miércoles, 28 de junio de 2017

Muere la pianista de jazz, Geri Allen

Gery Allen
Geri Allen nació en Pontiac (Michigan) el 12 de junio de 1957 y falleció el 27 de junio de 2017 en Philadelphia (Pennsylvania) a consecuencia del cáncer. Considerada como una de las grandes pianistas del jazz contemporáneo, formó parte del colectivo musical "M-Base", y en 1994 ingresó en el cuarteto de Ornette Coleman siendo la primera pianista que Ornette contrató en más de treinta años. Profesora de música, ha trabajado con muchísimas estrellas de la escena jazzística mundial como Betty Carter, Ron Carter, Jack DeJohnette, Charles Lloyd, Dave Holland y Tony Williams, entre otros. Cuenta con una amplia discografía en Blue Note y Verve, de la que cabe destacar por su extraordinaria calidad, el álbum  "Maroons" (Blue Note, 1992).   

Se crió en Detroit, Michigan, donde empezó sus estudios. En 1979, obtuvo su licenciatura en estudios de jazz de la Universidad Howard en Washington, D.C. Estudió con el compositor Thomas Kerr, y los pianistas Raymond Jackson, John Malachi, Fred Irby, Arthur Dawkins y Komla Amoaku. Después de graduarse, se mudó a Nueva York, donde estudió con el pianista Kenny Barron. A partir de ahí, a instancias de Nathan Davis, asistió a la Universidad de Pittsburgh, para estudiar etnomusicología, regresando a Nueva York en 1982, donde comenzó a colaborar con Mary Wilson y The Supremes. 

Gery Allen
A mediados de los ochenta, Allen se convirtió en miembro fundador tanto de la Black Rock Coalition como del movimiento de Brooklyn, M-Base, un colectivo que incluía a los saxofonistas Steve Coleman, Greg Osby, Gary Thomas y la vocalista Cassandra Wilson entre otros. Allen tocó en varios de los álbumes de Coleman, como su debut “Motherland Pulse” (1985) aportando el tema  "The Glide Was in the Ride". También fue pianista de la banda más   asociada a M-Base con el funk de Steve Coleman y Five Elements. 

El álbum de debut de Allen salió en 1984 acompañada por The Printmakers, con Anthony Cox y Andrew Cyrille. Su primer álbum de piano en solitario, “Home Grown” salió en 1985, seguido de un álbum y una gira de conciertos con el gran proyecto de conjunto “Open on All Sides in the Middle” en el que también participaron la cantante Shahita Nurallah y el veterano bailarín Lloyd Story junto a Steve Coleman, Robin Eubanks y el percusionista Mino Cinelu. El bajista Jaribu Shahid y el baterista Tani Tabbal también se unieron a Allen para su última grabación para Minor Music, “Twylight” editada en 1989. 

En 1988, sacó “Etudes” en formato trío con Charlie Haden y Paul Motian. Hasta 1990 siguieron varias grabaciones en formato trío lanzadas en diferentes sellos. En 1992 sacó su gran disco “Maroons” al que siguieron otros como “Eyes... In The Back Of Your Head” (1997), “Some Aspects of Water” 81998) o “The Gatering” (1998). En la década de los dos mil sacó  “Timeless Portraits And Dreams”. En ese año, Allen compuso "For the Healing of the Nations", una suite de jazz para varias voces en honor a las víctimas y sus familiares, de los ataques del 11 de septiembre de 2001.   Los programadores del Jazz at Lincoln Center le encargaron la obra: "Sister Leola, An American Portrait". Su disco “Flying Toward the Sound” (2010) obtuvo una gran repercusión. Durante su carrera recibió numerosos premios y menciones como el "African-American Classical Music Award" del Spelman College, New Brunswick, Nueva Jersey.
 
Gery Allen
Fue profesora asociada de jazz y improvisación contemporánea en la Escuela de Teatro y Danza de Música, en la Universidad de Michigan. También impartió clases en Nueva York y la Universidad de Pittsburgh, como profesora asociada de Música para reemplazar a su ex profesor ya jubilado, Nathan Davis, como Directora del Programa de Estudios de Jazz en la universidad. En mayo de 2014, Allen recibió un Doctorado Honorario de Música en el Berklee College of Music. En la primavera de 2017, recorrió Europa como artista invitada con el pianista McCoy Tyner.

Documento sonoro:

Geri Allen y "Soul Eyes".


 Geri Allen en directo con su trio interpretando "Dark Prince".

 

lunes, 26 de junio de 2017

Los Deformes triunfan con su su Ep “Saturno 5” en una nueva aventura estéreo-galáctica de garage-surf.

Portada Rayos X 
El Saturno V fue un cohete con el que se lanzaron numerosas naves a finales de los sesenta y principios de los setenta. Hoy en día sigue siendo el más potente y largo de todos los que se  utilizaron con éxito en la carrera espacial.  Tras un intenso trabajo de diseño y pruebas, el 9 de noviembre de 1967 despegaba el primer Saturno V con el Apolo 4 sin tripulación a bordo. Fue el primero de un total de trece cohetes que la NASA mandó al espacio hasta el año 1973. Entre todos ellos, destacaría el Apolo 11 que llevó a los astronautas americanos a la Luna en 1969. En todos esos años, los Saturno V no tuvieron  ninguna pérdida de carga útil, aunque los Apolo 6 y Apolo 13 tuvieron problemas de motores.  Cincuenta años después de su primera misión, los Deformes de Alicante, protagonizan una nueva aventura estéreo-galáctica con un Ep titulado de forma genérica como “Saturno V” en el que tampoco hallarás ni un solo ápice prescindible. Contiene cuatro vibrantes temas de “garage-surf”  editados por Grabaciones Deformes, Surf Cookie Records, y El Garito de Wray, quienes han contribuido a lanzar al mercado discográfico a este potente cohete tripulado por una banda de grandes músicos, hábiles con sus respectivos instrumentos y originales en sus feroces como divertidas composiciones.

Trayectoria   

Los Deformes, Foto de su facebook 
Los Deformes son un grupo de garage-surf formado por el afamado productor artístico de nacionalidad italiana Francesco Minelli, afincado desde 2012 en Rafal, pequeño pueblo al sur de Alicante (España). En 2014 busca músicos para materializar su proyecto y graba una primera maqueta en 2015.  La banda está formada actualmente por Agente Reverb, guitarrista y voz principal; Rocket a la batería, voz y coros,  The Bird al teclado Farfisa y coros, y Thunderbass asl bajo, instrumento que anteriormente fue tocado por Mazón (2015-2016), Rubén (2016) y McDaniel Ludwig (2016).

