Levantamos el vuelo emocional con la convincente "Llamada del Oso" de los Ídolos del Extrarradio

Portada

Nadie hace nada igual, ni siquiera parecido. Cada disco de los Ídolos del Extrarradio es un compendio visceral de música y lírica al margen de todo, y éste nuevo, más aún si cabe. Sus canciones se me antojan la voz del subconsciente de cualquier ser que tenga alguna inquietud existencial. Su música se sustenta con letras profundas cantadas magistralmente, a voz en grito, con acompañamiento de guitarras corrosivas, más una sección rítmica de lacerante bajo y obsesiva batería. Juntos, juegan con tu mente, dispuestos a contagiarte esa intranquilidad del absurdo vital. Una fuerza propia que mana con conocimiento de causa y esa naturalidad con la que queman el entorno cotidiano mediante un fuego interior que prende con chispazos de fuzz.  Su nuevo trabajo lleva por título genérico “La Llamada del Oso” y ha sido editado este 2017 por la banda con la colaboración de Folc records, Producciones Tudancas y In my heart empire records. Cae el imperio de lo absurdo, y esa llamada desde lo más profundo del bosque, te invita a transitar por un nuevo camino, con una nueva visión, la de este poderoso combo de after punk que bombardea tus convicciones desde el extrarradio con una fiereza inusitada.  

Trayectoria 

Los Ídolos del Extrarradio

Los Ídolos del Extrarradio son actualmente un trío formado por Alex Pis, voz y bajo; Fuzzio a la guitarra; y Gutxi a la batería, tras dejarles en 2016 el guitarrista Raúl por cuestiones personales. Alex Pis dirige los estudios Drive Division y tiene otro poryecto llamado The Drive, un dúo con Miguela Sainz de Lupers.

Se formaron en 2005 con músicos procedentes de la escena punk rock de Santander. Al año siguiente grabaron sus primeras maquetas y en 2007 editaron su primer álbum titulado “Quién necesita amor teniendo una pistola” con la discográfica Oídos sordos. Este primer trabajo contenía 13 canciones con detalles bien audibles tanto de punk y postpunk, como de new wave. Ese disco, grabado en sus habituales estudios de Drive Division, obtuvo muy buenas críticas y lo presentaron con una extensa gira. En 2008 compusieron nuevos temas. En los mismos estudios, dan forma a 13 nuevas canciones, quizá un tanto más postpunk y con un pop oscuro como denominador común. A mediados de 2009 editan su segundo trabajo titulado: “El depresivo cuadro de los Chicos Eléctricos” con el que vuelven a la carretera hasta la primavera de 2010 que entran de nuevo en los estudios mencionados para grabar el Ep “Guerras Bipolares”, su primer vinilo. Editado por Discos de Extrarradio y Producciones Intrankil·les en 2011, al tema que le da nombre le acompañan otros tres más que son “Hasta Siempre Mr. Nouta” en la Cara A, más “Grecia” y “Cristina escupió al Cielo” en la B. Puedes leer una reseña de este disco en el Magic Pop aquí.

detalle del 12"

En 2012 Alex Pis graba, mezcla y masteriza en su estudio Drive Division su siguiente entrega, un Lp split con los también santanderinos Sierra Nevada.  Editado por In my Heart Empire y Big Jim Records, el diseño corre a cargo de Juan Arredondo con fotografías del archivo de la Nasa.  Los ídolos del Extrarradio aportan los temas “Jamás pienso frenar”, “Peón Vs. Alfil”, “Cagar y volver”, “Magia Cutre”  y “Caprichos de un Perdedor” en el que han contado con la colaboración del mencionado Juan Arredondo a las voces y Andrea Cabello al violonchelo. Ya en 2014, los Ídolos del Extrarradio sacan un mini-Lp con el título de “Vorágine” (In my Heart Empire-Ídolos del Extrarradio) con otras siete brillantes canciones. Más información de esos discos en este mismo Magic Pop. En 2016 su guitarrista Raúl dejaba el proyecto por cuestiones familiares y laborales. 

"La Llamada del oso" fue grabado, mesclado y masterizado en Drive Division potr Alex Pis en octubre de 2016. El magnífico diseño con esa turbadora portada y contraportada es de Mutta Estudio.  

Las canciones 

Ídolols del Extrarradio

El tema que le da nombre genérico, la “Llamada del Oso”, es el título del primer corte del álbum. Abre el disco con esas guitarras cortantes para que “se callen los niños, que nos dejen en paz, el imperio se ha caído… los gritos al compás”. Lujuria poética y musical mediante unos arreglos de hard after punk descomunales, interpretados por una sección rítmica potente más una voz gritando, con tremendo poderío, para resolver el teorema de “cuatro paredes sin poderse tapiar”. Le sigue  “Cobarde, cobarde”, otra genialidad en la que se suman lo visceral a la crítica existencial para denunciar “las mismas caras, los mismos gestos, casas, plantas, tiestos, locos, dueños, frases… aburrimiento. Las mismas fiestas en tu cerebro… el mismo sueño, feo y negro… un pueblo ciego”. Rítmica aguerrida a base de batería y bajo que nos acongoja con una frecuencia irrefrenable más esas guitarras disparando acordes desgarrados dando cobertura a la sensacional voz principal.   

A continuación nos ofrecen “Cosas de Críos” que se construye con un muro de guitarra con sección rítmica reflexionando sobre el inexorable paso del tiempo: “el paso de los días nos ha cambiado… mi infancia es este cuerpo que se está desgastando por dentro y por fuera, dame droga que genere otro caos…”. Perdimos la cuenta pero quedan apuntados los bellos orgasmos, los mordiscos, los escupitajos, pasarme encerrado en un local, de fiesta… sin que nadie me atragante la ingesta. Guitarras cortantes con persistente bajo y batería nos procuran momentos eléctricos que invitan al baile entre reflexiones vitales: “Yo no aguanto esta mierda, que explosione el planeta o que dé marcha atrás…” 

Ídolos del Extrarradio

Con “España”, el trío descarga un furibundo y oscuro mensaje “huyendo de las luces y las sombras”, con ciertos aires latinos. Nos cuentan:  “España se hunde en un charco de mierda, seguimos en estado de fiesta, se quema y no me da pena”. Ritmos tenaces, guitarras combativas y esa voz compenetrada a la perfección crean tensiones musicales y poéticas que ponen los pelos de punta.      

“Sangre de Obrero” cierra la cara A. Empieza y termina con un tempo pausado y obsesivo en el que se enredan los arreglos con una sobriedad fascinante para acotar un cautivador ritmo de bajo más batería con guitarra ácida más esa soberbia voz que nos cuenta: “maldita la gracia que le hizo a tu abuelo ir a pegar cuatro tiros a aquel agujero y luego rezar por ser solo un preso”. La miseria y el miedo ponen punto final… “has traicionado a los tuyos por ser como ellos…caminamos juntos hacia el infierno…vivir mudo, morir lento”.     

 “Purga en el Parque” encabeza la  cara B.  Se trata de otra canción que desprende una rabia afilada:  “ya no queremos tu pasta, hemos venido a matarte, hemos raptado a tus hijos… quita esa cara de ingenio”. Una purga de guitarra, bajo y batería que nos conquistan desde el primer compás ya sea respaldando a la voz principal como ofreciéndonos momentos instrumentales altamente seductores. Mediante “Extrarradio” aplican a su cosmología, detalles de hardcore oscuro con ritmo acelerado y fuzz agresivo con cortes rítmicos y andanadas salvajes que te acelerarán el corazón. “Hemos tomado una dirección, antes muertos que un chiste sin gracia…de todos esos que quieren vernos muertos, siempre hay un imbécil que pide redención”.  Le sucede “No Habrá Piedad”, canción enigmática, con esa combinación de post punk ácido a base de guitarras oscuras y ritmos penetrantes que se aceleran para dicernos “que no habrá piedad, solo fuego, con los nuestros”. “Con la humillación controlada, un nuevo orden nos abraza” en esta exhibición de recursos aprehendidos y dispuestos para conformar el fascinante microuniverso de nuestros Idolos del Extrarradio.        

