jueves, 28 de septiembre de 2017

Nos deja el bluesman, Cedell Davis

Cedell Davis
Cedell Davis nació como Ellis Davis el 9 de junio de 1927 en Helena, Arkansas y falleció el 27 de septiembre de 2017. A los diez años, padeció de polio, una enfermedad que le mermó su movilidad y le obligó a reaprender la forma de tocar la guitarra ayudándose con un cuchillo a modo de slide. Estuvo tocando por clubes durante años pero no grabó hasta los años noventa.  

Creció en una plantación con su familia y comenzó a tocar blues con la guitarra y armónica con su amigo Isaiah Ross quien más tarde sería conocido como Dr. Ross The Harmonica Boss. A los 10 años enfermó de polio y comenzó el doloroso proceso de reaprender a tocar la guitarra.  Le costó cerca 3 años desarrollar una técnica por la cual fue conocido. Sin la movilidad en la mano derecha, cogió la guitarra como si fuera zurdo y con el cuchillo de mesa asido en la derecha lo  deslizaba por las cuerdas a modo de slide, con una afinación peculiar.

Cedell Davis

Durante los cincuenta y los sesenta tocó en múltiples locales con grandes como  Robert Nighthawk, desde 1953 a 1963, Big Joe Williams y Charlie Jordan. Mientras estaba tocando en un bar, se produjo una redada policial y fue herido gravemente durante la estampida que se provocó. Utilizaba unas muletas para caminar y se cayó. Le pisaron y sus piernas se quebraron de tal forma que se vio obligado a utilizar desde entonces una silla de ruedas.

Cedell Davis  
Davis se trasladó a Pine Bluff, Arkansas a principios de los años sesenta y continuó actuando.   Tras aparecer en recopilatorios, el sello Fat Possum grabó su debut en 1994, con el título de “Feel like doin’ something wrong”, producido por el historiador de blues Robert Palmer. Siguió grabando hasta 1998, sacando el disco “The Horror Of It All” (1998). Volvió al estudio cuatro años después, colaborando con Peter Buck de los REM o Barrett Martin de Screaming Trees. El sello Fast Horse sacó un nuevo disco “When Lightnin' Struck The Pine”.


Documento sonoro:

Cedell Davis en los ochenta explicando su técnica y tocando en un instituto.

Las Kasettes recrean y adaptan canciones luminosas de pop para disfrutar durante todo el año “Bajo el Sol”

Portada
Según el diccionario de la RAE, adaptar es “modificar una obra científica, literaria, musical, etc., para que pueda difundirse entre público distinto de aquel al cual iba destinada o darle una forma diferente de la original”; mientras que versionar es solo “hacer una versión nueva de una obra artística, especialmente musical”. En general la diferencia entre ambas acciones es muy sutil, pero en el caso de la música resulta especialmente relevante o incluso insidiosa en manos de algún que otro crítico. Siendo meticuloso, diríamos que una canción versionada se mueve en un espectro que va de la copia tal cual a la conversión en otro tema donde puede resultar difícilmente reconocible el original; mientras que la adaptación implica especialmente la modificación de sus componentes con el propósito de difundirla entre nuevos receptores. Cabría tener en cuenta aquí el efecto de transcrear, es decir cambiar un mensaje más allá de la traducción natural y fluidaDe este modo, adaptar comporta necesariamente cambiar el código entre el emisor y el receptor substituyéndolo por uno propio, cantando por ejemplo en español o aportando los arreglos propios tal y como hacen las Kasettes en su brillante, y nunca mejor dicho, disco “Balo el sol” editado este 2017 por los sellos  Spicnic, Hurrah Música y KOTJ Records. El álbum incluye doce luminosas adaptaciones de temas pop interpretados originalmente por  Mickey Lee Lane, Annette Funicello, los Temblooores, Karatekas, Beach Boys, The Continental Co-ets!!, The Romancers, Elía y Elisabeth, The Chymes, The Clovers, Pleasure Seekers y Girls At Our Best. Temas escogidos con un excelente criterio e interpretados con una destreza y un cariño que los convierten en sumamente encantadores.    
   
Trayectoria

Las Kasettes. Foto de su facebook.
Las Kasettes se forman en Pamplona en 2012  con las dos vocalistas femeninas del grupo los Ginkas, Maier Gin (Letrasets) y Edurne Kas (Foralettes, Las Chinchetas). Están acompañadas por  David Ese aka Spector (bajista y mezcla, Los Gincas), Angel “Ang Lee Too” (batería. Las Chinchetas, Karatekas, Foralettes, Eroticos Enmascarados, Electric Riders), Chinchetas), Juanma Ugarte aka Joe Flint (guitarrista y teclista, Los Ginkas, June y los Sobrenaturales, y ahora también en Rebel Jazz) y Borja Alcate (guitarra. Tirita). Por la banda también pasó Miguel Sadabanana (Bananas, Incrucificables, June y Los Sobrenaturales, Los Temblores, los Ginkas).

Las Kasettes. Foto de su facebook.
Cuando Maier y Edurne deciden dejar Los Ginkas, deciden grabar una canción para el recopilatorio navideño del sello Chin-Chin Records Mundiales. Entran en el estudio de David Spector y graban los temas “He’s Not There Anymore” de The Chymes (“El no está y es mejor”) y “Let’s live for the present” de The Continental Comets (“Yo vivo el presente”). Colaboraría con ellas Angleetoo. Desde entonces, Maier y Edurne han grabado varias adaptaciones de temas de The Shirelles, The Exciters, Lesley Gore o Carole King, Françoise Hardy, entre otras. Chin-Chin R.M les edita dos 7” "Hits, Hits. Hics, Hics” (2012) y “Ye-Ye-Yeah!!!”(2014).  

El disco que ahora te presentamos fue grabado entre verano y otoño de 2016 en Montreal Estudios (Subiza) con Hans Krüger, mezclado por David Spector y masterizado en Abrigueiro Estudios. Colaboraron Tamu Tamurai tocando la guitarra en “Yo vivo en presente y en “Ven a la charca” donde también aportó coros; Soledad Miranda a la guitarra en “La Ola” y “Verano en la azotea”; más Rodrigo Echarri al saxo en “La Ola”, “¡¡Hey Chaval!!”, y “Poción de amor”.  La bonita ilustración y diseño gráfico es de María Feal mientras que las fotos de la contraportada son de Helena Vélez. 
      
Las canciones

Las Kasettes. Foto de su facebook.
La cara A se abre con “La Ola” (“Bikini beach” de Anette Funichello -1964- con música de Guy Hemric con Jerry Styner con letra de las Kasettes). El tema nos habla de los “días de calor haciendo surf bajo el sol” cuando “ para mi eras el mejor…” a ritmo de pop surfer con una habilidad contagiosa, buen solo de guitarra trémolo, toques de saxo, y esa combinación de voces femeninas que nos envuelve con alegría “junto el mar, las olas y las sirenas bailando”. Sigue con “Ponte bajo el sol” (Elia y Elizabeth -1973- con música y letra de Elia Fleta Mallol). Tema en el que nos invitan a quemar los problemas bajo el sol con esa tremenda melodía de popsike tan bien interpretada por las Kasettes y la banda que las acompaña.  “Al ver morir el sol, debes ser fuerte y resistir… quema tus heridas, con la luz del sol todo termina”. Con esa potente luz del sol iluminando el alma, a continuación nos ofrecen “¡¡Hey chaval!!” (“Take me heart” de The Romancers -1966- con música de Max Uballez y letra de las Kasettes). En este caso, el grupo desarrolla sus mejores dotes de banda desenvuelta y pasional para cantarnos: “mi vida es el surf, no me hagas tener que elegir”. Resultan fascinantes el cambio de ritmo y los juegos vocales del estribillo.  

