Urtain nos facilita un sugerente e impresionante “Manual de supervivencia para ilustres decadentes”

Portada

Tal y como empieza el nuevo álbum de los veteranos y siempre convincentes Urtain, “corren tiempos inciertos” y puede que, por eso o a pesar de ello, esta banda de Palma de Mallorca haya sacado al mercado su cuarto disco bajo el título genérico de “Manual de supervivencia para ilustres decadentes”, de la mano de las incombustibles discográficas Espora y Flor y Nata. Se trata de un disco estremecedor, repleto de canciones exquisitas, muy bien construidas, en las que demuestran no solo un pleno conocimiento de causa, tan vital como musical, sino que además resulta impresionante por sus suculentas melodías envueltas en arreglos conmovedores. Quizá haya que hacer de tripas corazón para tenerlo todo controlado, tal y como inciden en otra de sus descomunales canciones, pero si en tu experiencia cotidiana te inquieta el paso del tiempo, las relaciones amorosas “a quemarropa”, de esas que dejan “cadáveres en el armario”, con todos esos secretos que confesar, o simplemente algún día quisiste impresionar a alguien bailando como John Travolta, este disco va a resultarte muy necesario, tanto que te va a parecer extremadamente preciso para caminar por el “lado oscuro” de la vida, “sin dar el brazo a torcer”.  

Trayectoria  

Urtain. Foto de su facebook

Urtain son Julio Molina (voz, guitarra, armónica, que fue miembro de Mineralwater),  Gabi Marcos (batería y percusión), Iván Tobiass ( guitarra y coros. Ex Cocodirles, Pistones, Germans Tanner), Toni Trobat ( bajo y coros),  y Pep Aguiló ( piano, órgano hammond y coros). La banda se forma en Palma de Mallorca en 2008 por Julio Molina, Lluís Matas, Gabi Marcos, Toni Trobat y Pep Aguiló. En 2008 graban su primer álbum “Canciones Selectas en Conserva” editado por Lucinda/ Subterfuge Records. Durante 2008 y 2009 actúan en directo por varios escenarios presentando ese primer disco. Le sigue un single del tema “Hablemos”, más el disco “Más difícil todavía” (2011) y el Ep “Un domingo cualquiera” (2014).

El disco que ahora te presentan se grabó en noviembre de 2016 en directo en los estudios Diorama Sound por Toni Salvá. Se mezcló en abril de 2017 en The Stratoscope por Antoni Noguera y se masterizó en septiembre de 2017 en Hay Zeleen Mastering. Producido por la banda, han contado con la colaboración de Ariel Rot a la guitarra solista y coros en el tema “De tripas corazón”.   El diseño de la portada es de Hell’s Kitchen Studio, y se incluyen fotografías realizadas por Mike Ordinas. El libreto del cd recoge también las letras de las canciones. 

Las canciones  

Urtain en directo

Comienza el álbum con “Días de radio”, mediante una contundente concepción rítmica de bajo y batería a la que se suman las guitarras resplandecientes “afilando los dientes en sol mayor”. Entre noches sin final y los motores rugiendo, nos hablan de esos recuerdos de juventud, “días de radio, del verano del 92 soñando despiertos hasta ver salir del sol” con una excelente melodía muy bien interpretada por la magnífica voz principal  entre arreglos repletos de matices a juego con susurros, declaraciones de intenciones y una letra cargada de sentimientos.

Con Ariel Rot grabando la guitarra

Le sigue “De tripas corazón”, otra excelente exhibición de recursos dando forma a una canción intensa en su máximo esplendor “para tenerlo todo controlado sin hacerse el héroe” con aportaciones de rock americano en la que fluyen el intenso órgano y esa preciosa guitarra “viajando al pasado”.  Un bonito estribillo explota con toda su luminosidad entre momentos instrumentales conmovedores, y otros a dos voces, que nos aportan “una zona de confort” que impide que “todo salte en mil pedazos”.  El siguiente corte se llama “La playa del mago”. Fluye con ritmo bailable de funk disco dando cobertura a una excelente canción de guitarras y voz poderosa con “efectos especiales” que conforman un “show que jamás habrás visto antes”. Te hipnotizarán con sus poderes mentales creando “un oscuro objeto de deseo de madres solteras y metrosexuales en la playa del mago…donde todo vale”.   

Prosiguen con “Alicia”,  genial combinación de ritmo y melodía perfilada por una sabrosa guitarra eléctrica, incluido un buen solo, una convincente voz principal, más una sección rítmica impecable. Nos hablan de una Alicia de cuento, pero también muy real: “déjala que entre en el agujero, que persiga el conejo”.  Con la procesión por dentro, Alicia va detrás de a la salida a un sueño que marchita, dejando que la ilumine la luz del día, escuchando más mentiras, con la mirada perdida. Alicia, “déjame lamerte heridas”.   

Urtain en directo. Foto: José Luis Luna

Llegamos de este modo a “Amor a quemarropa”, tema penetrante que crece hasta la inmensidad entre sublimes teclados, ritmos precisos, y voz calurosa para “borrar de un plumazo los gritos y portazos, la guerra de guerrilla y los acuerdos de Estado…las páginas en blanco del último verano, los libros que no hemos escrito, los árboles que no hemos plantado… borraré de mi memoria todos los archivos dañados”. Un turbador tema para “vagar como un perro sin dueño” y quedarse “con lo mejor de ti… a veces poco, otras demasiado… amor en vena y en vano”.    

