Temperamento y maestría soul funk en el nuevo disco de los barceloneses Slingshots

Portada del Lp

“El intérprete de soul no se limita a tocar su instrumento, cantar su canción o marcar el ritmo con su cuerpo. Lo hace todo… La pieza de “soul” como en el jazz, carece de comienzo y fin. Es un azar que solo puede tener alguna regla en el temperamento de los que intervienen haciendo –nunca mejor dicho- música”. De este modo, el comentarista del diario ABC describía el domingo 3 de agosto de 1969 el espectáculo de soul, incluido en los Festivales de España, que tuvo lugar en el Palacio de la Música de Madrid. El Ministerio franquista de Información y Turismo patrocinó, para el verano de ese año, unos festivales en los que actuaron “sensacionales conjuntos y estrellas de color procedentes de USA y Canadá ” como los Show Stoppers, Freeman Willians, The Hot Tamales, Frenchi Thompson, Jackie Gabriel, Tini Lynn y otros. El soul entraba en nuestro país por medio de las discotecas de la costa, las ediciones de Hispavox del catálogo Stax, el mencionado festival itinerante y algunos estudios de Barcelona donde empezaron a grabarse las primeras canciones con metales sincopados. 

Foto promocional

Cuarenta y cinco años después, un grupo barcelonés de soul funk llamado The Slingshots, en pleno auge de las bandas de R&B con raíces en los cincuenta y sesenta, publica su primer disco con el título de “Is this soul?” editado por Rocafort records. Se trata de una veterana banda que encaja a la perfección con la descripción que encabeza esta reseña. Por tanto, la respuesta a su pregunta no puede ser más que afirmativa ya que todas y cada una de las canciones de tan fantástico, imaginativo, bailable y enriquecedor disco tienen el “alma” de la buena música, del mejor R&B con raíces en el que no faltan detalles del jazz más elegante, el funk más hipnótico, más la sensualidad de las pistas de baile y la fiereza de los directos más entregados. Un trabajo ejemplar en el que sobresalen todas sus secciones, desde la voz principal al acompañamiento rítmico pasando por los metales, el órgano y las guitarras. 

Trayectoria 

Fotos CCCB marzo 2015. Foto: Miquel Taverna

The Slingshots se crean en agosto de 2008 en Barcelona. La banda está formada por siete músicos de amplia experiencia y variada trayectoria musical como Fran Palmero al bajo; Marc Mena a la trompeta; Sergi Franch al saxo barítono; Roger “Fullosoul” a la voz principal y pandereta; Aleix “Sinteman” a los teclados y coros; Eduardo Neto a la batería; y George “Hurricane” a la guitarra y coros. Debutaron en noviembre de 2008 en la sala Apolo de Barcelona como teloneros de los Osaka Monaurail, y desde entonces han protagonizado intensos directos dentro de festivales de prestigio como el Imagina Funk, el Black Music Festival, o el Festinoval Festinoval 2010 de Lleida donde ganaron un premio a la mejor banda. También han tocado en festivales allende de nuestras fronteras como el Funky Odyssey (Suiza), el Holy Groove Festival (Suiza) y la Festà del Traouc (Francia).

En 2011 graban su primer single en vinilo con la discográfica Lovemonk de Madrid. Producido y masterizado por Miguelito Superstar de la Fundación Tony Manero, contiene los temas “Slingfunk” en la cara A y “The Sooner” en B. Consigue muy buenas críticas tanto de público como especializadas y su música se puede oír en varios programas de los mass media. Su cara B también formaría parte del Cd recopilatorio “Blackcelona” (2012, Discmedi), un disco con gran parte de las mejores bandas de música negra de Barcelona.

 

Ermita Ulldecona. Juny 2014. Foto: Anna Vallés

Tras un periodo de reconstrucción, los Slingshots vuelven a estar en el candelero en 2014 con la canción “The Boss” incluida en el recopilatorio “Blackcelona Vol.2” (Discmedi, 2014) e inician una nueva andadura discográfica con el sello suizo Rocafort Records. De este modo sale su segundo single con los temas “Coffee Cold” en la cara A, adaptación del tema original de Galt MacDermot (Shapes of Rhythm,1966), más “She Ain’t Got No Soul” adelanto de su primer álbum que, con el título, de “Is This Soul?”, sale en octubre de 2014 con el mencionado sello Rocafort Records. Cabe destacar también que la banda preparó durante 2014 un homenaje a James Brown que fue presentado en la sala Jamboree o en las fiestas del barrio de Gràcia, en Barcelona. 

Con las Soul Sisters Blackcelona. Foto:

El disco fue grabado entre el 26 de junio y el 3 de julio de 2014 en los Red Bell Studios (Barcelona) con Marc Tena a los controles y Mike Mariconda a la producción. Colaboraron en la producción Phillippe Rocafort e Iván Muench, más su mánager Benet Pérez. Está compuesto por once temas propios y la edición se distribuye en vinilo, CD y descarga digital. También tocaron en la grabación: Jordi casas a la percusión y Estela Broto a la flauta. En la portada se puede apreciar una imagen del hongo de una explosión nuclear y en la contraportada, los detalles técnicos más fotos de los componentes de la banda a cargo de Carles Enric Teixidó. 

Cabe destacar también que el 6 de marzo ofrecieron un concierto con las Soul Sisters  Blackcelona que son las cantantes Koko-Jean Davis (The Excitements), Marina Torres (Marina BBface & The Beatroots), Ster Wax (Wax&Boogie), Leila, Izah, Clara Dini (exThe Black Beltones, B-Funk) y Laia Soulvador (exJizzyFree, Motherfunkers).

Las canciones 

Fiestas Gracia agosto 2014. Foto CE TF

El disco empieza con el tema que le da nombre genérico, “Is this soul?”. Se trata de una fascinante canción en la que ponen de manifiesto sus extraordinarias dotes instrumentales para sonar de forma conjuntada con excelsa pasión a raudales. Acompañando una voz francamente inmejorable, disfrutamos de una sección rítmica impecable de bajo y batería, rasgueos precisos de guitarra, sensacionales metales que aportan riffs sublimes y pedales compenetrados con sutiles detalles de órgano. Con la maquinaria de auténtico R&B perfectamente engrasada, nos deleitan con la maravillosa “That Just Ain't Right”. En este caso, el tempo de soul adquiere una relevancia extraordinaria. Los metales y la voz principal dialogan con un talento memorable al tiempo que el órgano adquiere más protagonismo. Un tema de sensibilidad a flor de piel al que sigue “Feel The Shots”, con ese riff de barítono que arranca un juego altamente divertido con la trompeta. Mediante el ritmo hipnótico del funk nos invitan a la pista de baile con una ejecución que haría las delicias del mismísimo James Brown. 

