Tommy Makem (n. 1932 – d. 2007) cerca de veinte años. Makem fue para él todo un maestro. Ronnie tocaba la guitarra acústica y Tommy el banjo.   Por esa época trabajó en el estudio Dimensional Sounds de Nueva York y en un estudio de cine, Filmsounds. Fue ingeniero de sonido en Folk City para músicos de Greenwich Village, como Rick Danko, Peter Tork, Richard Thompson, Delores Keane y Silly Wizard, entre otros trabajos de sonido y luces. También tocó en muchas bandas irlandesas y produjo a Morning Star, Mary O'Dowd, Danny Quinn, y The Irish Mist. Uno de sus temas más representativos es “Falling For Love”, canción que grabaron los Carpenters pero que nunca editaron. La mandó en 1981  por correo al sello A&M en Los Ángeles, al agente y al mánager de los Carpenters quienes la grabaron con Karen haciendo una toma de prueba. Después enfermó y murió en 1983 sin grabar una toma final.  No hubo otra toma y nunca fue editada con las voces de los Carpenters.


Ronnie D'Addario. Foto: Jackie Zeankowski
Por otra parte, Ronnie es autor de varios proyectos para niños como "Dancin' in the Kitchen," (1998) o  "Try Out a Song" (2002). You are the cosmos ha recuperado en Cd, en una primera entrega, los discos “Take In A Show” (1976), “Falling For Love” (1981) y “Good For You (1983)” más Bonus Tracks, incluídos juntos en un Box Set.  Un total de cuarenta temas de los cuales, se escogieron 12 para editar un vinilo con "The Best of Ronnie D’Addario 1976-1983" (+ info).  Los discos incluyen las letras de las canciones.  Ahora, el sello zaragozano ha sacado sus más recientes tres álbumes: “The Many Moods of Papa Twig” (2017); “A Very Short Dream” (2015) y “Time Will Tell On You” (2011). Un total de 47 canciones, más 4 bonus tracks, de las cuales ha escogido 12 para editarlas con un vinilo “Best of 1986 - 2017”.  Tanto en el Box set como en el Lp tienes a tu disposición las letras de las canciones.  Entre los créditos figuran los nombres de aquellos que han colaborado, de una forma u otra, bien sea aportando voces como sus hijos Michael y Brian de los Lemon Twigs; Bob Mastro al pedal Steel, mandolina, synth, o violín; Nick Lohri a la guitarra, Robert Sole al bajo, Glen Robert  Allen a la batería, Dublin Bay Pirates ayudaron en la instrumentación irlandesa de "In Time"; más las voces de Jan Melchoir y Judy Dunleavy en "Cute to Boot", o Mary O’Dowd en "After me own heart". Por lo que respecta a las excelentes fotos que podrás ver en la portada y contraportada del recopilatorio son de Jackie Zeankowski.

Las canciones del recopilatorio


Ronnie D'Addario. Foto: Bert Saracco
El disco se abre con “Time Will Tell On You”, la primera de las maravillas melódicas de este álbum en la que sobresalen las guitarras dando cobertura a la sensacional voz solista más  coros. Es remarcable también el planteamiento rítmico, perfilado por el consistente bajo más la solvente batería. Todos y cada uno de los instrumentos se compenetran mediante una exhibición de matices que juegan con los tempos, “rallentando” para crecer con fuerza, desplegando brillantes armonías en un alarde de técnica y sentimiento. Sigue con “A Very Short Dream”, otra exquisitez que, en este caso, se articula con un calmado piano y una voz angelical perfilando una balada de ensueño que sigue sus pasos con seguridad, encogiéndonos el corazón con cada acorde, mediante la suma de riffs de otros teclados y una minuciosa percusión más esas indispensables segundas voces.