Con “Cadáveres en el armario” cruzamos el meridiano  de este sensacional disco repleto de emociones a flor de piel. Regresan las guitarras de ese power pop penetrante para “convertirte en hombre lobo al caer la noche” con el propósito de sincerarse porque “todos tenemos cadáveres en el armario y secretos sin confesar”. No falta otra buena aportación de guitarra lisérgica que redimensiona las placenteras armonías envolventes.  “En el lado oscuro” es una canción muy rockera, con detalles de black music y otra letra, no solo muy bien trabajada sino perfectamente hilvanada en una estructura musical perfecta en la que añaden toques de piano, guitarra ácida, y esa capacidad de llevarnos en volandas hasta el esplendoroso estribillo donde “arderás en la hoguera, si caminas esta noche conmigo, no veremos nada nuevo que no vimos alguna vez porque no hay signos de vida más allá de este cielo”. 

Urtain. Foto: José Luis Luna

Seguimos quemando cartuchos ciertamente explosivos con “Bajo el cielo de Berlín”, otra exquisitez en la que “buscamos el camino…alzamos nuestras voces cuando hablamos de lo humano y lo divino, y dejamos que las dudas nos invadan… abrazados bajo el cielo de Berlín”. Una canción “entre un millón” de canciones pop que resulta única, como todas y cada una de los temas de este disco, por la brillantez creativa e interpretativa de esta banda en estado de gracia. Un combinado de guitarras, armónica, y ritmos portentosos, dan forma a este sensacional corte a tempo relajado y fraseos divinos tanto instrumentales como vocales.

Con Toni Salvá en Diorama Sound

Continúa el disco con “En la cocina”, corte para rebozarte con harina al tiempo que “nos juramos amor eterno, y nos amamos a fuego lento, cuando se junta el hambre con las ganas de comer”. Amor y gastronomía mezclados con un maridaje de buen humor y cariño. En este caso, la banda se torna muy ritmanblusera y stoniana para dar vida a un tema que convertirá  tu alma en un horno a 180 grados y incitará tus deseos como “un cuchillo bien afilado”.   

Con “todo patas arriba”, vamos terminando con “La balada del viejo y el diablo” que como su nombre indica es una preciosa balada  entre luces y sombras para “aceptar que no somos iguales y que nunca lo seremos pero estamos condenados a entendernos”.  Con excelentes momentos solistas de piano y guitarra, emerge una melodía a modo de sincero abrazo para “lo bueno y lo malo” con el propósito de que cada cual entiende su parte de “viejo” y de “diablo”,   y “haga caso del instinto que eso siempre ha funcionado”.   

Urtain. Foto de su facebook

“Bailar con John Travolta” es su penúltimo corte, y en el dan forma a una estremecedora canción en la que confluyen las enormes dotes musicales como líricas de sus artífices. Un divertido tema en el que nos hablan de ese momento en el que “ya sabes lo que pasa cuando entras en la pista y has bebido demasiado”. Ese instante en el que quieres impresionar a esa persona especial, que “se te va un poco la olla”, pero que no puedes evitar bailar “bajo la bola de espejos”.

Tras mover las caderas “de esa forma”, acaba el álbum con “Bonnie & Clyde”, la última maravilla de este extraordinario manual de supervivencia en el que confluyen por última y arrebatadora oportunidad las habilidades de todos y cada uno de los músicos de Urtain en un corte sensacional, majestuoso, que va creciendo compás a compás, a dos voces, entre ritmos contundentes, guitarras imponentes, y teclados ceremoniosos para que el oyente, “se acuerde de verdad” de tan espectacular obra discográfica con muchísimo estilo.   

Reflexión final 

Urtain. Foto de su facebook

Urtain son de esas bandas que, sorprendentemente, nos habla de nosotros mismos sin siquiera conocernos en persona. En sus tremendas y sugerentes canciones vas a encontrar unas cuantas vivencias con las que te sentirás no solo identificado sino también tremendamente confortado porque no había forma humana de entender que eso tan inexplicable, te pasase solo a ti. De ahí tan explícito disco: todo “Un manual de supervivencia para ilustres decadentes” en los que podrás encontrar algunas salidas tan dignas como emocionantes a esa insoportable levedad de lo cotidiano.  Quizá tú, todos nosotros, y Urtain seamos unos pocos entre un millón, “tan solo un fallo en el sistema” como ellos mismos dicen en otro de sus conmovedores temas, pero “no queremos que sea perfecto, algo  por siempre jamás” sino que solo buscamos “algo que sea real”. Así que haz caso de tu instinto “que eso siempre ha funcionado” y agénciate una copia de este imprescindible compendio existencial a ritmo del rock and roll con melodías inolvidables de pop atemporal.    

Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp de Espora o el de Flor y Nata donde también podrás agenciarte una copia.

Ambros Chapel siguen generando semblanzas vitales únicas y muy creativas con “Portraits” (Flor y Nata 2017)

Portada Cd

Desde hace unos cuantos años, seis para ser exactos, que Magic Pop sigue con especial interés la carrera discográfica de Ambros Chapel, sensacional banda valenciana que este 2017 nos presenta su nuevo trabajo con el título de “Portraits”, editado por Flor y Nata Records. Cuando oímos atentamente su segundo disco titulado “Constants are Changing”, allá por 2011, nos dimos cuenta, sin titubeo alguno, de que estábamos frente a una banda única: Una formación de grandes músicos, excelentes instrumentistas que arropan a una excelente voz solista, trabajando en equipo como pocos para dar forma a creaciones ciertamente sorprendentes. Ambros Chapel emergen mediante un proyecto fascinante dispuesto a crecer ofreciéndonos un producto original que, si bien tiene unos referentes estructurales propios del post punk de los ochenta a modo de sólidos cimientos, su música no resulta en absoluto  predecible. Hace media década les reseñamos en este blog con nuestros mejores parabienes, esperando otros tantos trabajos igual de exquisitos e incluso mejores. El tiempo nos ha dado la razón. Por eso, tenemos el gran orgullo así como el enorme placer de hablaros de su nuevo disco; un álbum perfecto en el que más de una canción va a recordarte a algunos de tus grupos de cabecera pero no como homenaje, ni mucho menos como copia, sino con la absoluta certeza de que, a buen seguro, les hubiera gustado a esos grandes de la escena siniestra británica el haber compuesto canciones tan memorables como estas que nos ofrecen los Ambros Chapel.        