Foto de su facebook

Con “Back For Nothing”, la banda se mueve sinuosa con esa prestancia propia de las más grandes agrupaciones de soul ejecutando un instrumental magnífico en la onda de la mejor de las bandas sonoras del cine “Blaxploitation”. A una melodía cariñosa y ritmo sensual, los arreglos añaden algunos detalles de jazz y blues, incluso pizcas de psicodelia. De este modo llegamos a la potente “The Boss” con ese inicio de wah wah espectacular que nos arrastra de nuevo al baile desenfrenado al ritmo de una banda impecable en el que cada uno de sus componentes brilla con entidad propia consiguiendo un sonido compenetrado gracias a la conjunción de pequeños momentos solistas, como el protagonizado por un barítono excepcional, marcados por una no menos sensacional sección rítmica. Acaba la cara A con “For Somebody Else”, otra exhibición portentosa de una voz única, ideal para cualquier estilo de la black music. En este caso nos retrotraen ese R&B añejo de finales de los cincuenta y principios de los sesenta mediante un tema precioso con melodía luminosa,  recitado incluido, otro solo impecable de saxo, coros herederos del doo wop y un crescendo emotivo sin parangón alguno. 

Con Mike Mariconda. Jamboree enero 2015. Foto: Imago Mei

Ya en la cara B, nos ofrecen ese “Little Big Men”, con el que nos sorprenden con las maneras más salvajes de grupos deep funk. Música para moverse al ritmo de guitarras serpenteando con el inconfundible rasgueo de la guitarra, más un sensacional  solo de trompeta que se expresa con extraordinaria contundencia. Un momento solista de batería precede a un descanso emocional para añadirle al tema esa sensualidad latina con sordina incorporada. La percusión y las guitarras, con un impecable bajo, volverán a acelerar el tempo hacia la apoteosis final. Y precisamente, con “Chasing Paquito”, nos introducen de pleno en la rica amalgama que surge de la fusión de la música negra con la latina. Otro impresionante instrumental que pone los pelos de punta en el que nos demuestran su habilidad instrumental pero también la entrega pasional de todos y cada uno de sus componentes aportando todo tipo de filigranas incluidos momentos de free jazz. 

Tarantos Club. Febrero 2015. Foto: Tveephoto

Con “She Ain't Got No Soul”, los Slingshots nos reafirman su enorme capacidad para diseñar auténticos éxitos de funk ardientes, con potente base rítmica, órgano aportando acordes envolventes y una sección de metal redimensionando cada compás a un nivel estelar ya sea con síncopas como con pedales, más solos de saxo o varios riffs imaginativos. Una mezcla de genialidades apreciables también en “Dirt On The Groove”, otra maravilla indiscutible en la que sobresalen los juegos entre el teclado, la guitarra y la sección de viento añadiendo un temperamento único marca de la casa. Sin lugar a dudas, pese a poseer una de las mejores voces solistas actuales de soul funk, cuando la banda se desenvuelve sin su presencia, surgen momentos tan especiales como ese solo ácido de guitarra, seguido de una brillante aportación jazzy del saxo. Para finalizar nos ofrecen “Dog Hair”, tema que entronca con las bandas y cantantes más salvajes, de los cuarenta y cincuenta, con letras ciertamente chulescas y lascivas. Más momentos solistas del metal y un final entre aullidos con secuencia rítmica callejera y desenfadada, pone punto final a este extraordinario trabajo que merece todos los parabienes de los amantes de la mejor música negra. 

Reflexión final 

CCCB. Marzo 2015. Foto: Miguel Taverna

Antes de afrontar la grabación de tan extraordinario disco, los Slingshots estaban en una época de su trayectoria en la que no tenían una formación estable y la mayoría de los temas que tocaban en directo eran versiones. Cuando consiguieron redefinir el proyecto, surgió la oportunidad de grabar este álbum y tuvieron muy claro que iban a ofrecer a su fiel público unas canciones originales que mostraran, con todo lujo de detalles, sus amplias referencias y sus ricas  posibilidades creativas. El resultado es inequívocamente ciertamente fascinante. Cualquier amante de la música negra que se precie apreciará, en su justa medida, el esfuerzo, la valentía y la aportación melódica como rítmica de una banda cuyos componentes demuestran una solvencia instrumental y una entrega ciertamente descomunal. Solo un segundo disco, por ahora inimaginable ante tamaña obra, aunque probable por la determinación de una banda en estado de gracia, podrá superar el resultado de tan brillante álbum. Mediante “Is This Soul?”, este poderoso combo barcelonés no solo nos ofrece  múltiples y ampliadas respuestas afirmativas a la pregunta que nos plantean a modo de título genérico sino que consiguen despuntar con creces en el panorama internacional de la Black Music con uno de los mejores trabajos de todos los tiempos.  

Nota: Puedes escuchar el disco de los Slingshots aquí.  

The Limboos nos embelesan con “Space Mambo”, fascinante Lp de R&B con toques latinos

Dodo Studio

The Limboos figuran entre los proyectos que más han sorprendido y, a la par, agradado en el año 2014 dentro de la escena que mantiene radiante ese amplio abanico de sonidos de rock and roll con raíces en los cincuenta y sesenta. Desde el escenario, consiguen conmover nuestras almas al tiempo que nos ponen en movimiento con una excelente mezcla de música negra con latina, de R&B y mambo. Una perfecta conjunción entre la rítmica originaria del centro y sur del continente americano que logró entusiasmar, desde principios de la década de los cuarenta, a la cosmopolita ciudad de Nueva York para fusionarse, con excelentes resultados, con ese emocionante blues eléctrico de plena vocación bailable.  Los Limboos aportan a esa tradición alguna que otra versión memorable pero se trata, principalmente, de un combo original en el que cobran vida nuevos clásicos del género  mediante un repertorio propio que, para regocijo de sus fans, puedes disfrutar también en la intimidad de tu habitación bailando sin parar al ritmo de su flamante álbum de debut que publicaba en 2014 Penniman Records con el título genérico de “Space Mambo”.   