Las Kasettes. Foto de su facebook.
El siguiente corte se titula “Escuche, señor juez” (“What a way to die” de Pleasure Seekers -1964-, música de Patty, Suzy Quattro con letra de las Kasettes). Momentos precisos y aguerridos con raíces sixties “con la biblia en la mano, la sala puesta en pie, prometo decir la verdad… escuche señor juez, sugirió que dejara el rock and roll, y no quedó nada en pie”. Otro buen solo de rock and roll a cargo de la guitarra que define una segunda voz en todo el tema con gran destreza, mientras que las cantantes desgranan la melodía con entusiasmo.    

Le sucede “Yo vivo en presente” (“Let’s live for the present” de The Continental Coéts!! -1966-,  música de Carol Goins y letra de Miguel Sadabanana). Otra declaración de intenciones, en este caso más “garajera”. Sin horario, sin prisas “si el tiempo vuela, porqué planear.. si el tiempo es oro, lo voy a derrochar”. Con fuzz consistente y melodía resplandeciente más ritmo bailable, viven el presente, sin mirar atrás y si llega el futuro, “veremos qué tal”. Acaba la cara con “Perro que ladra” (“Shaggy Dog” de Mickey Lee lane -1964-, versión de Tammy -1966- y arreglos de las Kasettes). Aquí diseñan una combinación de rock 50’s y pop 60’s con “palabras que suenan como ladridos”. Añaden un solo desbocado de guitarra fuzz entre riffs bailables con las arrebatadoras voces de sus solistas.
      
Las Kasettes. Foto de su facebook.
La cara B empieza con “No iré a trabajar” (“Getting Nowhere Fast” de Girls at Our Best -1980-, letra de las Kasettes y música de Judy Evans). En esta ocasión, las guitarras y el bajo dialogan en un espectacular arranque acompañados por tenaz batería para sonorizar la sensación de ese despertar duro tras una noche movida. Así que “lo siento mucho, pero hoy no iré a trabajar…en la oficina todos me observan sin parar por mi peinado y por mi camiseta de los Cramps”.  El siguiente corte se titula “Poción de amor” (“Love Potion nº9” a cargo de The Clovers -1959- con música de Leiber & Stoller y letra de las Kasettes). Este clásico se torna en manos de las Kasettes, respaldadas por la banda, en una auténtica maravilla sensual con momentos incluidos de saxo. Una bebida color carmesí hace que los chicos se acerquen a la protagonista “parecen zombies, que frenesí”.

El disco continúa con “Él no está (y es mejor)” (“He’s not there anymore” de The Chymes -1966- con música de Howard Kaylan, Nita Garfield, más letra de Miguel Sadabanana). Otro tema muy bien articulado por esta banda en la que rítmica y melodía se compenetran a la perfección, como la instrumentación con las voces de sus dos cantantes, dando vida forma a una canción en la que destaca el acompañamiento de órgano. Todo un plan para acabar con un indeseable, “precipitar un fin, necesitaba un empujón… adiós, le vi caer, por pesado y cruel, se desempeñó, cual croqueta rodó… y a los buitres alimentó”.   

Las Kasettes. Foto de su facebook.
Llegamos a “Verano en la Azotea” (“Cherry Cherry Coupe” de los Beach Boys -1963- con música de Roger Christian y Brian Wilson, más letra de las Kasettes). Otra exhibición de cómo perfilas una adaptación mediante un diseño propio, manteniendo la entrega original y aportando detalles de cualidad gracias a unos arreglos limpios y certeros. Guitarras amables y percusión juguetona se combinan para pasar el verano en la azotea con bañador y regadera, con vistas a la sierra, lejos del mar. Momentos corales con solo de guitarra y efectos de tráfico completan este simpático tema “surfer” de interior. Le sigue “Ven a la charca” (versión de los Karatekas” -2009-, letra y música de Tamu Tamurai).  Arrancan con ese papa ow mao mao y nos aconsejan sabiamente que “si estás buscando un sitio guai, no lo piensas más, si te quieres bañar, en el verano se está ideal… debes bajar a la charca a jugar”.  Cierra el disco “Haz el Mongol” (“Haz el mongol con los Temblooores” de los Temblooores (2012), música y letra de Miguel Sadabanana.  Para finalizar nos ofrecen un tema de guitarras punk pop con ritmo de bajo de rock and roll, con la sabia recomendación de que “no hay tomarse en serio nada que no sea diversión… hacer el mongol con las Kasettes, no puede haber nada mejor”.   

Reflexión final

Las Kasettes. Foto de su facebook.

Desde finales de los cincuenta y todos los sesenta, gracias al trabajo de grandes como, por ejemplo, Ramón Arcusa y Manuel de la Calva (El Dúo Dinámico), se introducen en España adaptaciones de estilos musicales que triunfan en el mundo como el twist, el pop, el rock and roll, las baladas… llegándose incluso a conocer antes las adaptaciones que los originales. Se  estilaría además la traducción literal del inglés al español en algunos de los temas más conocidos, por medio de los “covers” de los grupos y solistas latinoamericanos. Evidentemente, la fonética no es la misma y, en ocasiones, las traducciones resultaban más bien transcreaciones. En el caso de las Kasettes, confluyen todas y cada una de las acciones lingüísticas posibles. En algunos temas recrean las letras, en otros las transcrean, o en otros las reproducen tal cual, todo ello mediante un proceso magistral en el que se observa el mensaje de forma genérica para después adaptarlo a su gusto con el propósito de hacerlo llegar al receptor con la mejor de las maneras propias manteniendo al mismo tiempo la consistencia comunicativa. De este modo tenemos a nuestra disposición un fascinante disco de adaptaciones de canciones de pop que no solo resulta memorable por el trabajo realizado en sus contenidos, sino también por su cuidada selección, y por una interpretación vocal apasionada, afinada y luminosa, arropada por una excelente banda que ha pulido los arreglos con una dinámica rítmica consistente y una brillantez melódica en la que los matices destacan por ellos mismos dentro de su cohesionado conjunto musical.   

Nota: Puedes escuchar las canciones y hacerte con una copia del vinilo en el bandcamp de KOTJ Records, Hurrah Musica o Spicnic.



miércoles, 27 de septiembre de 2017

Muere Mike Carr, organista, pianista y vibrafonista de jazz y rock

Mike Carr 
Mike Carr, nacido Michael Anthony Carr el 7 de diciembre de 1937, en South Shields, Durham, Inglaterra, falleció el 22 de septiembre de 2017. Fue un organista de jazz, pianista y vibrafonista, formó parte de los EmCee Five, tocó con Ronnie Scott, Prince Lasha y con Eric Burdon.  Estaba considerasdo ocmo uno de los mejores organistas de Hammond a nivel mundial. 

Hermano menor del trompetista Ian Carr, con quien formó la banda EmCee Five, empezó a tocar en Newcastle en los años sesenta antes de trasladarse a Londres en los años setenta y colaborar regularmente con Ronnie Scott. EmCee Five tuvo en sus filas a algunos de los mejores músicos de jazz del Reino Unido de los años sesenta y setenta como John McLaughlin, Ronnie Stephenson, Malcolm Cecil, Spike Heatley y Johnny Butts. Con ellos grabó en 1961,  “Let's Take Five” y en 1962, “Bebop from the East Coast (Birdland)” con Ian Carr y John McLaughlin. En 1966 participó en la grabación del disco “Insight” de Prince Lasha. En 1968 también grabó con el baterista Tony Crombie el disco "Hammond under presure". 

