viernes, 28 de julio de 2017

The Hollers te inflamarán el alma con su “I'll Do the Talking”, un brillante Lp de ardiente punk blues

Lp Foto: Errefotografía
The Hollers son de esas formaciones de las que muchos han aprendido, incluso aprehendido, en los últimos años, en especial entre aquellos dúos de guitarra, voz y percusión, que han explotado los recursos del rock and roll más salvaje. Pioneros en muchos sentidos, sus canciones aúnan fortaleza e imaginación, mediante un absoluto conocimiento de causa y un dominio meticuloso del género. Su ardiente y visceral creación se completa con una interpretación demoledora en directo y una grabación exquisita en los Hollers Analog  Studio donde tantas bandas han encontrado lo necesario para brillar en su “máximo” esplendor.  Se trata de un dúo que genera un amplio planteamiento sonoro que va del primitivismo del blues a la andanada del punk pasando por la inmediatez del “garage” más oscuro.  Acaban de editar este 2017 un Lp ardiente con el título genérico de “I’ll Do The Talking” con las discográficas Folc records y Ghost Higway recordings.  Un disco impecable que consigue ir más allá de todo lo conocido; de ahí, ese título genérico que se nos antoja tan contundente: ahora les toca a ellos hablar  mientras todos los demás vamos a escucharles atentamente.     

Trayectoria

The Hollers 
The Hollers son Max RB (Máximo Ruiz Bandera), a la voz, guitarra, armónica, teclados  y Salva H. (Salvador Higuero) aka Howlin Sal a la batería. Se formaron en el año 2005 en Málaga.  Pioneros del punk blues, graban en los míticos Hollers Analog Studio de Máximo, y publican en 2009 con Monterrey un split con Little Cobras, en el que aportan los temas “Sinking Low” y “Soul Between Your Legs”.  Le sigue “Holler's Stomp”, Ep autoeditado.  Ya en 2013 recopilan sus grabaciones  con el título de “Forgiven But No Forgotten: Early Recordings” en el que aparece, en algunos temas, Paco Cloud de The Blackberry Clouds quien aporta órgano.  Ese mismo año aparece una grabación en directo grabada en el Velvet Club, de Malaga, el 4 de abril de 2009 con la participación de Paco. “I'll Do The Talking”, su primer larga duración, ha sido coeditado por FOLC Records y Ghost Highway Recordings. Fue también  grabado en su propio estudio, The Hollers Analog Studio.  Las fotos son de Errefotografía y el diseño de Cristóbal Jiménez Trujillo "By Cejota".

Las canciones

The Hollers. Foto: Errefotografia
El disco empieza con el tema que le da nombre. “I'll Do The Talking “  es una canción cargada de intencionalidad que empieza a caminar, con la seguridad de los maestros con ideas claras, entre riffs de guitarra que se combinan con exquisita prestancia al son de una batería imaginativa.  La voz principal culmina tan excelente corte de apertura con su enérgico  fraseo agresivo.  Varias líneas de guitarra fuzzcinante  se trenzan con una habilidad encomiable con un final instrumental que regresa al centro de su microuniverso  para resurgir entre compases de blues lisérgico y endemoniado, creciendo compás a compás. Le sigue “All Dead And Gone” con su certera andanada de distorsión arrasando con todo lo que se halle a su paso a ritmo de una batería presta a mantener el ritmo con una seguridad absoluta. Hard blues  que  explota de forma hipnótica consiguiendo aislar al atento oyente de su entorno vital para sumirle al imaginario de unos inspiradísimos Hollers.   

A continuación nos ofrecen “Your Only Flaw”, otra maravilla de blues desértico que se lanza  como un caballo desbocado por las llanuras de tu imaginación saltando por encima de todos los obstáculos que tu subconsciente disponga en el camino.  Batería y guitarra, en absoluta compenetración rítmica, realzan los arreglos melódicos, entre salvajes momentos de guitarra y esa voz que desprende una fuerza inusitada.  Cierra la cara A, la descomunal “Weird Times”  con la que arremeten entre un ritmo cercano al rockabilly, más una amalgama de recursos ácidos que agujerean cualquier prejuicio contra la fusión bien entendida.  Momentos instrumentales oscuros que emergen para crear varias tensiones y que culminan en la línea argumental principal.   
    