Trayectoria 

Dodo Studio

The Limboos se formaron a principios de 2013 con Daniela Kennedy (batería y percusión), Sergio Alarcón (guitarra, órgano y percusión), Marcos Mascato (bajo) y Roi Fontoira (voz, y guitarra). Marcos y Roi forman parte de los Phantom Keys y Roi de los Allnight Workers. El proyecto lo empezaron Roi y Daniela, a los que pronto se unió Marcos y completó la formación Sergio. Juntos han dado forma a un repertorio muy original que viene a cubrir un espacio vital de mestizaje sonoro de música negra y latina con apasionantes aportaciones y un resultado final francamente enriquecedor.  Cabe destacar que en el festival Funtastic  Drácula de 2014 les acompañaron en directo un trio de saxos llamado los Saxos del Averno (+ info).      

Con la producción de Mike Mariconda y la edición de Penniman Records, tienen un par de singles anteriores a este Lp. En el primero se pueden oír los temas “Not a Soul Around” en la cara A y “Space Mambo” en la B, ambos temas originales, como la gran mayoría, de Fontoira y Kennedy. En el segundo se incluyen los temas “Big Chef" en la A y “Limbootic” en la B. La cara A del primer single como la B del segundo no están incluidas en el álbum.  El Lp que presentaban en 2014 con el título de “Space Mambo” fue grabado también en los Big Cheff Studios de Madrid con Pedro Sancho y con una excelente portada con foto de Dodo Estudio. El diseño es de Jordi Duró y las fotos de contraportada de Micoco Graphics y Dena Flows.   

   

Dodo Studio

Las canciones 

El disco empieza con “Big Chef”con ese fantástico ritmo que ya les identifica desde el primer compás dando paso a esa guitarra que contribuye a acrecentar la sensualidad de unas composiciones en las que brilla una voz principal sublime entre pequeños solos de una destreza encomiable. Mientras, el bajo y la batería mantienen el pulso, imperturbables y  ayudados por efectos de sabrosa percusión. Le sigue “Nervous”, otra exhibición que combina ese R&B tan cautivador e hipnótico con detalles rítmicos de origen latino. En este caso apreciamos otro fantástico solo de guitarra y enigmáticos detalles de teclados que completan el tema y sirven de preludio de lujo para ese “Space Mambo” que da título al disco.  The Limboos consiguen, en este corte, una textura espectacular tanto melódica como rítmica.  Se trata de un tema instrumental en el que todos y cada uno de los protagonistas tienen un papel relevante al tiempo que logran, de forma espectacular, combinar los motivos solistas, incluido un acelerando final muy bien medido que culmina un trabajo ciertamente magnífico.    

     

The Limboos. Fot: Angel Nájera

Le sigue “Early In The Morning”, otra cuidada demostración de alegría latina con sensualidad ritmanbluesera. Un tema ideal para moverse sin parar del primer al último de los compases y que condensa la exquisitez  de una gran orquesta de baile y el poder hipnótico de un combo de blues. Con “What I’m Saying”, la banda arrambla con una soltura despampanante ofreciéndonos una canción original que destacaría entre el mejor de los repertorios de música negra de los cincuenta. Francamente, muy pocos en este país son capaces de cantar y tocar con ese poder de convicción tan especial.  La cara A se cierra con la única versión del disco, ese “Tell Me Pretty Baby” de Archie Shippings que grabó para Shippings en 1959, Screamin 'Joe Neal, y en la que los Limboos son capaces de mantener todo el impulso fiero y salvaje de este R&B sonando con la misma entrega vocal de este legendario cantante y la credibilidad de la orquesta de Jerry Brown que le acompañaría en la grabación del tema. Sustituyen el solo de saxo por un par de toques excelentes de guitarra en solitario e incluso, si se me permite, me gusta más la concepción rítmica de la adaptación “limbootica”.  

Foto: Miriam Arranz

La cara B arranca con “Rockin’” que, como su nombre indica, tiene esa magia del primigenio rock and roll aún con detalles del cariñoso swing. De nuevo, nos dejan absolutamente anonadados y no solo por la destreza de sus creadores e instrumentistas sino por el resultado final tan absolutamente persuasivo.  Regresan a los ritmos latinos con “Brownie”, otra exhibición memorable en la que no faltan esos detalles de space con ritmos tribales y recitado jazzístico, entre más solos de guitarra y una rítmica que se mueve con una gracia impasible. Le sigue “Call Me A Tramp”, canción de movimientos sinuosos destinada a ennoblecer las mejores pistas de baile con la que resulta imposible permanecer al margen de ese desparpajo natural de elegancia y poderío.  “Hoodoo” tiene un ritmo calmado en el que desarrollan su vertiente más bluesera para lucimiento de su cantante principal y guitarrista solista acompañado por el talento de una banda que suena tremendamente conjuntada en todo momento.

El disco llega a su final con un par de temas, ambos extraordinarios, que anuncian un final de fiesta apoteósico como son “Keep Your Hands Off My Pocket”  en el que emergen las habilidades más salvajes de estos experimentados músicos, con bombo a mansalva, y que en directo lleva al respetable al éxtasis con un juego de recursos tan exquisito como efectivo. Cierra el álbum “Jambalaya Walk”, en el que uno puede imaginarse una conga sideral en la que desde la percusión al órgano pasando por el bajo y la guitarra, llegando a la voz principal, nos dejan embelesados con el último de sus sensacionales mambos.

Reflexión final

Foto: Dena Flows

Con un Lp tan original como “Space Mambo”, The Limboos han logrado entrar a formar parte de la historia del mejor R&B a nivel internacional con independencia de la época en la que se haya creado. Estoy convencido de que su repertorio, integrado principalmente por magníficas y exóticas canciones propias, haría las delicias de la mayoría de las leyendas del R&B de los cincuenta, tanto por su indiscutible creatividad  como por su inefable interpretación ya sea en el estudio como en sus aclamados directos. Los Limboos destacan por numerosos aspectos pero, por encima de todos ellos, creo que han logrado impactar en el público gracias a esa credibilidad innata que imprime su guitarrista y vocalista principal así como la compenetración musical extraordinaria con esa banda de lujo formada por su meticuloso organista y percusionista, más la inefable sección rítmica de una brillante baterista y un bajista ciertamente imperturbable. Con los Limboos, las raíces del blues y el mambo han vuelto a brotar con excelentes resultados para que el ritmo latino contagie de sabrosura el alma del R&B más fiero.     

   

Documento sonoro:

Video del segundo single de los Limboos con el tema "Big Chef", una producción de Dodo Estudio, dirigida por Jaime Pantoja y Julia Sáinz. 

