martes, 17 de enero de 2017

Muere Larry Steinbachek de los Bronski Beat

Larry Steinbachek
Lawrence Charles Anthony Cole más conocido como Larry Steinbachek nació el 6 de mayo de 1960 y falleció en el mes de diciembre de 2016. Su muerte se hizo pública a principios de este 2017. Teclista y percusionista, fue miembro fundador del grupo de synthpop Bronski Beat en los ochenta y noventa.  

El grupo se formó en el año 1983 con Jimmy Somerville  más  Steve Bronski, ambos de Glasgow más Larry Steinbachek de Southend. Compartían piso en Lancaster House, Brixton, al suroeste de Londres.  El trío no estaba satisfecho con la naturaleza inofensiva del mensaje de la mayoría de artistas homosexuales contemporáneos y buscaban ser más francos y políticos.  En un principio se llamaron God Forbid, antes de escoger Bronski Beat, entendido principalmente como juego de palabras entre el nombre de Roxy Music y el personaje principal del Tambor de Hojalata de Günter Grass.

Bronski Beat, con Sommerville. Larry al centro  
Al año siguiente firmaron con London records y sacaron su primer disco “The Age of Consent’, que llegó a ser disco de platino en Inglaterra, que incluía su gran éxito “Smalltown Boy”  entre otros temas exitosos como "Why?". Contó con la colaboración de Marc Almond en la versión de “I Feel Love” que cerraba el álbum, con partes de la canción de Donna Summer “Love to Love You Baby” y de la canción de John Leyton, “Johnny Remember Me”.  En 1985 sacaron un segundo disco titulado ”Hundreds & Thousands y Somerville abandona el grupo. Se  incorpora a The Communards con Richard Coles.

Bronski Beat con Foster. Larry, derecha
Entraría a formar parte de la banda John Foster como cantante y sacan el sencillo “That Perfect Beat” (1986). Foster les deja en 1987 y en 1989 entra Jonathan Hellyer con el que giran por los Estados Unidos y Europa. Les ayuda otra vocalista, Annie Conway. Consiguen un nuevo éxito aunque menor con “Cha Cha Heels”,  colaboración puntual con la cantante y actriz Eartha Kitt. Fue originalmente escrita para Divine, pero  no pudo grabarla al morir en 1988. Entre 1990 y 1991 el grupo Bronski Beat sacó varios sencillos con temas como "I'm Gonna Run Away",  “One More Chance", o “What More Can I Say", producidos por Mike Thorne.  Foster volvería en 1994 para versionar “Tell Me Why” y una adaptación acústica de “Smalltown Boy”. En 1995 publicaron el álbum “Rainbow Nation”.  Al parecer Steve Bronski quiere recuperar al proyecto con Ian Donaldson, uno de los componentes que se unieron a la banda en 1994.


Tras Bronski Beat, Larry Steinbachek se convirtió en director musical de la compañía de teatro de  Michael Laub, Remote Control Productions. 

Documento sonoro:

"Smalltown boy", uno de lso grandes éxitos de Bronski beat en los ochenta. 





Fallece Richie Ingui de los Soul Survivors

Richie Inqui
Richie Ingui falleció el 13 de enero de 2017 a los 70 años en Filadelfia. Fue miembro fundador de la banda Soul Survivors creada en Nueva York con su hermano Charlie y Kenny Jeremiah. Se trata de un trío de blue-eyed soul que triunfaron con temas como  “Expressway to Your Heart”, el primer éxito de los productores y compositores de soul de Filadelfia Kenny Gamble y Leon Huff.

Empezaron llamándose The Dedications, grupo de doo wop. Grabaron varios sencillos entre 1962 y 1964, y en 1965 cambiaron de nombre.  Los primeros Dedications fueron Mike Parquette, Steve Variccio, Kenny Jeremiah, y Bobby Bosco.  Grabaron varios singles desde principios de los sesenta como “Why Don't You Write Me / Boppin Around” (1962);  “Shining Star / Mary Lou”  y “I Ain't A Bit Sorry / Toy Boy” (1963), entre otros.  Acompañaron a Johnnie Shepherd y Scott English.  En 1963 Steve Variccio fue reemplazado por Charlie Ingui y Mike Paquette por Richie Ingui.

The Dedications. Richie y Charlie a la izq. 
Tras su paso por los Dedications, se trasladaron a Fildelfia y firmaron con la etiqueta  Crimson Records, que los puso en contacto con Gamble y Huff. "Expressway to Your Heart" fue un número uno en Philadelphia y New York in otoño de 1967, y cuarto en el Billboard Hot 100 nacional. Pasó 15 semanas en las listas y vendió un millón de copias. En 1967 sacaron el Lp "Whan the whistle blows Anything Goes". Le siguió en 1969 "Take another Look" y en 1974, "Soul Survivors".  

Le siguió "Explosion in Your Soul, e "Impossible Mission", en 1969, que no tuvieron tanta repercusión. Durante unos años aparcaron el proyecto y volvieron con otra alineación en 1972. Dos años después volvieron a tener éxito con "City of Brotherly Love" pero lo dejaron poco después.  Mientras Charlie Ingui se dedicó al paisajismo, su hermano Richie pintaba casas. El resto de la formación, Paul Venturini se convirtió en restaurador y el baterista Joe Forgione siguió con su taller de coches. En 1987 los hermanos Inqui volvieron a los escenarios y en 1991 firmaron un contrato con Society Hill Records. Continuaron actuando en la década de los dos mil.   Otro de los ocmponentes que pasó por la banda Chuck Trois sacó un sencillo con A&M Records en agosto de 1969, con los temas "Mr. Holmes" y "A National Band”.  


En 1979 colaboraron en los coros en el disco de Cindy & Roy ‎”Feel It”. También participaron del homenaje “In the Pocket” tributo al legado del sonido Filadelfia con David Uosikkenen de The Hooters. 

Documentos sonoros: 

The Dedications en 1963 y el single con "Shining star". 