Portada Box set
  
A continuación nos propone "She Tries”, tema que empieza con el sensible piano dibujando figuras etéreas con las que se da paso a un tema de pop sencillamente admirable entre fraseos de clave. Una sucesión de planos que van sobreponiéndose para dar paso a ese gratificante estribillo que nos eleva varios metros por encima de la realidad circundante.  No faltan cambios melódicos reforzados por la envolvente presencia de la magistral cuerda.  “Don't Wait For Yesterday” es el título del siguiente tema al que accedemos tras la entrada de la percusión y esas preciosas combinaciones vocales que consiguen estremecernos de principio a fin. Arreglos de new wave y un bonito solo de órgano completan una canción que te pondrá la piel de gallina con sus variadas muestras de pasión a raudales.  

Le sucede “My Old Self Again” con su ritmo marcado por medio de las pulsaciones justas para que su melodía camine con fluidez y crezca con un punto de sueva psicodelia 60’s. Recursos múltiples y variados a los que se suma las perfectas voces de sus hijos, toques de piano, y efectos instrumentales varios a modo de pedales celestiales. Con “Get It Right” se cierra la cara A y lo hace mediante la enésima excelencia compositiva, en este caso encabeza por juegos vocales que desembocan en un ritmo bailable en el que teclados y percusión arropan a la inmejorable voz principal quien nos asombra, una vez más, con el dominio escrupuloso del tempo y las intensidades con el propósito conseguido de emocionarnos hasta lo indecible.      
Portada de uno de los tres Cd's

La cara dos arranca con la sensualidad  de “So That's How It Is”, tema donde se reafirma su capacidad innata para crear canciones bonitas con arreglos repletos de detalles cariñosos. Desde el juego de los teclados a los cambios rítmicos pasando por un buen solo de guitarra y la voz tierna de su responsable, todo parece pensado para dar sentido a un momento especial. Seguidamente, nos embelesa con “Don't Get Me Started”,  una sensacional amalgama de detalles sensibles procurados por piano entre secuencias rítmicas de una solemnidad perturbadora, que despegan en un vuelo melódico inaudito. Al oírlo, tu corazón planeará con enorme dulzura permitiendo una percepción incomparable del espacio poético y sonoro de este gran compositor.  Con “The Walking Wounded”, D’Addario no ofrece otras tantas muestras de su grandeza, tanto musical como poética, creando secuencias consistentes que avanzan con una seguridad imperturbable. Una canción que defiende el amor a toda costa, al margen de los miedos, aunque la batalla se pierda. Con “Heroes Are So Easily Replaced”, mantiene los pies en la tierra y el corazón repleto de esperanza, sin perder su identidad, con la seguridad demostrada de tener buenas ideas que contarnos. Una canción en la que recupera el peso argumental de las guitarras trenzando notas entre momentos sutiles de teclados, con una sucesión de motivos profundos, que desembocan en otro de sus apetecibles estribillos tan cautivadores.

Contraportada
Va cerrándose tan extraordinario compilado con “She Is Something”,  tema de amor en el que el protagonista quiere despertar el interés de una chica especial. Un tema que inspira  una gran emotividad con aportaciones de sensual piano acompañando la voz ensoñadora de un Ronnie “really something”. Acaba el disco mediante “Love's Won Me Over”, la última de las sorpresas de esta magnífica selección de canciones. En este caso, nos encontramos con un sutil tema de pop soul con unos sublimes arreglos de teclados que desprenden ondulaciones sonoras encantadoras acompañando a la voz insuperable de un inspiradísimo compositor protagonista de unos juegos vocales finales a modo de guinda para un dulce de amor realmente exquisito.  Parafraseando el título del último tema, Ronnie D’Addario nos ha “ganado” completamente. Una victoria indudable y deseada paras todos aquellos oyentes sensibles y de buen criterio.
   