Los Retrovisores triunfan “En el surco” con cuatro temas que confirman su gran profesionalidad

Los Retrovisores vuelven a estar de actualidad discográfica para regocijo de la legión de fans que en los últimos meses han bailado sin descanso en los múltiples directos ofrecidos por toda España. Su nuevo Ep tiene como título genérico "En el surco" y ha sido editado este 2014 por Soundflat Records con la inestimable colaboración de BCore Disc. Contiene cuatro excelentes temas: dos propios llamados “Compresión” y “Dile Adiós” más dos fantásticas  versiones con el título de “Ahora sé que serás mi amor” (“That's The Way Love Goes” de Disciples Of Soul) y “Te veo a millas” (basada en la adaptación instrumental de Lord Sitar del “I can see for miles” de los Who). Cuatro joyas de melodía contagiosa y rítmica poderosa que se añaden al convincente repertorio de beat, “garage” y soul de esta gran banda que, con el tiempo, ha ganado profesionalidad sin perder ni un ápice de emoción y frescura.  Sus nuevos temas transmiten temáticas al margen de lo previsible y evidencian un arduo trabajo de ensayo con el que han logrado conjuntar fascinantes arreglos instrumentales con excelentes juegos vocales de apoyo a su extraordinario solista. 

Trayectoria 

Imágen extraida de su Facebook 

Formados en Barcelona en 2006, los Retrovisores debutaron con un álbum llamado “La nostalgia ya no es lo que era” (Flor y Nata 2010). Ellos son Víctor Retros (voz principal), Pere Robespierre (guitarra y  coros), Leonardo Guateque (bajo), Guns Strata (Hammond), Quim Corominas (batería), Héctor Fuker (pandereta y coros) más los metales de Sergio Moses (saxo barítono y coros), Edu Polls (saxo tenor), y Alexis Albelda (trompeta).  Del tema "Pijos del Pop" de ese Lp, Pau Duran realizó un videoclip. En 2013, Soundfalt y Bcore editaban su aclamado, y ya agotado, anterior Ep con el título genérico de “Alma y pisotón” con el que lograron un entusiasmo generalizado tanto a nivel de público como de crítica. De ese Ep, grabaron un video del tema "Me Olvidé de Ti" con Honey Mustard Productions dirigido por Guillem F. Marí y Pere Marzo. Además, del tema "Soy Libre", Pere Robespierre con la ayuda en el guión de Victor Retros, también dirigió otro videoclip.

Este  imprescindible nuevo Ep ha sido grabado en el estudio Red Bell con Marc Tena; mezclado por el esencial Mike Mariconda; y masterizado por Victor García en Ultramarinos siguiendo la misma formula que les hizo triunfar en su anterior trabajo para las mismas discográficas. Aportan su maestría artística Helen Ultratwist a las fotos y Kity Kr en el espectacular artwork. También han contado, una vez más, con la colaboración de Choni Sobrepera al trombón.

Las canciones

Imágen extraida de su Facebook 

El disco se abre con “Compresión”, canción espléndida en la que, ya desde los primeros compases, se manifiesta una fantástica compenetración de metales con la potente sección rítmica. Juntos nos procuran un preludio instrumental que predispone al oyente a escuchar la primera de las historias de amor y desamor del disco que nos canta, con solvencia y energía desbordante, su cantante solista. El tema arrastra los corazones y los pies hacia el culminante estribillo principal y discurre con arreglos minuciosos mediante  detalles de guitarra imaginativa, metales generosos, batería y bajo imparables, y esenciales pedales de órgano. Una canción para la pista de baile en la que los Retrovisores se nos presentan como lo que son: una banda de auténtico lujo generando pasiones con un dominio de la melodía y el tempo verdaderamente extraordinario.

Foto: Helen Ultratwist 

Le sigue la genial adaptación de “That's The Way Love Goes” de Disciples Of Soul que ponen en movimiento con una cadencia inicial que dramatiza con mucha elegancia el  original. Los Retrovisores añaden un toque muy personal a este clásico de 1967 editado por Phantom records. Desde los suculentas intervenciones de los metales hasta el conjunto rítmico, pasando por los coros y la voz principal, logran impregnar un éxtasis en crescendo buscando los finales de frases con toda la emoción imprescindible en una gran banda de soul.

Foto: Helen Ultratwist 

En la cara B, nos regalan “Te veo a millas”, una contundente y bailable versión del “I can see for miles” de los Who, cuyo cover está basado en la adaptación instrumental de Lord Sitar. El tema original fue escrito, como bien sabrás, por Pete Townshend y los Who la grabaron para el álbum de 1967 “The Who Sell Out” editado en Inglaterra por Track Records. Fue la única canción de ese disco que salió como sencillo, el 14 de octubre de 1967. La adaptación de Lord Sitar, alias de Big Jim Sullivan, salió en 1968 con EMI en un disco de homenaje en el que el sitar era el instrumento solista. La adaptación de los Retrovisores convierte ese peculiar instrumento oriental en una poderosa guitarra eléctrica con elevadas dosis de psicodelia mientras que el resto de componentes de la banda tejen un sensacional acompañamiento de Black Music en su máximo esplendor.  De este modo, el famoso tema gana numerosos enteros con una visión que va mucho más allá de un mero tributo. 

Cierra tan descomunal disco, otro tema propio llamado “Dile Adiós”, en el que las guitarras adquieren un excepcional protagonismo con ese rasgueo persuasivo y esos riffs ácidos sustentados por un perceptible órgano y teclados en segundo pero, a su vez, muy perceptible plano. Se añaden golpes sincopados y certeros por gentileza de unos metales asombrosos  mientras que la voz solista sigue en su periplo por la música con raíces sixties para  transmitirnos esa pasión imprescindible intrínseca al R&B.      

Foto: Helen Ultratwist 

Reflexión final

Los Retrovisores han sido capaces de perfilar un proyecto personal con extraordinarios resultados musicales que logran superar disco a disco, directo a directo. Son una banda imaginativa, con esa dosis de excentricidad que les convierte en irrepetibles, pero también son una banda de muchas tablas, de esfuerzos, de lucha sin cuartel por sobrevivir en un mundo más allá de la nostalgia, en un espacio creativo donde reina el alma y el pisotón, en el que “En el surco” es también una metáfora de la realidad social. Una trinchera, como ellos dicen, para organizarse y preparar un ataque que nos saque del abismo. Un momento de posición para la guerra de movimiento al ritmo sensual y contagioso de unos Retrovisores en estado de gracia. Disfrútalo y súmate a la revuelta al son de estas cuatro nuevas canciones repletas de soul y humanismo.     

Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp así como adquirir una copia del Ep en la tienda de Bcore. Más información de los Retrovisores en el Magic Pop aquí. Puedes oír una extensa y suculenta entrevista con Víctor Retros en el programa de radio El Cuartelillo.

Caustic Roll Dave ahonda en su estilo ácido y refractario con su nuevo álbum “Approaching Noise”

Portada 

Cuando opinamos que una persona es cáustica, creemos que es mordaz, o sea, que critica con ingenio, incluso con cierta agresividad. En química, se estima que un producto, ácido o base, es cáustico cuando quema los tejidos orgánicos; mientras que en óptica, se dice que una superficie es cáustica cuando es tangente a los rayos que se reflejan o se refractan por un sistema óptico. Tras escuchar el segundo disco de Caustic Roll Dave titulado genéricamente “Approaching Noise” (Philatelia Records 2014) nos quedamos con la sensación de que cumple, con creces, con todas las definiciones posibles del concepto: su música es ácida y corrosiva, aunque más que reflejar, refracta varios estilos para crear un universo sonoro original. El rock and roll, el blues o el folk, a través de su peculiar estilo, cambian de dirección para pasar de la tradición a nuestro imaginario propio con un mensaje nuevo, tan sorprendente como convincente.  

Trayectoria

Caustic Roll Dave es el nombre del proyecto en solitario del catalán David Vilà quien formó parte como guitarrista del grupo The Riverside Speedway, banda de psicodelia rock de Barcelona formada en 1992 con Fer (Voz),  Gonza (Guitarra), Alf (Batería), y Marc (Bajo). Debutó en 2011 con el álbum “Long Term Music”, también con la discográfica Philatelia Records, en el que cantó y tocó la guitarra, el banjo, la armónica, el cavaquinho (pequeña guitarra portuguesa que se convirtió en Hawai en el Ukelele y que en manos de Caustic Roll Dave tiene estructura de dobro eléctrico), y teclados entre beats, loops y scratch. En ese primer disco contó con la colaboración de Fer Acosta quien le ayudó en la producción y mezcla, así como tocando la batería, bajo y voces en algunos temas.

También ha colaborado, con una canción llamada “Travelling Riverside Blues”, para un recopilatorio de homenaje a Robert Johnson titulado “Pactando con el Diablo” y en su bandcamp puedes escuchar un tema inédito llamado “The Fence” grabado con Fer Acosta al bajo y voces que pertenece a las sesiones de su primer álbum.

En su nuevo disco ha contado de nuevo con la ayuda en la producción de Fer Acosta más la fabulosa masterización de Mike Mariconda desde su estudio de Austin (Texas). David se ha encargado de cantar y tocar todos los instrumentos y en algunas canciones  Fer ha tocado la batería, el banjo o alguna guitarra, mientras que Pedro de Dios de Guadalupe Plata también ha aportado su destreza a la eléctrica en una de las canciones. Las nocturnas y terrosas imágenes con sus inquietantes sombras son obra de LVM. 

Las canciones

El disco arranca con “What We Understand”, canción que se inicia con un riff de blues penetrante, entre lamentos profundos y una voz tamizada por el megáfono. Un tema que va creciendo hasta encararnos hacia  una descarga rítmica y eléctrica solemne con imaginativos, como oscuros, arreglos sonoros. Caustic Roll Dave nos cautiva desde el primer tema al mismo tiempo que nos prepara para ese “You’ve Got Your Silver, You’ve Got Your Gold”, con un sampler de voz que se repite hasta la saciedad al tiempo que se añaden detalles de armónica, y guitarras desérticas marcadas por un ritmo que surge pesaroso de las mismas entrañas. Le sigue “Thoughts Send Him Down”, otro momento inquietante que se construye sobre una nota obsesiva de bajo, al que va sumándose el resto de instrumentación, rompiendo moldes y diseñando un espacio inusual con el que consigue perfilar un tema de rock and roll altamente contagioso.   

“Restart” cuenta con la guitarra del mencionado Pedro de Dios de Guadalupe Plata, quien aporta su destreza imaginativa entre “scratches” de hip hop y armónica de blues. Sin duda, uno de los temas más sorprendentes del disco. La voz principal sigue proporcionándonos innumerables detalles de su fabulosa como apropiada tesitura;  ideal para sumergirnos en un mundo onírico en el que los más placenteros sueños se intercalan con las peores pesadillas.  

El disco prosigue con la calma tensa de “Reality Falls”, tema de andares pausados entre tropiezos existenciales y esas guitarras jugando con sugerentes solos mediante varios planos eléctricos intercalados con el apoyo de un ritmo sensual. Con el despliegue festivo, a modo de ritual, de “Looking For Something That I Never Had” finaliza una cara A  imaginativa que tiene su continuación en un reverso igual de sensacional, donde la creatividad y el poder de convicción no desfallecen ni un ápice.

Abre la B  “Low Cost Countdown Beat”,  tema enérgico  con desafíos originales de armónica y guitarras, más percusión desbocada corriendo por las calles de una ciudad fantasma a la búsqueda de algún remedio mágico con el que hacer más soportable la absurda cotidianidad. El tema reposa sobre unos compases finales de un after punk atrayente que sirven a la perfección como preludio para la sacudida que nos espera con esa sensacional “Many Pigs” acompañado por un indispensable, en varios momentos, Fer Acosta, al banjo. Una canción que se sustenta en la esencia del blues tradicional, no así en sus habituales patrones, abriéndose camino de forma asombrosa entre un tejido industrial sociopolítico totalmente deshumanizado.

Tras el  impulso emocional de “My Fall”, con su apabullante ritmo entre hip hop y “stoner” apocalíptico, Caustic Roll Dave nos ofrece  “Into The Void”, tema en el que toma protagonismo el lamento de una guitarra solitaria acompañada por esa percusión minimalista. Destaca por la sinceridad que transmite con una atormentada voz principal protegida por una armónica calurosa y varios efectos eléctricos hipnóticos.

 “Paranoid Blues” convierta la paranoia en un estado sonoro envolvente mediante un recitado “stoniano”. Sobresale un oscuro riff de guitarra y otro ritmo bailable memorable.  Sus poderosos compases, ciertamente lisérgicos, nos trasladan a la emotiva  “Recognize” impregnada de ese aire intimista entre jugosos movimientos de guitarra con los que el disco discurre, perfectamente dosificado, hasta “Oh Yes It Does”. Con  un poderoso riff de bajo entre cánticos ancestrales, esta canción y su crescendo final dejan entreabierta una puerta sensorial a múltiples exposiciones musicales producto del imaginario de su principal y fructífero fáctotum.  