Trayectoria 

Ambros Chapel. Foto: Ana Sánchez

Ambros Chapel son actualmente Pablo Casero (voz y guitarra), Alfred Sanchís (bajo),  Oscar Vadillo (guitarra solista) y José Rodríguez (batería). Anteriormente, formaron parte del proyecto otros músicos como Vicent Ortiz (teclados) y Rafael Vicente (guitarra, coros). Empezaron en 2006, año en que grabaron su primera maqueta con la que consiguen cierta repercusión local a partir de su primer concierto en el Loco Club de Valencia. Al año siguiente dan forma a su segunda demo y salen de su ciudad para tocar en otros puntos del Estado quedando como semifinalistas de varios concursos a nivel nacional. Algunos de sus temas empiezan a ser bastante conocidos; aparecen en recopilatorios y en 2008 ganan el concurso Troglogló, en su sexta edición, organizado por la Caverna, local valenciano, al que se presentaron cerca de 40 grupos noveles. Ese premio les permite grabar dos canciones con Dani Cardona en Studio 54. Su agenda de conciertos sigue aumentando mientras ultiman la grabación de su primer disco que presentaron en noviembre de 2009 con el título de “Rome”, editado por el sello valenciano independiente Malatesta Records y distribuido por Everlasting/Popstock. A destacar que una de sus canciones más conocidas, “25” se emitiría en la BBC en el año 2009.

Ambros Chapel. Foto de su facebook

Su segundo álbum “Constants are Changing” (7days music 2011) fue grabado y mezclado por Paco Morillas en Blackout Musice y masterizado por Mario G. Alberni. Puedes leer una reseña de este disco en el Magic Pop entrando aquí.  A finales de 2012 graban y mezclan un Ep “Electric Eye” (7Days Music y To Jail Records).  También han aportado la versión de la canción “Wellcome” en el disco homenaje "Bajo un cielo prehistórico - Tributo a The Church" (2014, Lunar Discos).  Ya en 2015 versionan el tema “Blue Monday” para el disco “Dreams never end: A tribute to New Order” para los brasileños The Blog That Celebrates Itself (TBTCI Records).

Ese mismo año 2015 sacan su siguiente disco se titula “The Last memories” (7Days Music/Harmony Rock) del que también te hablamos aquí.  Además, este 2017 han colaborado  con una versión de “Adictos a la Lujuria” en un disco de tributo a Parálisis permanente bajo el título de “Unidos” editado por Leningrado records en 2017 y con una adaptación de “M”  para otro recopilatorio del mismo sello con canciones de los Cure con el título de “Close to you”.     

Artwork del disco 

Las canciones de “Portraits”, compuestas, interpretadas y producidas por la banda, se grabaron entre marzo y junio de 2017 por Carlos Soler Otte en los Millenia Studios, Carcosa Studios y Calexico Studios, de Valencia. El disco se mezcló en los Calexico Studios por el mismo Carlos Soler y lo masterizó Mario G. Alberni en Kadifornia Mastering.  La introducción hablada de “Déjà Vu” es del escritor y novelista estadounidense de ciencia ficción, Philip K. Dick. Las fotos son de Raquel Norte y el artwork del Cd de  Bhyf. Se incluyen las letras de las canciones en inglés.

Las canciones 

El disco empieza con “Mental”, fascinante mezcla de ritmos conmovedores con una melodía pasional en la que las guitarras tejen fraseos envolventes que van cautivando el interés del oyente acompañando a una sensacional voz solista. La perseverante sección rítmica avanza con soltura y poderío participando activamente en la expansión sonora de este estado mental cargado de paciencia y crueldad hasta la muerte. Le sucede “Glassvegas”, canción para un día soleado de domingo sin mentiras, en la que destacan esos arreglos soberbios de post punk que emanan con dulzura entre juegos corales, ritmos sensuales, y una sonoridad exquisita procurada por una voz solista descomunal acompañada por arpegios de guitarras y coros indispensables. Toques de oscura psicodelia y estribillos etéreos completan una canción atmosférica memorable.  Sigue el álbum con “Whiskey”, tema con “un corazón en el centro de mi whisky” a la búsqueda de alguien en que confiar.  Ritmos solemnes de bajo y batería, más aportaciones siniestras de guitarras pérfidas, dan cobertura a la insistente voz principal que desgrana esta plegaria espeluznante que explota con grandiosidad inusitada entre tremendos recorridos eléctricos.   

Fotos: Raquel Norte

El siguiente corte es “Someone”, otro sugerente ejemplo de la destreza de esta gran banda para perfilar arreglos que despiertan pasiones entre preguntas existenciales “dime quien soy, quiero ver qué está pasando”.  La concepción melódica se complementa con una rítmica muy bien perfilada sin olvidar el papel caudal de la voz y las aportaciones solistas de la guitarra. Llegamos a la mitad del álbum con “Déjà Vu” y la voz introductoria del escritor norteamericano  Philip K. Dick (nacido en 1928 y fallecido en 1982). Golpes de efecto, entre las estrellas y el hielo con el “deseo que la lluvia limpie el dolor”. Una canción majestuosa en la que sobresalen las andanadas del bajo, los choques de percusión, los arpegios siniestros, las segundas voces hirientes de la guitarra, y la voz enfática principal.  El tema crece hasta límites insospechados dando forma a un universo de matices ácidos y obsesivos. 