Reflexión final

Box set 1987 - 2017
Supongo que seleccionar los temas para un recopilatorio siempre resulta una tarea ardua en el caso de autores tan prolíficos como es el caso de Ronnie D’Addario. Se trata de, a todas luces,  un compositor excelente, así como inmejorable cantante e instrumentista. No hay ni una sola de todas sus canciones que  no merezca figurar entre lo mejor de lo mejor. Sin discusión alguna, estoy convencido de que podríamos sacar más de un compilado, aunque en este “Best Of  1986-2017”, editado por You are the Cosmos,  se deja notar el extraordinario criterio de aquel o aquellos que han tenido la difícil decisión de escoger tan solo doce canciones, doce memorables e imprescindibles temas de toda su excelsa obra. Por suerte para todos, el resto de sus temas, pertenecientes a sus tres más recientes álbumes, se encuentran recogidos en ese magnífico Box-set. Una caja recopilatoria con medio centenar de canciones con las que el maestro D’Addario te va a sorprender y mucho mediante  múltiples registros estilísticos que conforman un universo compositivo repleto de pura delicatesen melódica, no exenta de momentos muy divertidos, otros altamente emotivos, y todos ellos absolutamente sensacionales. Aquí ya no estamos hablando de una simple recomendación, que también, si no de mucho más: en esta reseña te estoy diciendo, por si tienes aún algún tipo de duda al respecto sobre si debes o no adquirir estos discos, que si escuchas tan maravillosa obra, ya nunca más podrás pasar sin ella. Te aseguro que tu concepción del pop no solo evolucionará considerablemente sino que, a partir de ahora y por arte de magia, vas a cerciorarte por comparación, y con tan solo oír un compás, cuanta tontería nos están intentando colar los mass media y a precio de oro, cuando tenemos a nuestro alcance a auténticos maestros como Ronnie D’Addario.    

Nota: Puedes adquirir una copia del vinilo o el box con los tres Cd's en la web de You Are The Cosmos Te hablamos de la primera parte de su discografía aquí.

"A very short dream", uno de los tantos temas maravillosos que podrás oír en tan especial selección de la obra de Ronnie D'Addario. Un video ilustrado con fotos de su familia, e historia personal.

Muere el bluesman Mark Selby

Mark Selby
Mark Otis Selby  nació en 1960 en Enid, Oklahoma  y falleció el 18 de septiembre de 2017 a consecuencia del cáncer que padecía. Fue un cantante, guitarrista y compositor de blues rock y country,  multi-instrumentista y productor.  Realizó su carrera musical en soitario con ZYX Records en Europa, colaboró con su  esposa, la compositora Tia Sillers, fue músico de sesión y coescribió  temas con Kenny Wayne Shepherd. 

Mark Selby grabó como músico de sesión con Kenny Rogers, Johnny Reid, Keni Thomas, Jimmy Hall y Wynonna Judd, entre otros.  Es  quizás más  conocido por las canciones que co-escribió con el músico de  blues-rock Kenny Wayne Shepherd, que incluye el single número uno, "Blue on Black". Selby también colaboró ​​con Sillers en la canción número 1, "There's Your Trouble", que fue grabada por los Dixie Chicksen 1998  con la que la banda ganó un  Grammy.  También escribió temas para Wynonna Judd, Trisha Yearwood, Johnny Reid, Jo Dee Messina, Lee Roy Parnell y  Keb’ Mo’.  

Selby grabaría una serie de álbumes en solitario desde 1984 a 2013.  Los dos primeros proyectos, fueron “One way ticket” (1984) y “One these days” (1986). Les siguieron  discos ocmo “More Storms Comin’” (2000) y “Dirt” (2002) con Vanguard Records. Tras firmar con ZYX en Merenberg, Alemania, lanzó su próximo álbum, “And the horse He rode in on” (2006).  Sus siguientes discos fueron  “Nine pound hammer” (2008) y “Blue Higway” (2013).  

 Documento sonoro: 

 “And the horse He rode in on” (2006) de Mark Selby. 


miércoles, 20 de septiembre de 2017

Fallece Johnny Sandlin, productor y componente de los Hour Glass

Johnny Sandlin
John Everett Sandlin Jr. nació el 16 de abril de 1945 en Decatur (Alabama) donde falleció el 19 de septiembre de 2017. Fue un afamado ingeniero de sonido y productor conocido por sus trabajos con bandas como Allman Brothers Band, Widespread Panic, Wet Willie, Col. Bruce Hampton y Aquarium Rescue Unit. También fue guitarrista y bajista de sesión en los FAME estudios y formó parte de grupos de R&B como los Hour Glass dodne tocó la batería. 