Reflexión final 

La obra de Caustic Roll Dave va más allá de la fusión experimental de géneros musicales. Tiene algo de universalismo; una creencia innovadora cuya verdad determinante se fundamenta en ritos iniciáticos y tradiciones ancestrales. Su abanico creativo contempla, como referente indispensable, la esencia del blues aunque sin obligación alguna de repetir sus conocidos patrones compositivos. Ahí está precisamente su principal baza. David Vilà ha aprehendido de otros tantos estilos como el rock and roll, el after punk, la psicodelia, el folk o incluso el hip hop para crear su propio método de trabajo con el que consigue, sin lugar a dudas, unos resultados magistrales. Con sus inquietudes oníricas, su extrema sensibilidad y su original despliegue instrumental, investiga las posibilidades expresivas del alma para crear canciones ácidas y refractarias como las que se incluyen en este indispensable “Approaching Noise”. 

Nota: Puedes escuchar el disco en el bandcamp y adquirir una copia en la web de Philatelia Records.  Este próximo 1 de mayo de 2014 abre el festival Munster en Roda de Berà (Tarragona).  

The Excitements confirman su poder creativo e interpretativo en su segundo álbum con Penniman

Portada de Duró

“Sometimes Too Much Ain’t Enough” es el título del segundo álbum de los Excitements, banda de R&B de Barcelona.  Fue editado en septiembre de 2013 por la discográfica también barcelonesa Penniman Records quien ya les ha sacado al mercado discográfico cuatro brillantes singles y un Lp de debut que causó auténtica sensación entre los amantes de la música negra con racies en los años cincuenta y sesenta.  Si ese primer álbum de 2011 estaba compuesto por exquisitas versiones que, como mínimo, conseguían transmitir la pasión de sus respectivos originales mediante arreglos imaginativos y una magnífica voz principal, en esta segunda entrega prevalecen los temas propios surgidos de la imaginación de Enric Bosser de Penniman Records, más Adrià Gual y Koko-Jean  Davis.  En total son doce temas, con cuatro versiones, que confirman a esta banda como una de las propuestas de R&B más coherentes y creativas del panorama actual.      

Trayectoria

Foto: Ran-el Cabrera 

The Excitements  son una banda de Rhythm & Blues y Soul formada por Koko-Jean Davis, voz solista, de origen mozambiqueño; Albert Greenlight, guitarra solista; Adrià Gual, guitarra rítmica; Daniel Segura, bajo; Marc Lloret, saxo alto; Nicolás Rodriguez-Jáuregui, saxo barítono; y Marcial García, baterista. Por sus filas han pasado otros músicos como los guitarristas Pere Puertas, qien grabó su primer disco, Pau Loewe en directo, o Lalo López quien grabó su segundo Lp. También ha tocado con ellos la batería Xavi Ayala en el primer disco y Alfonso Luna en el segundo.

Creada en 2010 con músicos de la banda ya disuelta The Fabulous Ottomans y de los Organic Rhythm Generation, sus referencias las encontramos en la escuela de los sesenta desde Ike and Tina, James Brown, Etta James a Arthur Alexander, pasando por Rufus Thomas y Nathaniel Mayer. El primero de los singles contenía los temas  ‘You’d Better Stop’ (original de Doris Troy también conocida por Doris Payne grabada para Atlantic en 1965 y editada solo en Inglaterra) y ‘From Now On’ de Dorothy “Devora” Brown interpretada también por Nathaniel Mayer. El segundo single tiene las canciones ‘Right Now’ de N. Edwards interpretada por Pearl Woods e incluida como cara B del single ‘Sippin' Sorrow’ en 1961 con Little Richard's Band The Upsetters y 'Wait a minute' de Barbara Stephens que fue cara B de su single con 'Love Is Like a Flower' para Stax.

En marzo de 2011 se ponía a la venta su magnífico primer Lp editado por Penniman Records, discográfica que ya se había encargado de sacar sus dos primeros singles de presentación. En el Lp encontramos 12 temas sin desperdicio alguno que son 'Take The Bitter With The Sweet', 'I Don´t Love You No More', 'I Do The Jerk', 'Never Gonna Let You Go', 'Wait A Minute', 'Let´s Kiss And Make Up', 'Fat Back', 'Won´t You Let Me Know', 'From Now On', 'I Want To Be Loved', 'If It Wasn´t For Pride', y 'Love Is Here To Stay'. Todos ellos, versiones de mitos del R&B como Nathaniel Mayer, Barbara Stephens, o Little Richard, entre otros. El álbum se grabó en los estudios Red Bell de Barcelona y contó con la colaboración de Víctor Puertas al piano.

Enric Bosser y Mike Mariconda. Foto: Lalo López

En 2013 veían la luz dos singles más con los temas “Keep It To Yourself” de B. Preston con “Give it Back” de Adrià Gual en la cara B;  más otro con “Ha.ha,ha” de E. Bosser más “I need you baby”. Las caras B no están incluidas en su segundo Lp.  

Su segundo álbum, producido por el inefable Mike Mariconda, se grabó en mono en el Red Bell Studio con Marc Tena. Fue masterizado por Víctor García en Ultramarinos Costa Brava. En la grabación han colaborado en algunas canciones Xavi Ayala a la batería; Lluís Coloma al piano; Robert Gómez a la guitarra; Víctor Puertas al piano y hammond; Dan Posen y Dani Zapater a las trompetas; y Marc Tena a la percusión y piano. La foto de la portada, de nuevo con una fascinante Koko-Jean Davis como principal protagonista, es de Romuald Goudeau. En la contraprotada hay otra excelente foto del grupo a cargo de Ran-el Cabrera  y el diseño del disco ha corrido a cargo de Duró.

