jueves, 29 de diciembre de 2016

Muere el cantautor y promotor gallego, Bibiano

Bibiano
Bibiano Adonis Morón Giménez nació en Santiago de Compostela  el 21 de diciembre de 1950 y fallecía en Vigo el 28 de diciembre de 2016 por causas naturales. Cantautor y promotor de conciertos,  fue todo un referente de la canción folk de protesta de Galicia de los años setenta donde formó parte del  colectivo Voces Ceibes. A mediados de la década debutó en solitario grabando unos cuantos discos esenciales como “Estamos chegando o mar”, producido por Alain Milhaud.  Por otra parte fue promotor de conciertos y figura clave de la escena gallega desde los ochenta.  

En el año 1972 colabora en el disco  “Cerca de Mañana” (Gravacion Universal, 1972), un recopilatorio de canciones de cantautores vascos, gallegos y catalanes.  Ingresa en el partido comunista , actúa por numerosos países de Europa, y a a partir de 1974 protagoniza actuaciones  memorables con el también cantautor Benedicto  García Villar entre las que destacan la del 2 de marzo de 1975, día que se da a conocer el manifiesto “Movemento Popular da Canción Galega” y la del 25 de junio de 1976 como homenaje a Santiago Álvarez, líder comunista preso en el penal de Carabanchel.   Fue grabado y en 1992 se editaba por el Correo Gallego con el título de “Benedicto e Bibiano (En Directo)”.  También colabora en la grabación del disco de Benedicto “Pola Unión” (CFE, 1976) y  saca “Estamos chegando o Mar” (CFE, 1976), producido por Alain Milhaud.  Un año después sale “Alcabre” (CFE, 1977), grabado en los estudios Audiofilm con Suso Quiroga a la guitarra española, Xoán Piñón (Generación 49, DOA) a la guitarra eléctrica, Florencio González y Pepe Bordallo (Outeiro, DOA) al bajo, Fernando Llorca (Clunia, Outeiro) a la percusión y Bernardo Martínez (DOA) a  la flauta y el pandeiro.  Su último disco sale en 1979 con el título de  “Aluminio” (CFE, 1979) con Xaquín Blanco (DOA) a las  gaitas, flautas y la bombarda, Pepe Bordallo al bajo y la guitarra eléctrica, Fernando Llorca a la batería y percusiones, J.K. Jones al piano y Luis Cobos a los sintetizadores, más Luis F. Soria a los efectos. El disco se aleja del posicionamiento político y genera algunas críticas.  

Bibiano
Después, Bibiano crea la banda  Trenvigo con los futuros Golpes Bajos,  Teo Cardalda, Pablo Novoa, y  Javier Martínez de Aerolíneas Federales.  La experiencia dura poco. A partir de aquí se dedica a la promoción de conciertos y crea  la “Aula de Música Moderna y Electrónica” en la Escuela de Artes y Oficios de Vigo.  También  abre la sala de conciertos El Kremlim, uno de los referentes de la escena viguesa de los ochenta.  Desde entonces trabajaría en la promoción de conciertos, varias producciones audiovisuales, y en el año 2008 recibe de La Universidad de Santiago de Compostela la placa "Homenaxe a Voces Ceibes".  También colaboró con varios medios de comunicación, entre otras facetas  de ámbito cultural. 

Documento sonoro:

Bibinao en directo en el año 1977. 




martes, 27 de diciembre de 2016

Muere el saxofonista cubano, Carlos Averhoff

Carlos Averhoff 
El saxofonista cubano Carlos Manuel Fernández Averhoff  más conocido como Carlos Averhoff nació en Matanzas (Cuba) en 1947 y falleció en Miami (Estados Unidos) el 22 de diciembre de 2016. Formó parte de la prestigiosa banda cubana de jazz Irakere donde coincidió con otros grandes como Paquito D'Rivera y Arturo Sandoval. También fue profesor de la Universidad Internacional de Florida y grabó algunos discos a su nombre, destacando en la enseñanza del saxofón.   

Graduado en el  Conservatorio Amadeo Roldán de La Habana en 1969  en saxofón, también cursó armonía, contrapunto, fuga, orquestación y flauta.  Fue profesor en la Escuela Nacional de Arte de Cuba durante 20 años y también dirigió talleres y clases magistrales en todo el mundo.