Contraportada Rayos X 

Este Ep que te presentamos  fue grabado en los estudios Monophonic de Alicante producido por Bola en febrero de 2017.  Los temas son de Victor Baeza quien también ha grabado el bajo y la letra de la Mortaja es de The Bird. El artwork con esos cinco astronautas atrapados en una batalla campal en el espacio, corre a cargo del gran dibujante Rayos X. Ha sido editado por Grabaciones Deformes, Surf Cookie Records de Grecia, y El Garito de Wray, programa radiofónico de Rock´n´Roll presentado por Paul Fuzz y emitido en la Radio Vega Baja de Alicante.

Las canciones

Los Deformes. Foto de su facebook 
El disco empieza con “Saturno 5”, tema instrumental con aguerrida entrada tribal marcando el paso a esa fascinante guitarra más órgano. Adquirida la conveniente velocidad de crucero, emergen motivos “surfers” a dos voces instrumentales generando un magnifico corte de aires estratosféricos y mediterráneos dignos de los mejores combos del género.  Generosos fraseos de guitarra y teclado perfilan esta exquisitez que nos lleva hasta el siguiente corte, “El perrero”. Esta canción cierra la cara A con fabulosos parámetros de estilo “garajero”  mediante  guitarra y órgano descargando diversas ráfagas primitivas y salvajes, entre escalas musicales de vértigo; todo ello envuelto de secuencias rítmicas marcadas con el imprescindible ímpetu.  Cambian el tercio hacia el final ralentizando el tempo y dotando el tema de un sabor más lisérgico.

Los Deformes. Foto de su facebook 
Ya en la cara B nos ofrecen “La Mortaja”, único tema cantado. Menuda andanada de “garage punk” con el amor convertido en un veneno mortal que nos hace vibrar… “me estás matando poco a poco, pero me da igual”.  Riffs de guitarras y envolventes pedales de órgano convierten esta canción en altamente contagiosa.  No faltan algunos momentos instrumentales ideales para aquellos que siempre “quieren más”. Cierra el Ep, “El esqueleto”, otra canción descomunal de vuelta a los recorridos “instro”  aeroespaciales  a  base de fraseos guitarreros cautivadores y el sonido del órgano que te perforará los tímpanos para lograr que enloquezcas de pasión a ritmo de bajo y batería extraordinariamente bien compenetrados.   

Reflexión final:


Los Deformes. Foto de su facebook 
Las frases que preceden cada uno de los temas de este Ep pertenecen a “El Astronauta” film dirigido en 1970 por Javier Aguirre. La película se ubica en el pueblo de Minglanillas, donde un grupo de amigos observa, en la televisión de un bar, como el hombre llega a la Luna en 1969. Uno de los clientes, protagonizado por el gran Toni LeBlanc, afirma con seguridad y rotundidad, que ellos también podrían conseguir la misma hazaña con los pocos medios que cuentan.  A partir de aquí se desarrolla un hilarante relato de cómo construyen y lanzan su copia del Saturno V dando vida, mediante un elenco de cómicos actores de la época, a una parodia de los viajes al espacio desde un punto de vista muy español. Con el tiempo nos hemos ido enterando de detalles reales de la expedición norteamericana que no hubieran desentonado para nada en la españolada de Aguirre.  Por ejemplo,  la NASA encargó los trajes lunares a un grupo de señoras de Frederica, en el estado de Delaware, que cosían para la empresa de sujetadores, Playtex. Una de sus principales preocupaciones fue que las costureras no se dejaran una aguja suelta  en las capas de tejido y en cambio nadie pensó que quizá era importante que llevaban protección anti radiación.  

Anécdotas al margen, el “Saturno V” de los Deformes aúna los recursos propios del rock and roll instrumental de los cincuenta  y el garage americano de los sesenta, para dar vida a su propio cohete musical en el que no faltan los detalles imprescindibles para conseguir llevar a cabo con éxito misiones de gran calibre. Nos referimos a la imaginación, el buen humor, y la destreza interpretativa. Todas estas virtudes y muchas más las hallarás, sin problemas, en este nuevo Ep, otra obra maestra de nuestro escena estatal que, al poco que se promocione debidamente, estoy convencido de que conseguirá orbitar internacionalmente en este viaje interestelar por la historia del mejor rock and roll.      

Nota: Puedes escuchar las canciones y comprar el disco en el bandcamp o en discos Naranja y Negro.  

Fallece Jimmy Nalls, guitarrista de los Sea Level

Jimmy Nalls 
James Albert "Jimmy" Nalls nació el 31 de mayo de 1951 en Washington, D.C. y falleció el 22 de junio de 2017. Guitarrista y cantante, formó parte del grupo de southern rock Sea Level formado hacia 1976 tras la escisión de los Allman Brothers Band. También tocó con The Bodyworks Band y grabó un disco en solitario. Padecía Parkinson.

Sea Level es el nombre de una banda de Southern rock y funk jazz formada en 1976 y active hasta 1981. Inicialmente formaban parte de los Allman Brothers Band, pero tensiones entre miembros de la banda hizo que rompieran relaciones.  Cuando Gregg Allman y Dicky Betts se fueron, el resto evolucionó hacia Sea Level con el trio We Three compuesto por el bajista  Lamar Williams, el baterista Jaimoe y Chuck Leavell al piano, teclados y voz. El trio solía abrir para el grupo entre 1975 y 1976.  Cuando los Allmans se separaron en 1976, se les unió el guitarrista Jimmy Nalls, que estaba tocando con la banda de Alex Taylor, y crearon los Sea level con el juego de palabras del nombre de Chuck Leavell "C. Leavell". Empezaron a tocar y firmaron con Capricorn Records con lso que debutaron con un disco de título homónimo en 1977.

Sea  Level 
Tras ese primer disco la banda aumentó con Davis Causey (guitarra), George Weaver (bacteria) y Randall Bramblett (saxo, teclados y voz). Grabaron su segundo disco “Cats on the Coast” en 1978 que incluía su tema "That's Your Secret". Para su tercer disco “On the Edge”, Jaimoe y Weaver lo dejaron y entró Joe English. El sexteto de Bramblett, Causey, English, Leavell, Nalls y Williams grabaron un cuarto disco “Long Walk on a Short Pier” (1979), que no salió en los Estados Unidos hasta veinte años después. Con el percusionista Matt Greeley sacaron un quinto y último disco “Ball Room” para Arista en 1980.  En 1978 sacaron también un disco en directo con la versión de "Grand Larceny". 

Jimmy Nalls 
Leavell se convirtió en un músico de session muy codiciado tocando con Eric Clapton y con los Rolling Stones grabando con ellos de 1983 a 2016. En 1998 sacó su primer disco en solitario, un álbum navideño llamado “What's in That Bag?” al que siguiño otro llamado “Forever Blue” con versiones al piano de temas de los Sea Level como "Whole Lotta Colada" y "Song for Amy". También grabó “Southscape” (2005), un álbum de himnos de raíces sureñas.