Sandlin estudió en la Athens State University. Formó parte de la banda de R&B Hour Glass, con base en los Ángeles en la que estuvieron dos de los futuros miembros de la Allman Brothers Band, Duane Allman y su hermano Gregg, más tres futuros músicos de estudio del mundialmente famoso Fame Studios en Muscle Shoals, Alabama: Pete Carr, el mencionado o Johnny Sandlin y Paul Hornsby. La banda se creó con components de los Allman Joys (con base en Florida) y The Men-its (con base en Alabama). A principios de 1967 conocieron en un concierto en St. Louis, Missouri a miembros de la Nitty Gritty Dirt Band, cuyo gerente, Bill McEuen, les arregló un contrato con Liberty Records.



Hour Glass

Se trasladaron a los Angeles y grabaron un disco de título homónimo con Gregg Allman al órgano, piano y voz; Duane Allman a la guitarra y voz; Paul Hornsby al piano, órgano y voz; Johnny Sandlin a la batería; y Jesse Willard (Pete) Carr al bajo, y guitarra; más Mabron McKinney al bajo. En el escenario, el grupo rara vez interpretó temas del álbum, prefiriendo material original de Gregg Allman junto a versiones de Otis Redding y canciones de los Yardbirds. Mabron McKinney fue substituido por Bob Keller, grabando un seguhdo album llamado "Power of Love" con el bajista Pete Carr. Tampoco tuvieron gran repercusión y se trasladaron a los estudios FAME cuyas pistas fueron rechazadas por el sello Liberty. El grupo se desanimó y se separaron. Duane y Gregg Allman se trasladaron a Jacksonville, Florida formando parte de los 31st of February, con el baterista Butch Trucks, y el resto se quedó como músicos de sesión en Muscle Shoals.



Hour Glass
Liberty Records les amenazó con demandarles por su disolución y para evitarlo Gregg Allman les dio los derechos de un álbum en solitario. Ese disco no vio la luz hasta 25 años más tarde en las reediciones de los dos álbumes del grupo. Con su hermano en Los Angeles, Duane Allman se unió temporalmente a sus compañeros de banda en Muscle Shoals, donde conoció al baterista J. Johanny "Jaimoe" Johanson y se interesó por el bajista Berry Oakley de la banda de Jacksonville de psicodelia, the Second Coming. Más tarde formarían la Allman Brothers Band.


Sandlin comenzó a producir álbumes como el "Ton-Ton Macoute" de Johnny Jenkins (1970), pasó a mezclar los discos de la Allman Borthers Band, "Fillmore East" (1971) y "Eat a Peach" (1972), así como producir "Brothers and Sisters" (1973), y "Win, Lose o Draw" (1975). Trabajó con gran variedad de bandas, incluyendo la banda de Georgia Widespread Panic en su álbum de debut, Wet Willie, Col. Bruce Hampton y Aquarium Rescue Unit.


Documento sonoro:

"Nothing but tears" de Buddy Scott y Jimmy Radcliffe intepretada por los Hour Glass.




martes, 19 de septiembre de 2017

Pat Todd y sus Rankoutsiders siguen creciendo con canciones espectaculares al margen del fracaso mediático

Portada 7"
Al escuchar la banda de Pat Todd & The Rankoutsiders, uno experimenta la sensación de que está compartiendo todo lo aprendido por este "grande" durante su larga como fructífera trayectoria. Es decir, toda una clase intensa de rock and roll aderezado con la tradición folk y punk americana.  La verdad es que resulta un auténtico lujo para los sentidos. Con su peculiar voz rugosa, arropado por una banda muy bien conjuntada, entre ritmos acelerados o tempos sensuales, su obra sigue siendo un ejemplo a seguir para todos aquellos que aman profundamente las raíces. Además, su obra resulta un correctivo importante para aquellos otros que, desde la atrevida ignorancia, creen haber inventado aquello que este gran músico lleva en las venas desde mediados de los ochenta sin que haya perdido ni un ápice de credibilidad en todo este tiempo.  Aunque él nos hable de realidades, de fracaso, de caídas, de su poca repercusión mediática, en cualquiera de las canciones de Pat Todd confluyen unas circunstancias especiales y una forma única de entender la música que resulta especialmente apasionante como es el caso de este par de temas que han editado, de forma limitada este 2017, los sellos KOTJ Records, Ghost Highway Recordings, y Beluga Records.       
       