Tras formar parte de la Orquesta Cubana de Música Moderna, de 1973 a  1994 tocó con la banda cubana de jazz  Irakere con el también saxofonista Paquito D’Rivera y los trompetistas Arturo Sandoval y Jorge Varona.  Con la Irakere ganó el Grammy de 1979 a la Mejor Grabación Latina, además de dos nominaciones posteriores.  Grabó más de treinta discos con World Wide Distribution y antes de trasladarse a los Estados Unidos, grabó dos álbumes a su nombre: uno en Cuba "Solamente Con Amor" y otro en Colombia, "Imágenes".  En su país le otorgaron en dos ocasiones la Orden de la Cultura Nacional y fundó otra legendaria orquesta cubana, NG La Banda.  En 1987 grabó el disco de soul jazz “Solamente con amor”.
Irakere 


Tocó por festivales de todo el mundo  y en 1997 se estableció en  Florida, donde actuó en formaciones de quinteto, cuarteto y trío. Se matriculó en la Universidad Internacional de  Florida (FIU) y obtuvo una Maestría en Música en 2002. Es autor de libros de enseñanza como  "Ritmo, cromatismo y sincronismo", publicado por Charles Colin Editores. Ya en 2006, grabó su primer disco en los Estados Unidos, "Jazz'Ta Bueno"  (Fonosound. Fonojazz. Universal).

Documento sonoro:

Carlos Averhoff, tocando saxo tenor y flauta, con la orquesta Irakere en 1981. 





Fallece el cantante George Michael

George Michael
Georgios Kyriacos Panayiotou, más conocido como George Michael, nació en East Finchley, Londres, Reino Unido, el 25 de junio de 1963 y falleció en Goring-on-Thames, Oxfordshire, Reino Unido, el 25 de diciembre de 2016, por causas naturales. Cantante, compositor y productor, formó parte del exitoso dúo Wham!, con Andrew Ridgeley, en los ochenta antes de desarrollar una carrera en solitario con la que ganó numerosos premios Brit, MTV Video Music Awards, Ivor Novello, American Music Awards, o Grammy. Vendió más de 100 millones de discos en casi cuatro décadas y en los últimos años estaba trabajando en un nuevo álbum. Menos conocida, y que ahora sale a la luz, es su faceta de filántropo donando sumas importantes de dinero a múltiples asociaciones benéficas.
George Michael

Empezó en la música como dj, tocando en la calle o formando parte de una banda de ska  llamada The Executive con Paul Ridgeley, Andrew Leaver, y David Mortimer aka David Austin.  En 1981 creó el dúo Wham! con Andrew Ridgeley. El nombre procedía de un cuadro titulado “Whaam”  de Roy Lichtenstein.  Su primer disco “Fantastic” (1983) llegó al número uno  con éxitos como “Wham Rap! (Enjoy What You Do)" , "Club Tropicana", “Young Guns (Go For It!)" o "Bad Boys".   Su segundo álbum “Make It Big” (1984) llegó al número uno en los Estados Unidos y consiguió grandes hits como   "Wake Me Up Before You Go Go", "Freedom", "Everything She Wants" y "Careless Whisper", que también fue uno de los primeros trabajos como solista de Michael.

George Michael

Michael colaboró con Bob Geldof en Band Aid cantando "Do They Know It's Christmas?", version del popular "We Are the World".  Tras el álbum de despedida del dúo ,“Music from the Edge of Heaven” del que sonó mucho "I'm Your Man", Michael comenzó su carrera en solitario   con "Careless Whisper" (1984) y "A Different Corner" (1986). "The Edge of Heaven"  fue la despedida de los Wham! y su último éxito del dúo  "Where Did Your Heart Go?".

Su carrera ya oficialmente en solitario empezó con un dúo con Aretha Franklin,  "I Knew You Were Waiting (For Me)".  En 1987 sacó su primer álbum en solitario “Faith” con su archiconocido "I Want Your Sex", con el que consiguió éxito pero también fue víctima de censura.  El segundo single fue "Faith" con su ligero rockabilly.  Le siguieron más éxitos con temas como  "Father Figure", "One More Try", o "Monkey", llegando a vender más de 20 millones de unidades.  