Nalls fue también músico de sesión en Nashville y tocó con la Bodyworks Band grabando con Noel Paul Stookey un par de discos en los ochenta como “Wait'll You Hear This” (1982) y “State Of The Heart” (1985). También sacó un disco en solitario con el título de “Ain't No Stranger” (1999).

Documento sonoro: 

Sea Level en directo en el año 1977.  



jueves, 22 de junio de 2017

Fallece el acordeonista y cantante de cajun, Belton Richard

Belton Richard 
Belton Richard nació en Rayne, Louisiana el 5 de octubre de 1939 y falleció el 21 de junio de 2017. Acordeonista y cantante, empezó tocando rock and roll aunque pronto se decantó por el cajun con el grupo The Musical Aces. Grabó varios temas conocidos del estilo como  "Un Autre Soir Ennuyant" o "Cajun Streak, y aunque se retiró en 1987, volvería para grabar más discos y seguir actuando. Residía en Cankton y fue hospitalizado recientemente por una neumonía.

Aprendió a tocar el acordeón a los siete años y a los 12 empezó a tocar con Neg Halloway and the Rayne Playboys. Fundó The Musical Aces en 1959 en pleno estallido del rock and roll y el swamp pop. Está considerado el primer grupo de cajun que utilizaría el bajo. Durante su larga trayectoria sacó varios temas conocidos como "Un Autre Soir Ennuyant," basado en "Another Sleepless Night" de Jimmy Clanton, "Pardon Waltz," y  "Waltz of No Return" así como "Cajun Streak," inspirado en el tema “The Streak” de Ray Stevens Aunque se retiró en 1987, volvería a actuar y grabar desde los noventa. 

Le dedicaron los festivales “Acadiens et Créoles” de 1995 celebrafdos en Lafayette. Además entró a formar parte de la Cajun French Music Association's Hall of Fame en 1997, en su año inaugural. En 2003 fue incluido en la lista de leyendas del cajun y en 2004 premiado por la “Cajun French Music Association” como vocalista del año. Destacan sus discos "Good'n'Cajun" (1974), “I'm back” (1995) o “The Older The Wine, The Finer The Taste” (2003).

Documento sonoro:

"Un Autre Soir Ennuyant" de Belton Richard.






Wade Jackson recrea un código sonoro internacional de pop atemporal con el sublime Lp “Whiskey Alpha Delta Echo"

Portada
Gracias al sello You are The Cosmos vamos disfrutando de la obra de grandes músicos, más bien poco conocidos incluso en el ámbito minoritario, como puede ser Wade Jackson, multiinstrumentista, compositor y cantante de Sidney (Australia) quien, afortunadamente, viene a visitarnos este mes de julio de  2017 con sendas actuaciones en Madrid y Zaragoza. Dos esperados conciertos en los que Jackson interpretará principalmente las canciones de su disco “Whiskey Alpha Delta Echo" que el mencionado sello zaragozano editaba este 2017 en vinilo. Un álbum sensacional, de principio a fin,  pensado e interpretado para regocijo no solo de sus fans sino también de todos aquellos amantes del pop que aún creen en el milagroso remedio emocional que comporta la música tan bien hecha como la que te presentamos a continuación.  Sin tapujos que valgan, Wade Jackson nos ofrece once memorables creaciones propias en las que la melodía y ritmo, con voces e instrumentación magistral, perfilan un lenguaje tan sutilmente perfecto que se te antojará parte de un nuevo código fonético internacional como el que deletrea su nombre en el título de tan sublime trabajo discográfico.  

Trayectoria 

Wade Jackson
Wade Jackson nació en Wallacia, New South Wales, Australia. En 2013 graba su primer disco “Goodbye Rain, Hello Sunshine” (Narrima Records)  con once temas en los que pone ya de manifiesto su enorme capacidad para componer temas vitales, que invitan a ser tarareados, con melodías sensibles y arreglos que generan descargas luminosas de energía. Asociado con el gran productor Liam Judson (Belles Will Ring, Cloud Control) graba las canciones de su segundo álbum  “Whiskey Alpha Delta Echo" que edita en 2015 en Cd Half A Cow Records y en vinilo You Are The Cosmos en 2017. Ambos lo producen y William Bowden los masteriza. Fue grabado entre 2012 y 2015 en varios lugares como el Studio Ripple de Sydney, Winterbourne, Lawson, 3 Shades Green, Palacios, Texas, y The Timbre Yard, Tamarama Sydney. Colabora Lauren Crew cantando en “Tus Ojos Verdes” y Judson al bajo, más Dave D.K. Kelly y Ben Marriott de Broken Yellow en el artwork. Este año en curso también ha sacado su tercer álbum con el título genérico de “Crown & Cathedral” (Grow Yourself Up) que incluye  diez temas de nuevo con la ayuda en la mezcla de Liam Judson. Fue escrito y grabado en el invierno de 2016 en su ciudad natal. 

Las canciones 

En el estudio Ripple
El disco empieza con la sublime "Dark Mirror" y sus cristalians guitarras que acompañan a la fantástica voz principal recreando una melodía sugerente a ritmo preciso. Juegos armónicos de enorme belleza recuperan algunos parámetros del popsike de finales de los sesenta entre secuencias de new wave, más un etéreo solo de teclado. Le sigue  "Valentine's day", excelente corte que invita a la contemplación reflexiva en forma de balada sensual, a medio tempo, con arreglos enternecedores. No faltan excelentes detalles instrumentales  de guitarra y bajo, más percusión serena, incluido un solo de armónica, que confirman el trabajo minucioso de su autor.  A continuación disfrutamos de ese "Catch my eye", sensacional canción en la que se explaya con una concepción sonora que nos recuerda el powerpop de los setenta. Una maravilla de composición que sobresale por su impactante combinación de melodía y ritmo entre arpegios solemnes y ritmos persistentes, más un vibrante solo de guitarra.  Tras los compases finales, con ese obsesivo punteo que alargan el placer hasta lo indecible, nos anonada con  "Coming Back". Esta canción debería figurar en el recopilatorio definitivo del mejor pop poderoso de todos los tiempos; no en vano está incluida en la primer entrega del compilado que el mismo sello dedica a la guitarra de doce cuerdas como nexo de unión (+ info). Una canción exquisita que destaca por sus cuatro costados: melodía, armonía, rítmica y poder de convicción.      

Llegados a este punto, este disco se nos antoja ya como indispensable. Los siguientes temas nos lo confirmarán, más aún si cabe, porque no tienen desperdicio alguno.  Como esa maravilla de "Carolina"  en el que se reafirma su enorme sensibilidad para crear y sobre todo dar forma apetecible a canciones bonitas, de nuevo con algunos detalles estratosféricos de teclados. Le sucede la balada "Come on over", un tema que cierra la cara A  en un despliegue onírico sin parangón alguno en el que no faltan coros angelicales, voz maravillosa, y múltiples recursos sonoros que te estucarán de emoción la piel. Otro buen solo de guitarra completa tan suculenta composición.   