The Hollers. Foto: Errefotografía 
La cara B arranca con “This Shadow” , toda una sacudida sonora que te envolverá como si se tratase de una combustión musical espontánea. Toda una fuente inflamable de acordes, riffs i voz guerrera, marcados por golpes viscerales de percusión. Un ritmo bronco que perfila un tema conmovedor en el que no falta una armónica indómita repitiendo un esquema melódico que dialoga sin tapujos con la guitarra hasta el golpe final.  Con “A Place Called All Right”, los Hollers experimentan con los parámetros del R&B más sucio para darnos en toda la cara con un tema sublime en el que consiguen enloquecernos con esa tremenda pasión desaforada. Imperturbables, satisfechos del buen trabajo, transcurren los movimientos virulentos entre voces ceremoniosas respaldadas por coros de ultratumba.  Seguidamente, nos ofrecen “Peeping Blues”, blues ancestral que ruge con chulería, marcado a fuego, emanando ciertas dosis de elegancia implacable, con guitarra, percusión, armónica y voz, entre el polvo del que camina con paso firme hasta el final del camino.  Otra exquisita muestra del talento de este dúo de indomables músicos que finalizan su disco con “Still I Like It”. Otra canción  que emerge con esa descomunal guitarra combinada con el tambor en un fin de fiesta propio de un aquelarre de blues montuoso percutiendo con determinación en tu estómago, consiguiendo que tus pies se muevan de forma irremediable mientras la banda te roba el corazón con sus melodías bestiales.   

Reflexión final

The Hollers. Foto: Errefotografia 
Al oír tan sensacional disco, uno entiende no solo toda la historia del rock and roll desde sus inicios más primitivos, sino la razón por la que sus planteamientos de origen nunca han muerto, ni nunca desaparecerán de la faz de nuestras almas aunque nos acechen mediocridades cotidianas varias. The Hollers dan sentido a nuestra vida, a nuestras filias. Con ello no quiero decir que perpetúen referentes, parámetros conocidos, aunque los haya. Nada de eso es relevante. Ni tampoco voy a perder demasiado tiempo en encasillarles aunque sean, con todas las de la ley, unos auténticos pioneros del blues punk.  Con tamaño disco, titulado “I’ll do the Talking”, da igual todo lo que un crítico pueda decir porque lo más importante nunca podrá explicarlo. Me refiero a describir en detalle ese veneno que logra sumirte a los pies de grupos tan extraordinarios como éste. La música está ahí, nunca se ha ido, permanece latente en nuestros recuerdos así como en nuestros sueños y emerge gracias al trabajo abnegado de grandes músicos como los que forman este dúo malagueño que nada tiene que envidiar a mitos y leyendas. Ellos ponen su extraordinario talento compositivo e interpretativo a tu merced para que todo recobre la fluidez, la pasión y la lucha por la supervivencia  que siempre ha distinguido a esta música pantanosa, desértica, infernal, guerrera, salvaje, hipnótica… y otros tantos adjetivos, todos ellos justificables para catalogar las raíces subterráneas del rock; y si eres de los que consideras que todo está inventado, hablado, bailado y arreglado, no digas nada antes de escuchar este increíble trabajo porque vas a meter la pata.   
   

Nota:  Puedes escuchar las canciones en el bandcamp donde también podrás adquirir una copia del disco. Las fotos en vivo son de Rocío Moreno tomadas en las Fiesta 1er Aniversario Asociación Gatomacho en The Nutty Bar en 2015. 

jueves, 27 de julio de 2017

Fallece el cantante y compositor de country y pop, Michael Johnson

Michael Johnson 
Michael Johnson  nació en Alamosa, Colorado, Estados Unidos, el 8 de agosto de 1944 y falleció en Minneapolis, Minnesota, el 25 de julio de 2017. Cantante de pop, country y folk, compositor y guitarrista, destacó en 1978 por el tema  "Bluer Than Blue".  Tuvo más éxitos en las listas Billboard Hot 100 y Hot Country Songs, como los temas de 1986 "Give Me Wings" y "The Moon Is Still Over Her Shoulder". También co-escribió "Cain's Blood" con el que en los noventa el grupo de country 4 Runner. En los sesenta se desplazó hasta Barcelona donde estudió guitarra clásica en el Conservatorio del Liceu.