Alex Pis

Llegamos a “Nuestro Hogar”, otro sensacional tema en el que se nos presentan “grandes…si hoy nos dejan respirar”, dispuestos a luchar con éxito en ese combate que todo artista libra para definir temas propios memorables en los que emergen múltiples excelencias, desde el sonido a los arreglos perfilados con sabio enfado “emancipado…sin normas que acatar” mientras “entre el centeno brotan las viejas ideas, sangre por sangre y el dolor que eso conlleva”.  Respiran con una entrega desbordante que nos lleva a esos “Culos Sangrantes” donde inciden en su vertiente más oscura con entrada de batería más bajo y guitarras espeluznantes ante “un Dios que se mofa de esta situación de horror”.  Un “cuento feo” y “una maldita obsesión” con momentos instrumentales geniales que se apropian de los sentidos, con silencios siniestros y crescendos espectaculares con versos sensacionales como “Todo está muerto y el amor está acabado, tu pintas de rosa la mierda que hemos cagado”. Finaliza el disco con “Esgrima”, la última de las excelencias de este disco en la que la banda aporta punteos mordaces mientras la magnífica voz empieza diciendo: “estoy desesperado, lo siento si estoy falto de fluidez. Debería estar borracho… o anclado en este sueño convertido en pesadilla… ideando algunos planes que nos saquen de este entierro de cal viva. Desearía hacer esgrima en la cara de jefe. Ser indestructibles, y librarnos de estas heces que se conocen como gente, crean seres deprimentes, tan impertinentes como yo”.  Entre golpes rítmicos, “esa metralla que nos salpica”, más un lisérgico solo de guitarra que protagoniza la parte final ayudado por un bajo profundo, nos ofrecen  versos tan  conmovedores como “ya nos somos tu negocio, siento tener que decir esto: hacen falta ricos muertos para levantar el vuelo Emocional!!!”. 

Reflexión final  

Ídolols del Extrarradio

El nuevo disco de los Idolos del Extrarradio implica una evolución clara y contundente con respecto a sus anteriores trabajos discográficos. No solo han logrado definir, con una brillantez inusitada, unos cuantos pasos más allá de todo lo conocido hasta el momento dentro de la órbita siniestra del llamado after punk, sino que incluso han sido muy capaces de perfilar, al mínimo detalle, unas canciones propias altamente viscerales, penetrantes y solemnes, si se me permite tan imponente adjetivo.  Una fascinante obra definida también con versos punzantes, dando muestras de un dominio poético de las ideas, desde las más íntimas a las más belicosas. Una poesía manifestada con las palabras más apropiadas dentro de un juego inmejorable que les distingue como únicos mediante ese el dominio de los parámetros, tan  oscuros como afilados, del rock and roll más salvaje. Los arreglos tienen una carga emocional desbordante, el sonido es perfecto, y las interpretaciones de sus tres músicos, incluidas las solistas, se entienden en toda su magnitud si se las escucha como parte indisoluble de la combinación de recursos. De este modo consiguen dar forma a una atmósfera genérica que puede resultar asfixiante como la vida pero no está exenta de esperanza como los sueños; que emerge hiriente del extrarradio para perforar la mediocridad del centro de todo conformismo, incluido el underground.  “La Llamada del oso” es un grito de supervivencia, de hastío pero también de venganza, de lucha por uno mismo, por ese crío que siempre se es, que sangra pero intenta, una vez más, que las ilusiones, al menos las emocionales, se hagan realidad en este mundo cotidiano aunque sea una mierda con la que no tenengamos nada que ver.      

Nota: Puedes comprar el disco en el bandcamp del grupo o en el de Folc Records. 

Por último te invitamos a ver el vídeo que hicieron del tema que da título al álbum, realizado por Alex Pis.

Trío Mudo musicaliza poemas de Leopoldo María Panero et alter con una precisión sensitiva alucinante

Portada

No puedo más que sentir una tremenda emoción ante trabajos artísticos tan completos, y de paso nada habituales no solo en nuestra escena de rock and roll sino en cualquier ámbito cultural de nuestro país, como el realizado por Trio Mudo con la poesía de Leopoldo María Panero et alter.  Este dúo malagueño de guitarra y batería más voces, nos presentan la primera de las cuatro entregas previstas de este “recital poético sin artificios, directo y honesto” que desea alejarnos del estereotipo del malditismo aplicado a tan singular poeta para acercarnos a su persona, un “firme y agresivo defensor de las cosas verdaderas por las que merece la pena vivir, atacando sin contemplaciones a quienes las agreden”, tal y como ellos mismos nos cuentan en esta alucinante edición cargada de un lirismo y una sonoridad estremecedora. Completa tan suculento trabajo poemas musicalizados de Javier Corcobado, más la adaptación de una zambra de Rafael de León y Juan Solano, bajo un excelente proceso de grabación, mezcla y producción, con una edición cuidada en la que destaca la significativa portada  de un grabado de Goya, que como Panero, y cito a Trio Mudo, “denunciaron y evidenciaron las miserias de la condición humana, pese a sus acomodadas vidas, respondiendo ambos a una necesidad de comunicar incómodas realidades para ser libres”.    

     

Trayectoria

Trío Mudo. Foto facilitada por el dúo

El proyecto malagueño Trío Mudo nace en 1994 tras la disolución de 713avo Amor, con Antonio Acién (guitarra), Juan Baca (Bajo) y Emilio Salvatierra (Batería) al que le sustituirá Damián Fernández un año más tarde. Inicialmente, su propósito es musicalizar poemas de Leopoldo María Panero, Javier Corcobado y José Luís Moreno Ruiz, pero finalmente quedó como grupo instrumental hasta 1997. En 2015 retoman el proyecto primigenio Antonio Acién (guitarra y voz) con Damián Fernández (Batería y percusión. Gastsmans. Sr. Chinarro. Tupelo ). Este primer volumen inicia una tetralogía completa, con más de cuarenta poemas musicalizados, principalmente de los mencionados Panero y Corcobado, más José Manuel Hidalgo o Fernando Pessoa.

“Trío Mudo - Vol. 1” fue grabado en febrero de 2016 en Hollers Analog Studio de Málaga, mezclado por  Máximo R. Bandera y Trío Mudo hasta el 5 de marzo, en el segundo aniversario de la muerte de Leopoldo María Panero (Madrid, 16 de junio de 1948 – Las Palmas de Gran Canaria, 5 de marzo de 2014). De la producción y masterización se encarga el mencionado Máximo quien aporta un trabajo exquisito con el que se redondea esta fascinante primera entrega de las cuatro que conforman el coleccionable, con estuche final de cierre. Se trata de una pequeña serie limitada y numerada de 99 CD's en caja digipack formato dvd con libreto de poemas por el módico precio de 9€.  El diseño gráfico ha sido ideado por Manolo Luque. El Cd tiene forma de pequeño libro y en la portada se puede ver el grabado nº 43 de un total de 80 estampas de los Caprichos de Francisco de Goya, el aguafuerte "El sueño de la razón produce monstruos",  que se publicó en 1799.