Con su banda
Ya en su cara B empezamos a disfrutar de lo lindo con "Back of my hand", otra exquisitez  genuina en la que su autor recrea la melodía con juegos vocales apasionantes entre momentos armónicos de powerpop introspectivo con secuencias de rasmia guitarrera.  Le sucede "Shooting Star", tema que acrecienta la intensidad rítmica para generar un movimiento circular que nos embelesa con punteos metódicos y acordes sutiles de guitarra más detalles ingrávidos de teclados entre aportaciones de bajo poderoso.  La armónica regresa como protagonista en el siguiente corte,  "If you change your mind", tema en el que los cambios de ritmo generan varias intensidades que te atraparán desde el primer compás.  El golpe insistente de bombo y bajo, más punteos de guitarra y detalles solistas de armónica ponen punto final a este tema y nos preparan para el siguiente. La penúltima canción, "Jesus I must be crazy", tiene un aire meditabundo, con momentos sonoros muy bien trenzados para generar en el oyente una ambientación ponderada que le absorberá. A destacar ese buen solo de bajo capaz de hacernos levitar ante tamaño despliegue de belleza.  Y para finalizar, un título en español, " Tus ojos verdes",  aunque el tema sigue cantado en inglés. Un capítulo final ciertamente extraordinario,  a base de guitarra acústica y armónica, más tajantes acordes de piano, que humedecerán tus ojos por su enorme carga de ternura. Se trata de la última de las maravillas compositivas de este álbum; un trabajo repleto de canciones con sensibilidad  a flor de piel bien orquestada y distribuida, con ejemplar brillantez, para despertar los sentidos.  

Reflexión final 

Wade Jackson
Wade Jackson  tiene una indudable capacidad innata para dar vida, de forma tan sensible  como convincente, a un amplio abanico de conceptos melódicos que podemos englobar dentro del pop atemporal. Estamos convencidos de que cuando halla el registro más adecuado para expresar sus sentimientos, en cualquiera de los temas de sus discos, no se conforma con repetir los parámetros, por muy deslumbrantes que éstos resulten, sino que se obceca en la búsqueda de  otras posibilidades para su siguiente trabajo con el propósito de evolucionar de forma coherente.  Y de ahí surge, probablemente, el sustancioso cambio  que el atento oyente notará entre este disco que te recomendamos, bajo el título de “Whiskey Alpha Delta Echo", editado en vinilo en 2017 por una de nuestras discográficas favoritas, You are The Cosmos de Zaragoza;  y su siguiente álbum, del mismo año, el estratosférico “Crown & Cathedral” en el que toman peso los sintetizadores, en lugar de las guitarras y el piano. Una diferencia sustancial que afecta también al concepto pero que no comporta, en absoluto, la pérdida de sensualidad, ni tampoco provoca que los arreglos nos resulten menos apasionantes. Wade Jackson domina a la perfección un espacio compositivo propio, abierto a múltiples y generosas posibilidades dispuestas con esmero y profesionalidad para regocijo de melómanos y, en especial, para disfrute de adictos a las canciones como principal medio comunicativo y emocional. Para ello, diseña momentos sonoros que logran embelesarnos gracias a esos detalles tan minuciosos que caracterizan su conmovedora concepción luminosa y sensual del pop.  

Nota: Wade Jackson nos visita este mes de julio de 2017. Actuará el  5 de julio en la Lata de Bombillas (Zaragoza) y el 6 de julio en el Sol de Madrid donde, además, antes y después del concierto, escucharemos en exclusiva las canciones incluidas en “Twelve String High Vol. 2”, segunda entrega del recopilatorio de You are the cosmos cuya salida está prevista para septiembre. (+ info). Puedes escuchar las canciones del disco aquí y adquirir una copia en vinilo en el web del sello You Are The Cosmos

miércoles, 21 de junio de 2017

Muere el rapero Prodigy

Prodigy
Albert Johnson, más conocido por el nombre artístico de Prodigy, nació en Hempstead, Nueva York, el 2 de noviembre de 1974 y falleció el 20 de junio de 2017 en las Vegas.  Formó parte del dúo de hip hop Mobb Deep con Havoc aka Kejuan Muchita.  Según explicó su representante, fue hospitalizado tras un concierto en Las Vegas a raíz de las complicaciones causadas por la anemia falciforme que padecía desde su nacimiento.  

Se crió en el seno de una familia de músicos. Su  abuelo, Budd Johnson, y su tío abuelo Keg Johnson son recordados por sus contribuciones al Bebop.  Su madre  Fatima Frances (Collins) Johnson (d. 2016), formó parte de The Crystals y su padre, Budd Johnson Jr, fue miembro de la banda de doo wop, The Chanters.  Formaro el dúo en la escula primero con el nombre de Poetical Prophets antes de convertirse en The Infamous Mobb Deep.  

En los años noventa fueron muy destacados dentro de  la escena hardcore y gangsta del rap de la costa este estadounidense. Entre sus discos destacan álbumes como “The Infamous” (1995) y “Hell on Earth” (1996) así como canciones como “Shook Ones, Pt. II”.  Prodigy también tuvo una carrera en solitario que empezó con el disco “H.N.I.C.”  de 2000. Su más reciente disco “The Hegelian Dialectic – The Book of Revelation” salió el pasado mes de enero de 2017. Johnson publicó en 2001 su autobiografia, “My Infamous Life: The Autobiography of Mobb Deep’s Prodigy”.  

En 2013, Prodigy sacó su segunda colaboración con The Alchemist  titulada “Albert Einstein”. En abril de  2014, Mobb Deep sacó “The Infamous Mobb Deep” su octavo disco de estudio  y en agosto de 2016, un Ep con cinco cortes con BitTorrent.  También cumplió condena por posesión de armas y estuvo tres años en prisión  de 2008 a 2011.

Documento sonoro: 

“Shook Ones, Pt. II”.



lunes, 19 de junio de 2017

“Monta & Roll” a cargo de The Benturas con magníficas guitarras y percusión de combate más genial artwork

Portada
En los años sesenta, la empresa SERJAN (Joan y Roser)  sacaba al mercado una serie de juguetes en miniatura, soldados y demás parafernalia militar, dentro de los populares sobres con sorpresa, destinados al público infantil español, con el nombre genérico de Monta-plex. En los setenta aumentaron su catálogo bajo la empresa ESJUSA (Española de Juguetes sociedad anónima) y en los ochenta crearon los Monta-man, donde en lugar de soldaditos aparece una figura grande con accesorios  dependiendo de la temática, ya fuese guerrero, bombero, pistolero….  Las extremidades del muñeco y sus accesorios tenían que ser montadas por el usuario. La serie constó de 56 sobres a 25 pesetas cada uno. Décadas después de que ese producto hiciera las delicias de los niños, algunos de los cuales siguen su estela como coleccionistas, surge un divertido proyecto musical llamado The Benturas que presenta  su primer álbum de rock and roll, en formato Cd dentro en un sobre  al modo de tan legendario divertimento infantil, materializado y dibujado por el no menos genial Mik Baro. Tan original entrega lleva por título genérico de “Monta & Roll” y contiene 13 temas a cargo de este sensacional  combo de “Guitarras y percusión de Combate”.