Johnson empezó a tocar la guitarra a los 13 años y en 1963 asistió a la Universidad de Colorado para estudiar música. Dos años después ganó un concurso de talentos con el que consiguió  firmar con Epic Records quienes le sacaron el tema "Hills".

Michael Johnson 
En 1966 viajó hasta Barcelona donde se matriculó en el Conservatorio del Liceu, estudiando con los guitarristas clásicos Graciano Tarragó y Renata Tarragó. Al regresar a los Estados Unidos, formó parte de los New Society con Randy Sparks. Estuvieron juntos hasta 1967, año en que se separaron , y entró a formar parte del Chad Mitchell Trio durante un año. En ese tiempo colaboró con John Denver convirtiendo el grupo en Denver, Boise & Johnson.  Tras finiquitar el proyecto trabajó en la producción off-Broadway de "Jacques Brel Is Alive and Well and Living in Paris".


En 1971, Johnson firmó con Atco Records para lanzar su primer álbum, “There Is A Breeze” lanzado en 1973 y producido por Johnson, Chris Dedrick, Peter Yarrow y Phil Ramone en Nueva York y Toronto, Canadá.  Johnson sacó su siguiente disco en 1975, “For All You Mad Musicians”.  Le siguió “Ain't Dis Da Life” (1977). Trabajó con Brent Maher y Steve Gibson en Nashville, Tennessee, y creó los temas "Bluer Than Blue" y "Almost Like Being in Love" que Emi incluyó en el disco “The Michael Johnson Album” en 1978. Su siguiente álbum para EMI, “Dialogue” proporcionó otro gran éxito, "This Night Won't Last Forever” gabando un disco de oro por las ventas en Europa por la canción "I'll Always Love You". 

Michael Johnson

Johnson grabó cinco álbumes para  EMI en 1985 y se cambió a RCA Records, anotando cinco éxitos de country de 1986 a 1989 como "Give Me Wings" y "The Moon Is Still Over Her Shoulder".  Después firmó con Atlantic Records en 1991, grabando también para sellos más pequeños.  Su tema "Cain's Blood" fue grabado en los noventa por el grupo de country 4 Runner. Interpretó "It Must Be You" con Juice Newton en 1992 y "Whenever I Call You Friend" con Alison Krauss en 1997. En 1995 sacó el disco "Departure". En agosto de 2007, Johnson se sometió a una operación de bypass cuádruple con éxito.






Documento sonoro: 

Su sensacional "Bluer Than Blue" de 1978.





Muere el gran Geoffrey Gurrumul Yunupingu

Yunupingu
Geoffrey Gurrumul Yunupingu nació en Galiwin'ku, Elcho Island, en la costa de la Tierra de Arnhem, al norte de Australia, el 22 de junio de 1971 y falleció en Tiwi, Darwin, el 25 de julio de 2017. Compositor, guitarrista y cantante interpretaba sus canciones en los idiomas aborígenes australianos Yolŋu tales como Gälpu, Gumatj o Djambarrpuynu. Tuvo una gran carrera en solitario y formó parte de las formaciones australianas Yothu Yindi, y Saltwater Band. Autodidacta, tocaba la batería, los teclados, la guitarra y el didgeridoo (instrumento ancestral de viento), cantando con una voz extraordinaria con la que contaba historias de su tierra.

Nació ciego, nunca aprendió Braille y no tenía un perro guía ni usaba bastón, y se decía que era muy tímido. Cuando tenía cuatro años, aprendió a tocar un piano de juguete y un acordeón por sí mismo. Un año más tarde empezó a tocar una guitarra. A pesar de ser un zurdo, tocó  una guitarra diestra, sosteniéndola "al revés".  