George Michael

Le siguió “Listen Without Prejudice Vol. 12 (1990) un trabajo pretendidamente menos comercial con temas como "Praying for Time", de crítica social, la acústica "Waiting For That Day" o "Freedom '90". El siguiente trabajo “Listen Without Prejudice Vol. 2” no salió probablemente por sus diferencias con Sony quien le acusa de no querer aparecer en los videos promocionales.  Algunas de las canciones son donadas a asociaciones de lucha contra el Sida.   Ya en 1992 sacaría un Ep del concierto tributo a Freddie Mercury  en el Estadio Wembley de Londres.  Tras una larga reclusión volvería en 1994, cantando "Jesus To A Child". homenaje a su novio Anselmo Feleppa, quien fallecía en 1993. En 1996 sacó el sencillo "Fastlove", y el álbum “Older” al que sigue el compilado “Ladies & Gentlemen” que saldría con  Sony  como condición para romper vínculos de contrato.  Años más tarde volvería a Sony para sacar el disco “Patience” (2004) con temas como "Freeek!" o "Shoot the Dog".

George Michael

Con “Twenty Five”  celebraría el 25 aniversario de su carrera y en 2006  comenzó su primera gira en 15 años, “25 Live”. Para 2007 tenía previsto un nuevo disco que no salió  y en 2008 lanzó en su web una canción de forma gratuita “December Song”.   Le siguieron años de incertidumbres, anuncios de posible retirada, problemas con la policía y algunos conciertos.  Desde entonces aseguraba estar preparando material nuevo para un próximo álbum. 

Documento sonoro:

Uno de los grandes éxitos de los Wham",  "Wake Me Up Before You Go Go"


Y uno de los grandes hits de George Michael en solitario, "Faith".


Muere Rick Parfitt de los Status Quo

Rick Parfitt 
Rick Parfitt nació en Woking, Surrey, el 12 de octubre de 1948 y falleció en Marbella, donde regentaba una empresa inmobiliaria, el  24 de diciembre de 2016 a consecuencia de una grave infección.  Guitarrista, compositor y cantante, fue miembro de la banda inglesa Status Quo desde 1967 hasta la actualidad. Con Francis Rossi fueron los únicos componentes que participaron en todas las grabaciones de estudio.  En 2010 ambos fueron condecorados como Oficiales de la Orden del Imperio Británico, entre otros premios y honores.  Fue ingresado dos días antes por complicaciones en una lesión en el hombro preexistente. Recientemente había anunciado que dejaba  los escenarios aconsejado por los médicos tras haber sufrido un ataque cardíaco este verano.  De todos modos, planeaba un disco en solitario y una autobiografía para 2017. 

Status Quo, inicios psicodélicos
Empezó a tocar la guitarra a los 11 años y dejó el colegio a los 15. En la Escuela Goldsworth de Woking, creó con dos amigos el grupo The Highlights en 1964. Al año siguiente conoció a Francis Rossi que tocaba en The Spectres, antes The Scorpions creados en 1962.  Alan Lancaster tocaba el bajo y John Coghland la batería. Hasta 1964 tuvieron un teclista llamado Jess Jaworski.  El 18 de julio de 1966 firmaron con Piccadilly Records, subsidiaria de Pye Records,  y sacaron un par de sencillos con las canciones “I (Who Have Nothing)” y “Hurdy Gurdy Man”, entre otras como una versión de los Blue Magoos “(We Ain't Got) Nothing Yet”. 

En 1967 cambiaron de nombre por el de  Traffic Jam y sacaron “Almost But Not Quite There”. Ese año,  Parfitt renunció a su grupo e ingresó en la banda de Rossi que cambiaron ya de nombre definitivamente por el de Status Quo.  Sacaron el sencillo “Pictures of Matchstick Men”, y el álbum psicodélico “Picturesque Matchstickable Messages from the Status Quo” destacando temas como “Ice in the Sun”.  Poco después entraría  como roadie Bob Young quien con el tiempo se convertiría en compositor de canciones para la banda. Tras otro disco llamado “Spare Parts” (1969) abandonan la psicodelia y se decantan por el hard rock y el boogie rock.   