Las canciones

En el estudio. Foto de su facebook

El disco empieza con "Proyecto de un beso", de L.M. Panero. Trio Mudo aporta un arreglo estremecedor con guitarra y batería para unos versos tan hirientes como éstos:  “Te mataré mañana/cuando la luna salga/y el primer somormujo/me diga su palabra”. Con una voz sugerente, a mi juicio tremendamente apropiada , mantiene el éxtasis sobre un riff persuasivo y un acompañamiento magnífico. Distorsiones imaginativas entre aires aflamencados, con solo desgarrador incluido, completan este gran tema inicial. Le sigue "El lamento del vampiro", otro poema de Panero. En este caso, Trio Mudo nos anonada con un despliegue de sonidos que se expanden desde la sencillez, de forma apabullante, para acompañar versos tan acongojantes como: “todos vosotros/sois para mi alimento,/y el espanto profundo de tener como espejo único esos ojos de vidrio,/esa niebla en que se cruzan los muertos,/ese es el precio/que pago/por mis alimentos.

El siguiente corte musicaliza un poema de Corcobado, "Entre dos rieles", poema que trata el suicidio desde un punto de vista peculiar. Con un ritmo de batería persuasivo y una guitarra penetrando en nuestro cerebro nos cuentan una corta pero impactante historia, la de Jonás, quien yace en la vía del tren y al ser de pequeña estatura tuvo que elegir colocar sobre el riel la cabeza o los pies que ahora ya no necesita.  Siguen con otro poema de Panero, "Trovador fuí, no sé quién soy", cuyo protagonista encuentra a su amada por la noche con la cabeza en la mano. Oyendo a los muertos recitar sus versos, oímos a ese trovador que ya no sabe cantar mientras corren veloces sus recuerdos. Sensacional arreglo de aires latinos con una guitarra de cuchilla afilada acompañada por esa batería imperturbable.   

Artwork

Vuelven al  imaginario de Corcobado con "Lluvia", poema sobre un ser solitario que “ronca de amor”, “ahogado en tu beso”. Sacrificios, oscuras lágrimas, y espinas conforman la biblia del dolor entre un arcoíris que incluye el color negro. Otra excepcional muestra de la habilidad de Trio Mudo convertir estos versos en un tema de rock and roll que transmite una enorme fuerza espiritual. En el bandcamp podrás oir también una mezcla rtealizada por el malagueño Lüüü. Le sigue "Canción", otro poema de Panero, cuatro versos pero qué versos, se diría que resumen la historia de la humanidad. “Sólo un hombre errando solo/Solo, a solas con Dios/un hombre solo en la calle/errando a solas con Dios”.  Imaginativos arreglos recrudecen la, de por sí, impactante lírica de este gran poeta. A continuación nos ofrecen otro poema suyo "El Circo", en el que Panero nos habla de “Dos atletas saltan de un lado a otro de mi alma/lanzando gritos y bromeando acerca de la vida”. Momentos existenciales precisos que definen el complicado universo del autor y que con la aportación  sonora de Trio Mudo alcanzan unas cotas emocionales ciertamente memorables.  

Hacia el final del disco regresan a Corcobado con "Secretos", un tema contundente para hablar de esos “secretos vulnerables, insignificantes, que ni me acuerdo ya de ellos”. Tras un inicial momento instrumental espeluznante con compenetrada batería y guitarra, aceleran el tempo de forma paulatina al paso que entra esa fantástica voz principal con una entrega que conjuga intimismo y declamación mediante una facilidad pasmosa. Finaliza tan sensacional disco con "Tengo Miedo", con música de Juan Solano y letra Rafael de León. La adaptación de esta zambra a cargo de Trío Mudo no tiene desperdicio alguno. En manos de este dúo se potencia hasta límites insoldables los componentes pasionales de esta tremenda y cautivadora canción de amor y castigo “que yo deseo”. “Cuando de veras se quiere/el miedo es tu carcelero,/y el corazón se te muere/si no te dicen te quiero”.

Reflexión final

Artwork

Este Vol. I de Trío Mudo, que te recomendamos encarecidamente, es el primero de una tetralogía en la que se reivindica la aportación poética, con todo su fascinante imaginario, de grandes autores como son Leopoldo María Panero además de Javier Corcobado, entre otros genios de ese arte creativo e hiriente por antonomasia que resulta incómodo para la mediocridad cultural dominante.  En sus versos se pone de manifiesto el desasosiego existencial, la indignación por la realidad cotidiana, la desesperanza ante la imposibilidad de hallar soluciones satisfactorias para esa soledad tragicómica, con el amor y el desamor dolorosos ambos, y los secretos que olvidamos con el tiempo. Son éstas algunas de las reacciones de sus creadores, en un claro posicionamiento frente a la vida que nos ha tocado vivir sin mostrarse impasibles ni dóciles sino más bien molestos y convincentes, denunciando la hipocresía contemplativa a la que nos aboca sin piedad la sociedad consumista. Trio Mudo ha realizado un trabajo sonoro francamente espectacular, de la primera a la última de las canciones, con arreglos sencillos pero cargados de una sonoridad y una agresividad no tan solo pertinente sino necesaria. Se me antoja una de las mejores adaptaciones musicales, más potentes y precisas, que haya  escuchado en tiempo. Con su guitarra, batería y voz, han sido capaces de acrecentar el propósito comunicativo de unos poetas, cuya obra resulta próxima y fácil si se quiere entender, mediante arreglos imaginativos con los que su lirismo desgarrador adquiere un poder  emocional ciertamente memorable.

Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp del grupo. En el indispensable web de Mentes de Acido se puede leer una entrevista muy interesante. Precio: 9€ más gastos de envío
Peticiones: triomudo@hotmail.com
                 

Freddie Dilevi y los Filos se expanden en paralelo con fabulosas canciones de rock and roll y punk

Portada Ep Freddie Dilevi 

Freddie & the Filos es un grupo de rock and roll de Sevilla que mezcla con soltura y extraordinaria creatividad, el punk más enérgico de finales de los 70 y 80, con los juegos melódicos de los 50 y primeros 60. Tras un par discos, un mini Lp en 2012 y un Ep en 2013, ambos editados por  Grabaciones Cowabunga, han decidido expandir su espectro creativo mediante proyectos paralelos en los que solista y banda dan rienda suelta a sus respectivas referencias musicales mediante canciones desbordantes repletas de imaginación y detalles  fascinantes. Por el momento, Freddie Dilevi ya ha editado un Ep con seis temas también con la mencionada  discográfica sevillana mientras que ya se conocen algunas de las canciones que formarán parte del próximo trabajo de los Filos.

Trayectoria 

Freddie and The Filos. Foto de su web. 

La banda al completo se formó a principios de 2010, con la unión del grupo sevillano Filos y el cantante solista Freddie, nombre artístico de Pablo Velázquez. Los Filos son Andrés López al bajo y coros; Marcos García a la guitarra y coros, y Pablo Guinea, baterista.  Después de una primera maqueta, con el título de “American Show”, a inicios del mes de septiembre de 2012 sacaron al mercado discográfico, de la mano de Grabaciones Cowabunga Store, su primer disco, un 10" con diez canciones, seis propias originales y cuatro versiones de  Robert Thierer y Bob Trotman, Stan Vincent, J. Burnette y el tradicional "Sam Hall" con la armónica de Máximo Ruiz “Hollers”.  Los temas se grabaron en junio de 2012 en los Hollers Analog Studio (Malaga) con Máximo Ruíz Bandera, quien se encargó de la producción con la ayuda de la banda. El álbum  fue masterizado por  Mike Mariconda y colaboró en los coros  Adolfo Díaz “Airbag”.
El disco contó  también con el diseño gráfico de Pablo Caravaca y la fotografía de Cristina Quicler. Más información de ese disco en el Magic Pop.