Trayectoria

Pat Todd fue el líder, cantante y guitarrista de la banda de los Ángeles, The Lazy Cowgirls formada originalmente en Vincennes, Indiana. Durante dos décadas grabaron varios  singles y álbumes para sellos como Restless con los que debutaron en 1985, Sympathy For the Record Industry, Crypt, Bomp, Gearhead y Reservation con los que sacaron su último disco “I'm Goin' Out And Get Hurt Tonight” en 2003. La formación original se completaba con D.D. Weekday (alias Doug Phillips) a la guitarra hasta 1995, Keith Telligman al bajo hasta 1991 y Allen Clark a la batería hasta 1991. Después pasaron otros componentes como los guitarristas Michael Leig (1993-2004), Eric Chandler (1997-1998), y Rick Johnson  (1998-1999); el bajista Leonard Keringer (1995-2004); y los bateristas Ed Huerta (1993-1995), Bob Deagle (1997-2000) y Roy J. Morgan (2003-2004).

Pat Todd
Tras los Lazy Cowgirls, Pat continuó su carrera arropado por los Rankoutsiders  grabando su primer disco en 2006 con el título de “The Outskirts Of Your Heart” autoeditado por Rankoutsider Record y reeditado en 2016 por Hound Gawd records. Estuvo acompañado por  Michael Leigh, Tony Hannaford y Nick Alexander a las guitarras, Rick Johnson al bajo, y Bob Deagle a la batería, entre otros. Para la producción contó con el guitarrista de Sparks,  Earle Mankey (The Cramps, Concrete Blonde, The Beach Boys, Possum Dixon). Le siguieron otros discos con el mismo sello propio como “Holdin' Onto Trouble's Hand” (2008), “14th & Nowhere...” (2013) Y “Blood & Treasure” (2016) que salió con Hound Gawd records. Por el camino también ha sacado sencillos con temas como “Cos, I'm Bound Ta Lose / It's All Over Now Baby Blue” (2013) editado por la madrileña  Ghost Highway Recordings.

Este sencillo que te presentamos contó con Pat Todd a la voz y percusión, Nick Alexander a la guitarra y coros, Kevin Keller a la guitarra y coros, Rick Johnson al bajo y coros, y Bobby D. a la batería. De nuevo fue producido por Earle Mankey más Pat, con arreglos de la banda, fue grabado y masterizado en Earle’s Rankoutsider Wreckroom en Thousand Oaks  (California).  Se trata de una edición limitada a 250 copias.  El dibujo de la portada es de la novela negra “The Private Eye” (1957) de Cleve F. Adams. 


Las canciones

Pat Todd and The Rankoutsiders
En la cara A nos ofrece el tema ese “Know ta stumble / Know ta fall”, una tormenta de R&B acelerado, con la enérgica voz de Pat acompañado por esa fiera banda que le respalda  mediante un dominio del tempo y los riffs imaginativos, sin que falte ese estribillo de puño en alto con el que logrará que enloquezcas como es debido en un tema de auténtico rock and roll.   No falta un aguerrido solo de guitarra eléctrica que aporta matices desgarradores  y ese cambio de armonía que dimensiona el tema en los compases finales entre golpes certeros de bajo y batería.  

Pat Todd and The Rankoutsiders
En la B, disfrutamos y mucho de la canción “Failure is my name”, aguerrida, sensual y divertida exhibición de matices guitarreros corrosivos, coros de “pub rock”, momentos de folk punk, voz en estado ácido, y melodías sublimes que tienen la impronta de genios que logran emocionarnos mostrándose en todo su esplendor, pese al “fracaso”, conjugando los ritmos con persistencia y aportando solos salvajes de guitarras descarnadas.    