Ambros Chapel. Fotos: Raquel Norte

A continuación está  “In the Fall” con su ruego amoroso: “Dame una oportunidad, trataré de encontrar las palabras y ser tu amante bajo la lluvia de verano”.  Este tema arranca con una compenetrada sección de guitarra y bajo más batería que dan cobertura a la emotiva voz principal que nos conmueve entre descargas arrebatadoras que se repiten de forma hipnótica. Con “Beirut”, los Ambros Chapel se tornan más encantadores si cabe con un tempo relajado, esa voz que surge de lo más profundo del alma “susurrando al oído”, y esas guitarras que construyen arpegios sutiles que acaban convirtiéndose en acordes aguerridos o en un breve pero intenso solo “lidiando con el miedo”.

      

Prosigue el álbum con “Insight”, tema que recupera su entrega y forma más hiriente mediante ese meticuloso bajo, con guitarras ampulosas, metódica batería y voz tremendamente sugerente.  Otro canto sublime intimista que contiene otro momento original de guitarra. “Wonder Why” es el título del penúltimo tema, un corte altamente estimulante dentro del amplio abanico de parámetros de esta banda en la que todos y cada uno de los instrumentos se compenetran a la perfección levantando la sensacional voz principal a lo más alto del universo post punk, incluso con un leve pero perceptible toque de country oscuro nada desdeñable, sin faltar esos peculiares solos de guitarra ciertamente arrebatadores.  En este caso el protagonista se pregunta por qué “escondes tus miedos… tus ojos parpadean cuando mientes”.   

Ambros Chapel. Foto de su facebook

Acaba el álbum con “August”, la última de las distinciones de este portentoso disco, en la que te recomiendan que guardes tus armas para tiempos más difíciles en los que los días pueden llegar a ser muy largos. Suspiros entre resoluciones instrumentales fantásticas dando forma a sonoridades únicas que vienen hasta nosotros para aminorar nuestra ansiedad vital colmándonos de canciones sublimes.    

       

Reflexión final 

Ambros Chapel

Cuenta el periodista valenciano César Campoy, sobre este nuevo disco de Ambros Chapel titulado “Portraits”: “En estos tiempos frenéticos en los que bailamos, debatiéndonos entre el optimismo pasajero y lo existencial en su vertiente más desconcertante; en esta era en la que el tiempo transita veloz y apenas brinda un respiro a lo meditativo, no resulta nada sencillo mantenerse firme en convicciones, fiel a los principios que nos mueven. Los creadores sobreviven, a duras penas, transitando entre senderos flanqueados por muros de espinas que tratan de impregnar de cicatrices con la palabra "efímero" el ideal de arte”. En ese contexto, sigue  Campoy, “Ambros Chapel permanecen despiertos, casi impasibles, luchando por mantener, sorprendentemente, aquella filosofía a la que decidieron abrazarse hace más de una década. Sin desfallecer. Aquellas fuentes a las que acuden, de seguido, para seguir inspirándose a la hora de cincelar, con mimo, sus criaturas sonoras”. Ante presentaciones tan certeras y emocionantes como ésta, que puedes seguir leyendo en su bandcamp, poco a nada de relevante le queda a este cronista que añadir sobre tan fascinante disco, quinta entrega del universo de esta banda valenciana  editada por Flor y Nata este 2017. Si bien la banda ha aprehendido todo lo mejor del sonido post punk de los ochenta, su obra no se ha quedado anclada en esos referentes sino que ha evolucionado para dar sentido a un espacio creativo propio del que emergen canciones tan sublimes como éstas con las que conforman un trabajo discográfico excelente repleto de momentos sonoros estremecedores.    

Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp del grupo aquí o en el del sello aquí donde podrás adquitir tambiñen una copia del Cd.  

Steven Munar recopila 15 años de canciones simbólicas, inéditas y un tema nuevo, “Berlin”

Portada

El genial músico, compositor, cantante y guitarrista, Steven Munar acaba de sacar, con Flor y Nata Records, un trabajo discográfico en el que recopila 15 años de temas propios (2000-2015. 15 years of songs) entre los que destacan canciones inéditas, tomas alternativas, y un tema nuevo llamado “Berlin”. Se trata de  composiciones memorables recuperadas que fueron grabadas o compuestas ya sea con los míticos Tea Servants, o con las dos bandas de acompañamiento de su etapa en solitario como fueron los Lunatics o los actuales  Miracle Band. El disco incluye interpretaciones que en su día nunca vieron la luz, por varios motivos, y que completan su fructífero y original universo musical de pop folk. Más que un compilado de “lo mejor de…” se trata de un disco cuyo valor simbólico es altamente considerable. Sirve perfectamente como posible carta de  presentación de su principal factótum, por si aún pudiera quedar alguien que no conociera su ingente obra, así como para satisfacer al fan más acérrimo al que están destinado algunos guiños alternativos con vocación de futuro, aportando algunas ideas por las que probablemente discurrirá la futura carrera de tan imaginativo músico arropado por una banda de auténtico lujo "milagroso".  