De 1971 a 1975, Carr fue miembro del trío de Ronnie Scott, primero con Tony Crombie y más tarde con Bobby Gien. En 1976, fue miembro de la banda de Eric Burdon con Robert Ahwai a la guitarra y Bobby Gien a la batería. A mediados de los años ochenta encabezó la banda Cargo, y tuvo sus propias formaciones como trío y cuarteto grabando discos como "Good Times and The Blues" con Mark Taylor a la batería, Jim Mullen a la guitarra, y Dick Morrissey al saxo tenor. .  

Documento sonoro: 

Mike Carr en directo en la banda de Eric Burdon


Mick Carr en el disco "Good Times". 


martes, 26 de septiembre de 2017

Muere King Raymond Green, cantante de soul y funk

King Raymond Green 
Según informa la web Soul tracks, este mes de septiembre fallecía  King Raymond Green, fundador de la banda de funk Black Heat y más tarde cantante de The Flamingos y The Clovers. Green formó Black Heat, banda de funk a principios de los setenta. El grupo obtuvo un éxito moderado con la excelente canción "No Time To Burn", pero nunca alcanzó el nivel de popularidad que merecían. 

Los Black Heat sacaron tres discos entre 1972 y 1975, el primero de título homónimo, (1972) el segundo llamado “No time No burn” (1974), y el tercero “Keep on Runnin’”(1975). Pasaron por la banda Joseph Palmer al saxo alto, Arthur Clarke y Kenneth Berger al barítono, Naamon Jones al bajo, Raymond Green a la voz, congas y armónica, Esco Cromer a la batería, David Newman a la flauta y tenor,  Bradley Owens a la guitarra y voz, Johnnell Gray al órgano y voz,   Ralph McDonald a la percusión, George Young, Kenneth Carroll, Seldon Powell a los tenores, James Grimes al trombón, Albert Delmonte y Phil Guilbeau a la trompeta. Se separaron a finales de los setenta.

También formó parte, a partir de 2009, de The Clovers, legendario quinteto de R&B formado a finales de la década de los cuarenta que consiguió numerosos éxitos en los cincuenta y sesenta como "Fool, Fool, Fool", "Lovey Dovey" y "Do not You Know I Love You". Por la banda han pasado numerosos componentes y Green fue su cantante principal en una versión actual con Harold Winley al bajo. Green también fue un reputado ingeniero de sonido  y trabajó con muchos grandes de R&B como Chuck Brown & The Soul Searchers, Harvey Fuqua y Carlos Santana, y dirigió su propio grupo, King Raymond Green and Powerhouse grabando temas como “I'm Doin' Badd”.


Documento sonoro: 

"No time to burn", de Black Heat. 


The Parson Red Heads plasman en “Blurred Harmony” su experiencia vital con honestidad pop e intimismo lisérgico

Portada
“Blurred Harmony” es el cuarto álbum de la banda de Oregon (USA), The Parson Red Heads y, según las propias palabras de su principal compositor,  Evan Way, contiene las canciones más personales que hayan creeado hasta el momento. Sin ugar a dudas, se trata de un fascinante disco en el que nos hablan, con cierta nostalgia, del paso del tiempo, y “sobre la hilarante, maravillosa y agridulce, a veces triste, pero siempre increíble experiencia de vivir”. Con estas premisas, han perfilado un disco reflexivo, honesto, y con elevadas dosis de intimismo. Si bien destaca por su filosófico planteamiento genérico, no lo hace menos por su aportación sonora gracias a sus magníficos arreglos musicales que enaltecen melodías exquisitas y ritmos altamente sensibles que pueden pasar desapercibidos pero que están ahí dispuestos a colaborar con buen tino en su atmósfera envolvente.  Editado por la aragonesa You Are The Cosmos y por el sello de Portland  Fluff & Gravy Records, se presenta en vinilo con Cd añadido, y portada abierta. En total son doce temas más uno con lo mejor de esta banda de pop, con imprescindibles detalles psicodélicos y folk, cuya obra crece de trabajo en trabajo discográfico con una sensibilidad altamente enriquecedora. 
   
Trayectoria

The Parson Red Heads
The Parson Red Heads se crearon en Eugene (Oregon) en 2003, vivieron de 2005 a 2010 en los Ángeles y se establecieron en Portland (Oregon) a partir de 2012. Actualmente la banda está integrada por el guitarrista y voz principal, Evan Way más Brette Marie Way, también cantante y baterista. Completa el grupo el guitarrista Sam Fowles, y el bajista Robbie  Augspurger.  Para los directos cuentan con la colaboración del  teclista Michael Blake y el guitarrista Jake Smith. 

Sacaron su primer disco en 2006, un Ep titulado “Field Mouse Carnival” para  Yukon records. Le siguió un Lp en 2007 con el título de “King Giraffe” para la misma discográfica.  Uno de los temas de ese disco “Punctual as usual” se incluyó en la banda sonora de la película “A Relationship In four Days” (2008) dirigida por Peter Glanz.  En 2008 graban un nuevo Ep llamado "Owl And Timber”, y en 2009 otro  Ep titulado “Orangufang” para JAXART Records ‎con David Swensen al bajo, Brette Marie Way a la batería, Aaron Ballard y Evan Thomas Way a la guitarra más voz principal, Erin Way a los teclados, Sam Fowles a la guitarra solista, Raymond Richards al pedal steel, y David Swensen al trombón.

The Parson Red Heads
Poco más tarde conocen a Raymond Richards de The Idaho Falls con quien graban en su estudio su segundo álbum titulado “Yearling” (2010). Ese año sale también sacan otro Ep llamado “Early Birds”  (2010) con continuación en 2014 mediante una segunda entrega. En “Yearling”  participan, entre otros,  Andy Creighton, Aaron Ballard, Sam Fowles, Chris Stamey, Mitch Easter, Brian Whelan, o el mencionado Raymond Richards,  etc..  También sacaron un disco llamado “Murmurations” (Parson Farm records 2012) con algunos bonus track del mencionado “Yearling”. Existe también una edición conjunta en Cd de ambos discos.  Al año siguiente ve la luz el tercer álbum “Orb Weaver” (2013) producido por Scott McCaughey, (The Young Fresh Fellows y The Minus 5).  El disco lo graban Evan Way, Sam Fowles, Brette Marie Way, y Charlie Hester al bajo.  En 2013 editan “6"  un Ep con temas incluidos en “Orb Weaver” como "Times", y otros  nuevos como "The Moon is in Your Eyes" y “Wedding in the Round".

The Parson Red Heads
Ya en 2014, la discográfica You Are The Cosmos les saca un Ep con tres canciones. En la cara A,   “Another Chance” que estaba en el Cd “Murmurations”;  “Crying Days Are Over” incluida en “6” (2013) y en su cara B “Banking On The Sun” de disco “Yearling” (2012). Se trata de una edición numerada de 525 unidades con bonita portada de Víctor Gomollón con ese ciervo destacado en medio del bosque. Las canciones fueron grabadas por la formación de Evan Way, Sam Fowles, Brette Marie Way, y Charlie Hester.  Al año siguiente, 2015, la misma discográfica española les edita un recopilatorio con algunos los mejores temas de su trayectoria. “In a Hazy dream: Retrospective (2004-2014)” recoge 12 canciones editadas en vinilo más un Cd de regalo, contenidas en una carpeta con una foto de la banda en la portada  de Liz Devine, más otra instantánea del grupo de Stefanie Warmouth en la contraportada donde también se puede leer un texto de Peter Jesperson, quien fuera mánager de los Replacements.   El diseño es de nuevo Víctor Gomollón.  De ese recopilatorio se sacó también una segunda edición. 