Soul Survivors y su gran éxito de 1967, "Expressway to Your Heart". 


lunes, 16 de enero de 2017

Nos deja el cantautor Greg Trooper

Greg Trooper 
Greg Trooper nació el 13 de enero de 1956 en Neptune (Nueva jersey) y falleció, a consecuencia del cáncer, el 15 de enero de 2017. Cantante, guitarrista y  compositor de country, folk, rock y soul, algunas  de sus canciones son conocidas interpretadas por otros cpmo  Billy Bragg, Vince Gill o Steve Earle.  Ha grabado más de una docena de discos, directos incluidos.  Músico de oficio, con gran creatividad, no obtuvo en vida la repercusión que merecía.    

Se crió en Little Silver y en los setenta frecuentó los clubs de folk de Greenwich Village. En 1976 se trasladó a Austin, Texas, y después a Lawrence, Kansas, donde se matriculó en la universidad y continuó perfeccionando sus habilidades a la guitarra, canto y composición.  Ya en los ochenta se trasladó a Nueva York y formó la Greg Trooper Band con Larry Campbell a la guitarra, Greg Shirley al bajo, y Walter Thompson a la batería. En 1986 sacaría el disco "We Won't Dance" seguido de “Everywhere” (1992) producido por Stewart Lerman, tema el quie hizo una versión Billy Bragg. También conoció al compositor y editor Earl Shuman, quien le ayudó a llegar a un acuerdo con CBS.  Sus canciones llamaron la atención de Steve Earle, quien grabó "Little Sister" y Vince Gill, quien adaptó la canción de "We Will not Dance.

Greg Trooper 
A principios de los noventa conoció al bajista de la E Street Band, Garry Talent. Se mudarían a Nashville. Tallent le produjo el disco de 1996 “Noises in the Hallway” con D'Ville Record Group.  Le siguió “Popular Demons” (1998), para Koch Records y producido por  Buddy Miller. Después firmó con Eminent Records con la que editó “Straight Down Rain” (2001). Al año siguiente sacó el directo “Between A House and a Hard Place: Live At Pine Hill Farm” más “Floating” (2003), “Make It Through This World” (2005) y “The BackShop Live” (2006).

En 2008 regresó a Nueva York y en 2009 sacó el inédito “The Williamsburg Affair”, grabacuión de 1995. Ya en 1020 sacó “Upside-Down Town” al que siguió “Incident On Willow Street” (2013) y su último trabajo, “Live at the Rock Room” (2015) grabado en Austin.


Documento sonoro: 

"Amelia" (2013), tema de Greg Trooper.  





Cuando “20 horas” dan para grabar excelentes canciones como las del nuevo Lp firmado por Max Gamuza

Portada 
“20 horas” es el tiempo que puede pasar entre que sales a tomar el vermut  y, al final, te recoges al día siguiente tras haberte liado “dobleteando” por ahí con amigos, paseando, yendo de copas, a un concierto, entre conversaciones, más risas y mucho baile; o también puede ser el espacio temporal que se tarda en ir, grabar y volver del estudio de José María Rosillo en Madrid para dar vida a un segundo disco titulado precisamente así, “20 horas”, firmado por Max Gamuza y editado en 2016 por Clifford records.  Un álbum en el que suceden muchas cosas, y todas buenas, durante el trascurso de las 13 magníficas canciones que se incluyen: doce temas propios y una cautivadora versión de los Hollies, más el arte siempre original y fascinante de Mik Baro con una divertida portada y contraportada.  Max Gamuza consigue, en esta su segunda entrega en formato grande, una conjunción perfecta de melodías penetrantes con letras perspicaces y ritmos arrebatadores, distribuidas en dos caras un tanto distintas.  Una cara A más salvaje y una cara B más melódica pero no por ello menos impactante.  El resultado genérico son, como no puede ser de otro modo, canciones, como pocas,  en las que se entremezcla el pop con el “garage”, aderezado por esa actitud punk que las convierte en ideales para ser degustadas en cualquier ambiente donde el rock and roll sea su principal fundamento temático,  al margen de “postureos” incluidos los del “underground” que también los tiene.   

Trayectoria

Max Gamuza. Foto de su facebook
Max Gamuza es un grupo asturiano formado por Busta (voz, guitarra), David Fernández (batería), Chusín Fernandez (bajo) y David Warshall (guitarra). El proyecto arranca en las navidades de 2011 aprovechando que Mike Mariconda vivía en Gijón. Busta le mostró parte de su material y las canciones gustaron al famoso músico de los Devil Dogs y prestigioso productor norteamericano. Entraron a grabar en la primavera de 2012 en el estudio de Busta, el que se convertiría en su primer Lp con Iñigo O. De Zarate de The Allnighters, al Hammond B3,   Farfisa y piano; Iván Mirech a la batería; Joseba Irazoki y Mike Mariconda a las guitarras más producción, y el propio Busta a la voz, bajo, guitarra y percusión. El álbum con 14 canciones lo edita Munster en setiembre de 2012 con el título de “Los Buenos Momentos Están Aquí”. Durante ese verano preparan la gira por varias salas del Estado y se producen un par de baja incorporándose una nueva base rítmica formada por  Joseba Baleztena al bajo y Guanche a la batería. Los temas de rock and roll, incluidos en ese disco,van del “garage” al blues punk con algunos detalles melódicos del mejor pop, trabajando referencias de los sesenta y ochenta. Reciben buenas críticas por la prensa especializada pero no la repercusiçon que bien merecen. Actúan por festivales y a finales de 2013 ya cuentan con un nuevo bajista,  Chusín Fernández de los Supersiders.

Artwork by Mik Baro 
Ya en 2014 entran a grabar un nuevo single. En ese momento Tony Uría se encarga de la batería y Pedro “Teclas” del farfisa. Tras un periodo de incertidumbres, desde junio de 2014 David Fernández se encarga de la batería con el que se cierra una formación estable. De este modo, y tras numerosos directos,  llegamos a  julio de 2015, mes en el que sale su nuevo 7” con el título genérico de “Hoy No Perderé”  más “Allnighters Call” en la cara B, producido por Angel Kaplan y mezclado por Rosillo con Pedro Teclas al farfisa, Dimas Obaya a la guitarra, Iván Mirech a la batería, y Chusín Fernández al bajo, más Iñigo O. de Zarate al Hammond B3 en el segundo corte (+ info). Editado por Clifford Records, fue el flamante adelanto de su nuevo Lp que, en el mes de diciembre de 2015, graban David a la batería, Chusín al bajo y Busta a la voz y guitarra, bajo la producción de José María Rosillo, de los Imposibles, en los estudios madrileños de Audiomatic.