Su primer álbum en solitario llevaría por título “Gurrumul” (2008). Le siguieron otros discos como “Rrakala” (2011) o “The Gospel Album” (2015), entre otros en directo, con los que consiguió un gran éxito en su país. Yunupingu murió en el Royal Darwin Hospital, a los 46 años. Sufrió enfermedades hepáticas y renales durante muchos años.  Durante su vida recibió innumerables homenajes a todos los niveles, asi ccomo un gran respeto entre el público y músicos. Su carrera artística estuvo marcada por un inconmensurable amor por su entorno natural, por la tierra, su pueblo, y su familia con la que compartía todo lo que ganaba como músico. 

Documento sonoro: 

Geoffrey Gurrumul Yunupingu interpreta "Wiyathul". 


miércoles, 26 de julio de 2017

Muere el guitarrista, productor y compositor Billy Joe Walker Jr.

Billy Joe Walker, Jr. 
Billy Joe Walker Jr. falleció el 25 de Julio de 2016 a los 64 años en Kerrville, Texas. Guitarrista, productor y compositor, también tocaba la mandolina, compuso temas para Eddie Rabbitt, incluidos los singles "I Wanna Dance with You" y "B-B-B-Burnin' Up with Love".  Produjo los tres primeros álbumes de Bryan White, así como discos de Pam Tillis, Collin Raye, y Travis Tritt.  También fue un reputado guitarrista de session de country, y de 1987 a 1994, grabó varios discos de smooth jazz, easy listening, country y new-age para varios sellos.

Nacido y criado en el oeste de Texas, Walker aprendió a tocar la guitarra y a leer música a una edad temprana. Se fue de casa a los 14 años, tocando en bandas de country en Oklahoma City antes de trasladarse a Los Ángeles. Allí trabajó como músico de sesión para artistas como Glen Campbell, Merle Haggard y The Beach Boys, así como para el productor de los Beatles George Martin. También tocó en bandas sonoras de cine y televisión de Clint Eastwood y Burt Reynolds.


A instancias del legendario productor Jimmy Bowen, Walker se mudó a Nashville y comenzó a tocar en discos de country o R&B de Ray Charles, Hank Williams Jr., Randy Travis y las Dixie Chicks. Tras cientos de sesiones, Walker grabó sus propios álbumes como “Treehouse”  (1988), “Universal language” (1988), “Painting Music” (1989), “The Walk” (1991), “Untitled” (1992), “Warm Front” (1993), “Life is good” (1995).  

Documentos sonoros: 

"Defeated Creek" a cargo de Billy Joe Walker Jr. y su banda 


martes, 25 de julio de 2017

Fallece el cantante suizo Polo Hofer

Polo Hofer
Urs “Polo” Hofer nacio el 16 de mayo de 1945 en Interlaken, cantón de Berna (Suiza), y falleció el 22 de julio de 2017 en Oberhofen am Thunersee, cantón de Berna, (Suiza),  tras librar una batalla contra el cáncer de pulmón. Cantante, poeta, fue una figura esencial de la escena suiza 'Mundartrock', compuso una serie de éxitos de rock en dialecto bernés (suizo-alemán) con sus bandas Rumpelstilz y Schmetterband desde los años setenta hasta la actualidad.  Fue elegido ‘Suizo del Año’ en 2015.

Hofer introdujo el dialecto suizo-alemán en el pop a principios de los años setenta. Hasta entonces, las bandas suizas de pop y rock imitaban en gran medida a grupos estadounidenses y británicos. Inspirado por la cantante de folk Mani Matter, su primera canción en bernés fue  'Warehuus Blues”.  Durante su carrera escribió más de 350 canciones, a lo largo de cinco décadas, incluyendo éxitos como “Kiosk” y “Teddybär”.