Rick Parfitt
 Ya en 1970 aparece “Ma Kelly's Greasy Spoon” con temas como “Down the Dustpipe”.   Les deja su teclista Roy Lynes  y en 1971 sacan su cuarto disco “Dog of Two Head” con el que definen su peculiar sonido conocido mundialmente.  Con el sello Vertigo sacan el sencillo “Paper Plane” , y el disco “Piledriver” al que sigue el primero de oro, “Hello!”.  En 1974 publican el sencillo “Down Down” con el que logran su primer número uno más el álbum “On the Level” (1975). Después sacan “Blue for You”, más un directo en 1976 con el teclista Andy Bown.  Al año siguiente sacan su exitoso “Rockin' All Over the World” y en 1978, “If You Can't Stand the Heat”. Ya en octubre de 1979 publicaron su 12  álbum de estudio “Whatever You Want”, de nuevo disco de oro.  

Status Quo en la época Boogie rock
Con los ochenta y los discos “Just Supposin'” y “Never Too Late” se decantan por un sonido más new wave y comercial. John Coghlan les deja a finales de 1981 y le reemplaza Pete Kircher de los Honeybus, poco  antes de la grabación de ”1+9+8+2” (1982).   Tras otro directo,  en 1983 publican “Back to Back”, el último con Lancaster. Se reunieron de nuevo para tocar en Live Aid en 1985. Ya en 1986 entraron John Edwards y Jeff Rich y sacaron un nuevo álbum “In the Army Now” (1986). A finales de la década sacaron los álbumes de pop “Ain't Complaining” (1988) y “Perfect Remedy” (1989) para regresar en 1991 al boogie rock con “Rock 'til You Drop”. Después firmaron con Polydor Records y en  1994 publicaron “Thirsty Work” para dos años después grabar otro de versiones “Don't Stop”. Ese año Rick Parfitt fue intervenido con éxito de una cuádruple cirugía de by-pass. Para finales de la década firmaron con Eagle Records para publicar en el año 1999 “Under the Influence”.

Status Quo más recientemente
Llegamos de este modo a los 2000. Firman con Universal Music con los que sacan otro disco de versiones, “Famous in the Last Century”. Entonces Jeff Rich renuncia a la banda para dedicarse a su familia y le reemplaza Matt Letley. Por su parte Andy Bown se toma un año de descanso tras fallecer su esposa y le reemplaza Paul Hirsh de Voyager.  Ya en 2002 sacan  “Heavy Traffic”, en 2003 “Riffs” con más covers y en 2005 “The Party Ain't Over Yet”. A Parfitt le diagnostican un tumor en la garganta  que resultó ser benigno. En 2007 crean su sello Fourth Chord Records, y sacan su 28 álbum de estudio “In Search of the Fourth Chord”. En 2011 editan “Quid Pro Quo”, y más tarde graban incluso una película “Bula Quo!” cuya BSO se convirtió en un disco en 2013.   

En 2012 les deja Matt Letley y en 2013 Francis Rossi, Rick Parfitt, Alan Lancaster y John Coghlan tocan de nuevo juntos. En 2013 entra un nuevo baterista Leon Cave y en 2014 publicaron un disco acústico “Stripped Bare” al que siguio en 2016, “That's a fact!”. 

Documentos sonoros: 

Los Status Quo en su etapa psicodélica con  “Pictures of Matchstick Men”


Una de las canciones más representativas de su sonido boogie rock, “Whatever You Want”.



Fallece el baterista Alphonse Mouzon

Alphonse Mouzon
Alphonse Mouzon nació el 21 de noviembre de 1948 en Charleston, Carolina del Sur, y falleció el 26 de diciembre de 2016 en Granada Hills (Los Angeles) a consecuencia del cáncer que padecía.  Baterista de jazz, productor, formó parte de los primeros Weather Report, regentó una discográfica llamada Tenacious Records  y formó parte de la banda de jazz fusión, The Eleventh House.  Colaboró con grandes del jazz y sacó varios discos a su nombre de jazz fusión, R&B, soul, funk y dance. 
  
Empezó a estudiar música en la Bonds-Wilson High School y se trasladó a Nueva York. Estudió teatro y música en el City College de New York y medicina en el Manhattan Medical School. Recibió clases de Bobby Thomas, el baterista de jazz de Billy Taylor, tocó en el espectáculo de  Broadway “Promises, Promises",  y trabajó con el pianista  McCoy Tyner.  Fue miembro de los Weather Report desde sus inicios en 1970 a 1972, grabando el priemr disco, y después firmó con Blue Note en 1972. 