Trayectoria

Steven Munar Foto: Braig G. Rouco

Ciudadano británico afincado primero en Mallorca y después en Barcelona, desde hace más de dos décadas, Steven Munar Smith empezó a finales de los años ochenta con una banda un tanto psicodélica llamada The Walk junto al guitarrista Miguel Pérez. Después formaría el conocido combo de pop The Tea Servants. Tras grabar varias maquetas, Steven y Miguel se trasladan a Barcelona donde editan su primer disco homónimo para el sello zaragozano Grabaciones en el Mar. Con esta discográfica publicarían otros dos discos, “Police Looking After Thieves” y “Greatest Hits”. Más tarde fichan con Houston Party Records donde publican “Higher” y “Travel West”. Participan en numerosos festivales de ámbito estatal hasta mediados de la pasada década que el grupo se separa en 2003. Volverían a  reunirse para algunos conciertos, tras la reedición de su segundo álbum, en 2013.

Steven Munar. Foto: Xavier Mulet

Steven inicia su carrera en solitario en 2005 acompañado por bandas llamadas The Coffee Masters, The Lunatics y posteriormente The Miracle Band. Con The Lunatics graba su primer disco en solitario titulado “Miracle Beach” (2007) en los estudios El Zigurat por Francisco Albéniz, de La Búsqueda y editado por su propio sello, Miracle Records. En ese álbum empieza a prevalecer una elevada dosis de folk que se expande a sus anchas en su precioso y segundo trabajo titulado “The Language Of The Birds” editado en 2010 por la Produktiva Records con la que seguiría trabajando en las siguientes entregas de su discografía. Un álbum sin desperdicio alguno donde destacan bonitas melodías con detalles de country americano.  El disco “Break The Rules" fue grabado en directo en el Red Bell Studio de Barcelona por Marc Tena, entre los meses de enero y mayo del año 2011. Su cuarto trabajo hasta el momento lleva por título  “Time Traveller". Fue grabado y masterizado también con Marc Tena, entre febrero y julio de 2013, en los Red Bell Studios.  De los dos últimos discos puedes leer una extensa reseña en este blog clicando en los títulos. A finales de mayo de 2014 graba con la Miracle Band la primera “Furious Streaming” para Dailymotion”. Recientemente, Steven ha formado un dúo con el  músico uruguayo-madrileño Pablo Sciuto. Con el nombre de Laurel Street, aúnan el folk americano de los sesenta y setenta y han grabado un mini LP de título homónimo que puedes oñir en el bandcamp. Entre otros proyectos futuros, está el publicar un libro con todas sus letras de sus proyectos en solitario.

Las canciones

Steven Munar y la Miracle Band. Foto: José Luís Luna

Más que una perfectamente justificable  colección de “lo mejor de”, este recopilatorio  destaca por su elevada carga emotivas. En este sentido y en las notas aclaratorias  del disco, Steven nos cuenta que “Heart And Soul”, por ejemplo,  es la canción que, con más frecuencia, ha tocado de los Tea Servants de los que recupera también un tema de una maqueta, “A way a smile” y que “Acid Rain” fue la primera que escribió tras la separación de la banda.  Así como “And if you want my recrods” fue la primera que compuso para su hija Elsa, y que “Time Traveller” se incluye por ser toda una declaración de principios.  Por otra parte recupera “Lover” porque en su día no encajaba en su primer disco más folk.

Steven con Carrie Lewis. Foto de su facebook.

Munar también nos descubre el porqué no incluyó en su día “There is a place” en el disco “Break the Rules”, ya que creía que le vendría mejor una voz femenina. Por eso la recupera con la voz de Carrie Lewis. No es la única que colabora en el álbum, a destacar también la aportación de Roger Espa y su gran solo de saxo en “City of Cats”, entre otros.

El disco arranca con “Berlin”, un tema nuevo grabado con la Miracle Band que presenta en directo en estos momentos al tiempo que homenajea al disco “Nashville Skyline” de Bob Dylan, álbum que interpreta íntegramente acompañado por una banda llamada para la ocasión, The Nashville Sinners.  El recopilatorio contiene también temas de los Tea Servants como “Travel West” (2003) y la inédita “A way a smile” (2000) grabada en 2015. En este mismo año también se grabaron una desconocida “There is a place” de 2011.  Cronológicamente el disco nos ofrece una versión alternativa de 2004 del tema “The end of the autumn of the fears (No fear)”; un par de canciones con los Lunatics como son “Lover” (inédita 2005) y “Acid rain” ( Miracle Beach 2007); dos más de 2010 incluidas en el disco “The Language of The Birds” como son “And if you want my records” y la que le daba título a ese álbum; otro tema de 2011 llamado “Golden Lights” incluido en el disco “Break the Rules” también con la Miracle Band; dos más no publicados hasta el momento como son “Show me the way” (2011) y “Why not your baby” (2012); el “Time Traveller” de 2013, en cuyo año se hicieron dos versiones alternativas e inéditas de las canciones “City of cats” y “Shiny Days” incluidas en este recopilatorio.    

Steven Munar y la Miracle Band. Doto: Xavier Mulet

Entre todos los temas, destaca por su novedad y por su enorme valor creativo presente con visión de futuro, esa “Berlin” grabada en 2014 con la Miracle Band acompañada por el Brossa Quartet de Corda con arreglos de cuerda de Alberto Pérez (producción), más coros de Kathy Sey, Clara Sallago, y Anita Zengeza.  La canción mantiene un ritmo marcado sobre el que Steven va generando espacios sonoros compenetrados con cuerda,  recitados, haciendo alarde de una capacidad innata para crear tensión emocional con crescendos espectaculares que explotan en pasajes amplios y se recogen de forma intimista con una habilidad pasmosa.