Contaron con la colaboración de Joseba Baleztena a las guitarras, Iñigo Zarate al Hammond B3 con Leslie 122, y Rosillo a las percusiones más melotrón.  El divertido artwork es obra de Mik Baro quien dibuja al trío en la portada en plena carrera mientras que en la contraportada nos ofrece una imagen ilustrativa para cada una de las 13 canciones.  Se incluye también un código de descarga digital de las canciones.  

Las canciones

Max Gamuza. Foto: M Gómez  
El disco empieza con “La Amenaza”, canción con arreglos rítmicos penetrantes, en los que se lucen un contundente bajo, solo incluido, más una batería milimetrada,  a los que se suman ese órgano poderoso, incluidas unas guitarras que descargan con lujuria y una voz que desborda pasión. “Eres una amenaza”, nos cuentan, “siempre vienes a buscar problemas… pero sabemos a lo que juegas”. Le sigue “I Can't Stop The Fun”,  otra excelente canción que emerge con riff desgarrador  de guitarra al que se añade esa voz penetrante. Aquí nos cantan:   “con los bolsillos llenos de ritmos garajeros….”.   Genial y ácido solo de guitarra entre “la música muy alta porque no me gusta hablar… suenan los vinilos, no dejo de bailar y bebo sin parar… pasan las horas, nos cierran el bar”.  Todo un hit ciertamente psicodélico con final obsesivo y demencial, que nos trasporta al siguiente corte titulado “Feliz y Salvaje”, otra genialidad marca de la casa, en la que destaca ya desde los primeros compases ese absorbente bajo más batería. “No me lavo los dientes, los mismos gallumbos, como con los dedos, bebo al morro… vaqueros tiesos, botones sin poner, polvo en la mesita, libros sin leer…”, menudo elemento para este divertido R&B que nos invita al baile de principio a fin.    

Artwork, ya como cuarteto 

Max Gamuza. Foto: Chusmi 10 
Le sigue “Superman”, canción de guitarras poderosas que dialogan con la sección rítmica mediante un poderío espectacular. “Hoy quiero salir, me voy a bailar, yo no soy un Superman…”. Genial combinado de efectos guitarreros que nos lleva “Fuera De Casa”, otro temazo de descargas electrizantes que van “corriendo por las calles sin encontrar  nada nuevo… otra noche más que no puse el freno… ahora no puedo entrar en casa”.  Tema de desamor, con dosis de ironía, en la que no falta un buen solo de saxo tenor que se compenetra a la perfección con el resto de tan desbordante banda. Finaliza la cara A con “El Espejo” canción que recorre con furia el espacio sonoro:  “nunca volveré a nacer… las calles me dan la razón, siempre hay sitio para la traición”. Energía en pura esencia con arrebato punk dando forma a la última de las andanadas para esta primera cara más salvaje y “garajera”.     

Max Gamuza. Foto: Chusmi 10
La cara B se abre con la portentosa canción titulada “Celoso”,  con esas guitarras de instro surf con aire latino que articulan un tema precioso, con claro sabor sixties. “Siempre los mismos miedos al despertar, que ya se irán y no volverán…  pero en mi mente, tú estás… busco canciones para poderte enamorar una vez más, que me veas diferente a los demás… “. Una maravilla de melodía encantadora y unos arreglos de banda ciertamente fascinantes con guitarras, órgano, sección rítmica y voz, todo ellos en estado de gracia.   A continuación nos ofrecen “Pienso en ti”, tema atmosférico, envolvente, con una sensualidad a flor de piel.  “Sigo pensando en ti…  no me haces fácil que me pueda expresar. Pero cada minuto sigo pensando en ti”. Tema de desamor “sin paciencia, pero no paro de remar, la ola llegará”.  Momentos ácidos se combinan con solos estratosféricos, entrelazados por algunos momentos hirientes, entre ritmos bien marcados por un persistente bajo y batería. Un tema con entrega ilimitada a cargo de unos músicos muy inspirados que finalizan la secuencia con un crescendo demoledor.  Con “Escalera”, los Max Gamuza recuperan esa gracia innata para definir canciones de corte surfer y detalles punk. Un instrumental muy bien definido en el que la guitarra se explaya entre salvas, riffs contumaces, y secuencias melódicas nada desdeñables, arropada por un ritmo impoluto.       

Max Gamuza. Foto: Chusmi 10
En “Bus Stop”, los Max Gamuza recuperan este “hit” de los Hollies de 1966 con admirable respeto pero también con determinación propia, aportando su buen gusto e inmejorable criterio,  con el objetivo conseguido de dejar bien claras cada una de sus excelencias sonoras. Destaca ese órgano omnipresente, la voz placentera y el ritmo bien dispuesto.  Encuentros en la parada del autobús entre casualidades y un paraguas que arropa a la pareja. Nos dicen:  “llega el verano y el cielo se derrite, no tendremos el paragua como escondite. Tu y yo sabemos que seremos uno algún día… dicen que el verdadero amor llega sin pensar”.    

Max Gamuza. Foto: Chusmi 10
Le sigue “Nonononono”, otra canción de inspiradas guitarras, memorable órgano y sección rítmica muy compenetrada.  “No tengo coche, y no sé lo que cuesta… no tengo poesía, no tengo que escribirla… no tengo cafetera, no tengo que limpiarla, no tengo tele, no quiero ni mirarla… no tengo quien me espere, no tengo Rey, ni princesa, ni conciencia ni paciencia”.  Un tema en el que sobran las banderas y los árboles que dan sombra.   “Eres Un Infierno”, es todo un ejercicio de pop poderoso en el que vuelven a ponernos los pelos como escarpias “persiguiendo algo incierto”.  De nuevo destaca su enorme valor melódico  mientras “estoy loco por salir de este infierno, ya no te deseo…busco sin saber lo que quiero”.    