Todos los temas de “Blurred harmony” son de Evan Way excepto el corte décimo, “Waiting for the Call”  que es de Sam Fowles. El disco fue producido por Sam Fowles con la ayuda de Evan Way y Danny O’Hanson.  Contaron con la colaboración de Raymond Richards al pedal Steel, y David Swensen a la guitarra eléctrica en “Time after Time”. Fue grabado por Fowles en 52nd Basement y The Den, más Raymond Richards en B-Side, y Danny O’Hanson en Bungalow 9 donde fue mezclado.  Timothy Stollenwerk masterizó las canciones en Stereophonic Mastering.      

Las canciones

The Parsons Red Heads Foto: José Luís Luna
El disco empieza con “Please Come Save Me” por medio de una introducción sublime de teclados estratosféricos que emanan desde lo más hondo del ser, tras la que se da paso a un tempo calmado con fraseos sensacionales de órgano, riffs de guitarras más marcada rítmica de bajo y batería. Una banda bien conjuntada que arropa a la voz principal quien desgrana una melodía dulce entre aportaciones de Steel guitar, punteos celestiales y un cúmulo de excelencias instrumentales, cambios de tempo y secuencias ambientales  dignas de ser degustadas con suma tranquilidad y sosiego. Le sigue “Coming Down”, otra maravilla de composición repleta de naturalidad y sensualidad.  Un riff de guitarra con fascinante bajo de beat sicodélico da paso a otra canción de sublime melodía y ritmo perseverante. Una autentica exhibición de  recursos a cargo de esta gran banda, capaz de adaptar los parámetros aprehendidos a su peculiar universo de canciones exquisitas como ésta y otras tantas, en la que no falta un solo muy bien perfilado de guitarra con aires lisérgicos.   

A continuación nos ofrecen “Time After Time”, tema conmovedor en el que se suman certeras intervenciones de la percusión, pulsaciones marcadas de bajo, trenzados imaginativos de guitarras, y esas dos voces principales que lograrán embelesarte rodeándote con sus armonías de mayor a menor  del estribillo, más una consistente parte instrumental final. Después oímos “Answer Twice”, pasaje con efectos cinematográficos con los que se fomenta una intriga que se resuelve con el siguiente corte, el último de la cara A,  “Sunday Song”. Una dulce combinación de sonoridades y ritmo dialogando con placidez, dando forma al colchón armónico sobre el que la guitarra eléctrica nos ofrece, mediante una resolución envolvente y atmosférica, solos descomunales, combinados con la persuasiva entrada de la voz principal quien culmina su labor en la eclosión celestial del estribillo.

The Parsons Red Heads Foto: Chad Lanning
La cara B se abre con “What Have I Become?”, enésima muestra de su innegable talento para definir canciones enormes que transmiten una aparente fragilidad emocional por medio de arreglos sutiles repletos de matices que te pondrán los pelos como escarpias.  En este caso, los acordes, las frases de acústica, y los pedales de teclados recrean una conjunción estilística arrebatadora a la que se suma la voz principal reforzada por coros y poderosos detalles de bajo. Un tema que despierta los sentidos y nos sume en un éxtasis alucinante.  El siguiente corte lleva por título “Terrible Lie” y con él se explaya de nuevo su facilidad para desarrollar melodías de esencia pop que deambulan con la seguridad de una consistente sección rítmica, con caja de ritmos, resguardada por unos arreglos sencillos pero tremendamente efectivos. Todos y cada uno de los matices son parte fundamental de un entramado de recursos sensitivos que entablan una comunicación indisoluble con el folk y la psicodelia de raíces sixties. Incluso los solos tienen una impronta peculiar que identifica los modos de esta increíble banda.      

The Parson Red Heads
Le sucede “Time Is A Wheel”,  en la que emergen las hipnóticas guitarras eléctricas fabricando varias líneas argumentales con las que logran dar una cobertura eficiente y compacta a la voz solista. El ritmo se define con la misma firmeza marcando, compás a compás, una pulsación clara y altamente contagiosa. Las aportaciones de los teclados y los diversos efectos contribuyen a alargar los temas con un propósito claramente lisérgico e irrenunciable.       


The Parson Red Heads
Llegamos de este modo a “Today Is The Day”, tema calmado con aportaciones estelares de guitarras al paso firme de batería más bajo construyendo un marco sonoro ideal para que los temas más lentos adquieran ese atractivo tan especial que te estremecerá de principio a fin. Golpes de efecto, pausas temáticas, sobrios solos de eléctrica remetan arreglos suculentos que delimitan un universo compositivo original que te perturbará por su inusitada belleza. Sin pausa alguna, nos ofrecen la sensacional “Waiting For The Call”, un tema para la esperanza, con el convencimiento de que todo irá bien. Combinaciones de momentos instrumentales con otros cantados dan vida a este tema en el que emergen sublimes descargas de psicodelia amable pero incisiva que se deja apreciar en los penúltimos surcos del disco con ese “Out Of Range” ligado inevitablemente a ese onírico fin de fiesta que representa “In A Dream”. Con esta canción se cierra el disco mediante  guitarras luminosas aportando rasgos ácidos entre ritmos bailables, acordes poderosos de rock and roll, palmas, y toda la portentosa maquinaria creativa de la banda puesta a disposición del oyente ya completamente extasiado por tal cúmulo de excelencias, con final apoteósico, sin parangón alguno.     

Reflexión final

En la portada abierta del disco de los Parson Red Heads se recogen, escritas a mano al igual que los créditos, dos estrofas de un poema del poeta norteamericano Donald Justice (n. Florida 1925 – d. Iowa 2004) titulado “Nostalgia of The Lakefronts”. Precisamente en el bandcamp y en el cd que acompaña el vinilo se puede oír un bonus track, un tanto alucinógeno, que lleva por nombre el título de la mencionada poesía. Justice está considerado como uno de los poetas norteamericanos más influyentes del siglo XX. Aborda en su obra la memoria, el azar, los sueños de la niñez y la nostalgia con una sencillez magistral y un dominio de la forma ciertamente única. Se nos antojan  unas  características que podemos aplicar perfectamente  a  este álbum que te recomendamos desde el Magic Pop. Un esencial trabajo discográfico a cargo de una, no menos, sensacional banda capaz de aunar lírica introvertida y sonoridad grandiosa, en el mismo instante creativo y con una facilidad pasmosa. “Blurred Harmony” es un álbum perfecto, repleto de canciones que te abrirán los poros del alma para que penetren en lo más hondo de tu existencia unos planteamientos inconfundiblemente   encantadores; ideas musicalizadas con extraordinaria habilidad que pueden serte útiles para entender la vida o para ayudarte a diferenciar, claramente, aquello que es verdaderamente importante de lo que resulta inequívocamente prescindible y transitorio. The Parson Red Heads son memorables y tu música te cautivará con su impecable sencillez tan cargada de emotividad. Al igual que el gran Donald Justice, estos brillantes músicos son capaces de evocar la nostalgia de una forma muy especial, con serenidad y poder de convicción, consiguiendo una armonía conmovedora que emana borrosa por el paso del tiempo del mismo modo que la emoción enturbia tus ojos con lágrimas.    