Las nuevas grabaciones se llevaron a cabo en Sol de Sants Studios con Alberto Pérez, con la producción del propio Steven y Alberto Sol de Sants. Steven Munar canta y toca la guitarra acompañado por La Miracle Band  formada por Luis Bestard (batería), Patricia Serrano  (guitarra eléctrica), David López (bajo),y  Amaia Hernández a las voces.  Por otra parte, cabe mencionar también el magnífico trabajo visual realizado por  Marc Argenter a cargo del diseño de la portada del recopilatorio y del single con esa instantánea de la pelicula "Metrópolis" (1927) de Fritz Lang. Se incluyen también en el folleto del Cd diversas imágenes históricas tomadas por varios fotógrafos sobre la trayectoria de Munar y los  detalles pormenorizados de cada tema.  

Reflexión final

Steven Munar. Foto: Maria Mateu

Steven Munar es uno de esos extraordinarios artistas, tan perseverantes como fructíferos, al  que  los melómanos nunca nos cansamos de escuchar,  anonadados y satisfechos al mismo tiempo,  tras comprobar su enorme capacidad para reinventarse, sobresaliendo, con dignidad a raudales,  entre tanta hipocresía mediática en la industria discográfica, y al margen de esa falsa humildad que caracteriza a  tantos cantautores lánguidos y cansinos de la radio fórmula.  Tras su etapa con los Tea Servants, durante la que cautivó indiscutiblemente a la comunidad “indie” en la década de los noventa, ha conseguido crear un espacio sonoro propio en solitario, acompañado eso sí por otros grandes músicos, en el que tanto el folk como el pop tienen un protagonismo constatable. Dos géneros que en sus manos y su imaginación se entienden a la perfección, trenzados con detalles de otros tantos estilos que van de la psicodelia a la música americana de raíz.  Álbum tras álbum, Steven ha afianzado una obra honesta, consistente y altamente creativa que le permite, en todo momento, virar su trayecto hacia otros  mundos gracias a su experiencia, a su versatilidad, pero también a esa entrega emocional que se manifiesta en cada una de sus canciones. Y es precisamente esa pasión personal, como amigo, padre o amante, la que articula,  de forma esplendorosa,  este sensacional recopilatorio editado por Flor y Nata. Un disco que agrupa para deleite de sus fans, una fantástica selección de canciones para recordar y  completar toda una vida de un gran artista que seguirá su camino,  de forma irrenunciable, en un viaje sin fin por el tiempo.

Nota: El pasado viernes 24 de julio de 2015 Steve Munar intepretaba, a propuesta de Producciones Acaraperro,  el disco "Nashville Skyline" de Bob Dylan  en La Cava Club de Sitges en una segunda y seguramente última oportunidad. La primera fue el mes pasado, junio, con The Nashville Sinners en la Rocksound.  

Puedes  escuchar el disco "Steven Munar (2000-2015. 15 years of songs)" y comprar una copia del Cd en la web de Flor y Nata.

En los escenarios de Barcelona, vuelven a tocar "Señores" como tú

Flor y Nata editaba en 2006 un lujoso digibook recopilatorio con la música de los míticos Kamenbert, banda barcelonesa de pop soul de los ochenta,  con el nombre genérico de “En Barcelona ya no hay nadie como tú". El título  lo puso el mismo grupo y está sacado de la letra  de uno de sus temas “Terciopelo Azul”. Cuatro de los músicos que formaron parte de los Kamenbert  en diferentes épocas, han creado recientemente una nueva banda de R&B llamada Los Señores.  Ellos son Dani Prenafeta, guitarra; Andrés Verdú, batería; Joan Llovera, bajo; y Manolo Crespo, voz.  Prenafeta también tocó en los Wom A2, LLovera en Los Forajidos, y Andrés Verdú con Killwats, los Novios y Brighton 64.

Por el momento han presentado, en directo, unas cuantas versiones muy bien trabajadas, impregnando los temas no solo de su experiencia como músicos sino también de un troque muy personal que augura una buena trayectoria propia.  Sabemos que tienen compuestos también algunos temas propios que probablemente nos den a conocer en una próxima maqueta. Tal y como nos cuentan ellos mismos: “En principio no hay perspectivas de disco. El objetivo es pasarlo bien y disfrutar haciendo música. Esto, evidentemente, pasa por grabar maquetas y hacer bolos de vez en cuando, para intentar que otros disfruten de ello; pero sin ninguna presión”.

Los Señores en directo



Las excelentes versiones que puedes oír en su facebook son  “Do the dog” de Rufus Thomas de  1964; “Yo sé lo que soy” adaptación de “I Take What I Want” (1978) de los Bishops; “Se terminó” versión del  "It´s all over now"(1964) de Bobby Womack y Shirley Womack que interpretarían los Rolling Stones; el “I’m a hog for you” (1958) de los Coasters que convierten en “Yo soy un cerdo”; y “Perderás mi amor”, que es una adaptación del "Hurt by love” (1977) de Chris Spedding.  Tocan otras versiones como el "Got my mojo working" (1956) de Preston Foster popularizado al año siguiente por Muddy Water  y en directo algunos temas de los Kamenbert como "El negro es mi color" (1985), "Australia" (1988) y "En la diana" (1985). 



Recopilatorio, 2006

Y ya que nos hemos referido a los Kamenbert, no está de más rememorar a esta seminal banda y el recopilatorio que te mencionábamos al principio que seguramente ya conocerás.  Se trata de Cd’s que recogen sus singles con DNI de 1983, con DRO en 1987, su mini Lp “Soul Night” con DRO de 1987 y el maxi de 1989 para Don Disco;  así como temas inéditos grabados tanto en maqueta como en directo. En total son 34 canciones más una pista interactiva y videoclips,  entre las que destacan sus recordados éxitos llamados  “Ultimo Grito”, “Tuve una novia psicodelica”, “Sha la la la” o el tema central de la serie de TV3 “Judes Xanguet i les Maniquins”.