El álbum acaba con “Hoy no Perderé”,  canción que insufla ánimo tanto en su letra como en su concepción sonora. Un tema que afronta las consabidas adversidades que emergen, sin remedio,  de las relaciones personales, en especial las amorosas. “Pasa el tiempo, todos  cambiamos, lo que fue bueno ahora es malo… ¿por qué tengo que perder otra vez?” .  Destaca en esta versión para el Lp la presencia de un buen saxo tenor que aporta nuevos matices arropado por una banda  que moldea el tempo con gusto impecable.  La peculiar y apropiada voz solista culmina este fantástico himno para perdedores redimibles que no están dispuestos a dejarse arrastrar por la negatividad apremiante. “Todo tiene un final, lo malo también”, nos recuerdan muy acertadamente.

Reflexión final


Max Ganuza. Foto de su facebook 
Hay grupos que lo petan todo y, la verdad, no lo entiendes, y otros que no salen en las revistas, no les oyes en los festivales “garajeros”, y sin embargo son capaces de crear canciones descomunales,  con melodía y ritmo bien compenetrados, gracias a la pasión, el esfuerzo y la actitud a raudales de sus protagonistas.  De los primeros, me ahorraré el debate con sus fans, allá ellos, pero de los segundos si me permitiré el placer de reivindicar, una vez más, a los Max Gamuza:  una banda potente e imaginativa que no solo merece el respeto de la escena sino que, además, debería atesorar una mayor repercusión, dentro de la escasez mediática que sufre el rock and roll hoy en día.  Mediante su enorme habilidad para idear canciones impactantes, han sido capaces de superarse en un segundo disco, realmente magnífico,  con el título de “20 horas” para Clifford records. Un álbum que se estructura con una perspectiva firme y convincente,  bajo unos parámetros precisos que sitúan su proyecto en el sitio preciso combinando la existencia vital y la artística en su justa medida. De este modo, esta banda va dando pasos seguros, firmes, y altamente enriquecedores con el propósito logrado de dar vida a canciones con letras suculentas, ritmos bailables y melodías bien templadas gracias a unos arreglos minuciosos más una producción excelente. Son muchas las cosas que se pueden decir de tan sensacional  trabajo discográfico. Probablemente nos pasaríamos “dobleteando” laureles y parabienes unos cuantos párrafos más pero ya es hora de recoger, ir para casa con la satisfacción de haber vivido una gran experiencia de “20 horas” al son de unas canciones inolvidables que seguirán sonando en nuestra cabeza durante muchas horas más.

Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp y comprar una copia del vinilo en la web de Clifford records

    

jueves, 12 de enero de 2017

Muere Tommy Allsup, de los Crickets, guitarrista de instro surf y productor de Western Swing

Tommy Allsup 
Tommy Allsup nació el 24 de noviembre de 1931 en Owasso, Oklahoma, y falleció el 11 de enero de 2017 en Lubbock, Texas.  Formó parte de los Crickets de Buddy Holly y se jugó a una moneda con Ritchie Valens el subirse al avión del llamado “el día que murió la música”.  Fue además un prestigioso productor de numerosos trabajos de Western Swing y se calcula que grabó más de 6.500 sesiones de estudio.  En una ocasión comentó que "nunca quise ser una gran estrella, pensé que dejaría eso a otro".

Tommy comenzó su carrera musical en Claremore, Oklahoma en 1949 con el "Oklahoma Swingbillies". En 1950 colaboró con el violinista Art Davis en Miami, Oklahoma, y después con el cantante Jimmy Hall en el Cowboy Inn en Wichita, Kansas. Entre 1952 y 1953 se trasladó a  Tulsa, Oklahoma para unirse a la Johnnie Lee Wills Band.  Hasta 1958 tuvo su propia banda The Southernaires en Lawton, Oklahoma.  

Tommy a la izquierda de Buddy Holly  
En 1958, en un viaje a Clovis, Nuevo México para grabar en el famoso estudio de Norman Petty, conoció a Buddy Holly. En abril, comenzó a tocar la guitarra solista con su banda Holly and The Crickets hasta el fatal accidente de avión que el 3 de febrero de 1959 acabó con la vida de Buddy Holly, J.P. “Big Bopper” Richardson y Ritchie Valens.  Allsup se jugó con Ritchie Valens  a una moneda un asiento para subirse al avión. Jerry Allison (batería) y Joe B. Mauldin (bajo) esperaban reunirse con Holly tras esa gira de invierno por el norte del Medio Oeste. Con Sonny Curtis a la guitarra comenzaron a grabar nuevas canciones con The Crickets , con Earl Sinks en la voz. 

Tras la muerte de Holly, Allsup se trasladó a California para trabajar con Liberty Records como Director de A&R, produciendo a Bob Wills and The Texas Playboys el disco "For The Last Time" grabado el 2 y 3 de diciembre de 1973, en Dallas  donde  grabó sus primeros discos en 1935. Allsup utilizó algunos de los Texas Playboys originales como McAulliff, Shamblin, Dacus, Strickland. Bob Wills dirigió las sesiones desde su silla de ruedas.

Los Crickets con Allsup 
Mientras  Tommy producía en Liberty a Tex Williams, Willie Nelson, Joe Carson, Warren Smith, Billy Mize, y Cliff Crofford, también trabajaba con grandes artistas como Walter Brennan, Bobby Vee, Johnny Burnette, Julie London y Vickie Carr.  Tras dejar California, Allsup se trasladó a Nashville para dirigir Metromedia Records en 1968. En 1972, conoció a Ray Benson y Asleep At The Wheel y produjo su primer LP para United Artist Records. Más tarde produjo 4 LPs para Capitol Records con el mencionado grupo.

Tommy Allsup fue un gran partidario de la música Western Swing y su nombre figura en la producción de discos esenciales de Hank Thompson and his Brazos Valley Boys, The Original Texas Playboys, o el vocalista  Leon Rausch así como varios trabajos firmados por Jody Nix, Curley Chalker, Mack Sanders, Johnny Bush, Willie Nelson, Tex Williams, y Billy Mize. 