Trayectoria 

The Benturas. Foto de su facebook 
The Benturas son Dani Gómez al bajo, Sergio Beltrán a la batería, y Jorge Bentura a la guitarra y voz.  La banda surge en 2014 y sus componentes proceden  de formaciones como Gansos Rosas, Armando y el Expreso de Bohemia, Algunos Hombres Buenos, Madre…  Auteditan su primer EP en mayo de 2015, con título homónimo, producido por Francisco Meneses (Fuckaine) en Estudio Brazil y Manufacturas Sonoras. Contiene  seis temas entre los que destaca “Mina de Oro” seleccionado para la banda sonora del documental sobre los primeros surfistas españoles  “La Primera Ola” (2015) de Pedro Temboury.  

Todos los temas de “Monta & Roll” son originales de Jorge Bentura excepto el “Gato Montés”, popular pasodoble de Manuel Penella. Fueron grabados, mezclados y masterizados por Miguel Herrero en el estudio ACME (Avilés) entre el 9 y el 12 de agosto de 2016.  El artwork es de Mik Baro y destaca tanto por sus divertidos dibujos como por su presentación con el Cd dentro de un sobre similar al utilizado por los originales Monta-Plex o Monta-Man, con soldaditos incluidos.    

Las canciones 

Detalle del artwork. Mik Baro 
El disco arranca con esa misteriosa “Bad Girl” en penetrante reverb, con una magnífica conjunción de guitarras crepitando con enorme estilo, voz de rock and roll con aires 50’s y una sección rítmica extraordinaria. La melodía viene envuelta en una sucesión de fraseos muy bien hilvanados, solo rocker incluido,  marca de la casa. Le sigue “La Verdad”, también en inglés, con entrada tribal de batería más persistente bajo, sobre los que la guitarra juega con efectos estratosféricos. El tema deriva a un rockabilly exquisito con voz grave y swing por los cuatro costados. En “Nada Que Olvidar”, una sucesión de acordes y ritmos con vocación siniestra se van compenetrando para dar forma a este rock con tintes blues que mezcla el inglés con el español  “para cambiar tu pasado sin demasiado que olvidar y perdonar tus pecados sin demasiado que ocultar”. Le añaden unos punteos de banjo que procuran un aire fresco de folk western.   No falta un afilado solo de hard rock a cargo de la guitarra sobre una descarga de marcado fuzz con sutil momento de acústica final.  

The Benturas. Foto de su facebook 
A continuación nos ofrecen “Would You Get the Fuck Out“, una canción sublime con entrada de batería deslumbrante y cascadas de guitarra más bajo que invitan al baile en este extraordinario cowpunk interpretado a varias voces, creciendo compás a compás con recursos instrumentales generosos y profusos.  A destacar los numerosos momentos solistas a cargo de la guitarra entre originales segundas voces que complementan la melodía con tremenda fuerza.  

Con “Crazy”, los Benturas se tornan más calmados dando forma a una fascinante balada de amor, con marcado ritmo, pulsaciones cariñosas, y golpes de bajo al compás del corazón, acompañando a la gran voz principal que se explaya con soltura en el registro grave.  Una canción tierna no exenta de un aire inquietante que la convierte en especialmente atractiva,  con emocionante momento de guitarra, distorsiones y efectos ácidos nada desdeñables que nos llevan hasta su enigmático final.  La versión de “El Gato Montés” es ciertamente sensacional.  La conocida melodía de este pasodoble de manual, incluido en la ópera del mismo nombre de 1917 del maestro Penella, muta en un rock and roll instrumental en el que el trío da muestras de su enorme destreza e imaginación.    

Detalle del artwork. Mik Baro
“Just a Man”, siguiente corte,  recoge andanadas de guitarra y percusión persistente dando forma a un tema lisérgico que avanza con seguridad dando vida a una ambientación sonora que se compenetra con la voz principal para dar forma a un rock and blues que crece con una vitalidad deslumbrante.  Mientras el ritmo no cesa en su tajante concepción del tempo, el resto aportan genialidades diversas, incluidas secuencias primitivas y salvajes, que te dejarán anonadado.    “3´20´” es el  título de la siguiente canción. Es el tiempo justo que dura el tema. Se trata de un corte con aires folk y country swing  interpretado en español. Canción de recuerdos y desamor, con pasión que logra “contagiarnos el temblor”. Añaden un bonito solo de guitarra jazz manouche, otro matiz con el que logran reinventarse tema tras tema como reza la canción.     

The Benturas. Foto de su facebook 
Con “Mentiras”, de nuevo en inglés, regresan a su vertiente más rockera con batería y guitarras poderosas en un tema que oscila entre el hard rock setentero y el rock and roll años cincuenta mediante un entendimiento de detalles instro, aguerrido solo de guitarra y voz envolvente.  “Por Ti” arranca con despliegue de recursos “garajeros”, de nuevo en castellano: “las cosas cambian, las personas no” nos cuentan. Un tema para no parar de pensar en la persona que un día amamos. Suculenta búsqueda de tonalidades instrumentales, con toques precisos que vienen y van gracias a una precisión verdaderamente profesional.  “This Kind Of Love” recupera el inglés y la faceta más bluesera con un lamento de órdago generando una emoción inconmensurable por los cuatro costados. Una canción que se apoderará de tu mente con su sencillez estremecedora pero también gracias a esa ráfaga final de distorsión, más un solo enloquecido de guitarra, con la que el tema adquiere una acidez corrosiva sin igual.  

Entramos de este modo en la parte final de tan exquisito  y variado disco con una auténtica traca de virtudes “instro” a base de otras tantas canciones enormes como “Story of a Man” en la que nos acongojan  mediante ritmos de aires desérticos y voces de convicción rutera entre acordes descolgándose como rayos de sol, recitados pasionales más solos de auténtico western.  Ubicados convenientemente en el lejano oeste de nuestras almas, nos ofrecen otro exquisito instrumental con el título de “Flamingo´s Curse” con el que inciden en el uso equilibrado de melodía y tempo, para cerrar tan descomunal trabajo  con un divertido tema, a modo de final de fiesta, con gráciles guitarras y precisos tempos, titulado “Corre Pollo, Corre”… pues eso,  corre “amiguito” corre, a comprar tan suculento disco porque estoy totalmente convencido de que va a encantarte de principio a fin.   