Kamenbert, inicios

Kamenbert  se formaba en Castelldefels, Barcelona, en el año 1981 con Manolo Crespo (voz), Carlo Calderano (guitarra), Dani Prenafeta (guitarra), Xavi Pujadas (bajo) y Robert Pujadas (batería).  Influenciados por el R&B, el soul y el pop de los sesenta, crearon un sonido propio, con actitud mod, que pasará a la historia de la mejor música de este país.  En 1986 solo quedaba Dani de la formación original con Maika Vílchez substituyendo a Manolo como vocalista, más Joan Lloverá al bajo y J. Manuel González a la batería . Maika también abandona y en 1987 toman protagonismo las Kamenberettes,  Mireia Cardeña, Charo Boix y Mari Rodríguez.  Charo y J. Manuel también se van y entra Andrés Verdú a la batería y Emma Bosch. En 1988 se separan. Volverían a tocar en los noventa en un homenaje a Steve Marriott en 1993 y al año siguiente en la presentación del recopilatorio “Mi generación” de Al·leluia records.  En marzo de 2013 volverían a subirse  a un escenario para tocar en la  primera "Festa!" del grupo de Facebook 'Jo vaig viure els 80s a Barcelona' en la sala Salamandra de L'Hospitalet de Llobregat con otros grupos de esa década como Último Resorte, Elektroputos, Melodrama, Los Bisontes Revival Bunch, Los Novios, Aaron & Roll Trio, Ultratruita, Piorreah y Trabelios, mezcla de La Banda Trapera del Rio, Decibelios y Subterranean Kids.

Los Señores

El repertorio de Los Señores nos indica el buen criterio de estos grandes músicos que vuelven a los escenarios, en principio, para disfrutar del rock and roll y, de paso, compartir su entusiasmo y profesionalidad con su fiel público, muchos de los cuales proceden de esa etapa gloriosa de la Barcelona mod de los ochenta.  Los temas no solo han sido adaptados con destreza lingüística al castellano sino que también cuentan con unos arreglos muy originales en los que sobresale una sección rítmica muy conjuntada, una guitarra que enciende  pasiones y una voz emblemática con gran personalidad. Con todas estas consideraciones, podemos afirmar sin duda alguna que en los escenarios de Barcelona vuelven a tocar Señores como tú parafraseando a los seminales Kamenbert. De esa época pasada quedan algunos aspectos   muy vivos y presentes por la relevancia y originalidad creativa que supusieron entonces y ahora.  Pero esos recuerdos, afortunadamente, no  impiden a sus principales protagonistas apostar por un nuevo camino para avanzar con nuevas ideas y renovadas energías.  

Nota: Si quieres más información sobre Kamenbert y el mencionado digibook, entra en la web de Flor y Nata; y sobre los Señores, accede a su facebook donde podrás escuchar sus canciones.  

Brand New Sinclairs deslumbran con su segundo álbum, “Healing Souls”

El rock and roll se inventó para renovarse o morir, y desde el primitivo blues del Delta hasta la actualidad, cualquier grupo amateur o profesional debería tener la imperiosa necesidad de subir al escenario y grabar sus temas con el propósito, ya no de repetir la historia sino para formar parte de ella con una propuesta original y propia. Afortunadamente, ese objetivo se cumple en más ocasiones de las que la crítica especializada parece darse cuenta, abrumados como están con el cansino papel del cascarrabias eternamente insatisfecho. Pues bien, dicho esto, creo que el segundo álbum de los Brand New Sinclairs, con sus doce brillantes temas, no sólo ha logrado superar con creces a su anterior disco, sino que el resultado final obedece a un titánico esfuerzo creativo por parte de sus autores. Un esfuerzo que logra situarles, en mi opinión, en lo más alto del panorama musical de nuestros días y a cualquier nivel que se tercie.

Tras esta introducción, puede que os preguntéis a qué viene tanto entusiasmo si en el fondo se trata de un disco más de R&B, con las habituales raíces sixties, y con canciones que os recuerdan a vuestro reverenciado grupo de cabecera. Desde luego, cualquier lectura simplista es válida pero difícilmente razonable ni compartible. El trabajo de ensayo, de superación, de constancia que esta banda vizcaína ha llevado a cabo en estos últimos meses y que ha culminado con este disco, merece una reseña más pormenorizada y eso es lo que voy a intentar hacer con mi habitual vehemencia no exenta de contrastes verificables.

Brand New Sinclairs, antes sólo The Sinclairs, es un cuarteto de Baracaldo que se estrenaron con su nueva visión musical sixties en diciembre de 2007. Con unas ideas muy creativas y una clara actitud mod, en 2009 presentaron su primer disco con Bip Bip Records, titulado “Ten Blue Pills”, con diez canciones donde se pueden encontrar detalles de soul, garage, funk y mucho rhythm & blues, como por ejemplo ‘Eleven’, ‘Magic Man’ o ‘Last One’, entre otras. Ese primer álbum lo grabaron a finales del 2008 en los estudios Montreal de Pamplona con Hans Krüger. Brand New Sinclairs son Ana, voz principal y percusiones, Andi, guitarra y coros, Julio, al bajo, y Rafa a la batería.

Su segundo álbum se titula “Healing Souls” y fue grabado también en Montreal Studios de Subiza (Navarra), con Hans Krüger a los mandos, entre octubre y diciembre de 2010. Tras un proceso de negociación con algunas discográficas, finalmente ficharon por Flor y Nata que lo ha puesto en circulación en versión CD y vinilo este 2011.