Tommy se instaló en Nashville donde siguió tocando el bajo o las guitarra en numerosas sesiones de estudio hasta muy recientemente.  Miembro inscrito en la nación Cherokee, es autor con Dick Glasser del tema de los Ventures, "Guitar Twist" (1962) y en 1979 fundó el club "Tommy's Heads Up Saloon", in Dallas. 

Documento sonoro: 

Tommy Allsup con los Raiders en este tema de instro surf llamado "kaw-Liga" de Fred Rose y Hank Williams a principios de la década de los sesenta. 


Allsup es autor con Dick Glasser del tema interpretado por los Ventures, "Guitar Twist" (1962)




miércoles, 11 de enero de 2017

Fallece el cantante Buddy Greco

Buddy Greco 
Armando "Buddy" Greco nació el 14 de agosto de 1926  en Philadelphia y falleció en las Vegas el 10 de enero de 2017. Pianista y cantante de jazz y pop, grabó más de sesenta discos en su larga trayectoria a partir de los años cuarenta hasta la década de los dos mil.  Entre sus mayores éxitos, destaca “The lady is a tramp” (1962) entre otros temas como "Oh Look A-There", "Ain't She Pretty", "Up, Up and Away"  o "Around the World". Formó pareja artística  con su esposa Lezlie  Anders con la que cantó durante 25 años.

Buddy Greco 
Comenzó a estudiar piano a los cuatro años. Pronto comenzó a cantar y actuar en la radio así como en clubs de Filadelfia.  Con 16 años fue contratado  por Benny Goodman en cuya orquesta cantó, tocó el piano y giró por todo el mundo durante los siguientes cuatro años. A los veinte regresó a los escenarios de los clubs y tras firmar con  Musicraft Records, grabó temas como "Oh Look A-There", "Ain't She Pretty", "Up, Up and Away"  o "Around the World". Durante las siguientes décadas se convirtiría en uno de los grandes del Easy Listening.

En Inglaterra triunfó con la canción  “The lady is a tramp”, en 1962.  Durante una temporada se  instaló en Inglaterra pasando las vacaciones en su casa de Palm Srpings en California.  En los sesenta apareció en la serie de television “Away We Go” y en la película “The Girl Who Knew Too Much”. Ded 1969 a 1970 colaboró con Ron Escheté apareciendo en numerosos programas de televisión como el “The Mike Douglas Show”.

Buddy Greco 
En las vegas conoció a la que sería esposa, Lezlie Anders, con la que formó también un dúo artístico.  Durante los noventa recuperó su popularidad actuando en el Starlight Room at Star’s Desert Inn de las Vegas durante semanas. Después volvería a actuar por numerosos países de Europa, y Australia.  En Palm Springs abrió un local propio, Cathedral City, donde recordaba a los numerosos amigos con los que colaboró como Frank Sinatra, Sammy  Davis Jr, Ella Fitzgerald, Rosemary Clooney, Lena Horne y muchos otros. En 1993 fue honrado también con Walk of Fame de la Philadelphia Music Alliance. 


Siguió actuando hasta la década de los dos mil principalmente en Londres, en el Ronnie Scott Jazz Club,  o con la BBC Big Band entre numerosos conciertos por Inglaterra. En 2013, Greco celebro su 80 cumpleaños con un concierto en Southend, Essex, en el que participaron varios artistas como Kenny Lynch, Paul Young o Michelle Collins.  Greco cantó con su esposa. 

Documento sonoro: 

Buddy Greco y su famoso "The lady is a tramp" (1962) 



martes, 10 de enero de 2017

“Me gusta la calle” y los Lie Detectors, qué te voy a contar, tanto o más que a ti!

Portada
Si en algo supera el rock and roll al resto de las múltiples manifestaciones artísticas es, sin lugar a dudas, la enorme  capacidad de conseguir, con lo aparentemente sencillo, algo de una emotividad sublime. Como ejemplo, nada mejor que  el reciente sencillo de los Lie Detectors editado por su propio sello Traga Discos con Folc records.   Incluye un par de deslumbrantes canciones como son “Me gusta  la calle (hey hey hey)” en la cara A y la antidepresiva “Cymbalta” en la cara B. Un par de temazos aptos para la pista de baile, para ser coreados en sus aclamados directos, o para disfrutar en la intimidad de tu habitación, por gentileza  de una de las bandas más creativas, sorprendentes, y divertidas de nuestra escena “garajera” patria con visos de anonadar y convencer con creces al resto del mundo a poco que les conozcan, si no lo han hecho ya.

Trayectoria

Lie Detectors. Foto: J.A. Areta (Juxe) 
Lie Detectors  son Txema Babón, voz y maracas; Urko Roa, batería; Aitor Castillo Txiki, bajo y coros; más Eneko Etxeandia, guitarra y coros. Proceden de Donostia, Renteria, Antxo, y Hendaya, y sus componentes han formado parte de otras bandas como Nuevo Catecismo Católico, Muturbeltz , Dirty Pink Ladies, Fiebre de Vivir, Teen Dogs o Plan B. Dieron su primer concierto en Psilocybenea (Hondarribia), un 27 de diciembre del 2014 durante la presentación de la película “Vinyland” de Mikel Insausti y Marcos García.

Contraportada
Como bien sabes “Lie Detector” es una canción de Billy Childish,  publicada por  Thee Headcoats en 1994, y versionada por combos como Doctor Explosion para su single “Eres feo chaval” de 1995.   En 2015 Bloody Mary Records les editaba un single con los temas “Chelsea Boots” y “Viajar” (+ info).  Ese mismo año Folc records les sacaba otro sencillo con los temas “Pínchalo” y “Felicidad” (+ info).

Las canciones de este nuevo 7” que te presentamos fueron grabadas y producidas por Jorge Explosión. El artwork es de Eneko Etxeandia con fotos de J.A. Areta Goñi (Juxé) de la banda en la fachada de Vinos Ezeiza (C/ Prim, 16) de San Sebastián. Incluye un poster y las letras de los temas. 