Alphonse Mouzon
Mouzon entró a formar parte de la banda del guitarrista Larry Coryell, The Eleventh House de 1973 a 1975.  Durante ese periodo grabó “Introducing the Eleventh House” (1974), y  “Level One” (1975). Fue substituido por  Gerry Brown. 

En 1977, Coryell y Mouzon craron una banda de jazz rock llamada Coryell/Mouzon Band, con John Lee al bajo y Philip Catherine a la segunda guitarra. Sacaron el disco “Back Together Again”, en Atlantic Records.  Larry Coryell, Alphonse Mouzon, Mike Mandel y John Lee grabaron un disco en 1984 llamado "The Eleventh House", aunque su música no tenía ya relación alguna con el jazz rock de los setenta.  En 1998 The Eleventh House se volvió a reunir para una extensa gira, hasta finales de 1999. Contaban con Larry Coryell, Randy Brecker, Richard Bona o Jeff Berlin en el bajo, y Alphonse Mouzon. 

Alphonse Mouzon
A su nombre, Mouzon grabó los discos de R&B “The Essence of Mistery” (1973), “Funky Snakefoot” (1974), “Mind Transplant”  (1975) con el guitarrista Tommy Boulin y “Hip Elegy” con el pianista Joachim Kühn y en 1976, “Trilogue” con Albert Mangelsdorff al trombón y Jaco Pastorius al bajo.  Ya en 1977 grabó “The Man Incongnito”, “ Dream Bug”, “Virtue” y  “Back Together Again” con el guitarrista Larry Coryell.  En los ochenta sacó el exitoso “Morning Sun” y también participó en discos como “By All Means” con Herbie Hancock, Lee Ritenour, Seawind Horns y Freddie Hubbard.  

Alphonse Mouzon



Durante los siguientes años grabó y colaboró con grandes como  Stevie Wonder, Eric Clapton, Jeff Beck, Carlos Santana, Patrick Moraz, Betty Davis, Chubby Checker, y  Robert Plant, entre otros.  En 1992 creó Tenacious Records y sacó su disco “The Survivor” al que siguieron otros discos durante los noventa como “On Top of the World”, “Early Spring”, “By All Means”, “Love Fantasy”, “Back to Jazz”, “As You Wish”, “The Night is Still Young”, “The Sky is the Limit”, “Distant Lover”, “Morning Sun” y “Absolute Greatest Love Songs and Ballads”. Desde 2014 colaboró con el productor Gerry Gallagher y en septiembre de este año le fue diagnosticado un carcinoma neuroendocrino, una forma muy extraña de cáncer.  

Documentos sonoros: 

Mouzon con los Weather Report en 1971. 


Mouzon con los Eleventh House en 1975. 


Alphonse Mouzon con Jaco Pastorius y Albert Mangelsdorff en 1976

Alphonse Mouzon en su etapa más groove funk y soul de los ochenta. 


lunes, 26 de diciembre de 2016

Fallece Mick Zanes de los Malice

Mick Zane
Michael Landauer también conocido como Mick Zane nació el 28 de mayo de 1959 y falleció, a consecuencia del cáncer, el 23 de diciembre de 2016. Guitarrista norteamericano, formó parte de la banda de heavy metal creada en Portland en los ochenta, Malice.  Con una gran influencia de las bandas europeas, y en especial de Judas Priest, empezaron a ser conocidos por los recopilatorios “Metal massacre”  del sello Metal Blade records, apareciendo  en su primer entrega de 1982. Grabaron varios discos y tras separarse, Mick creó los Monster.    

Malice
La banda se forma en  Portland, Oregon, a principios de los ochenta con el guitarrista de The Ravers, Jay Reynolds, más el vocalista James Neal, futuro Wild Dogs duo, Matt McCourt al bajo, Deen Castronovo a la batería y Kip Doran a la guitarra. Reynolds decidió mover la banda a los Angeles con el guitarrista Mick Zane.  No consiguieron encontrar nuevos músicos adecuados y convencieron a Neal, el bajista Mark Behn y el baterista  Pete Laufman para que se unieran a ellos desde Portland.  Consiguieron llamar la atención del sello Metal Blade y sacaron los dos temas de su demo "Captive of Light" y "Kick You Down" en el primer recopilatorio. Debutaron en directo en los Angeles en noviembre de 1982.