El nuevo álbum contiene 12 excelentes temas en los que se notan referencias temáticas propias del R&B y el beat pero también con detalles de garage punk y revival mod. Tras una primera escucha ya se percibe claramente que el grupo ha llegado al estudio con las ideas muy claras y tras un excelente trabajo de ensayo. Si en el primer disco se notaba una gratificante necesidad de compartir con los potenciales oyentes su pasión por la cosmología mod, en esta segunda entrega ese mismo objetivo se ha cumplido tras una fructífera reflexión que les coloca en la órbita profesional actual más allá de las fronteras “sixties”.

Desde la voz de Ana hasta los desarrollos instrumentales de cada uno de los músicos, podemos notar una fructífera mejora que nos procura grandes emociones. Anna canta más convencida que nunca y mediante esa seguridad consigue que su voz aporte un estilo propio; su voz gustará o no, pero a nuestro juicio, no solo es magnífica sino que también es apropiada y está bien definida en su registro. Por lo que respecta al resto de la banda, las canciones suenan más ágiles que nunca, el sonido más compenetrado, los juegos de guitarras son más originales, y los solos, precisos, incluso algunos de ellos hasta virtuosos. Si en el primer disco, esos músicos se entendían a la perfección, en este segundo trabajo han logrado pulir algunos aspectos por lo que respecta al sonido de conjunto y han conseguido con ello mucha más fuerza interpretativa.

Empieza el disco con un instrumental ideal para dar paso al gran espectáculo de ‘Healing Souls’, un álbum que termina precisamente con otro “instro soul”. Entre ambos, se abre un gran abanico de música con raíces sixties, bien sea en su vertiente interpretativa blanca cercana al rock and roll como en sus aspectos temáticos metidos de lleno en las raíces de la black music, desde el blues al funk pasando por el jazz y el soul.

Entre esas dos puertas sonoras, ambas abiertas: la primera “Here we come” a modo de introducción al disco y la última “Here my go”, con vistas a nuevos y futuros trabajos, podemos escuchar una amalgama de sonidos con la que el grupo hace gala de su bagaje musical sacando a colación estilos consecuentes y bien entrelazados. Así en “Heal my soul”, un vibrante R&B, expresado con un simple pero efectivo punteo de guitarra, con ese vital corte onomatopéyico, los coros y un solo de guitarra excelente, nos aseguran los primeros pases de baile que no cesarán hasta el final. A continuación, en “Ronnie” o en la siguiente “A way of life”, se perciben esquemas de puro garage y desarrollos rítmicos de una concreción extraordinaria. El R&B más primitivo hace acto de presencia en ‘Were you real?’ y otra vez la voz de su cantante consigue llevarlo a su terreno personal con un estribillo a modo de himno. Les sucede el tema ‘Last Bun one’ que nos traslada al mod revival de los setenta con toques punk mediante esa repetición de coros en las frases centrales del “join man”.

La segunda mitad del disco se abre con ‘Ready to love’, un tema con un buen juego de voces, en el que no faltan hasta un leve guiño psicodélico en el estribillo pero contenido con las habituales guitarras afiladas de powerpop. El octavo corte, llamado ‘Hangover in Brick Lane’ nos devuelve al microcosmos “garage” más revival pero siguiendo la tónica demostrada hasta el momento ante la que no debería costarnos ni un ápice reconocer su impronta. Atención a los últimos compases donde se crecen hasta el éxtasis final. Y si hasta el momento la expresividad del grupo nos recuerda a los esquemas del rock and roll blanco, con ‘Going Home’, cambian los parámetros, aunque de forma leve, para meterse de lleno en la música negra mediante una demostrada solvencia. Tras esta canción, el “garage” vuelve a manifestarse con “Wanna be your girl” a un leve paso de meterse de lleno en el rockabilly. El último tema cantado, “Hold it tight” se inicia con percusiones y guitarras penetrantes, coros inmejorables y solos milimetrados. Cierra el álbum un instrumental ya mencionado en el que se luce de forma sensacional el bajista.

Sería injusto finalizar este repaso al disco, sin mencionar el excelente artwork y no solo por el bonito bar escogido para realizar las fotos o el elegante vestuario de nuestros protagonistas, sino por los colores y la luz de esas fotografías, todas ellas con un atractivo especial. Mención de honor pues para sus autores Photofreelance y Borja L. de Guereñu (Nitelife Soul).

En definitivas cuentas, un disco donde no faltan los himnos, eso sí, todos ellos originales porque el trato, aunque respetuoso con las referencias, no resulta en ningún momento sumiso. El trabajo instrumental es muy profesional, desde las guitarras a la batería, y permite que la voz solista se luzca ayudada por unos coros meditados que aportan detalles de cualidad más allá del habitual papel secundario. ‘Healing Souls’ es un álbum hecho con el alma pero también es producto de un trabajo creativo abnegado y constante; un disco construido con ilusión pero también con la lucha contra la realidad mediocre que nos envuelve, utilizando los elementos que haga falta para superarse a uno mismo, y con el objetivo, conseguido, de no repetir situaciones sino para formar parte de esa historia musical que nos motiva por mérito propio.

El resultado final es un buen disco no solo para los amantes de los sonidos sixties, incluidos aquellos que defienden una actitud mod, sino también para todos aquellos que disfrutan oyendo a un buen grupo de rock and roll que tiene algo emocionante que contar. Con “Healing Souls”, Brand New Sinclairs han creado su propia parcela sonora en la que se mueven con soltura y entran a formar parte del mejor panorama musical estatal con posibilidades internacionales.

Nota: Puedes escuchar el disco en bandcamp.