Reflexión final:

Pat Todd and The Rankoutsiders
Músicos y amigos de Pat Todd solo tienen palabras de admiración hacia un hombre que lo ha dado todo por el rock and roll, con humildad y pasión a raudales. Un hombre que conoce la caída aunque como el mismo dice en su web:   "He mejorado, eso es lo principal que debes intentar hacer en la vida: crecer y mejorar". Y no hay duda alguna de que, gracias a su perseverancia, sigue demostrándonos todavía su enorme fuerza y originalidad creativa. Habrá quien prefiera, sin remisión, esos jóvenes y no tan jóvenes, tan arrogantes como prescindibles, mediocres que creen haberse inventado lo que tú y yo sabemos que existe y seguirá haciéndolo por mucho tiempo. Que hagan lo que quieran , por supuesto, pero yo me quedo con artistas como éste capaces de dar vida a canciones tan demoledoras, efectivas, sencillas y convincentes como las dos que se incluyen en este single editado por estos tres magníficos sellos que son KOTJ Records, Ghost Highway Recordings, y Beluga Records.  Pat Todd seguirá siendo un grande porque tiene lo  necesario para dar vida a canciones memorables. Respaldado por sus hábiles y entregados Rankoutsiders, crece y mejora  desde la modestia, más inspirado que nunca y con el único dogma de fe que: “Music is Always Better Loud”.   

Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp de KOTJ donde tambièn podrás adquitir una copia. Disponible también en Ghost Highway recordings 

lunes, 18 de septiembre de 2017

Fallece Wm Berger de los Uncle Wiggly

Wm. Berger
William M. “Wm.” Berger falleció el 12 de septiembre de 2017 tras una breve enfermedad. Fue componente del grupo de finales de los ochenta y los noventa,  Uncle Wiggly. También grabó como World (of Dreams) y Sinistre!, trabajó en la radio, y en los estudios Prison Tatt Records. 

El grupo Uncle Wiggly se creó en 1988 en Nueva York con Wm. Berger de la WFMU radio con dos componentes de la banda neoyorquina Fly Ashtray: James Kavoussi y Michael Anzalone. Wm. Berger y James Kavoussi se alternaban en la guitarra y la batería mientras Michael Anzalone tocaba el bajo. Los tres cantaban y componían. En sus canciones mezclaban los primeros Pink Floyd con el Krautrock más la primera hornada de la SST Records, Meat Puppets o The Minutemen. 

Uncle Wiggly
Su primer disco salió con Nur Scheiss (Austria) con el título de “He Went There So Why Don’t We Go?”. Después firmaron con Shimmy Disc y editaron “Across the Room and Into Your Lap” en 1991, con Mark Kramer en las mezclas. Durante su gira por Europa en 1991, un conductor del equipo dijo la frase "There was an Elk!" que se convirtió en el título de su tercer álbum autoproducido, lanzado con Shimmy Disc en 1992. En 1994 sacaron temas inéditos en cassette y en 1995 grabaron el álbum "Ep Non-Stuff con los británicos Hemiola Records. Le sucedió el álbum “Jump Back, Baby” en TeenBeat Records en 1996 y un disco instrumental llamado “Farfetchedness” en 1999 con Dark Beloved Cloud.  

Kavoussi siguió tocando con Fly Ashtray y Gimme 5, además de grabar como Phoaming Edison. Wm. Berger grabó bajo los nombres de World (of Dreams) y Sinistre!. También fue operador en los estudios Prison Tatt Records. 

Documento sonoro:

Uncle Wiggly y "Behold!". 


Muere el percusionista Laudir de Oliveira


Laudir de Oliveira
Laudir Soares de Oliveira nació en Río de Janeiro (Brasil) el 6 de enero de 1940 y falleció el 17 de septiembre de 2017. Músico y productor, fue conocido por su etapa como percusionista de la banda Chicago desde 1973 a 1980. Colaboró con muchos otros como Sérgio Mendes, Joe Cocker, Chick Corea, Gal Costa, Airto Moreira, Flora Purim, Carlos Santana, Wayne Shorter y Nina Simone.