Reflexión final

The Benturas. Foto de su facebook 
No sé a ti, pero a mi siguen emocionándome trabajos tan bien pensados, originales y enriquecedores como este disco de los Benturas.  Sin lugar a dudas la presentación es muy divertida, con esos sobres que,  a más de uno, le van a recordarle su más tierna infancia, así como con los magníficos dibujos el maestro Mik. Pero hay mucho más en tan cautivador proyecto porque este trío madrileño firma trece magníficas canciones de rock and roll en el que mezclan múltiples estilos con una imaginación desbordante, tanto en inglés como en español, versión incluida. Pocas veces me he topado con bandas tan sugerentes en el nada fácil empeño de fusionar géneros que si bien están emparentados por sus raíces, tienen una seña de identidad tan fuerte que no se dejan moldear así como así. Para ello se necesitan músicos tan hábiles como estos Benturas, que no solo quieren sino también saben, con creces, arriesgarse más allá de lo previsible. Y vaya si lo consiguen. Sin peros que me valgan, han conseguido un sensacional  “Monta & Roll”, todo un objeto de culto para actuales amantes del rock and roll y de paso, pieza codiciada para coleccionistas del futuro.        

Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp donde también podrás adquirir una copia del disco con su original artwork. 

  

domingo, 18 de junio de 2017

Fallece el cantante y compositor de soul, Sonny Knight

Sonny Knight
El cantante y compositor de soul Sonny “Bozzie” Knight, falleció el 17 de junio de 2017 en el Abbott Northwestern Hospital de Minneapolis a consecuencia del cáncer que padecía a los 69 años de edad.  Nativo de Jackson, Mississippi, Knight se mudó a St. Paul cuando tenía 7 años.  Grabó su primer sencillo, "Tears on My Pillow", en 1965 con The Cymbals en un estudio de Minneapolis siendo un adolescente.  No consiguió seguir en su carrera como músico, y se alistó  en el ejército y sirvió en Corea y Vietnam. Cuando regresó a los Estados Unidos, Knight encontró un trabajo de conductor de camiones. En los setenta se unió a la banda de funk Haze y después cantó con miembros del grupo de R&B Valdons.  En la década de lso dos mil consiguió la repercusión que merecía acompañado de la banda de R&B y soul, The Lakers, grabando un par de discos de estudio y un directo.   

E
Sonny Knight 
n 2012, el sello  Secret Stash fundado por Eric Foss editó el recopilatorio “Twin Cities Funk and Soul: Lost R&B Grooves from Minneapolis/St. Paul 1964-1979”.
El single de Knight no estaba ahí pero terminó incorporándose al repertorio de la banda que promovió el disco con la banda los Lakers.
Sonny Knight y los Lakers pasaron cuatro años juntos y grabaron un single en 2013 con “Hey Girl / Sugar Man” más un par de álbumes “I'm Still Here” (2014) y “Sooner Or Later” (2016) más un disco en vivo “Do it Live” (2915) con un clásico sonido soul de los sesenta actuando por los Estados Unidos y Europa.  Le acompañaron Casey O'Brien al bajo, Eric Foss a la batería, Blair Krivenek a la guitarra,  Sam Harvey-Carlson  al piano, más el saxofonista Cole Pulice, el trombonista Tony Beaderstadt  y el trompetista Bryan "Lumpy" Highill.

Documento sonoro: 

Sonny Knight y los Lakers en directo con "Juicy Lucy".





   

Muere la cantante y compositora Sheila Raye Charles

Sheila Raye Charles 
Sheila Raye Charles, nacida Sheila Jean Robinson, en Cambridge, Ohio, en septiembre de 1963, falleció el 15 de junio de 2017 a consecuencia del cáncer. Cantante y compositora estadounidense, era hija de Ray Charles y Sandra Jean Betts.  Durante su vida tuvo numerosos problemas, padeciño abusos en la infancia,  fue adicta a las drogas, estuvo en prisión varias veces, perdió la custodia de sus hijos, y no fue hasta mediados de la década de los dos mil que edito sus primeros discos.   

Sheila es uno de los 12 hijos de Ray Charles. Fue criada en Cambridge, Ohio, por su madre y no conoció a su padre hasta los 14 años de edad. Sheila sufrió abuso sexual durante su infancia y como resultado pasó muchos años con una grave crisis de identidad. A los 13 años, se mudó a Los Ángeles para vivir con su tío Jerry con el propósito de establecer una relación con su padre.

Ray su hija Sheila 
Al año, Sheila regresó con su madre a Ohio y después huyó a Carolina del Norte. Cuando tenía 16 años, tuvo un accidente automovilístico que le produjo lesiones de las que tardó años en recuperarse. Regresó a Los Ángeles, esta vez con su madre y su hermano Kevin. Allí intentó lanzar una carrera musical y tuvo la oportunidad de grabar en el estudio de Ray bajo su supervisión. Sheila viajó con el grupo de R&B  DeBarge y en Minneapolis  grabó en los estudios Paisley Park, de Prince. Desafortunadamente, Sheila no grabó  nada que interesara las discográficas comerciales de R&B  y se dedicó a la composición colaborando con varios músicos y productores. En 1990, Sheila fue elegida Nueva Artista del Año en los premios Minnesota Black Music y siguió recibiendo consejos de su padre durante su carrera musical.


Sheila Raye Charles 
Durante años tuvo problemas con el consumo de estupefacientes. Era adicta al crack y terminó en la prisión federal tres veces. Mientras estuvo encarcelada, leyó la Biblia y se convirtió en una gran creyente.  Perdió la custodia de sus cinco hijos, de cuatro hombres, por consumo de droga, aunque luego se reconcilió con su hija mayor. Su madre falleció cuando Sheila tenía 36 años y su padre, Ray Charles falleció en 2004. En 2005 debutó con un disco llamado “Introducing Sheila Raye Charles”, dedicado al a memoria de su padre. En 2009 grabó otro álbum llamado “Behind the Shades”, título  del libro autobiográfico. Aparte de R&B, cantó para la iglesia y jazz. 