Mick Zane
Luego se añadió el baterista Cliff Carothers y en 1985 sacaron su primer disco con Atlantic, “In the Beginning...”.  Con el productor Max Norman sacaron su segundo disco “License to Kill” en 1987. A finales de ese año Jay Reynolds dejó la banda para unirse a Megadeth en lugar de Chris Poland , pero finalmente fue expulsado algunos meses más tarde.  Neal  fue substituido por   Mark Weitz, y finalmente se separaron en 1989.

Jay Reynolds creó War Party con el baterista de  Megadeth, Chuck Behler.  Mick Zane y  Mark Behn se unieron al baterista de Black 'n Blue, Pete Holmes, y el vocalista Mark Isom para crear Monster.  Sacaron un solo disco “Through the Eyes of the World” con Long Island Records en Europe en 1995 y con Pulse Records en América en 1997. Reynolds se unió a los Metal Church a principios de 2004 y grabó un par de discos “Weight of the World” (2004) y “A Light in the Dark (2006)”. Tras varios anuncios de reuniones en 2006 y 2008, grabaron un nuevo disco llamado “New Breed Of Godz” (2012). A Mick le diagnosticaron un tumor cerebral a finales de 2014 y tras numerosos cuidados y cirugía,  fallecía. 

Documento sonoro: 

Malice y "Rockin'with you" (1985). 


viernes, 23 de diciembre de 2016

Los Little Cobras en su “Fire Monkey” tensan el músculo sonoro con una fuerza tan inaudita como fascinante


Puede que parezca una obviedad sin relevancia, pero creo que si de algo podemos estar especialmente satisfechos los amantes del rock and roll actual, es que las raíces han empezado a dar, otra vez, nuevos frutos y éstos no saben a lo mismo de siempre. Una sensación especialmente reconfortante porque indica, por encima de todo,  que estamos evolucionando, eso sí con respeto y con conocimiento de causa, pero también con ganas de aportar algo diferente mediante motivos y resultados tan enriquecedores como lo que nos ofrecen los Little Cobras en su magnífico álbum “Fire Monkey” (Clifford Records 2016) título inspirado en  el actual Año del Mono de Fuego del Horóscopo Chino. El disco contiene ocho canciones sensacionales, dos de ellas versiones que reinventan con una personalidad arrebatadora los originales, envueltas en una fascinante ambientación selvática obra del artista multidisciplinar Pedro Perles. Se trata de temas  que  van más allá de su imaginario conocido hasta el momento y revuelven los principios de la historia para crear nuevos referentes, igual de sólidos, que te parecerán, sin tapujos que valgan, únicos y llamados a ser tan duraderos como  cualquiera de tus ídolos de cabecera.        
 
Trayectoria 

Little Cobras. Foto: Pablo Bernardo
Los Little Cobras son un trío de rock and roll formado a mediados de la década de los dos mil en el Puerto de Santa María (Cádiz).  Ellos son los hermanos Sergio Rejano (guitarra y voz) y Daniel Rejano (guitarra y voces) más Raúl Rivas (batería). Daniel también era el bajista de la banda Perro Peligro quienes daban su último concierto en 2013. 

En el bandcamp de los Little Cobras puedes oír las canciones que fueron grabadas para dos de sus primeros trabajos: uno de ellos con título homónimo en el que destacan canciones como “I.S.A” y “Shake Down”. Estos dos temas fueron editados en un Split en 2009 con los Hollers por el sello sevillano llamado entonces Monterrey Discos y después Saturno records. Su segundo trabajo lleva por título “Tiger In Your Tank” con ocho temas entre los que se encuentran las cuatro canciones que integran el Ep que Rufus Recordings ha editado en vinilo naranja en el verano de 2012 (+ info). Las canciones son “Shake, shout & Roll” más “Fish fry special” en la cara A; y “Already gone by” más “El Matarife” en la cara B. Ese segundo trabajo también contiene temas cantados en castellano, sin desperdicio alguno, como “Dime lo que buscas” o “No te quiero volver a ver”.  Le siguió un nuevo disco “Songs for Dogs and Planets” (2013) del que puedes leer una crítica también en nuestro blog.   Los temas son originales de la banda menos los temas que cierran tanto la cara A como la cara B y que son, respectivamente, una versión del "Subterranean Homesick Blues" de Bob Dylan; y una adaptación del "Wanted Dead or Alive" de Kim Fowley y M. Cerf.      