Las canciones 

El disco arranca con una tremenda  versión del tema “Keep It To Yourself” de Billy Preston incluido en su álbum de 1969, “That's The Way God Planned It”. La adaptación de los Excitements no solo tiene un tempo mucho más vivo sino que se potencian los toques de rock and roll en una magnífica conjunción instrumental de vientos con guitarras más piano eléctrico, acompañados por una sección rítmica impecable. Por encima de todos ellos, tocando el cielo con su registro vocal, la portentosa voz de su solista quien nos captura ya desde el primero de sus extrarodinarios fraseos. Le sigue ese espectacular “Ha,ha,ha” tema original de Enric Bosser, con madera de hit de los cincuenta gracias a un impecable swing de R&B que promete apoderarse de la mejor  pista de baile, incluido  un sensual solo de guitarra con toques de country soul. Adrià Gual es el autor del siguiente corte llamado “That’s What You Got”, otra excepcional canción con un riff de funk soul solemne y una aportación vocal divina. Los metales siguen fabricando apasionantes colchones de sonido al tiempo que guitarras y Hammnond aportan detalles suculentos en forma de riffs precisos.

Foto: Selector Marx 

El siguiente corte es original de su cantante Koko Jean y en él se luce amparada por un acompañamiento de bajo fabuloso, pedales de metales de lujo y una banda que la transporta en volandas por el espacio sonoro  de la grabación con unos resultados auténticamente  fascinantes. El tema va creciendo hasta alcanzar el éxtasis entre solos de guitarra y aportaciones estelares de todos y cada uno de los miembros de la banda. “I’ve bet and I’ve lost again” es una de las más bonitas baladas de soul que haya podido escuchar en tiempo, enmarcada en cualquier época. Como en los grandes clásicos, su autor Adrià Gual consigue que todos los recursos habituales del género se combinen de forma elegante y sugerentel. La conmovedora voz solista y los entregados instrumentistas logran que sea una canción tan emotiva como convincente con unos matices finales apoteósicos. Cierra la cara A del disco “Don’t You Dare Tell her”, otra de las composiciones de Bosser que, en este caso, acude al R&B 50’s para ofrecernos un tema que valdría como ejemplo para explicar la mejor de las escuelas gracias a una elevada carga de sensualidad, y una rítmica ideal para la pista de baile en el que destacan instructivos diálogos entre saxos y trompeta.  

Foto: Joan Martínez 

La cara B se abre con “The Hammer”, tema de Gual en el que la banda se luce al completo al mismo tiempo que se divierte conversando con la amalgama de notas musicales. Se trata de un instrumental de R&B muy rítmico, incluidos pequeños solos de batería,  que destaca también por su elegante melodía en la que sobresale otra intervención solista ejemplar de saxo y guitarra. “Fishing Pole” es el título del siguiente corte, un tema de 1966 de James Timothy Shaw aka The Mighthy Hannibal recientemente fallecido el pasado 30 de enero de 2014 (+ info) con detalles de pop entre suculento R&B en el que vuelve a apoderarse del espectro sonoro la genial Koko Jean  acompañada por un buen solo de guitarra adiestrada en el mejor rock and roll. Otro tema muy bailable que precede a la siguiente versión. En este caso  se trata del "Tell me where I stand" de Johnny Sayles, un tema en su día inédito grabado con Mar-V-Lus que fue rescatado en 1999 en un recopilatorio de este cantante de soul de Winsboro (Texas). La interpretación de los Excitements es sofisticada pero para nada pretenciosa, con un toque oscuro inicial que va destapando capas hasta la luminosidad final expresada con el máximo esplendor de una banda altamente profesional.

Foto: Joan Martínez 

Las descargas de emociones se suceden hasta el final de la mano altamente creativa de Bosser, quien en “I Believe You” nos regala un momento sublime de rockin’soul. La banda sabe transmitir esa impecable prestancia con una fuerza que pone los pelos de punta ya sea mediante la voz y guitarra solista así como con todo el acompañamiento rítmico que ejecuta los compases con una precisión de cronómetro. En el penúltimo corte, los Excitements nos ofrecen una excelente revisión de un tema de Eddie Bo de 1963, con el título de "I found myself a man ( found a little girl)". Los arreglos son más rápidos e incluyen matices instrumentales con un gusto exquisito mientras mantienen esa esencia tan indestructible del R&B, eso sí, interpretado con su original estilo. Acaba el disco con el tema que le da título genérico, ese “Sometimes Too Much Ain’t Enough” de Enric Bosser en el que la banda barcelonesa se muestra especialmente conjuntada, convincente, y con ganas de redondear este fabuloso álbum con otra exquisita demostración de estilo y manejo instrumental de gran categoría.

Reflexión final 

Los grandes músicos, como todos los creativos de cualquier disciplina cultural que se precie, saben que el objetivo primordial de un buen proyecto artístico pasa por procurarse, mediante el esfuerzo y la inspiración, un espacio propio y original que compartir con el público que compra los discos y acude a los conciertos a la búsqueda de emociones. 

Con “Sometimes Too Much Ain’t Enough”, los Excitements encajan a la perfección en esa élite de mentes privilegiadas  para las que, en la vida como en el arte, hay veces que conseguir lo deseado, incluso demasiado, no resulta suficiente.  Esa particular necesidad de superación, de seguir en la brecha,  obedece, sin lugar a dudas, a una pasión ilimitada, adquirida con el tiempo, por el R&B y el rock and roll con raíces en los cincuenta y los sesenta. 

Ese indiscutible bagaje tan profesional como emotivo se complementa en su caso con un minucioso trabajo previo de ensayo y una lograda puesta en escena con la que, en estos momentos, están triunfando en una gira a nivel internacional.  Tras un primer disco de adaptaciones, los Excitements han plasmado en este segundo disco unos cuantos ejemplos memorables que confirman sus enormes dotes interpretativas y compositivas mediante unas  canciones propias  que, como mínimo, igualan el enorme nivel de sus siempre   “excitantes” versiones. Juntas forman parte ya de la historia siempre fascinante de la mejor música negra de cualquier época.   

Nota: Puedes consultar en su facebook las fechas de su gira de presentación del nuevo disco entre las que te recomendamos el concierto que tendrá lugar el día 11 de abril de 2014 en la sala Zero de Tarragona dentro del fin de semana de soul organizado por Produccions Vórtex en el que está previsto que actúen también el dia 12 de abril Al Supersonic y los Teenagers en la Vaquería y Marina BBFace and The Beatroots el 13 de abril en el Cau. Tras los directos están previstas varias sesiones de Dj's de prestigio como The Primy's (Amposta / Tarragona), David Monoman (Gamblers Club, Tarragona) y Paula Obaya (Asturias), y Javi Frías (Teenagers, Madrid). Más información de los conciertos y las pinchadas aquí.   