Las canciones

En la cara escuchamos su fascinante “Me gusta la calle (hey, hey,hey)” en la que también nos dicen: “…y me gusta la noche, qué te voy a contar, mucho más que a … TI!!!.  Toda una declaración de intenciones para “que esto no se acabe, yo no quiero parar!”.  Tras la entrada de la percusión, emerge un contundente riff de R&B a cargo de la guitarra marcando el paso de un tema sensacional cantado con la potente voz principal entre un acompañamiento perfecto de batería y bajo.  La canción explota en el estribillo entre distorsiones y efectos, más un buen solo de guitarra, poderoso y cautivador. Nos ofrecen una sucesión de motivos fascinantes que acaban en unos compases que piden ser coreados a grito pelado.    

Lie Detectors Foto: Jon Iraundegi
Ya en la cara B, podemos disfrutar del antidepresivo “Cymbalta”, pastillas recetadas por el Dr. Otto Detector y fabricadas con zarzaparrilla silvestre. Un tema ideal para “dejar atrás la oscuridad y abrazar la luz” con el objetivo de olvidarse de  los engaños de la mente para vivir, salir y divertirse.    La canción se articula sobre arreglos serenos de tonalidad ácida con los que transmiten una intensidad desbordante y lisérgica. Los cuatro componentes de esta gran  banda aportan sutilezas dignas de mención:  desde la persistente batería, al punteo de la guitarra, pasando por el marcaje indisoluble del bajo y el sentimiento penetrante de la voz principal. Se incluye otro magnífico solo de guitarra que remarca el manto psicodélico de este fascinante tema y otro final que pone los pelos de punta combinado con el ruego de la excelente voz solista.   
    
Reflexión final

Lie Detectors, J.A. Areta Goñi (Juxe)
La duloxetina “Cymbalta” es un antidepresivo en un grupo de medicamentos llamados inhibidores selectivos de la recaptación de serotonina y noradrenalina. Afecta a los químicos en el cerebro que pueden salir de balance y causar depresión. La duloxetina se usa para tratar el trastorno depresivo mayor y el trastorno de la ansiedad general. La música de los Lie Detectors es también un antidepresivo dentro de un grupo de bandas llamadas “garajeras”,  formaciones selectivas que recaptan referentes del rock and roll y el beat de los sesenta.  Afecta a los chavales y chavalas directamente  en su cerebro, el corazón, y los pies,  para que se olviden de los problemas y puedan disfrutar sin límites. Sus canciones generan otros tipos de trastornos, los imaginativos y altamente creativos, ideales para combatir la ansiedad y la mediocridad.  Su tercer sencillo, como los dos anteriores, es adictivo. Tiene una fuerza descomunal  y comporta una aportación sonora  muy original, tanto a nivel rítmico como melódico. Por ello, se recomienda escuchar, tal y como se dice en las galletas del disco “a un volumen generoso, y si puedes pónselo a alguien menor de 20 años porque el rock and roll necesita sangre nueva y más cabezas pobladas de pelo!!”.

Nota: puedes escuchar las canciones en el bandcamp de Folc recrods donde también podrás adquitir una copia del sencillo.   

Fallece el guitarrista polaco Jerzy Kossela

Jerzy Kossela 
Jerzy Kossela (Kosela de nacimiento) nació el 15 de Julio de 1942 en Częstochowa (Polonía), y falleció el 7 de enero de 2017 en Gdynia (Polonía).  Guitarrista y cantante, formó parte de las bandas de pop rock polacas, desde la década de los sesenta, Electron, Niebiekso-Czarni, Pięciolinie y Czerwone Gitary.

De 1965 a 1967 formo parte de los Czerwone Gitary, grupo de beat creado en Gdańsk. Considerados los Beatles de Polonia, fundaron la banda Jerzy Kossela más el bajista  Henryk Zomerski el 3 de enero de 1965 en Gdańsk.  Entre los miembros iniciales estaban Bernard Dornowski (guitarra/voces), Krzysztof Klenczon (guitarrista solista /voces) y Jerzy Skrzypczyk (baterista/voces ) y Seweryn Krajewski (guitarra).  Cuatro de ellos: Dornowski, Klenczon, Kossela y Zomerski habían tocado en una banda anterior llamada Niebiesko-Czarni creada en 1962 por Fanciszek Walicki.  En 1963 creó los Pieciolinie con  Henryk Zomerski, Jerzy Skrzypczyk, Bernard Dornowski, y Krzysztof Klenczon.


Czerwone Gitary 
Con los Czerwone Gitary grabó el disco “To Właśnie My” (1966), con Krzysztof Klenczon al bajo, Jerzy Skrzypczyk a la batería, más los guitarristas Bernard Dornowski y Seweryn Krajewski.  Después sacaron el Ep “Barwy Jesieni” el mismo año. Tras esta banda estuvo vinculado con la música hasta 1976 año en que se convierte en periodista musical durante 15 años.


En 1991 volvieron a reunirse los Czerwone Gitary y Jerzy volvió a cantar y a tocar la guitarra.  Les dejó en 1993 por desavenencias con Seweryn Krajewski. Volvería en 1999.  Es autor de los temas "Bo ty się boisz myszy" (música y letra), "Historia jednej znajomości", "Matura" (letra y música de Krzysztof Klenczon). En 2015 dejó de actuar con la banda por razones de salud. 

Documento sonoro: 

"Bo ty się boisz myszy" (1966) tema original de Jerzy Kossela interpretado con su banda Czerwone Gitary.

lunes, 9 de enero de 2017

Muere el baterista Johnny Dick, de los Meteors, Aztecs y numerosos combos australianos

Johnny Dick nació en junio de 1943 en Llanfairfechan, País de Gales  y falleció el 6 de enero de 2017.  Baterista residente en Nueva Zelanda, donde su familia se instaló siendo él muy joven, y Australia formó parte de los grupos de rock and roll y "garage" Max Merritt and The Meteors, Billy Thorpe and The Aztecs, Focus, Fanny Adams, The Wild Cherries,  John Paul Young and The All Stars, y The The Stevie Wright Band.  Tambien grabó a su nombre un single con el tema “The Warrior” en 1975.