Documento sonoro: 

Sheila homenajeando su padre Ray Charles


jueves, 15 de junio de 2017

Autos Detroit celebra la condición de “Second Best”, un álbum de grandes canciones con impronta emocional y musical

Portada 
Los 1000 km de Nürburgring es una carrera de resistencia celebrada desde el año 1953. en el autódromo ubicado alrededor del pueblo de Nürburg, estado de Rheinland-Pfalz, Alemania, La foto de la portada del segundo disco de los barceloneses Autos Detroit corresponde a la edición celebrada el 31 de mayo de 1970. El piloto suizo Jo Siffert, conduciendo su  Porsche 908/03 con el número 20, levanta el puño y probablemente lanza unos cuantos improperios al piloto del Ferrari 512 S,  Ignazio Giunti, con el número 57.  Ninguno de los dos acabó la carrera. Abandonaron por problemas técnicos. Al año siguiente, ambos fallecieron en sendos accidentes corriendo en competiciones. Giunti en enero, en Buenos Aires, Argentina, y Siffert, en octubre en Kent, Inglaterra. Por cierto, en esa de carrera de Nürburgring ganó Porsche con el piloto inglés Vic Elford  y al alemán Kurt Ahrens Jr. Ambos viven. Si no eres un apasionado de las competiciones de coches, puede que no sepas nada de toda esta historia, del mismo modo que tampoco recuerdes que, en esos años, los Ferrari  eran los “Second Best” de casi todas la competiciones por detrás de los Porsche. Y precisamente ese es el título escogido por este magnífico cuarteto de Barcelona, de powerpop y mucho más, para titular de forma genérica su segundo trabajo autoeditado.  Más allá de si los coches y las carreras sean o no fuente directa de inspiración para el grupo, el título genérico de este sensacional disco que te presentamos obedece a otros motivos más implícitos que te explicamos a continuación.

Trayectoria 

Autos Detroit. Foto del bandcamp
Autos Detroit son un cuarteto de Barcelona formado en el 2009. Ellos son Pedro Pasamontes, principal compositor, guitarra y voz solista; Lluís Molina, guitarra y voz solista; Jordi Delgado, bajo y coros; César Hernández a la batería y coros. Antes habían formado parte de bandas como Barbara Stann, Crápulas o Poble Sex.  En 2014 sacaron un disco llamado “Startup Completed”, producido por Santi García, en los estudios Ultramarinos, con ilustraciones de Oriol Roca. “Second Best” es su segundo disco y se grabó en abril de 2016 en los mencionados estudios con producción de Santi García más la banda, y masterizado por Victor García.  Contaron con la colaboración de Sergi Porter a los teclados y Mireia Sanjuan cantando en “Goodbye”.  Del diseño se ha encargado César Hernández, quien es el responsable de todos los carteles de la banda. 


Las canciones 


El Cd se abre con “Step On”, canción de fina y sensible entrada sobre la que emerge la gran voz principal franqueada por secuencias rítmicas marcadas y solventes pedales de órgano. Descubrimos ya a una banda muy bien compenetrada con momentos instrumentales bien definidos por parte de todos y cada uno de los protagonistas, incluido un bonito solo de eléctrica, y recursos de pop poderoso de enorme originalidad. Le sigue “Just Before You Go”, otra maravilla de tema qwue va creciendo con animadas aportaciones de guitarras luminosas, sensible voz arropada por coros, y una sección rítmica impecable. Resulta ciertamente memorable cada una de las partes instrumentales, más ese genial solo de guitarra,  que alargan los temas con secuencias envolventes conmovedoras. Canciones que sorprenden por sus arreglos nada previsibles, altamente creativos y poco comunes entre la gran mayoría de proyectos de powerpop actuales.   

Detalle del digipack
A continuación nos ofrecen “All I Know” con momentos de folk pop cautivadores, de enorme sensibilidad, en el que guitarra, bajo, percusión, y teclados arropan a una voz principal que estalla en ese sensacional estribillo apasionado. No falta otra exhibición de  guitarra solista que completa esta maravilla de canción. Con “Sunny Day”, explotan su vertiente más popsike con marcado paso, jugando con los recursos sicodélicos que embellecen la melodía de forma magistral mientras que la voz ruge de forma oscura entre coros angelicales. Otro gran solo de eléctrica, marca de la casa, completa el corte. Llegamos a “Deception” donde aportan momentos garajeros consistentes mediante riffs de guitarra y órgano, más voz abrasiva. Otro de los palos que tocan con excelentes resultados en este variado álbum que aglutina un amplio abanico de estilos de raices sixties. Sonidos siempre sorprendentes como los que escuchamos en “Moonglow”, siguiente corte  con marcada entrada de batería a la que se añaden acordes que se descuelgan como olas llegando a la orilla dando forma a una balada emocionante en la que la voz principal transmite coraje para despertar los sentimientos envuelta en coros, sutiles riff de bajo y arpegios de guitarra que ponen los pelos de punta.      


Siguen con “Lonesome” y una descarga de guitarras que dan por superado el meridiano del disco con excelente nota. Un tema rápido cargado de sensualidad aguerrida de powerpop de la mejor escuela con fascinante melodía, cambios de ritmo, riffs trenzados con vitalidad, y una voz principal completando una exquisita muestra de su poderío, más otro momento instrumental que amplía los recursos creando un microcosmos de sensualidad a flor de piel.   Con “Believe Me”, la banda se torna un pelín más americana bebiendo de varias referencias que van del pop al country con serenidad “angelina” dando forma a otra maravilla de composición con la que logran emocionarnos hasta lo indecible. Generosos recursos vocales, se combinan con momentos sonoros de auténtico lujo a cargo de todos y cada uno de sus componentes. A destacar el persistente bajo o la batería impecable más una guitarra y voz principal imaginativas a modo de señas de identidad que se refuerzan aún más si cabe en canciones como la siguiente, “Precious Maureen”. Aquí, los Autos Detroit se tornan más lisérgicos con una introducción de órdago a la que suceden unos fascinantes arreglos a medio tempo donde se trenzan fraseos s conmovedores con el propósito logrado de diseñar una pasional canción de ensueño que va creciendo, compás a compás, al tiempo que imaginamos la situación emocional de su protagonista.  Completa el planteamiento genérico de acidez setentera una guitarra solista más un órgano inspiradísimos y medidos con presteza por una sección rítmica inmejorable.      
     
En el IPO en 2015. Foto de su facebook  
Con “The Shine Of Your Soul” la banda despliega su encanto pop con aportaciones de guitarra, batería, bajo y voz principal, con toda de la serenidad de la esa auténtica belleza que se acerca a la perfección, entre coros de ensueño, dando forma a otro tema que no deja de sorprendernos en sus sucesivos cambios armónicos y algunos detalles “psych” que redimensionan la canción hasta una órbita inconmensurable. Le sucede “All Will Be Fine”, otro ejemplo de destreza que les permite compaginar, sin fisuras, melodías cautivadoras con riffs imprevisibles, geniales juegos vocales más  momentos solistas muy bien trabajados generando una combinación de excelencias sin nada que envidiar a los más grandes.        
   