Nota: Puedes escuchar las canciones y leer las letras en el bandcamp. Tambien puedes adquirir una copia del disco en vinilo negro o rojo púrpura, mas Cd en la web de You are the cosmos

Fallece Guy Villari de los Regents

Guy Villari
Gaetano "Guy" Villari nació el 11 de agosto de 1942 en el Bronx, Nueva York, y falleció el 21 de septiembre de 2017 en el Orange Regional Medical Center, Middletown, Nueva York, a los 75 años. Formó parte de los Regents conocidos por grabar el tema "Barbara Ann" entre otros éxitos. The Regents fueron una banda de doo-wop creada en Nueva York que estuvo activa en una primera fase de finales de los cincuenta a principios de los sesenta. Su principal éxito lo grabaron en 1958, "Barbara-Ann", y fue editada en 1961 llegando al 13 puesto en la lista Billboard Hot 100 chart. Su siguiente tema con gran repercusión fue "Runaround", en 1961. Sus componentes fueron Ernie Maresca (sustituido por Don Jacobucci), Chuck Fassert (segundo tenor, hermano del autor de "Barbara-Ann", Fred Fassert), Guy Villari (solista), Sal Cuomo (primer tenor), y Tony Gravagna (bajo).


The Regents
Se formaron en el Bronx, en 1959 con Guy Villari, Sal Cuomo, Chuck Fassert, Don Jacobucci al saxo y barítono, más Tony Gravagna al bajo. Anteriormente se hacían llamar The Monterays, con Villari, Cuomo, Fassert y Ernie Maresca. Grabaron demos en Bell Sound, Associated, y Regent Sound estudios. Firmaron para Seville Records como The Desires, peor ninguno de los temas tuvieron éxito. Despu`´es se cambiaron el nombre por el de Regents a raiz del Regent Sound studio, y que Villari fumaba unos cigarrillos llamados Regents.



En 1958 grabaron "A Teenager's Love". En la misma session grabaron tres tomas "Barbara-Ann" in three takes. Entró en la banda Tony Gravagna y trtas problemas para asegurarse un contrato se separaron un año después. Eddie Jacobucci revivió a los Regents por accidente. Su grupo, the Consorts, no tenían temas propios y decidieron grabar una versión de "Barbara-Ann". Al propietario de Cousins Records ( en ocasiones Gee Records)  le gusto la canción y decidio lanzar el original de los Regents en marzo de 1961 con lo que se reunió la banda de nuevo. Llegaron al número uno en Nueva York. Después sacaron "Runaround", escrita por Maresca, más un par de discos, pero tras una discusión con la discográfica por los derechos, se separaron. 
 

Volvieron reformados en 1973 con Villari como único miembro original. En 1995 estaban formando la banda Villari, Tony Valitutto, Frank Civatillo y Tony Cacace a las voces más Richard Rogers, Joel DeRuggiero y Sal DiCicco al acompañamiento instrumental.

Documento sonoro:

Su gran éxito "Barbara Ann" editado en 1961 por Gee records.  


Nos deja el cantante de soul, Charles Bradley

Charles Bradley 
Charles Edward Bradley nació el 5 de noviembre de 1948 en Gainesville, Florida, y falleció el 23 de septiembre de 2017 en Brooklyn, New York. Cantante y compositor de soul y funk fue uno de los máximos exponentes en recuperar las raíces del R&B de los años sesenta con el sello Daptone Records.  Con el sobrenombre de "the screaming eagle of soul", tuvo una esplendida acogida de público mientras que la crítica le consideraba heredero de la evocadora fuerza de Otis Redding. 

Bradley fue criado por su abuela materna en Gainesville, Florida, hasta la edad de ocho años cuando su madre, que lo había abandonado a los ocho meses de edad, se lo llevó a vivir con ella a Brooklyn, Nueva York. En 1962, su hermana lo llevó al Teatro Apollo para ver cómo actuaba James Brown actuar. La actuación le marcó para siempre. Cuando tenía catorce años, Bradley se fue de casa para escapar de la extrema pobreza en la que vivía. Pasó òr el Job Corps donde ofrecen educación gratuita a los jóvenes con pocos recursos, estudió de cocinero y fue empujado a salir al escenario para emular a James Brown.  Bradley trabajó en Maine como cocinero durante diez años, y luego decidió dirigirse al oeste, haciendo autostop por todo el país.  Vivió en el norte de Nueva York, Seattle, Canadá y Alaska antes de establecerse en California en 1977. Allí trabajó en múltiples ocupaciones. En 1994 volvería a Brooklyn tras recibir una llamada de su madre.

Charles Bradley

Fue allí donde empezó a trabajar como imitador de James Brown en los clubes locales bajo el nombre de "Black Velvet". Durante ese tiempo, Bradley casi muere  en un hospital después de tener una reacción alérgica a la penicilina y, en otra ocasión, despertó en la casa de su madre con una conmoción mientras la policía y las ambulancias llegaban a la escena del asesinato de su hermano. Mientras actuaba como "Black Velvet", fue descubierto por Gabriel Roth (más conocido como "Bosco Mann"), co-fundador de Daptone Records. Roth presentó a Bradley a su futuro productor Tom Brenneck, entonces compositor y guitarrista de The Bullets y más tarde de Menahan Street Band. Le invitó al ensayo de su banda. Después de escribir varias canciones, Daptone lanzó algunas de esas grabaciones iniciales en 2002. Brenneck y Bradley eligieron diez de esas canciones para el álbum de debut de Bradley, “No time for dreaming” (2011).

Charles Bradley

En la primavera de 2012, "Soul of America", un documental dirigido por Poull Brien, se visionó en  el Festival de Cine SXSW de Austin, Texas. Poull Brien conoció a Bradley cuando dirigió el video musical de "The World (Is Going Up In Flames)". Este largometraje contó la historia de Bradley desde su infancia en Florida, pasando por los días de máxima pobreza y angustia, más sus conciertos como Black Velvet. Terminaba grabando en Daptone Records. La película incluyó  actuaciones en festivales alrededor del mundo.

El segundo álbum de Bradley, “Victim of Love” salió el 2 de abril de 2013. El último álbum de Bradley, “Changes” fue lanzado el 1 de abril de 2016. En agosto de ese año cayó enfermo y canceló una gira canadiense.  Bradley murió de cáncer de hígado en Brooklyn, Nueva York, a la edad de 68 años. Estaba rodeado de familiares y amigos, incluidos miembros de todas las bandas con las que trabajaba estrechamente, según un comunicado de prensa de su publicista.

Documento sonoro:

"Why is it so hard" a cargo de Charles Bradley


Muere Eric Eycke de los Corrosion Of Conformity

Eric Eycke
El 22 de septiembre de 2017 fallecía a los 62 años, Eric Eycke, quien fue cantante de la banda Corrosion Of Conformity grabando su primer disco “Eye for an eye” (1984).  Se encontraba en cuidados paliativos aquejado de varias enfermedades. Eycke se unió a la banda en 1983, procedente de Colcor, en sustitución de Robert Stewart, quien solo había formado parte de la banda un mes y medio tras  la salida del primer cantante Benji Shelton. 