Polo Hofer


Formó parte del grupo de pop rock progresivo Rumpelstilz fundado en 1971 por Hanery Amman (piano) y Polo Hofer (voz, letras), junto con Jürg Werren (guitarras), Sami Jungen (bajo) y Hans Jungen (batería). Hans Jungen fue sustituido poco después de su fundación por Küre Güdel, y medio año después René "Schifer" Schafer sustituyó a Jürg Werren. El primer single fue el mencionado “Warehuus Blues” lanzado en 1973. Dos años después 1975 sacaron el primer LP “Vogelfuetter”.  “Kiosk” se convirtió en su mayor éxito.  La banda sacó más discos y se disolvió a finales de los ochenta. Hofer llevó adelante otras formación es como The Jetmen, Drum Circus, Polo Hofer & Die SchmetterBand, Polo's Pop Tales, o The Alpinistos.

Documento sonoro:

"Teddybär" de los Rumpelstilz (1976)


The Madcaps expanden su portentosa concepción del “Groove” con el sustancioso Lp “Slown Down”

Portada Lp 12" y Cd
En los últimos tres años, los franceses The Madcaps se han convertido en una de las bandas más respetadas y seguidas dentro del panorama de raíces sixties a nivel europeo y en especial en nuestro país donde han triunfado con sus aclamados directos. Empezaron su andadura musical dando vida a canciones de corte eminentemente “garajero” y ya llevan editados tres magníficos discos que ejemplifican una evolución coherente, muy bien ideada, ya sea desde el punto de vista creativo  como interpretativo.  Mediante un  incansable trabajo de grupo y algunos cambios de formación, la banda ha apostado por experimentar con los parámetros del R&B y el soul, expandiendo el “Groove” de su obra, con excelentes resultados, audibles en el Lp “Slow Down” que edita este 2017 las discográficas Bickerton Records, Howlin' Banana Records y Beast Records. Contiene once temas propios que destacan por una sensacional  amplitud creativa. El grupo, tremendamente inspirado, da forma a unas canciones impecables con la ayuda indispensable de una sensacional sección  de viento que logra redimensionar unos brillantes arreglos melódicos y rítmicos altamente convincentes.   

Trayectoria

The Madcaps 
The  Madcaps se crearon en 2013 en Rennes (Francia) por Thomas Dahyot quien toma el nombre del primer disco de Syd Barrett, "The Madcap Laughs" (1970). Actualmente son Bastien Bruneau Larche, guitarra, teclados y voz (empezó tocando el bajo), Thomas Dahyot a la guitarra y coros, más Leo Leroux a la batería y coros y  Wenceslas Carrieu al bajo y coros, incorporados los dos últimos en 2016.  Anteriormente formaron parte del proyecto Rémi Peltier a la batería, Vincent Henri a la guitarra, y Glen Millar al bajo.  Han formado parte de otros grupos de su ciudad como Kaviar Special o The Valderamas.

Su primer disco fue un Ep editado en 2014 con el tema “All I Really Wanna Do” editado por Howlin' Banana Records . Al año siguiente sacan un single de edición muy limitada, 20 copias, con el tema “Nothing To Do”, e incluyen una canción “Emily Vandelay” en la segunda entrega de “Baroque World” del sello You are the Cosmos. Editan su primer Lp, de título homónimo con Howlin’Banana en 2015.  Su segundo álbum, “Hot sauce” (2016) también lo saca Howlin’Banana y ya incluyen sección de viento.  

Edición en vinilo 12"
“Slow Down” lo grabaron en directo y mezclaron en los estudios analógicos Kerwax  con Christophe Chavanon en octubre de 2016. Fue masterizado por Marlon Soufflet. Las fotografías son de Titouan Massé (portada) y Thomas Dahyot más Nicolas Marienne en la hoja interior donde también se incluyen las letras de las canciones. Les respaldan un grupo de metales formado por Simon Latouche al trombón, Clément Lemennicier a la trompeta, Lucas Pinabel al saxo tenor y Alexandre Armand al barítono.  El diseño es de Etienne Motais de Narbonne.  El disco ha sido editado por Bickerton records con Howlin' Banana Records y Beast Records.  La edición en vinilo cuenta con insert, más código de descarga.  El disco está dedicado a la memoria de la cantante Sharon Lafaye Jones (n. 1956- d. 2016). 