Foto: Cristina Quicler

Al año siguiente, la misma discográfica editaba un Ep de cinco temas, cuatro de ellos originales y una versión del “Lonesome Town” de Baker Knight, interpretada por Ricky Nelson. Se grabó en febrero de 2013 en el Pancake Analog Recording (Sevilla) por Fernando Zambruno quien también se encarga de la producción con la banda. Masterizado por Máximo Ruiz Bandera, el diseño corre a cargo de Pablo Caravaca con fotografía, de nuevo, de Cristina Quicler. Contaron con la colaboración vocal en dos de los temas de The Majorettes.


Freddie Dilevi

Freddie Dilevi. Foto: Ángela Oliva

Editado en vinilo de 7”, de nuevo por Grabaciones Cowabunga, el primer  Ep de Freddie Dilevi, consta de seis temas compuestos por Pablo Velázquez con Helen Lagares. Contó con el acompañamiento musical de Pablo Cuevas y Quique Ruiz a las guitarras; Juanlu del Arco al bajo y Pablo Guinea a la batería; más la colaboración puntual de Eli Lort al violín; Miguel Guinea al saxo; y las voces de Anna Soizovsky, Abbi Fernández y Pilar G. Angulo. Las canciones se grabaron en junio de 2013 en los estudios Pancake Analog Recording por Fernando Zambruno quien también produjo con Freddie. Se masterizó en Hollers Analog Studio (Málaga) por Máximo Ruiz. Respecto al artwork corrió a cargo de Pablo Caravaca y Manolo Trujillo con foto de Javier Alonso.

Las canciones 

Freddie Dilevi. Foto: Ángela Oliva

Como todos y cada uno de los temas de este Ep, “Teardrops” sería merecedora de un lugar destacado en la BSO de un película juvenil americana de los cincuenta. Contiene los mejores ingredientes de todo un éxito: un excelente juego melódico y rítmico, con brillantes coros femeninos, más detalles sinuosos de guitarra de rock and roll.  Juntos dan cobertura a la gran interpretación de Freddie, una de nuestras mejores voces de rock and roll, quien canta esta magnífica  canción con una destreza inusual. Le sigue “Wondering Why” que arranca con una entrada luminosa da guitarras que nos llevan a esos juegos corales de ensueño con un ritmo que te atrapa y que impedirá que dejes de mover tus caderas de principio a fin. Se incluyen momentos de eléctrica fascinantes como el que preludia el tercer tema de la cara A, esa balada llamada “I’ll be There (sendin’my love) en la que su solista consigue que su melodiosa voz nos llegue al corazón acompañado, de nuevo, por una excelente banda instrumental, incluidos esos coros celestiales, que cumplen con su cometido de forma magistral.

Freddie Dilevi. Foto: Ángela Oliva

En la cara B,  Freddie nos embelesa con otros tres  temas magníficos como son “Radio” en el que el ritmo marcado de bajo, batería y saxo, solo incluido, más contagiosos acordes de guitarra dan perfecta cobertura a la voz solista que nos lleva al cénit con un estribillo muy radiofónico. Le sigue “A girl like her”, otro tema de melodía amorosa del mejor pop en el que la conjunción instrumental y vocal funciona a la perfección con recorridos que invitan al baile y estribillos conmovedores, más otro buen solo de guitarra de rock and roll. “Where have you gone” cierra el Ep con acústica y un precioso sonido de violín reivindicando ese toque country y bluegrass en el que Freddie se luce y nos pone los pelos de punta acompañado también por una magnífica guitarra. Juntos dan vida a un tema sensacional que pone punto final a este disco dejándonos absolutamente  entusiasmados por la belleza sonora del proyecto en solitario de este inspirado Freddie Dilevi.

Filos 

Por su parte, en el bandcamp de los Filos puedes oír seis canciones  que formarán parte de su próximo trabajo. Se trata de “Eres terrible”, tema de postpunk con guitarras hirientes, ritmo marcado, y voces siniestras; más una adaptación gloriosa del "Spit me out " de The Spits con el título de “Escúpeme” con detalles de guitarra de rock and roll a ritmo de punk frenético y sensacionales descargas sonoras afiladas como una navaja. “Soy un anormal” arranca con ritmo frenopático de batería sobre el que se van incorporando guitarras demenciales, efectos sonoros, y las voces alocadas de los Filos caminando sobre el precipicio de la vida. “No quiero abrir la puerta” es otro buen ejemplo de la rabiosa propuesta de estos sevillanos dispuestos a volvernos locos entre emulsiones siniestras, guitarras “garajeras” y voces de punk ancestral  “entre miradas repelentes”.  Acaba esta demo con “Lárgate”, otro tema sensacional en el que los Filos mezclan efectos sonoros analógicos con ritmos marcados de “garage punk”, cambios de bajo profundo, distorsión en stéreo, y otra excelente demostración de que conocen a la perfección las relaciones interpersonales más extravagantes tanto como para dotarlas de una banda sonora  de canciones tan espasmódicas como geniales.  

Reflexión final

Freddie and The Filos. Foto de su web.

Lo cierto es que tras quedarnos anonadados  con la fascinante combinación de estilos que distingue el proyecto común de Freddie and The Filos, era de justicia que también pudiéramos disfrutar de banda y solista por separado en su respectivo  medio artístico referencial.  Tal y como demuestra con creces en su primer Ep, el talento compositivo y la voz de Freddie es francamente memorable. Con esa tesitura de tenor y un timbre particular propio para el rock and roll con raíces entre finales de los cincuenta y principios de los sesenta, Pablo Velázquez sigue con la mejor tradición musical americana para brillar con luz propia. Sus canciones engrandecen, con suma creatividad, los orígenes del doo wop, el pop y el hillbilly. Por su parte, los Filos, a la espera de que pronto podamos disfrutar de su nuevo disco, persisten en rebuscar entre la herencia del punk y el after punk de finales de los setenta a los ochenta, un espacio propio donde encajen sus brillantes canciones cargadas de fuerza y emotividad. Precisamente es ahí, en ese carácter pasional y contundente donde ambas tradiciones coinciden para lograr que unos y otros, rockers y punks, nos entendamos con la misma alma bailando con los mismos pies.  

Nota: Puedes seguir los proyectos de Freddie and The Filos en su Facebook así como oír en su bandcamp respectivo a Freddie Dilevi o a los Filos. Para conseguir cualquiera de los discos mencionados en esta reseña entra en la web de Grabaciones Cowabunga. Te recordamos también que Freddie Dilevi está incluido en el cartel estelar del Fuengirola Pop Weekend que se se celebra del 17 al 19 de julio en la mencionada población malagueña. Para más información del mejor festival  de pop del verano entra aquí.