Los Corrosion of Conformity, más conocidos como COC, empezaron tocando punk hardcore evolucionando hacia el sludge metal y el crossover thrash. Se formaron en Raleigh, Carolina del Norte, en 1982, con Reed Mullin a la batería, Woody Watherman en la guitarra, Mike Dean en el bajo y Benji Shelton a la voz. Se estrenaron en 1983 con “Why Are We Here?” (recopilatorio para No Core recotds) tras el que Benji fue substituido por Robert Stewart y este por Eric Eycke sacando el Lp “Eye for an Eye” en 1984.

Corrision of Conformity
Poco después Eric dejó la banda por desavenencias de criterio musical y COC continuó con Mike y Reed compartiendo la voz en 1986 con el LP “Animosity”. En 1987 reclutaron a Simon Bob Sinister de los Ugly Americans y sacaron el Ep “Technocracy”. Ese año les dejó  Mike Dean y después Simon Bob.  Tras buscar un cantante substituto, se incorpora Karl Agell, más Phil Swisher al bajo y Pepper Keenan a la guitarra. En 1991, ya como banda de heavy metal sacan “Blind”.  Dos años después Agell y Swisher se van y crean Leadfoot, Dean regresa y Keenan se convierte en cantante solista. Su siguiente trabajo y el más conocido se llamaría “Deliverance” (1994) al que siguió “Wiseblood” (1996).  Rompen el contrato con Columbia y sacan con Sanctuary Records “American's Volume Dealer” (2000). Ya en 2005 sacan “In The Arms of Gods”, en 2012, un disco de título homónimo y en 2014 “IX”. Los dos últimos salieron con Candelight records.   

Documento sonoro:

"Nothing's gonna change" del disco "Eye for an eye".




lunes, 25 de septiembre de 2017

Fallece el baterista Ammon Tharp de Bill Deal & The Rhondels

Ammon Tharp falleció el 22 de septiembre de 2017 a los 75 años. Vicñia en Virignia Beach. Fue baterista y cantante de los Rhondels de 1959 a 1977. Bill Deal & the Rhondels se forman en 1959 en Portsmouth, Virginia, mezclando el blue-eyed soul con la beach music. Sus mayores éxitos los consiguieron en 1969 con los temas "I've Been Hurt",”What Kind of Fool (Do You Think I Am)" o "May I". La banda se separó en 1975, más tarde se reformó en varias ocasiones hasta la muerte de Bill Deal en 2003. Su formación clásica estaba compuesta por Deal al órgano y voz principal, Mike Kerwin y Jeff Pollard a las trompetas, Ronny Rosenbaum al trombón, Ken Dawson al saxofón, Don Quisenberry al bajo y Ammon Tharp a la batería.


Deal empezó siendo músico de sesión, tocando en bandas de R&B como los Blazers cuando se cruzó con otro adolescente Tharp quien formaba parte de los Saints. Los primeros Rhondels   fueron Tharp a la batería, Mike Ash, Mike Stillman, y Bryan Bennett a las trompetas, más Deal al órgano y cantante. Bill Deal & the Rhondels nunca tuvieron el éxito de bandas como los de New Orleans, John Fred & His Playboy Band. No consiguieron atraer el interés suficiente y sus interpretaciones de temas como "Harlem Shuffle" o "Soulful Strut" puede que no sean de las mejores pero bordaban canciones como "May I," "I'm Gonna Make You Love Me," "Are You Ready for This," o "I've Got My Needs". En los noventa seguían hacienbdo versiones de clásicos de la Motown o de Phil Spector siguiendo hasta a muerte de Bill como Bill Deal's Band.

Documento sonoro:

I've been hurt" de Bill Deal and The Rhondels. 




Muere Cees Bergman de los Catapult

Cees Bergman
Cornelis R “Cees” Bergman nació en 1952 y murió a la edad de 65 años el 21 de septiembre de 2017, en Leimuiden (Holanda) a consecuencia del cáncer. Cantante, formó parte de los Catapult, banda holandesa de glam rock activa entre 1973 y 1979. Sus cuatro componentes decidieron formar el grupo estando de vacaciones a principios de los setenta en Lloret de Mar (Girona).  

Durante unas vacaciones en Lloret de Mar (Girona), en verano de 1973, Geert Jan Hessing, (batería), Erwin van Prehn (guitarra),  Aart Mol (bajo) y Cees Bergman, (voz) decidieron formar una banda. Los cuatro eran veteranos de la escena rock holandesa, pero no habían conseguido apenas éxito en sus carreras. Al año siguiente, el teclista Michael Eschauzier se unió al grupo. El nombre de la banda fue sugerido por el vocalista de Golden Earring, Barry Hay.


Sacaron su primer single, "Hit The Big Time", producido por el ex baterista de Golden Earring Jaap Eggermont a principios de 1974 y alcanzó el número 16 en las listas holandesas.  Ese año sacaron un disco de título homónimo. Eschauzier fue reemplazado en abril de 1974 por Elmer Veerfoff. Sacaron varios singles de éxito entre 1974 y 1975, siendo el más notable, "Let Your Hair Hang Down" que alcanzó el quinto puesto en las listas holandesas. Se separaron en 1979 y sus componentes crearon una empresa de producción llamada "Cat Music" , grabando como Rubberen Robbie con algún éxito en los Países Bajos y Bélgica hasta 1982. 

Documento sonoro: 

Los Catapult en la televisión holandesa. 


viernes, 22 de septiembre de 2017

You are the Cosmos nos ofrece una segunda parte de canciones exquisitas (1986-2017) de Ronnie D'Addario

Portada Lp
El sello You are the Cosmos nos ofrece la segunda parte de la excelsa obra discográfica de Ronnie D’Addario mediante un Lp en vinilo con lo mejor de sus últimos trabajos hasta el momento, es decir de 1986 a 2017, más un box set de tres Cd’s donde se incluyen los tres discos que ha grabado en estas últimas décadas. Degustada convenientemente la magnífica primera parte recopilatoria con sus primeras grabaciones, entre los años 1976 y 1983, y admirado de nuevo ante esta impresionante continuación, cualquiera con un mínimo de sensibilidad va a preguntarse cómo es posible que este compositor, letrista, multiinstrumentista, etc no figure en los anales enciclopédicos del mejor rock and roll de todos los tiempos. Su fascinante universo musical está repleto de magníficas canciones enfocadas desde múltiples estilos, ciertamente impresionantes tanto melódica como rítmicamente.  Con la base emotiva y sensual del mejor pop, D’Addario viste sus maravillas compositivas con arreglos geniales que van del powerpop al blues, pasando por el country, el soul o el rock, dominando a la perfección todos los tempos, de la balada al ritmo más enérgico y bailable. Todos y cada uno de sus temas van a resultarte exquisitos, repletos de matices, compuestos con humildad y convicción, mediante una fuerza o una delicadeza según sea el caso, digna de los más grandes compositores e intérpretes de pop.
      