Los Little Cobras en el estudio
Su nuevo álbum “Fire Monkey” fue grabado en Hollers Analog Studio por Máximo RB, masterizado en Kadifornia por Mario G. Alberni. Colaboran en el tema “Bubble” Isabel Guerrero  y Victoria Cansino aportando voces. El diseño e ilustración, con esa magnífica ambientación selvática repleta de colorido es de Pedro Perles, amigo del grupo y responsable de sus fabulosas portadas.   



Las canciones 

Little Cobras. Foto: Juan Antonio Gamez
La cara denomiada “Fire”, con su galleta del sol,  se abre con el tema “Cobalt Blues”, extraordinario corte ardiente en el que se entremezclan varios riffs de guitarras envueltas en  fuzz poderoso que desparraman ideas con una eficacia encomiable arropando la aguerrida voz principal. El tempo está marcado con mucha solvencia por una batería persuasiva y salvaje. Los arreglos suman toques de rock años cincuenta con  blues oscuro y un aire siniestro de post-punk. Le sigue “Blessing”, canción recuperada de la primera maqueta que siguen tocando en directo, con una nueva versión deslumbrante de guitarras cortantes, punteos obsesivos, ritmo de una persistencia endiablada, y más detalles sinuosos en forma de segundas voces que enriquecen el resultado final a un nivel fascinante.  Llegamos de este modo al enorme y enigmático blues de  “Barstool Boogie Spree” con sus arreglos absorbentes y esos recorridos instumentales que crecen desde el abismo hasta explotar con un despliegue de matices enloquecedores.  

Little Cobras. Foto: Juan Antonio Gamez
Con “Bubble” se muestran más espectaculares aún si cabe con esas dos baterías, la incorporación de un bajo, los coros femeninos, y un efecto de teclado mediante pedal.  Melódicamente vuelven a anonadarnos y rítmicamente nos convierten en cómplices de esta bacanal sonora. 

La cara llamada “Monkey”, empieza con la canción que da nombre genérico al disco,  toda una explosión de recursos sonoros interpretados con una contundencia y una habilidad única para lograr contagiarnos de esa fuerza portentosa procurada por dos guitarras, una batería y una voz, los tres muy bien compenetrados.  Le sigue la canción instrumental  “Carajillo” construida con suma destreza sobre los preceptos del “garage punk”  adobado con ese contumaz  lenguaje de “surf and roll” llevado al límite. Con “The Butcher”, versión libre del tema de 1969 de Leonard Cohen, la banda reinventa la melodía, imprime ritmo y acrecienta notablemente su valor pasional. Cierra el disco con otra adaptación extraordinaria, en este caso del “Too much paranoia” (1978) de los Devo.  Aquí la aportación de los Little Cobra es genial, aderezan el tema con su modo particular con el propósito conseguido de convertirlo más atractivo rítmicamente al tiempo que conservan la esencia “paranoide” del original.  

Reflexión final 

Little Cobras. Foto de su facebook
“Fire Monkey” tiene tantas cosas especiales a comentar y disfrutar que, a poco que nos fijemos en sus múltiples matices, nos daremos cuenta de que no solo han ido más allá de su, siempre  enriquecedora aportación creativa, sino que además aportan al mundo de rock and roll una forma de entender las melodías y los ritmos inaudita y sumamente cautivadora. En los Little Cobras hay tantos aspectos memorables que incluso resulta  sumamente original su forma de entender las versiones ya que éstas pueden no ser premeditas y surgir por combustión espontánea a raíz de riffs improvisados propios a los que adaptan las letras de las canciones originales. Un proceso sorprendente que configura la elevada sensibilidad y buen criterio de esta banda.  En este nuevo trabajo han potenciado las voces,  han ampliado la instrumentación cuando ha sido preciso, y han perfilado, en resumidas cuentas,  una magnífica obra discográfica que amplia y mejora su proyecto hasta una cota que se nos antoja aún sin techo por muy alto que nos parezca, que lo está.  Los Little Cobras despliegan la sinuosa figura artística con un disco que tensa el músculo;  un álbum esencial, de lo mejorcito de este año con una mezcla arrebatadora de post-punk,  sonidos de los años cincuenta, y ese primitivismo rítmico que les convierte en una banda única e imprescindible.  