Los Ídolos del Extrarradio afrontan la "vorágine" con un excelente mini-Lp de canciones apodícticas

Portada 

Vivimos tiempos de confusión en los que el poder económico intenta, una y otra vez,  atemorizarnos con crisis monetarias que pretenden aniquilar los valores de la humanidad en beneficio de unos pocos.  El consecuente desorden y la precipitación de los falsos remedios crean remolinos que nos absorben para formar parte de esa vorágine cual hormigas desamparadas buscando  una salida convincente que solucione nuestros problemas individuales como colectivos.  Mantenerse al margen de ese caos social no es tarea fácil. Por ello, cualquier ayuda para combatir las amenazas y evadirse, aunque sea un momento,  siempre es bien recibida.  Los Ídolos del Extrarradio se han inspirado en ese remolino impetuoso y han dado vida a un mini-Lp con el título de “Vorágine” (In my Heart Empire-Ídolos del Extrarradio 2014). Contiene siete brillantes canciones, de un valor poético y musical extraordinario, que insuflan nuestra  capacidad de autoprotección para sobrevivir dentro de esa insoportable realidad cotidiana.  
   
Trayectoria de los Ídolos del Extrarradio

Ídolos del Extrarradio. Inicios

Los Ídolos del Extrarradio son Alex Pis, voz y bajo; Fuzzio y Raul Gómez, guitarras; y Gutxi a la batería. Se formaron en 2005 con músicos procedentes de la escena punk rock de Santander. Al año siguiente grabaron sus primeras maquetas y en 2007 editaron su primer álbum titulado “Quién necesita amor teniendo una pistola” con la discográfica Oídos sordos. Este primer trabajo contenía 13 canciones con detalles bien audibles tanto de punk y postpunk, como de new wave. Ese disco, grabado en sus habituales estudios de Drive Division, obtuvo muy buenas críticas y lo presentaron con una extensa gira. En 2008 compusieron nuevos temas. En los mismos estudios, dan forma a 13 nuevas canciones, quizá un tanto más postpunk y con un pop oscuro como denominador común. A mediados de 2009 editan su segundo trabajo titulado: “El depresivo cuadro de los Chicos Eléctricos” con el que vuelven a la carretera hasta la primavera de 2010 que entran de nuevo en los estudios mencionados para grabar el Ep “Guerras Bipolares”, su primer vinilo. Editado por Discos de Extrarradio y Producciones Intrankil les en 2011, al tema que le da nombre le acompañan otros tres más que son “Hasta Siempre Mr. Nouta” en la Cara A, más “Grecia” y “Cristina escupió al Cielo” en la B. Puedes leer una reseña de este disco en el Magic Pop aquí.

Ídolos del Extrarradio

En 2012 Alex Pis graba, mezcla y masteriza en Drive Division su siguiente entrega, un Lp split con los también santanderinos Sierra Nevada.  Editado por In my Heart Empire y Big Jim Records, el diseño corre a cargo de Juan Arredondo con fotografías del archivo de la Nasa.  Los ídolos del Extrarradio aportan los temas “Jamás pienso frenar”, “Peón Vs. Alfil”, “Cagar y volver”, “Magia Cutre”  y “Caprichos de un Perdedor” en el que han contado con la colaboración del mencionado Juan Arredondo a las voces y Andrea Cabello al violonchelo.

Canciones con alma y estómago propio con las que reafirman ese espacio musical y literario propio entre lo visceral y lo pasional, mediante riffs imaginativos de corte hiriente y recorridos rítmicos evolutivos procurados por momentos de bajo y percusión fantásticos.  Temas que crecen con las palabras, con las entonaciones,  entre "crescendos" espectaculares y oscuras descargas de adrenalina sobre las que esa penetrante voz principal nos incita a padecer o disfrutar de sus miedos y sus venganzas. Las letras siguen manteniendo un alto nivel poético buscando respuestas entre la inmensidad, la velocidad, la magia, el rencor, la podredumbre y los caprichos.

Trayectoria de los Sierra Nevada 

Portada split

Los Sierra Nevada son Ramón Electrón, guitarra; David García, bajo, voces, teclados; Roberto García, batería; y Juan Arredondo, voces y teclados.  Formados en 2011, proceden de otras bandas de la escena santanderina. Ese año graban un Ep Cd con Alex Pis en Drive Division que contiene cinco temas bajo el título genérico de “Orbea Ep”.  Tras el Split con los Ídolos del Extrarradio editan en vinilo y digipack un álbum con el título de “El Infierno”  con nueve canciones grabadas en 2013 con Fernando Macaya como técnico en el estudio Moon River. En el disco compartido nos ofrecen cinco espectaculares temas con los títulos de “Día D”, “Salto de Longitud Campeón”, “Hogares”, “Todos los santos” y “Pretérito perfecto”.   Canciones originales en las que guitarras y percusión forman, por momentos, una pared de sonido sobre las que una voz expansiva surca el espacio ulterior mientras que en otras se recrean en secuencias intimistas de gran belleza.  Resulta también muy considerable el trabajo literario realizado por este cuarteto que nos manifiesta sus inquietudes con trabajados juegos de palabras e ideas que reflexionan sobre el paso del tiempo, con la confianza en el futuro, pensando en los caminos que quedan por recorrer y los muros por saltar, mientras vivimos en un presente real de cristal.

Las canciones de Vorágine

“Vorágine”  se grabó y mezcló en Drive Division en noviembre de 2013 por Alex Pis, y masterizado en Estudios Euridia por Ibon Larruzea. Se presentan en formato vinilo acompañado por un Cd con los mismos temas propios de la banda. El diseño original, con esa vorágine de hormigas que se arremolinan, es de Mutta Estudio y, a nuestro juicio, resulta inmejorable para completar el efecto psicológico que imprimen las seis fantásticas canciones de este 10”.

Detalle del artwork. Mutta Estudio

El disco arranca con una espeluznante historia titulada “Pedazos de Alimento”, conjunción extraordinaria de recursos sonoros y poéticos con “crecendos” emocionales, guitarras desgarrando planos melódicos mientras el ritmo avanza con una regularidad apabullante perfilado por riffs de bajo penetrantes. Violaciones en nombre de la ciencia, sacrificios humanos para servir de alimento, gemidos previos al dulce matadero, sueños vitales… conforman  una narración contundente en la que sobresalen reflexiones aducibles a la realidad cotidiana como: “es incuestionable que entre los testigos, se encuentran los culpables…”.  Le sigue “Agorafobia”, un tema rápido, por momento espasmódico, con recursos literarios magníficos envueltos de arreglos vibrantes de bajo, guitarra y batería acompañando a una voz sensacional, muy convincente.  Una canción para esconderse “en algún lugar donde no existe esta sucia humanidad”, con imágenes poderosas como “los escorpiones brincan, se follan a la gente”, entre “tontos con sus pistolas, esa panda de cretinos influenciables”.  El cáncer y el hambre acechándonos con “todo este amor que nos hace insoportables”. De nuevo, otra frase perfecta para referirse a la vorágine:  “…tan vulnerables. Da igual quien mande , da igual cuan fuerte ellos tiren de los cables, solo soy materia oscura y muerte”.

Ídolos del Extrarradio. Foto: Bruno Ochaita 

Con “Dientes de perro”, nuestros Ídolos nos hablan de sonrisas fingidas, esfuerzos por mantener la fe y que “al sexo le ha engañado del amor”.  La canción tiene unos toques de “garage” con riffs y ritmos poderosos, entre algún que otro momento solista de guitarra incidiendo en ese áurea siniestra que engloba el concepto genérico de su fascinante trabajo musical. Una canción que desemboca en unos compases intermedios de hard psicodelia mezclada con la persistencia emocional del after punk.  Para terminar esta primera cara, nos ofrecen “Tiempo y espacio” que arranca con un trenzado fantástico de bajo, batería con acordes sinuosos de guitarra que golpea con una narración cargada de contundentes reflexiones sobre nuestro entorno: “un  sucio urinario donde nuestras sonrisas se rigen por un horario. ¿No vives siempre cansado? Colores, banderas y muñecos de trapo. Yo quiero prender fuego a todo el vecindario. No me mires tan extraño. Esto también fue mi hogar”.  Un lugar no tan irreal donde “retienen mi vida por no cumplir lo pactado”. Genialidades existencialistas, cargadas de una emotividad dura pero determinante.