Trayectoria

Ronnie D'Addario
Ronnie D’Addario  nació y se crío en Manhattan (Nueva York). Su padre era músico profesional, aunque no llegó a conocerle y su madre le regaló una guitarra en 1964. Ambos compartían la admiración por los Beatles. Tras pasar por varias escuelas,  empieza su carrera musical como músico de estudio tocando la guitarra, el bajo y cantando en varias sesiones. Estuvo en varias bandas y colaboró con Tommy Makem (n. 1932 – d. 2007) cerca de veinte años. Makem fue para él todo un maestro. Ronnie tocaba la guitarra acústica y Tommy el banjo.   Por esa época trabajó en el estudio Dimensional Sounds de Nueva York y en un estudio de cine, Filmsounds. Fue ingeniero de sonido en Folk City para músicos de Greenwich Village, como Rick Danko, Peter Tork, Richard Thompson, Delores Keane y Silly Wizard, entre otros trabajos de sonido y luces. También tocó en muchas bandas irlandesas y produjo a Morning Star, Mary O'Dowd, Danny Quinn, y The Irish Mist. Uno de sus temas más representativos es “Falling For Love”, canción que grabaron los Carpenters pero que nunca editaron. La mandó en 1981  por correo al sello A&M en Los Ángeles, al agente y al mánager de los Carpenters quienes la grabaron con Karen haciendo una toma de prueba. Después enfermó y murió en 1983 sin grabar una toma final.  No hubo otra toma y nunca fue editada con las voces de los Carpenters.


Ronnie D'Addario. Foto: Jackie Zeankowski
Por otra parte, Ronnie es autor de varios proyectos para niños como "Dancin' in the Kitchen," (1998) o  "Try Out a Song" (2002). You are the cosmos ha recuperado en Cd, en una primera entrega, los discos “Take In A Show” (1976), “Falling For Love” (1981) y “Good For You (1983)” más Bonus Tracks, incluídos juntos en un Box Set.  Un total de cuarenta temas de los cuales, se escogieron 12 para editar un vinilo con "The Best of Ronnie D’Addario 1976-1983" (+ info).  Los discos incluyen las letras de las canciones.  Ahora, el sello zaragozano ha sacado sus más recientes tres álbumes: “The Many Moods of Papa Twig” (2017); “A Very Short Dream” (2015) y “Time Will Tell On You” (2011). Un total de 47 canciones, más 4 bonus tracks, de las cuales ha escogido 12 para editarlas con un vinilo “Best of 1986 - 2017”.  Tanto en el Box set como en el Lp tienes a tu disposición las letras de las canciones.  Entre los créditos figuran los nombres de aquellos que han colaborado, de una forma u otra, bien sea aportando voces como sus hijos Michael y Brian de los Lemon Twigs; Bob Mastro al pedal Steel, mandolina, synth, o violín; Nick Lohri a la guitarra, Robert Sole al bajo, Glen Robert  Allen a la batería, Dublin Bay Pirates ayudaron en la instrumentación irlandesa de "In Time"; más las voces de Jan Melchoir y Judy Dunleavy en "Cute to Boot", o Mary O’Dowd en "After me own heart". Por lo que respecta a las excelentes fotos que podrás ver en la portada y contraportada del recopilatorio son de Jackie Zeankowski.

Las canciones del recopilatorio


Ronnie D'Addario. Foto: Bert Saracco
El disco se abre con “Time Will Tell On You”, la primera de las maravillas melódicas de este álbum en la que sobresalen las guitarras dando cobertura a la sensacional voz solista más  coros. Es remarcable también el planteamiento rítmico, perfilado por el consistente bajo más la solvente batería. Todos y cada uno de los instrumentos se compenetran mediante una exhibición de matices que juegan con los tempos, “rallentando” para crecer con fuerza, desplegando brillantes armonías en un alarde de técnica y sentimiento. Sigue con “A Very Short Dream”, otra exquisitez que, en este caso, se articula con un calmado piano y una voz angelical perfilando una balada de ensueño que sigue sus pasos con seguridad, encogiéndonos el corazón con cada acorde, mediante la suma de riffs de otros teclados y una minuciosa percusión más esas indispensables segundas voces.

Portada Box set
  
A continuación nos propone "She Tries”, tema que empieza con el sensible piano dibujando figuras etéreas con las que se da paso a un tema de pop sencillamente admirable entre fraseos de clave. Una sucesión de planos que van sobreponiéndose para dar paso a ese gratificante estribillo que nos eleva varios metros por encima de la realidad circundante.  No faltan cambios melódicos reforzados por la envolvente presencia de la magistral cuerda.  “Don't Wait For Yesterday” es el título del siguiente tema al que accedemos tras la entrada de la percusión y esas preciosas combinaciones vocales que consiguen estremecernos de principio a fin. Arreglos de new wave y un bonito solo de órgano completan una canción que te pondrá la piel de gallina con sus variadas muestras de pasión a raudales.  

Le sucede “My Old Self Again” con su ritmo marcado por medio de las pulsaciones justas para que su melodía camine con fluidez y crezca con un punto de sueva psicodelia 60’s. Recursos múltiples y variados a los que se suma las perfectas voces de sus hijos, toques de piano, y efectos instrumentales varios a modo de pedales celestiales. Con “Get It Right” se cierra la cara A y lo hace mediante la enésima excelencia compositiva, en este caso encabeza por juegos vocales que desembocan en un ritmo bailable en el que teclados y percusión arropan a la inmejorable voz principal quien nos asombra, una vez más, con el dominio escrupuloso del tempo y las intensidades con el propósito conseguido de emocionarnos hasta lo indecible.      
Portada de uno de los tres Cd's

La cara dos arranca con la sensualidad  de “So That's How It Is”, tema donde se reafirma su capacidad innata para crear canciones bonitas con arreglos repletos de detalles cariñosos. Desde el juego de los teclados a los cambios rítmicos pasando por un buen solo de guitarra y la voz tierna de su responsable, todo parece pensado para dar sentido a un momento especial. Seguidamente, nos embelesa con “Don't Get Me Started”,  una sensacional amalgama de detalles sensibles procurados por piano entre secuencias rítmicas de una solemnidad perturbadora, que despegan en un vuelo melódico inaudito. Al oírlo, tu corazón planeará con enorme dulzura permitiendo una percepción incomparable del espacio poético y sonoro de este gran compositor.  Con “The Walking Wounded”, D’Addario no ofrece otras tantas muestras de su grandeza, tanto musical como poética, creando secuencias consistentes que avanzan con una seguridad imperturbable. Una canción que defiende el amor a toda costa, al margen de los miedos, aunque la batalla se pierda. Con “Heroes Are So Easily Replaced”, mantiene los pies en la tierra y el corazón repleto de esperanza, sin perder su identidad, con la seguridad demostrada de tener buenas ideas que contarnos. Una canción en la que recupera el peso argumental de las guitarras trenzando notas entre momentos sutiles de teclados, con una sucesión de motivos profundos, que desembocan en otro de sus apetecibles estribillos tan cautivadores.

Contraportada
Va cerrándose tan extraordinario compilado con “She Is Something”,  tema de amor en el que el protagonista quiere despertar el interés de una chica especial. Un tema que inspira  una gran emotividad con aportaciones de sensual piano acompañando la voz ensoñadora de un Ronnie “really something”. Acaba el disco mediante “Love's Won Me Over”, la última de las sorpresas de esta magnífica selección de canciones. En este caso, nos encontramos con un sutil tema de pop soul con unos sublimes arreglos de teclados que desprenden ondulaciones sonoras encantadoras acompañando a la voz insuperable de un inspiradísimo compositor protagonista de unos juegos vocales finales a modo de guinda para un dulce de amor realmente exquisito.  Parafraseando el título del último tema, Ronnie D’Addario nos ha “ganado” completamente. Una victoria indudable y deseada paras todos aquellos oyentes sensibles y de buen criterio.
   