Cuando era joven su familia se trasladó a Nueva Zelanda. Formó parte de la banda de Max Merritt and The Meteors, grupo creado por Merritt en 1956 en Christchurch, Nueva Zelanda.  Se trata de un grupo de garage con los que grabó el Ep “Giddy Up Max!” con Mike Angland al bajo, Peter Williams a la guitarra, y Max Merritt, voz y guitarra.  Ese mismo año grabó con esa banda y Dinah Lee el single con el tema “Do the bluebeat”.  Fueron a tocar a Australia y le fichó Billy Thorpe para sus Aztecs con los que tocó los años 1965 y  1966. Grabó el álbum de 1966  “Don't You Dig This Kind Of Beat” con su amigo Ted Toi al bajo,  Colin Risby a la guitarra, Mike Downes a la rítmica, y Billy Thorpe cantando. Con Thorpe también grabaría el disco “It's All Happening”. 


Entre 1969 y 1970 formó parte de los Focus de Doug Parkinson (cantante y guitarra) con Mick Rodgers (guitarra, bajo) y Les Stacpool (guitarra, bajo).  Entre 1970 y 1971 estuvo en la banda de Fanny Adams  grabando un disco de título homónimo con Teddy Toi al bajo, Vince Maloney a la guitarra, y Doug Parkinson a la voz.   En esos años también estuvo con los Wild Cherries con Lobby Loyde (guitarra) y Teddy Toi (bajo). Grabaron el  single “I'm The Sea (Stop Killing Me)” (1971) con el tema de Dick y Toi “Daily Planet”.  Después estuvo con The Stevie Wright Band, el grupo del componente de los Easybeats con el que grabó en 1974 el disco “Hard Road” con Time Gaze (guitarra), Ken Firth (bajo), y Warren 'Pig' Morgan (piano). A partir de 1975 formó parte de la banda de John Paul Young and The All Stars y grabó un sencillo a su nombre con el tema “The Warrior” con  “She Was My Babe” en la cara B para Albert Productions con producción de  Vanda y Young en 1975. Grabó además el disco de Flash and The Pan, “Headlines” (1982).    

Documentos sonoros: 

Versión del tema "I got a woman" de Ray Charles que cerraba el disco “Don't You Dig This Kind Of Beat” de lso Aztecs con Dick a la batería. 


"The Warrior", tema que gabó en 1975 Johnny Dick, a su nombre. 



Los Retrovisores consolidan con "Sonido Joanic" un proyecto propio y seductor, dispuestos a seguir creciendo

Portada
Los Retrovisores presentaban en 2016, de la mano de la discográfica también barcelonesa, Bcore Disc y los alemanes Soundflat records, su segundo Lp con el título genérico de “Sonido Joanic”. Un título que obedece a un ámbito geográfico donde crean y residen, el entorno de la parada de metro  del mismo nombre de la Linea 4 de Barcelona en el barrio de Gracia, al tiempo que da nombre genérico a una realidad creativa palpable que ha crecido con el tiempo para engrandecerse a pasos agigantados .  Esta, en sus inicios,  divertida y cautivadora  formación ha sido capaz de perfilar, al detalle, un sonido propio dando vida a un proyecto consistente que no se estanca en sí mismo sino que mantiene  muchas puertas abiertas para seguir expandiéndose en la escena de raíces sixties incluso a nivel internacional.  El resultado  es un disco magnífico con dosis exquisitas de pop y soul compenetradas sin fisuras mediante el gran trabajo de unos instrumentistas y una voz principal de auténtico lujo. Juntos han sido capaces de dar forma a canciones bailables, con melodías seductoras y ritmos arrebatadores, que crean un enorme entusiasmo  en el oyente y que, a nuestro juicio,  perdurarán más allá de la inmediatez festiva que indudablemente comportan.     

Trayectoria

Los Retrosivores. Foto: M. Bordonada
Los Retrovisores son Víctor Retros (voz principal), Pere Robespierre (guitarra y  coros), Leonardo Guateque (bajo), Sergio Moses (teclados), Quim Corominas (batería), Héctor Fuker (pandereta y coros), Edu Polls (saxo tenor), Francesc  Polls al saxo barítono,  y Alexis Albelda (trompeta). Formados en Barcelona en 2006, debutaron con un álbum llamado “La nostalgia ya no es lo que era” (Flor y Nata 2010). Del tema "Pijos del Pop" de ese Lp, Pau Duran realizó un videoclip. En 2013, Soundfalt y Bcore editaban su aclamado primer  Ep con el título genérico de “Alma y pisotón” con el que lograron la admiración generalizada tanto a nivel de público como de crítica. De ese Ep, grabaron un video del tema "Me Olvidé de Ti" con Honey Mustard Productions dirigido por Guillem F. Marí y Pere Marzo. Además, del tema "Soy Libre", Pere Robespierre con la ayuda en el guión de Victor Retros, también dirigió otro videoclip.  Su segundo Ep "En el surco" fue editado en 2014 por Soundflat Records con la inestimable colaboración de BCore Disc.

Contraportada
El disco “Sonido Joanic” ha sido grabado en el estudio Red Bell con Marc Tena; producido y mezclado por Mike Mariconda y masterizado por Victor García en Ultramarinos.  El genial diseño es de Kity Kr con fotos de la mencionada Kity más Mireia Bordonada.  Han contado con la colaboración de Koko-Jeans Davis de los Excitements a la voz e Ignasi  Sobrepera de The Cabrians, entre otros, al trombón. Se incluye una funda con las letras de las canciones e imágenes de la banda. Del tema “Mentiras” Frenètic ha grabado un videoclip homenaje a la película de 1969 "Un, dos, tres, al escondite inglés" de Iván Zulueta.