Las canciones

The Madcaps. Foto: Robbie Ramone
El disco se abre con “No Friend Of Mine” mediante una combinación muy sensual de melodía y ritmo en la que las guitarras frasean momentos solemnes que adquieren una fuerza inusitada con la incorporación de los metales entre persuasivos ritmos marcados con paso firme. La voz principal, arropada por coros, nos cuenta esta historia de amigos indeseables que aparecen a las tantas y nos fastidian la fiesta.  Le sigue “Come”, una brillante combinación de recursos “garajeros” con guitarra afilada, con solo aguerrido de R&B, y “beat” de escuela  dando forma a un tema bailable con persistente piano, entre ritmos saltarines.   En este caso, el protagonista quiere conocer a esa persona especial: “entrar en tu mente para ver lo que puedo encontrar, para poder hacerte mía”.

The Madcaps. Foto: Sammut
A continuación nos ofrecen “She's So Hot” con su arranque oriental que deriva a un divertido tema de R&B marcado con “groove” a raudales  para describir a esa chica “venenosa, deliciosa, astuta ... tan caliente que podría quemarme vivo”. Una combinación de poderosas líneas de bajo, ácidos fraseos de guitarra y voces contundentes más un ritmo persistente. Con “Fair Enough” las guitarras definen un rock and roll guerrero, un “llenapistas” de melodía envolvente y tempos suculentos. En este caso nos hablan de una relación: “Me estoy cansando de nuestras peleas interminables… me gusta el rock'n'roll, está en mi cuerpo, está en mi alma… O me aceptas o sal de mi vista”.  Cierran la cara A mediante “Le Passe Muraille” inspirada en la novela fantástica del mismo título de  Marcel Aymé editada en 1941.  En la canción se resume la historia de un hombre, de nombre Dutilleul (Mister D.), un escribiente gris con la facultad de atravesar las paredes, poder que ejerce para vengarse de un déspota que trabaja en su oficina para después aprovecharse para realizar fechorías que le llevarán a la cárcel. El tema hilvana la historia sobre una base sonora envolvente prevaleciendo el valor narrativo combinado excelentemente con el sonoro mediante arreglos propios de banda sonora de misterio.  

The Madcaps. Foto: Sammut
Abre la cara B “Slow Down”,  espectacular balada a medio camino entre el blues y el jazz, con aires carnavalescos.  Magnífico solo de trompeta, piano coqueto, voz emocionante, sección rítmica precisa y ese saxo que emerge de la alma. Deriva el tema en un rock and roll en la más pura tradición años cincuenta, primitiva y jazzística. Una advertencia en toda regla,  “tómatelo con calma o me busco a otra…no me gusta que me traten como un tonto”. Después nos ofrecen la salvaje “Silver & Gold”, conflicto de intereses entre los gustos y las prioridades de uno y otro. Una canción que deslumbra por su entrega, con esa fabulosa sección de metal completando un tema caldeado que va creciendo en intensidad, con detalles de jazz bailable, consistentes momentos de bajo, guitarras rítmicas, y esa batería midiendo el tempo con enorme seguridad. No falta un tremendo  solo de trombón con sordina y esos coros a capella que nos llevan a “Chill Pants”. Otra excelente canción de soul psicodélico que empieza con la aportación del bajo, momentos sublimes de teclados,  síncopas de metales, guitarras rasgando con elegancia, y la gran voz principal culminando los arreglos entre originales cambios de tempo.  

The Madcaps. Foto: Sammut
Le sucede “Hold On” con su movimiento tropical que evoluciona a momentos lisérgicos con un fascinante solo de guitarra y una sección rítmica impecable. Otra canción ardiente para aferrarte a tu alma, a lo que tienes, fiel a tus principios  “porque siempre encontrarás  personas ralentizando tus pasos, arrastrándote hacia abajo”.  Llegamos a “Lost Morning Blues”, otra maravilla  de arreglos oscuros, penetrantes, y misteriosos. Guitarras y percusión consuman una ambientación sonora conmovedora completada por la voz solista y el devaneo muscular de la banda zarandeando las neuronas con sus peculiar entrega melódica, ideal para esos momentos de la mañana siguiente en la que nos encontramos confundidos y aturdidos con nuestra mente en una bruma. Acaba el disco con la vibrante “Devil Money” y su peculiar secuencia de órgano definiendo líneas electrificantes que, con el apoyo de la tenaz batería, más el imaginativo bajo, lograran que enloquezcas de pasión desde el primero al último de los compases, entre secuencias instrumentales estratosféricas y voces turbadoras. Un final apoteósico para un álbum cautivador, novedoso, con “Groove” a mansalva, integrado por melodías y ritmos excitantes.      