Ídolos del Extrarradio. Foto: Jeremías 

La otra cara empieza con un ritmo más pausado, medido con una solvencia trascendente y fabulosa, con toques de bajo y acordes suspendidos de guitarra que van subiendo de intensidad mientras nos describen esa exclusión voluntaria, “carente de un plan…sin hacer tartas al a vecindad”. Viendo como la “belleza del mar trae mierda a esta orilla… cualquiera que viva en el norte sabe que es verdad”.  Un tema  que delimita “una línea donde nadie nos pueda tocar” porque hay quien “pide caricias, otros solo escapar”.  Acaba el disco con una canción llamada “Infanticidio” con arranque de guitarras percutiendo en los tímpanos, previas a una descarga de varios dibujos sonoros para hablarnos de una infancia “entre la soledad de mis viñetas”. “Unos dicen que escapaba de ser un número más entre las masas, del reino de las ratas”.  Declaraciones drásticas que nos llevan a un estribillo cuya plenitud pone los pelos de punta: “Declaró la guerra a este mundo intransigente, perdió el miedo hacía el resto de la gente, peinó su pelo de una forma diferente. Peleó con los dientes aun sabiendo que era un triste perdedor”.  La canción tiene varios motivos sonoros complementarios que refuerzan el hilo narrativo de un tema complejo, largo, necesario para hablar de una lucha  “en las trincheras donde no queda nadie, solo cadáveres… nadie que hable o que cante”. “Aceptemos nuestra dulce rendición” que comporta una inyección de rutina, calma… “No habrá más preguntas que remuevan tu alma. Tu polla se empalma y ya está”.  Aunque si “decido morir dentro de este reino, es justo verme reír antes de disparar”.  Con un final apoteósico de guitarras van desconectándose, poco a poco, hasta el final.

Reflexión final 

Artwork Mutta Estudio

“Vorágine” tiene ese halo indiscutible de obra maestra  en la que todos los recursos sonoros y literarios vienen a plasmar pensamientos y debilidades propias de cualquier oyente sensible a la actualidad sociopolítica que nos envuelve. Para aquellos que no les diga absolutamente nada, o viven en la inopia o niegan, por necesidad, el caos reinante al que estamos sometidos con amenazas y miedo ya no al futuro inmediato, sino incluso a sobrevivir con dignidad en este confuso presente. Musicalmente, los Ídolos del Extrarradio son un grupo muy creativo que mantienen unos referentes que nos retrotraen a un pasado estilístico posterior al punk británico de finales de los setenta. Si los situamos en ese margen temporal, no hay duda de que han conseguido grabar uno de los mejores discos de los ochenta. Pocas bandas de aquí, o de allá, fueron capaces de conseguir ese brillante efecto artístico en todos los planos posibles. Pero nuestros Ídolos han ido más allá de lo predecible. Para aquellos que vivimos esa época creo que resultan perfectamente extrapolables de nuestros recuerdos y se nos manifiestan hoy en día tan novedosos como originales. En su “Vorágine” hay canciones apodícticas para musicalizar una descripción pormenorizada de esta realidad tan acuciante en la que el extrarradio crece, al mismo tiempo que se depaupera, con una rapidez preocupante esperando a que los mismos que nos metieron en esta crisis nos saquen de ella.  Por suerte, contamos con su música y su poesía para denunciar tanta estupidez  entre “todo este amor que nos hace insoportables”.    

Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp del grupo aquí. Puedes solicitar una copia del vinilo 10" más Cd en su facebook.  

Fuerza, pasión y arte sin límites, aspectos inmanentes en el álbum "TRES" de las Rodilleras



Artwork: Don Rogelio J.

Aquellos quienes, allá por los ochenta, adquirimos los discos de Parálisis Permanente, las Vulpes, Seres Vacíos, Desechables, Décima Víctima, o Gabinete Caligari, lo hicimos porque nos gustaban, atraídos por su revolucionaria aportación artística dentro de lo que, por entonces y ahora, conocemos como after o post punk. No solo destacaban por un original tratamiento musical, dentro del amplio espectro del rock and roll, sino que también se distinguían por un código ético y estético que resultó francamente revulsivo para la época, y eso los convertía en más apasionantes aún si cabe. En mi caso, recuerdo perfectamente que, a parte de esa realidad tangible, tuve la visión premonitoria de imaginarme que aquellos sencillos, maxis y Lp’s valdrían, con los años, una suma considerable de dinero tal y como ha sido el caso. Pues bien, con el segundo trabajo de las valencianas Rodilleras, titulado genéricamente con el número “3” y editado este 2013 por los sellos Flexidiscos, Discos Calamidad, más Solo para Punks, he recuperado esas mismas y extraordinarias sensaciones. No solo porque nos ofrecen un disco repleto de detalles musicales y conceptuales memorables e inmanentes, sino que encima está envuelto en un magnífico artwork, incluido un libreto donde podrás leer las letras ilustradas por grandes dibujantes de la escena valenciana, y que convierten a este fabuloso álbum en algo verdaderamente original.

Detallados los habituales referentes musicales, que siempre vienen bien pero que al fin y al cabo acaban por ser un tanto prescindibles, tengamos en cuenta que las Rodilleras no son ni las Vulpes, ni Parálisis Permanente, ni siquiera los Desechables. Las Rodilleras tienen un estilo propio, bien definido, con un extraordinario valor poético con el que rezuman pasión a raudales con una inmejorable voz principal, entre arreglos potentes de guitarra y bajo, más una contundente aportación de una precisa batería. Por otra parte, su disco está muchísimo mejor grabado que las obras de las leyendas mencionadas y el artwork le da cien vueltas a la gran mayoría de los publicados en esos ya lejanos ochenta. Lo único que las sitúa en inferioridad de condiciones es que, en esa época, esos grupos formaban parte de una escena con numeroso público, y ahora me temo que no.

Las Rodilleras

Las Rodilleras se formaron en Valencia en 2009 y cuentan con María Pedro a la batería, María Inglés al bajo y voces, y Gema Germen, guitarra y voz, conocida cantante de Putilatex, así como parte fundamental de otros proyectos como Redentoras Humilladas, o Permafrost. Tras una maqueta, en 2011 sacan su primer álbum titulado “Horror Pleni” coeditado con Disundead, que contiene trece tremendas canciones, once originales y dos versiones: del “She said destroy” de Death in June, y del “Forming” de los Germs. A destacar que el diseño de la portada corrió a cargo del gran artista, músico y dibujante, Don Rogelio J. (Tumba Swing, Tracahombres, Aullido Atómico,...) quien también se ha encargado del artwork de este segundo álbum. Puedes leer nuestra reseña que publicamos en su día de ese disco de debut en este mismo blog (+ info).  