Reflexión final

Box set 1987 - 2017
Supongo que seleccionar los temas para un recopilatorio siempre resulta una tarea ardua en el caso de autores tan prolíficos como es el caso de Ronnie D’Addario. Se trata de, a todas luces,  un compositor excelente, así como inmejorable cantante e instrumentista. No hay ni una sola de todas sus canciones que  no merezca figurar entre lo mejor de lo mejor. Sin discusión alguna, estoy convencido de que podríamos sacar más de un compilado, aunque en este “Best Of  1986-2017”, editado por You are the Cosmos,  se deja notar el extraordinario criterio de aquel o aquellos que han tenido la difícil decisión de escoger tan solo doce canciones, doce memorables e imprescindibles temas de toda su excelsa obra. Por suerte para todos, el resto de sus temas, pertenecientes a sus tres más recientes álbumes, se encuentran recogidos en ese magnífico Box-set. Una caja recopilatoria con medio centenar de canciones con las que el maestro D’Addario te va a sorprender y mucho mediante  múltiples registros estilísticos que conforman un universo compositivo repleto de pura delicatesen melódica, no exenta de momentos muy divertidos, otros altamente emotivos, y todos ellos absolutamente sensacionales. Aquí ya no estamos hablando de una simple recomendación, que también, si no de mucho más: en esta reseña te estoy diciendo, por si tienes aún algún tipo de duda al respecto sobre si debes o no adquirir estos discos, que si escuchas tan maravillosa obra, ya nunca más podrás pasar sin ella. Te aseguro que tu concepción del pop no solo evolucionará considerablemente sino que, a partir de ahora y por arte de magia, vas a cerciorarte por comparación, y con tan solo oír un compás, cuanta tontería nos están intentando colar los mass media y a precio de oro, cuando tenemos a nuestro alcance a auténticos maestros como Ronnie D’Addario.    

Nota: Puedes adquirir una copia del vinilo o el box con los tres Cd's en la web de You Are The Cosmos Te hablamos de la primera parte de su discografía aquí.

"A very short dream", uno de los tantos temas maravillosos que podrás oír en tan especial selección de la obra de Ronnie D'Addario. Un video ilustrado con fotos de su familia, e historia personal.

Muere el bluesman Mark Selby

Mark Selby
Mark Otis Selby  nació en 1960 en Enid, Oklahoma  y falleció el 18 de septiembre de 2017 a consecuencia del cáncer que padecía. Fue un cantante, guitarrista y compositor de blues rock y country,  multi-instrumentista y productor.  Realizó su carrera musical en soitario con ZYX Records en Europa, colaboró con su  esposa, la compositora Tia Sillers, fue músico de sesión y coescribió  temas con Kenny Wayne Shepherd. 

Mark Selby grabó como músico de sesión con Kenny Rogers, Johnny Reid, Keni Thomas, Jimmy Hall y Wynonna Judd, entre otros.  Es  quizás más  conocido por las canciones que co-escribió con el músico de  blues-rock Kenny Wayne Shepherd, que incluye el single número uno, "Blue on Black". Selby también colaboró ​​con Sillers en la canción número 1, "There's Your Trouble", que fue grabada por los Dixie Chicksen 1998  con la que la banda ganó un  Grammy.  También escribió temas para Wynonna Judd, Trisha Yearwood, Johnny Reid, Jo Dee Messina, Lee Roy Parnell y  Keb’ Mo’.  

Selby grabaría una serie de álbumes en solitario desde 1984 a 2013.  Los dos primeros proyectos, fueron “One way ticket” (1984) y “One these days” (1986). Les siguieron  discos ocmo “More Storms Comin’” (2000) y “Dirt” (2002) con Vanguard Records. Tras firmar con ZYX en Merenberg, Alemania, lanzó su próximo álbum, “And the horse He rode in on” (2006).  Sus siguientes discos fueron  “Nine pound hammer” (2008) y “Blue Higway” (2013).  

 Documento sonoro: 

 “And the horse He rode in on” (2006) de Mark Selby. 


miércoles, 20 de septiembre de 2017

Fallece Johnny Sandlin, productor y componente de los Hour Glass

Johnny Sandlin
John Everett Sandlin Jr. nació el 16 de abril de 1945 en Decatur (Alabama) donde falleció el 19 de septiembre de 2017. Fue un afamado ingeniero de sonido y productor conocido por sus trabajos con bandas como Allman Brothers Band, Widespread Panic, Wet Willie, Col. Bruce Hampton y Aquarium Rescue Unit. También fue guitarrista y bajista de sesión en los FAME estudios y formó parte de grupos de R&B como los Hour Glass dodne tocó la batería. 

Sandlin estudió en la Athens State University. Formó parte de la banda de R&B Hour Glass, con base en los Ángeles en la que estuvieron dos de los futuros miembros de la Allman Brothers Band, Duane Allman y su hermano Gregg, más tres futuros músicos de estudio del mundialmente famoso Fame Studios en Muscle Shoals, Alabama: Pete Carr, el mencionado o Johnny Sandlin y Paul Hornsby. La banda se creó con components de los Allman Joys (con base en Florida) y The Men-its (con base en Alabama). A principios de 1967 conocieron en un concierto en St. Louis, Missouri a miembros de la Nitty Gritty Dirt Band, cuyo gerente, Bill McEuen, les arregló un contrato con Liberty Records.



Hour Glass

Se trasladaron a los Angeles y grabaron un disco de título homónimo con Gregg Allman al órgano, piano y voz; Duane Allman a la guitarra y voz; Paul Hornsby al piano, órgano y voz; Johnny Sandlin a la batería; y Jesse Willard (Pete) Carr al bajo, y guitarra; más Mabron McKinney al bajo. En el escenario, el grupo rara vez interpretó temas del álbum, prefiriendo material original de Gregg Allman junto a versiones de Otis Redding y canciones de los Yardbirds. Mabron McKinney fue substituido por Bob Keller, grabando un seguhdo album llamado "Power of Love" con el bajista Pete Carr. Tampoco tuvieron gran repercusión y se trasladaron a los estudios FAME cuyas pistas fueron rechazadas por el sello Liberty. El grupo se desanimó y se separaron. Duane y Gregg Allman se trasladaron a Jacksonville, Florida formando parte de los 31st of February, con el baterista Butch Trucks, y el resto se quedó como músicos de sesión en Muscle Shoals.



Hour Glass
Liberty Records les amenazó con demandarles por su disolución y para evitarlo Gregg Allman les dio los derechos de un álbum en solitario. Ese disco no vio la luz hasta 25 años más tarde en las reediciones de los dos álbumes del grupo. Con su hermano en Los Angeles, Duane Allman se unió temporalmente a sus compañeros de banda en Muscle Shoals, donde conoció al baterista J. Johanny "Jaimoe" Johanson y se interesó por el bajista Berry Oakley de la banda de Jacksonville de psicodelia, the Second Coming. Más tarde formarían la Allman Brothers Band.


Sandlin comenzó a producir álbumes como el "Ton-Ton Macoute" de Johnny Jenkins (1970), pasó a mezclar los discos de la Allman Borthers Band, "Fillmore East" (1971) y "Eat a Peach" (1972), así como producir "Brothers and Sisters" (1973), y "Win, Lose o Draw" (1975). Trabajó con gran variedad de bandas, incluyendo la banda de Georgia Widespread Panic en su álbum de debut, Wet Willie, Col. Bruce Hampton y Aquarium Rescue Unit.


Documento sonoro:

"Nothing but tears" de Buddy Scott y Jimmy Radcliffe intepretada por los Hour Glass.