Reflexión final

The Madcaps. Foto: Sammut
En una entrevista para el medio especializado francés Les Inrockuctibles, Dahyot contesta,  a la pregunta sobre la estrategia tomada por la banda para lograr sacar tres discos en tres años, que “nunca se es tan productivo como cuando se tienen objetivos. Si uno está en una especie de latencia, se toma su tiempo, cómodo y sin una meta”.  Y sigue explicando que,  tras un par de discos que vieron la luz de forma natural, “creo que hemos conseguido que éste tenga algo muy coherente a pesar de los cambios de formación y su contenido variado”.  Francamente, no puedo estar más de acuerdo con su propia visión del álbum. “Slown Down” es un trabajo que  transita por el camino de la creatividad de forma congruente, dispuestos  a evolucionar de cara a esa meta tan clara, a la que aluden, que no es otra que la eclosión de una banda compenetrada que conoce muy bien sus referentes sixties pero que no está dispuesta a repetir esquemas por muy apetecibles que resulten para todos, músicos y público, expertos y neófitos.  Su nuevo disco es un excelente trabajo de superación, un proceso que nunca tiene fin, ante el que todo artista que se precie debería considerarse atraído y motivado. El rock and roll no puede ni debe sentirse hipotecado por el pasado. No importan cuantos pasos se den hacia atrás para coger fuerza, sino cuantos logramos dar en el salto con nuestros propios recursos, y los Madcaps acaban de dar unos cuantos de muy buenos gracias a un impulso creativo como interpretativo que se nos antoja fascinante.   

Nota: El grupo volverá a visitarnos en octubre de 2017 de la mano de Mongo Producciones y lo hará para presentar su nuevo sencillo con un par de temas nuevos que edita en exclusiva  Bickerton. 
Puedes adquirir y escuchar las canciones del disco en el bandcamp.  


Muere la cantante de country, Abby Nicole

Abby Nicole
Abby Nicole, cantante de country de 25 años ha muerto en un accidente de UTV( Utility Task Vehicle) unas horas después de actuar en un festival de música country en Nebraska.  El accidente se produjo el día 23 de julio de 2017 de madrugada. Los servicios de emergencia recibieron una llamada hacia las cuatro en la que se les informaba de una joven herida al lado de la pista de carreras. Fue trasladada al hospital donde se certificó su muerte.  La joven cantante estaba relanzando su carrera tras haberle extirpado un tumor en el cerebro un par de años antes. 

Abby Nicole
Abby Nicole Uecker, nació y se crió en Norfolk, Nebraska, y cantaba desde muy joven. Se graduó en artes escénicas por la Universidad de Nebraska-Lincoln. Le detectaron un tumor cerebral en diciembre de 2014 y necesitó de cirugía inmediata.  El tunor estaba en el lado izquierdo del cerebro, donde se controla el habla y la memoria. Abby sabía que esa intervención ponía en riesgo su vida y su futuro como cantante.  La operación salió bien y volvió a cantar con su banda, Abby Nicole and County Road, en abril de 2015.  El 30 de junio de 2016, en su 24 cumpleaños, salió su primer single titulado "Cool", coescrito por Abby y Jesse Lee. Tenía pensado mudarse a Nashville, Tennessee, para volcarse en su carrera como cantante.


Las autoridades investigan en estos momentos las circunstancias del accidente. Fue trasladada al centro médico del condado de Thayer donde se certificó su defunción. 

Documento sonoro: 

"Cool" de Abby Nicole