The Limboos, excelente R&B con “sabrosura” para las noches del Bule Bule en la Zero de Tarragona

The Limboos. Foto: Magic Pop

Entre finales de los cuarenta y principios de los sesenta, el mambo fue tan popular en las pistas de baile, que hasta los combos de R&B se sintieron tremendamente  atraídos por las bandas de sonidos latinos y acabaron por incorporarlo a su, ya de por sí, rico lenguaje musical. Grupos y solistas conocidos como The Harptones, Huey Piano Smith, Ruth Brown o The Platters, y otros no tanto como The Crowns, New Yorkers Five, Candy Rivers & the Falcons o Nolan Strong & The Diablos grabaron temas que mezclaban las raíces del blues con las de Pérez Prado. Para conocer cómo sonaba esa fascinante combinación, nada mejor que el recopilatorio del Toro Records llamado genéricamente “Ai!sí!sí” del que puedes leer un excelente texto de Francho Angás aquí.

Por otra parte, no hay que olvidar que hasta finales de los cincuenta los músicos cubanos tenían una entrañable relación con otros instrumentistas de las islas cercanas, entre ellos los jamaicanos y, por supuesto, el ska. El calipso fue muy popular, incluso Compay Segundo grabó un álbum con ese estilo, por no mencionar que, como bien sabéis, los saxofonistas Roland Alphonse y Tommy McCook, o el mismísimo “padrino del Ska” Laurel Aitken nacieron en Cuba; o que el “Latin Goes Ska” de los Skatalites, es una versión instrumental del “Pachito e Che” con el que consiguió mucha fama Benny Moré.

The Limboos. Foto: Magic Pop

Pues bien ambas referencias históricas son esenciales para entender el proyecto de los Limboos, banda madrileña que actuó la noche del 7 de marzo de 2014 en la sala Zero, en las prestigiosas noches de fiesta y buena música organizadas por el club tarraconense Bule Bule. Una velada a base de R&B. mambo, y ska, mezclado con sabrosura y mucha actitud en la que pudimos oír temas propios que merecerían figurar en los mejores recopilatorios de la edad dorada del rhythm & blues y versiones interpretadas con una convicción que ponía los pelos de punta por un combo cuya destreza instrumental y pasión ejemplar, desde la voz principal a la impecable sección rítmica, encantaron al selecto público allí presente.

The Limboos se formaron a principios de 2013 con Daniela Kennedy (batería), Sergio Alarcón (teclado, guitarra), Marcos Mascato (bajo) y Roi Fontoira (voz, guitarra). Marcos y Roi forman parte de los Phantom Keys y Roi de los Allnight Workers. El proyecto lo empezaron Roi y Daniela, a los que pronto se unió Marcos y completó la formación Sergio. Juntos han dado forma a un repertorio muy original que viene a cubrir un espacio vital de mestizaje sonoro de música negra y latina con apasionantes aportaciones y un resultado final francamente enriquecedor.      



The Limboos. Foto: Magic Pop

Producidos por Mike Mariconda han grabado un sencillo editado por Penniman Records en el que se pueden oír los temas “Not a Soul Around” y “Space Mambo”. Entre sus próximos objetivos está el sacar otro single con la misma discográfica más un Lp para  la segunda mitad de este año, 2014. Sin duda, son una de las revelaciones de 2013 y lo seguirán siendo este 2014, año en el que les podrás seguir disfrutando en directo por numerosos escenarios del país así como dando sus primeros pasos a nivel internacional.

El concierto de los Limboos tuvo varios puntos álgidos convirtiendo la noche en una ceremonia de grandes momentos sublimes tanto a nivel instrumental como interpretativo. Su cantante principal y guitarrista consigue, con su peculiar voz, impregnar a las canciones de ese vital punto salvaje con vibrato propio de las leyendas del R&B mientras nos deleita con una sucesión de riffs mediante una ejecución convincente y golpes de efecto con los que logra que te hierva la sangre. La sección rítmica resulta poderosa gracias a un bajo metódico con arreglos ciertamente tan curiosos como atractivos y, sobre todo, una batería fascinante en manos de una escultural instrumentista de cuyas largas piernas, con los pies descalzos a modo de anécdota, y potentes brazos emergían una sucesión de ritmos, accelerandos y cambios verdaderamente magistrales. Redondea  tan suculento combo un guitarrista teclista, y  percusionista, cuyo papel a las seis cuerdas, con las maracas o con el Philicorda, resulta esencial para enriquecer las armonías y las secuencias temáticas de las canciones.

The Limboos. Foto: Magic Pop

La banda se mostró especialmente inspirada para interpretar sus propios temas como las canciones incluidas en su primer single: “Not a soul around”, gran R&B de melodía   contagiosa, y ritmo cautivador con detalles que recuerdan a los clásicos, combinados con original maestría; y, tras la genial "Call Me a Tramp", ese sensacional “Space mambo”, que repetirían en el bis, en la que su baterista demostró que, en directo, puede llegar a sonar incluso mucho más cautivadora que en el propio disco. Los Limboos también interpretaron otros temas que formarán parte de su próximo single como ese  nutritivo “Big Cheff” y finalizaron con una enérgica canción llamada “Keep Your Hands Off My Pockett” que estará incluida en su esperado primer Lp.

Durante el concierto rindieron homenajes, con material propio y adaptaciones, tanto a la música negra como la latina, al blues, al ska y al Mambo, a grandes como Laurel Aitken o Johnny Guitar Watson, con temas instrumentales y cantados, e incluso con brillantes  improvisaciones como la que dedicaron a su amigo y gran cantante de blues Ga To con el que habían compartido escenario recientemente en Barcelona.

The Limboos. Foto: Magic Pop

Ciertamente, fue todo un lujo el poderles disfrutar en directo en Tarragona gracias al buen criterio de este Bule Bule que, como ellos, ha nacido para ocupar un espacio musical muy necesario. Si bien el club convierte la noche tarraconense en algo mágico, los madrileños han nacido para engrandecer nuestra escena de rock and roll y a este paso, tan sumamente creativo, estamos convencidos que su música va expandirse a nivel internacional cosechando éxitos tanto a nivel de público como de crítica.

Cerraron la velada Dj Machete, responsable del Bule Bule, y Nacho Almunia, invitado de excepción, quienes hicieron gala de su excelente criterio musical combinándose a los mandos de la cabina de discos. Todo ello bajo el manto protector de aquellos grandes músicos de los cincuenta y sesenta que, como el mítico Mickey Baker,  contribuyeron con su enorme arte y estilo a que el rock and roll llegara a nuestros días  generando pasiones tan fascinantes como las que nos procuraron en la sala Zero estos geniales Limboos.