Ya en la parte final del disco, disfrutamos una vez más de su pericia creativa con “Brother & Sister”, ejemplo de la versatilidad de estos grandes músicos que han dado forma a un álbum muy completo, en el que no solo demuestran su pericia instrumental sino que incluso sus arranques más salvajes, como es el caso, resultan especialmente únicos y muy bien compenetrados. Acaba el disco con “Goodbye”, un final apoteósico de guitarra repicando en el espacio, voces que se convierten en plegarias sentimentales con dos magníficos solistas, más el añadido indispensable de los celestiales coros. Un tema que va creciendo a paso firme y adquiere una fuerza descomunal rompiendo esquemas para desvanecerse en la inmensidad del silencio. Un título que esperemos no lleve implícita una despedida formal sino que tan solo sea un adiós momentáneo al dar por terminado esta auténtica obra maestra que ha logrado emocionarnos en sobremanera.     

Reflexión final:

Con Santi García en el centro, Foto de su facebook 
Comentaba al principio de esta reseña que el título de “Second Best” no tenía por qué referirse estrictamente a la lucha por los primeros puestos en las carreras de coches, ni tan solo de las míticas confrontaciones de los años setenta, sino más bien responde a otra necesidad vital: el elogio del “amateurismo”, esa condición magistral de "segunda fila" adquirida por obligación o por devoción, que si resulta tan bien hecha como es el caso, siempre acaba por despertar el entusiasmo del oyente hasta lugares insospechados. En la banda que nos ocupa, es destacable la constancia con la que siguen adelante autoeditándose sus propios trabajos, el primero gracias al micro mecenazgo y éste segundo, completamente en solitario. Tras oír su música o presenciar algunos de sus directos, a nadie se le escapa que Autos Detroit atesoran canciones más que suficientes para recomendar su fichaje. Como prueba, dos inmensos trabajos  que merecen ser convenientemente lanzados al mercado por alguna de nuestros mejores sellos, ya sea a nivel estatal como internacional. Pero la realidad es muy distinta.  De ahí, el nombre genérico de este disco, un "Second Best" para reivindicar un segundo plano en el que también figuran algunos de los mejores proyectos que conozco y que no son, en absoluto, “segundones” sino que, lamentablemente, no han encontrado la escudería propicia que se atreva a competir con ellos. Pese a todo, ahí están y piensan seguir, con dos álbumes grabados en un inmejorable sonido, a cuál más vibrante, ambos repletos de ideas brillantes, con melodías perfectas envueltas de arreglos divertidos, emocionantes, situándose con maestría entre lo mejor del powerpop con matices de psicodelia, R&B o “garage”.  Una amalgama de estilos muy bien interpretados a cargo de una banda cuya creatividad y constancia les distingue como una de las más fructíferas y creativas así como venerables de nuestra escena.      

Nota: Puedes escuchar las canciones y adquirir una copia de este disco en el bandcamp

martes, 13 de junio de 2017

Fallece la cantautora y folklorista Rosalie Sorrels

Rosalie Sorrels 
Rosalie Stringfellow más conocida como Rosalie Sorrels con el apellido de casada, nació el 24 de junio de 1933 en Boise, Idaho y falleció el 11 de junio de 2017. Eminente folklorista, cantante y compositora de folk  inició su carrera recopilando canciones tradicionales a finales de los cincuenta. A mediados de los sesenta, rompió su relación conyugal y viajó con sus cinco hijos tocando por festivales y clubes de los Estados Unidos para mantener a su familia. Su larga trayectoria abarca seis décadas pasando por la generación Beat, la canción protesta, la enseñanza, la colección de canciones folk, y una larga lista de grabaciones. Su primer concierto importante fue en el Newport Folk Festival en 1966. Grabó más de 25 álbumes y escribió libros, fue protagonista en numerosos tratados musicales  y le concedieron varios premios más un doctorado honorífico en Bellas Artes por la Universidad de Idaho. A lo largo de su carrera, cantó y grabó con otros destacados músicos de folk como  Utah Phillips , Mitch Greenhill , Dave Van Ronk , Peggy Seeger y Pete Seeger.

Rosalie 
Durante la escuela secundaria Rosalie participó en varias actividades teatrales al tiempo que actuó y cantó en muchas obras, siendo destacada por sus actuaciones en los medios de comunicación locales. Fue durante ese período de juventud que Rosalie quedó embarazada y abortó. Esa experiencia tuvo un profundo efecto sobre ella, apareciendo en la poesía y las canciones posteriores. Ganó una beca para la universidad de Idaho, pero padeció una violación y quedó de nuevo embarazada. Fue a un hogar para madres solteras en California para esperar el nacimiento de su hija que fue dada en adopción. Una vez más, la experiencia se muestra en sus escritos y música. Rosalie no fue a la universidad como estaba planeado, pero volvió a Boise donde, afortunadamente,  contó con el apoyo de su familia. 

Rosalie 
Jim Sorrels y Rosalie Stringfellow se conocieron mientras actuaban en el teatro en Boise, Idaho. Jim trabajaba para la compañía telefónica y tenía siete años más que Rosalie. Los dos se casaron en 1952 y su trabajo los llevó a Salt Lake City, donde abrieron su casa a actores, músicos y poetas que vivían o visitaban la zona. Durante el matrimonio, tuvieron cinco hijos.  Ambos amaban el jazz y Rosalie bromeaba que Jim se casó con ella para tener acceso a su colección de discos. Con el tiempo, creció su interés por la música folklórica y comenzó a estudiar en la Universidad de Utah con el famoso folklorista Wayland Hand . Aprendió a acompañarse con la guitarra durante este período y asistió a reuniones y seminarios de la sociedad folclórica.

Rosalie Sorrels 
En 1963 Rosalie comenzó una relación de cuatro décadas con Manny Greenhill y Folklore Productions .  Se presentó con el hijo de Manny, Mitch en el Newport Folk Festival de 1966 y sacó su primer álbum en 1964 para Folk-Legacy Records titulado “If I Could Be the Rain”. Sorrels mantuvo a sus cinco hijos y una actividad musical a lo largo de los años setenta, ochenta y noventa, a menudo viajando sola o con un amigo cercano y cantante, Utah Phillips. A mediados de la primera década del nuevo siglo, su salud se vio afectada y al final de la década, se retiró en su hogar en Idaho, manteniendo una leve presencia en la vida cultural de su ámbito local. 

La Comisión de Idaho sobre las Artes pidió a Sorrels que viajara por Idaho para recoger la historia popular de su gente. Las canciones y las historias surgieron de cientos de personas que se reunieron con Sorrels en una serie de 30 conciertos. El libro “Way Out in Idaho” incluye contribuciones de alrededor de 200 personas con poemas, historias , recetas , entrevistas , fotografías históricas y retratos fotográficos. Fue nominada al Grammy en 2004 por "Strangers In Another Country" y "My Last Go 'Round" en la categoría de mejor álbum de folk tradicional.

Documento sonoro: 

"Rock Salt and Nails" a cargo de Rosalie Sorrels