“3” se grabó, mezcló y masterizó en los estudios Millenia de Valencia. Contaron con la colaboración de Aullador Thurston III cantando en el tema “Mr.& Mrs. Marmite” y Don Rogelio J. tocando slide en “Aprieta”.  El grupo también agradece la colaboración de la Residencia, Pedro Navarro y Rocco Rodríguez (videos), Pedro Serra (bajo) y Bernar (puerta). A parte del curioso diseño físico que rompe con la habitual carpeta cerrada de los vinilos, cabe resaltar también la inclusión de un libreto con las letras de las canciones ilustradas por geniales artistas como Carmen Burguess, Martín López, Susi Quiu, Raquel Aaparicio, María Gea, Jorge Parras, Gema Germen, Mortimer, Luis Galbis, Ernest Graves, Tono Inglés, Luis Demano, Mik Baro y el mencionado Don Rogelio J. quien también es el responsable de una portada impactante por su fantástica sencillez y, a su vez, por esa impresión tan retorcida, y enigmática que logra transmitirnos con motivos vegetales, propia del romanticismo más oscuro y tenebroso.      

Pues bien, tras comentaros algunos de los detalles, a nuestro juicio importantes, de este nuevo trabajo, ha llegado el momento de intentar resumir con palabras qué sensaciones nos transmiten las canciones.

"Amparo surfea sola su propia ola... las canciones"

 

Artwork: Don Rogelio J.

Abre el disco una fascinante “Amparo” quien se nos presenta acompañada de ritmos tribales, bajo penetrante y guitarras desbocadas, marcando los pasos de una excelente voz siniestra pero a su vez muy melódica “templando la tenacidad…sin rehuir el dolor, con veneno en el corazón, masturbándose con devoción”.

Le sigue “Ansiedad relativa 99,9%”, tema que relaciona la “humedad de Valencia” y el vacío existencial: “mi cuerpo está vacío, qué me vas a contar, no seas cretino, tú estás hueco igual”. Gran tema con pared de guitarras distorsionadas que da paso a “La carta”, con guitarras más ambientales, propias del after punk, para referirse a “una mujercilla flaca y ruin, por ti olvidé todo lo que fui”. A continuación nos ofrecen una canción llamada “Ernesto”, a modo de himno amoroso punk dedicado a ese tal Ernesto por el amor del cual “irían a patinar, tomarían un batido y hasta dejarían los cigarrillos”.

“Vida Social” es el título del siguiente tema, tremenda descarga de adrenalina punk con melodía casi pop para hablarnos de la basura que nos envuelve, el vertedero en que se ha convertido la sociedad… “te crees que mola, pero NO”. Tema corto pero muy contundente que precede a otra erupción volcánica de guitarras y batería persuasiva, cantado a dos voces, y con el título de “Mr & Mrs Marmite”. Se trata de una dura canción de desamor para recordar esos momentos en los que “la avaricia rompió la pasión… tus frías lágrimas no traerán redención…y solo tu cuerpo muerto me dará la solución”.   

Artwork: Don Rogelio J.

“El Picaporte” es el penúltimo tema de la cara A. Se trata de una canción de pura poesía existencialista punk que empieza recitando unos hirientes versos que dan paso a un pequeño instrumental al que se suma la voz principal “enfadada” para explicarnos que “tu cabeza está fatal, no me quiero contagiar, no soporto esta vida, quema, agobia, duele e irrita”. Cierra la cara A uno de sus temas más coreados en sus directos, ese contagioso  “La la la la” construido con aires de rock and roll primitivo de los cincuenta.

La Cara B se abre con  “Yo soy la justicia”, donde destaca un elemento principal, ese “hombre honrado que salda sus deudas, que mata por honor”. Fascinante tema de punk con detalles siniestros, interpretado con su peculiar estilo, mezclando referentes sonoros históricos, con un notable componente melódico amplificado por ese arreglo final donde toma protagonismo los coros siguiendo a la voz principal.  “La sangre corre” y se convierte en “deseo que atraviesa el cuerpo” en el siguiente corte llamado “Inmanencia”, concepto filosófico que significa el ente intrínseco de un cuerpo, opuesto a toda trascendencia, y que para el caso nos lo presentan cargado de imágenes tremendas como “aplastada en la autopista, pasan los camiones por encima”. Por otra parte, añaden unos acordes que nos recuerdan a ese famoso y vitoreado after punk cañí de los ochenta.



Ilustración de Raquel Aparicio

“Las queremos lejos” es otro temazo del álbum, sin desperdicio alguno, con guitarras que arrojan acordes desgarrados para deshacerse de indeseables, “maniacas, bastardas, retorcidas, colas de rata”.  Para ello utilizarán su talento, como bien dicen en el tema, el mismo con el que componen un “Aprieta” que arranca con preciso bajo y batería, tétricos y elegantes a la vez, y en el que nos dicen cosas tan extraordinarias como “ es la conciencia su mayor debilidad, flexible órgano en función de la frivolidad”. Le sigue “La incomunicación del abandonado cuerpo”, otro ejemplo de su extraordinaria destreza para conjurar letra y música con el objetivo de regalarnos momentos perdurables que en principio parecen intrascendentes “no quiero sol ni calor” pero que se retuercen con frases como “camino hacia el infierno encontré mi redención…ofrecí mi alma al diablo y no la aceptó…la soledad dio acceso a mi salvación”. A continuación construyen un curioso rock and roll llamado “Nº 29 pta 37”, “la última canción que canto para ti, olvida tu sufrimiento, olvídate de mi”. Una divertida forma de esperar a la muerte aunque, llegado el momento, cambiarán el DNI para que se “te lleve a ti”.  



Artwork: Don Rogelio J.

En la parte final de este gran disco, con muchísimas cosas que comentar como seguramente apreciaras tú mismo o misma tras una atenta escucha, tenemos el tema “La verdad está ahí fuera” que en el libreto se convierte en toda una fotonovela. Se trata de una disparatada historia de abducciones extraterrestres, con un desastre de marcianos que devuelven a la protagonista al año equivocado, antes del primer disco de las Rodilleras  y sin la carrera aprobada!!!. Acaba el álbum con toda una declaración de intenciones, entre ritmos de surf, para quitarse de encima a esos típicos plastas ligones, a los que alejan con esa advertencia: "déjame surfear sola mi ola…”. De este modo llegan a otro final genial propio de todo un himno de punk pop.

Las Rodilleras

Con respecto al anterior trabajo, ese no menos fascinante “Horror Pleni”, cabe destacar que las Rodilleras han profundizado más en ese efecto melódico inmediato, buscando incluso el estribillo para convertirlo en uno de los principales pilares de las canciones aunque, eso sí, sin perder ni un solo ápice de su gran valor pasional y energético siempre presente mediante ritmos contundentes, un bajo omnipresente y una guitarra espeluznante acompañando a una voz ideal y siempre convincente.

Como comentaba al principio de esta reseña, han pasado unos treinta años desde que me hice con una copia del single que compartieron Parálisis Permanente y Gabinete Caligari, con sus famosos temas “Autosuficiente” y “Golpes” respectivamente. Recuerdo que lo escuché en innumerables ocasiones, entusiasmado por unas canciones muy originales, rabiosas, con las que muchos y muchas logramos sentirnos muy identificados. Esa misma empatía y admiración puedo experimentarla, en estos precisos momentos, oyendo este nuevo disco de las Rodilleras titulado "3". Espero que no tengan que esperar otros treinta años más para lograr la excelente repercusión artística que bien se merecen porque no solo será tarde sino completamente injusto aunque sus discos sean, como preveo, lujoso material de coleccionista.  

Nota: Puedes escuchar el disco en el bandcamp.