De Oliveira comenzó a trabajar profesionalmente como músico en la década de los sesenta acompañando a otros músicos brasileños como Sérgio Mendes y Marcos Valle. En 1968 se trasladó a los Estados Unidos. Acreditado simplemente como "Laudir" también apareció en el álbum de debut de Joe Cocker de 1969, tocando en el tema "Feelin 'Alright". En 1973, de Oliveira fue invitado a tocar con Chicago en su sexto álbum.


Chicago
Después de grabar los álbumes "Chicago VI" (1973) y "Chicago VII" (1974) como músico de estudio, De Oliveira se unió oficialmente a la banda en 1975. La mezcla de jazz-rock y el ritmo brasileño aportado por Laudir se deja notar en grandes éxitos del grupo como "Happy Man", "Call on Me", "Mongonucleosis" y "If You Leave Me Now". Después apareció en otros discos del grupo desde "Chicago VIII" (1975) a "Chicago XIV" (1980). Por otra parte también cantó en el tema "You Get It Up" de Chicago X (1976) y es coautor de "Life is What It is" del disco "Chicago 13" (1979).
Paralelamente, De Oliveira continuó trabajando como músico de sesión y en 1978, grabó con The Jacksons el álbum "Destiny". Ya en los ochenta los Chicago se tornaron más pop y De Oliviera dejó el grupo substituyéndole Bill Champlin. Pasó los siguientes cinco años en Los Ángeles, colaborando como músico de sesión con Chick Corea, Gal Costa, Airto Moreira, Flora Purim, Carlos Santana, Wayne Shorter y Nina Simone, antes de volver a Brasil en 1987.


Laudir de Oliveira
Vivió en Río de Janeiro, donde fue Director Cultural de la Universidade do Grande Rio. En septiembre de 2010 se reunió con Chicago con motivo de un concierto de la banda en el HSBC Arena de Río de Janeiro, interpretando "Happy Man". En abril de 2016 apareció tocando con el ex baterista de Chicago, Danny Seraphine, y el ex guitarrista de Chicago Donnie Dacus en una actuación en Nueva York tras la entrada en 2016 de Chicago en el Rock and Roll Salón de la Fama.


Documento sonoro:


Chicago y "You Are On My Mind" con la percusión de Laudir de Oliveira. Los Chicago más brasileiros cuya música impactó mucho en las orquestas de baile de los setenta de todo el mundo.




Muere Fred “Freak” Smith de los Strange Boutique, Blaxmyth y Beefeater

Fred "Freak" Smith 
Fred "Freak" Smith murió en un parque del Valle de San Fernando (Losd Ángeles) el martes 8 de agosto de 2017, después de ser apuñalado por un asaltante desconocido. Tenía 55 años.  Fred "Freak" Smith fue el guitarrista de la banda gótica Strange Boutique, la banda "ghetto metal" Blaxmyth y su banda más conocida y venerada, Beefeater, entre muchos otros.  Entusiasmado por la música desde los seis años, según recordaba su madre, Deloris Smith, al periódico local  San Fernando Valley Sun, entre los 12 y los 14 empezó a tocar en bandas. Heredó su predisposición artística de su padre  Fred Sr., quien ya había cantado en una banda de doo-wop.


Beefeater estuvieron activos de 1984 a 1986 con Tomas Squip, a La voz, Fred "Freak" Smith a la guitarra, Dug E. Bird (Birdzell) al bajo y Bruce Atchley Taylor a la batería. Fueron una de las bandas más importantes de la escena punk hardcore de Washington, D.C. conjuntamente con Embrace y Rites of Spring, de mediados de los ochenta.  Debutaron con un Lp “Plays for Lovers” editado en 1985 por Dischord Records. Le siguió “Ned a job” (1986) con  Mark "Two-Chair" Shellhass a la batería, y “House Burning Down” (1987) con Kenny Craun a la batería, y con la banda ya separada.  Squip y Birdzell formaron Fidelity Jones; Craun tocó con Rhythm Pigs, y  Fred "Freak" Smith tocó con los Strange Boutique con Danny Ingram, Monica Richards, y Steve Willett. Grabaron los discos “The Loved One” (1991), “Charm” (1993), y “The Kindest Worlds” (1994). 

Documento sonoro: 

"Mr. Silverbird" de los Beefeater