Las canciones

Metro Joanic. Los Retrosivores. Foto: M. Bordonada 

El disco se abre con uno de sus grandes éxitos propios, esas “Mentiras”  a cargo de esa “impostora de caricias que nadie se cree ya” cuyas palabras “son cuchillas que no puedo tragar”.  Arranca con ese riff tan “dance” al que añaden una  imperturbable sección rítmica, con el poderío de los metales y esas guitarras que rasguean con brillantez mientras la voz principal desgrana la melodía, con sucesivos crescendos, descargando sobre el estribillo con una fuerza encomiable.  Le sigue “Solo Pienso Bailar”, versión del tema interpretado por The Servicemen  “I Need A Helping Hand” (Patheway 1967).  Fascinante tema de soul con una exquisita compenetración entre los instrumentistas y la voz principal.  Con talento, estilo y condición, la banda nos agasaja en un tema que te invita a la pista de baile, con suma elegancia y un enorme poder de convicción. A continuación, nos ofrecen “Tus ganas de Huir”. Resultan especialmente destacables esa  guitarra con fuzz demoledor,  el envolvente órgano y los grandiosos metales saxos, trombón y trompeta. Todo ellos crean una tensión emocional que nos cautiva hasta culminar en el estribillo donde nos cuentan:  “Te escapas entre mis manos como agua de abril,  volátil como el alcohol de una noche sin fin, si nadie puede ya tus pasos seguir,  lo que me atrapa a ti son tus ganas de huir”.  A destacar ese despliegue de recursos casi final que acaba en un movimiento electrizante de teclado.  

Los Retrovisores en la televisión, foto de su facebook 

Discurre el disco con “Calamity Jane”, adaptación del tema del mismo nombre de A. Schweikert y K. Lamp grabado en 1968 por The Raven .  “No gastes más saliva pues tu sola te ganaste tu reputación” nos cuentan, “y al caer la noche crees que todo lo que tomas te sienta bien.  Nunca despiertas sola y aunque ríes, hoy prefieres no saber con quién”. Tema con interesante cambio de rítmica, con un solo de trompeta en lugar del original de oboe, juegos de voces, y una fuerza que supera incluso al original, con disparo final incluido.  Cierra la cara A, “El trovador”, con tempo de balada, entre pedales sensacionales  de metales, la gran voz de su solista, los acordes envolventes del órgano y la gravedad de la guitarra. A destacar la magnífica aportación vocal de Koko-Jean para acabar con ese “Mantendré la fe, en tu puerta estaré  y por las noches cantaré su misma canción…yo te quiero, yo te adoro, yo te extraño, yo te imploro”.

En el Bule Bule 2016. Foto: David Aresté
Arranca la cara B con la sublime versión de “Harlem Shuffle”  compuesto y grabado por Bob & Earl (Bobby Relf y Earl Nelson) en 1963 para Marc Records. Con la adaptación de los Retrovisores no solo gana velocidad, sino incluso intensidad para la pista de baile con efectos rítmicos poderosos para que te fijes lo fácil que es bailar. Sólo hay que seguir sus consejos y dejarse llevar por su absorbente creatividad. De este modo llegamos al soul psicodélico de “Algo que ocultar” con momentos excelentes de sitar a cargo de su guitarrista Pere, “repartiendo besos y felicidad”,  con ritmo marcado y precisos detalles de trompeta entre un inmejorable sonido de banda para que “la música te afecte de forma especial”. 

Foto de su facebook. Sección de metales
Le sucede otro tema propio de guitarra “garajera”  fundiéndose con un tempo de R&B, bajo el título de “Pan de ayer”,  destinado a crear un descomunal tema de baile con frases sin desperdicio alguno del tipo: “si nadie recuerda lo tierna que tú fuiste es porque duro es el pan en que te convertiste”.  Una canción potente con descargas sublimes que nos traslada hacia un nuevo corte, en este caso interpretado en catalán, “Carrer d’un sentit”, versión del tema de Clive Scott  “One Way Street” que la banda británica Jigsaw editó en 1968. Tema de unidad obrera para que nadie te tome el pelo ni te expriman, a la búsqueda de una fuente de información fiable al margen del engaño del Estado. Musicalmente es un auténtico “llenapistas” con sección de viento indestructible, con rítmica firme y melodía de ensueño. “Creieu-me bé el que us dic”, un temazo en toda regla con riffs para tomárselos muy a pecho.  Finaliza el disco con “No quiero regresar”, tema original de sutil armonía, golpes de efecto, tempo conquistador y momentos insignes que, sin lugar a dudas,  harían las delicias de grandes de la canción como Bruno Lomas, entre otros combos de  la música  pop de los sesenta.  

Reflexión final

En el conocido programa de la TVE 
Las canciones de “Sonido Joanic”  no desentonarían ni un ápice en el repertorio de cualquiera de las bandas españolas de finales de los sesenta, formaciones que se aventuraron en el mundo siempre mágico de la “Black Music” al tiempo que mezclaban momentos psicodélicos con pop denominado genéricamente como “yeyé”.  Pero ojo, no olviden los fans de esa época que los Retrovisores,  tal y como cantan en el tema que cierra este magnífico disco, no quieren regresar. Por ello nos dicen en ese  corte con el que finaliza cierra el disco: “Aunque tú puedas creer que estoy loco por volver con Los Buenos y The End a aquel escondite inglés, yo no quiero regresar medio siglo hacia atrás blanco y negro militar, orden, cruces, castidad…”.  Por otra parte, si bien los referentes musicales quedan perfectamente  delimitados,  la banda imprime un ímpetu memorable que traslada la necesaria fuerza del directo a la pormenorizada grabación de estudio al tiempo que consiguen que sus canciones, versiones incluidas, se distingan por una huella propia que no está, en absoluto, agotada sino que seguirá dando mucho que hablar y bailar en sucesivas como esperadas entregas. Los Retrovisores son una de nuestras mejores bandas actuales y su música resulta ideal para amenizar fiestas inolvidables que satisfagan a un amplio abanico de amantes del pop, el beat, el yeyé, el garage, el soul, o la psicodelia. Con sus canciones convierten su “Sonido Joanic” en el paradigma de nuestra escena con referentes en los 60’s.  Sin tapujos que valgan, pocos combos resultan tan completos, divertidos y convincentes.   

Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp y adquirir una copia del disco, en vinilo o en Cd,  en la web de Bcore o en la de Soundflat.  

Te invitamos a visionar el videoclip de "Mentiras",  grabado por Frenètic, canción incluida en este álbum de los Retrovisores.  Se trata de un homenaje a la película de 1969 "Un, dos, tres, al escondite inglés" de Iván Zulueta.