“Constants are Changing” de Ambros Chapel, dramatismo y elegancia en grado superlativo

Portada “Constants are Changing” 

Ambros Chapel  presentaron a finales de 2011 su segundo trabajo discográfico titulado “Constants are Changing” con su propia discográfica 7days music. Contiene 11 canciones que rezuman dramatismo y elegancia con cada uno de sus acordes, procesos rítmicos, temática, y arreglos instrumentales. Si nuestro propósito fuera el de encasillar, sin más, este disco posiblemente le catalogaríamos como afterpunk, un género en el que caben muchas ideas siniestras, rabiosas y oscuras, unas más creíbles y acertadas que otras, desde finales de los ochenta hasta la actualidad. Más allá de las etiquetas, Ambros Chapel están entre aquellas propuestas que se niegan a copiar mil veces lo manido y lo previsible de ese sonido de bajos retumbantes, ritmos penetrantes y voces atormentadas retorciéndose entre telarañas y panteones fúnebres.

Es evidente que este grupo valenciano no ha inventado los parámetros con los que solemos definir esa propuesta musical que nació tras la rabia del punk para vehicular la depresión existencial provocada por una sociedad injusta. Sería tan pretencioso, como innecesario, afirmar que su música no ha aprendido de ejercicios siniestros anteriores pero, en este sentido, creo que no toman como referencias principales las acostumbradas sino otras mucho menos populares como por ejemplo los geniales Magazine y por derivación todo el microcosmos musical de todo un genio, favorito personal, como es Howard Devoto, ya sea en solitario o con el dúo Luxuria. Ambros Chapel no quedan anquilosados en repetir unos pasos sino en dar verdaderas zancadas que les permiten expander su propuesta con detalles originales que les identifican y les distancian de otras ofertas temáticas y sonoras cercanas pero menos consistentes. 

Portada "Rome"

Ambros Chapel son Pablo Casero (voz y guitarra), Alfred Sanchís (bajo), Vicent Ortiz (teclados), José Rodríguez (batería), y Rafael Vicente (guitarra, coros). Empezaron en 2006, año en que grabaron su primera maqueta con la que consiguen cierta repercusión local a partir de su primer concierto en el Loco Club de Valencia. Al año siguiente dan forma a su segunda demo y salen de su ciudad para tocar en otros puntos del Estado quedando como semifinalistas de varios concursos a nivel nacional. Algunos de sus temas empiezan a ser bastante conocidos; aparecen en recopilatorios y en 2008 ganan el concurso Troglogló, en su sexta edición, organizado por la Caverna, local valenciano, al que se presentaron cerca de 40 grupos noveles.

Ese premio les permite grabar dos canciones con Dani Cardona en Studio 54. Su agenda de conciertos sigue aumentando mientras ultiman la grabación de su primer disco que presentaron en noviembre de 2009 con el título de “Rome”, editado por el sello valenciano independiente Malatesta Records y distribuido por Everlasting/Popstock. A destacar que una de sus canciones más conocidas, “25” se emitiría en la BBC en el año 2009. 

Su segundo álbum “Constants ara Changing” fue grabado y mezclado por Paco Morillas en Blackout Musice y masterizado por Mario G. Alberni. Presentado en formato Cd en octubre de 2011, su elegante portada de colores cálidos contrasta con una excelente foto en blanco y negro de Samuel Ferrer. Su personaje principal nos mira con complicidad inquietante mientras yace desnudo de cintura para arriba. En el diseño del disco a cargo de Bhyf, se añaden las letras de los temas sobre una foto de una tela cuyos pliegues acrecientan el intenso resultado visual. 

Se inicia el disco con “New nation”, un tema enigmático de principio a fin con ese juego rítmico de bajo y batería que delimitan su tono atmosférico. Destacables son también sus guitarras tenebrosas, esos leves toques de post rock y esa voz, enorme,  sugerente, que renace de ultratumba y cuyo recitado cercano al genial Howard Devoto, acaba por pulir el máximo atractivo de la banda. Le sigue “Tears” donde vuelven a triunfar guitarras y voces en armonía de riesgo. Desarrollos para nada ampulosos y tiradas largas de sonidos expansivos que trazan líneas audibles que se pierden en la inmensidad y regresan para envolvernos con suma intimidad. A continuación, “Call me may” empieza con esos ruidos que dan entrada a construcciones progresivas marcadas por bajos apabullantes. “Got an A” contiene un preciso punteo de guitarra que desemboca en un medio tiempo ensoñador con ecos y cambios sugerentes en el tratamiento vocal. “Constants are chanching” nace como un reloj que marca el paso del tiempo y al que se incorporan esas precisas guitarras a modo de minutero existencial, ayudadas por secuencias rítmicas inteligentes. “Glorions Sunday” empieza con una interpretación ensoñadora y dramática del piano ayudado por el pedal de los teclados, y va adquiriendo esa energía desbordante que permite la entrega de “Kissing the doom” con sonidos eminentemente rítmicos que crecen y retroceden para construir un clímax de sensaciones estallantes. Memorable también es la presencia de los teclados y esa necesidad imperativa de buscar los finales triunfales para perderse en un solo instrumento que cierra los últimos suspiros. Con “Beyond my comprensión” emergen esas guitarras afiladas que retoman la idea atmosférica del disco a la que añaden toques de pop y ese final dramático progresivo. “Survive”, es uno de mis temas favoritos, e incluso me tomo el atrevimiento de entrever cierto guiño, voluntario o no, a ese eterno “Cant dels Ocells”, interpretado por Pau Casals, con una versión afterpunk al modo de  Magazine que convierte la canción en verdaderamente sensacional. Le sigue “Nice TV” con esa elegante sencillez de las guitarras, envueltas en toques electrónicos magníficos, serena, y de nuevo con un alarde de dominio vocal sin parangón alguno. “Lullaby” cierra el disco con un planteamiento inicialmente instrumental, con aires de tristeza ambiental,  cambios de acordes y rítmicos muy originales, y un tratamiento genérico que profundiza en la belleza tácita de lo siniestro. 

Con este magnífico segundo trabajo es probable que Ambros Chapel pierdan el lastre típico de las bandas noveles en cuanto a si son o no una promesa, o si aportan algo o no al panorama musical actual, mientras que se incorporarán otras cuestiones tópicas al examen de la crítica especializada que se preguntará si han conseguido mejorar su propuesta, si han acertado en el camino, si nos ofrecen un producto propio o si dan visos que les queda mucho por aprender. Por mi parte, no creo que sean trascendentales ninguna de todas estas observaciones anteriores. Y con ninguna quiero decir ninguna. La mayoría de las veces suelen esconder críticas paternalistas sin demasiado interés.

El segundo álbum de estos pletóricos Ambros Chapel deslumbra por su elegancia y ese dramatismo implícito en todos y cada uno de sus once temas. Muchos de los grupos que en los últimos años han aprovechado el tirón de los depresivos y siniestros Cure, Bauhaus, Joy Division, al final resultan repetitivos y aprenderían muchísimo de este excelente “Constants are Changing”.  Por supuesto que su segundo disco puede ser considerado mejor que el primero si lo evaluamos a peso. No conozco ni un solo caso que sea necesario tener en cuenta esa valoración, ni discográfica ni vitalmente, ni de ninguna de las formas posibles. ¿Es acaso mejor el segundo hijo que el primero, o el segundo viaje, o la segunda novia o novio?, ¿tan necesario es tenerlo en cuenta?. “Constants are Changing” es diferente a “Rome”, eso si que es realmente importante. En este segundo álbum, aunque coinciden en filias y algunos parámetros musicales con el primero, se desarrollan conceptos con mayor intensidad y trabajo de ensayo, con mayor grado de experiencia, pero eso no lo convierte en mejor sino en diferente. Lo más importante es que guste, que emocione, que llegue, que conmueva, que comunique, y eso no solo es relevante sino que, en este caso, también es tan cierto como demostrable en grado superlativo.