Nota: Puedes escuchar el disco en el bandcamp de los Little Cobras y comprar una copia en la web de Clifford Records. Incluye código de descarga. 

miércoles, 21 de diciembre de 2016

Fallece el guitarrista de flamenco, Ramón Amador

Ramón Amador
Ramón Amador Moreno nació en Sevilla en 1955 y falleció el 20 de diciembre de 2016 de una insuficiencia cardiaca en el Hospital Virgen del Rocío de Sevilla. Como su hermano Diego, destacó como guitarrista para el baile, colaborando con Angelita Vargas y el Biencasao o su primo Juan José Amador. También grabaría con Curro Fernández y Remedios Amaya. Problemas de salud lo tenían apartado de los escenarios desde hacía un año.  Los expertos consideran su toque de una enorme calidad artística “nervioso, muy rítmico, y con un rasgueado arrollador”.  

Polivalentes (2013)
Nacido en el seno de la familia jonda de los Amador, como su hermano Diego tocaba la guitarra aunque también tenía gusto para cantar como se pudo comprobar en el espectáculo “Pastora” (2009) de la bailaora Pastora Galván. La mayor parte de su trayectoria la desarrolló en los tablaos, especialmente en Los Gallos, templo del arte jondo sevillano,  desde donde también enseñó su arte a jóvenes guitarristas.  En su carrera acompañó a su primo Juan José Amador, entre muchos otros, grabando con Curro Fernández y Remedios Amaya.  También participó en “Cien años de cante” (1994) que se estrenó en la VIII Bienal de Sevilla y “Amador, Amador” (2006), homenaje a esta gran familia flamenca en el que participaron hasta cuatro generaciones de artistas, también estrenado en la Bienal. 

Destacó además en “Polivalentes” (2013), estrenado en los Jueves Flamencos de Sevilla, con Pepe Torres, Miguel Lavi y su primo Juan José. También llegó a formar un grupo llamado Salsa Gitana y es padre del guitarrista Ramón Amador Heredia.   

Documento sonoro: 

Angelita Vargas, Boquerón y Ramón Amador en París (1983). 
 

martes, 20 de diciembre de 2016

The Allnighters regresan con “Everything is Changing”, magnífico disco de R&B en esencia con arreglos originales

Portada
A los gasteiztarras The Allnighters les avala una trayectoria artística brillante que arranca a finales de los ochenta hasta las postrimerías de la década siguiente.  En esa primera etapa se distinguieron por unos directos memorables en los que interpretaban no solo versiones exquisitas sino todo un repertorio de R&B propio, muy original, en el que mezclaban con gran acierto el soul, el funk, el jazz, incluso la psicodelia y algo de garaje aunque en menor medida. Canciones fabulosas que sus fans aún recuerdan y bailan en los encuentros modernistas revindicando su buen quehacer musical, esa actitud y entrega que les convirtió en una de las formaciones más consistentes de la escena estatal y, de paso, queridas por la siempre entusiasta y fiel comunidad mod. Problemas de promoción y algunas desavenencias internas, finiquitaron tan fascinante proyecto en 1998.  Ya en 2013 volveríamos a verles sobre un escenario con fuerzas renovadas y un espíritu ritmanblusero intacto e intachable. Desde entonces han ofrecido varios conciertos, tan memorables como los de sus inicios, y han grabado su cuarto disco, este “Everything is Changing” que edita este 2016 Gaztelupeko Hotsak en vinilo y Cd. Se trata de un gran álbum de canciones vibrantes con arreglos meticulosos y una interpretación que sigue siendo asombrosa dentro de la llamada “black music” tan en boga últimamente aunque la pose y la pulcritud prevalezca, en algunas propuestas, mucho más que los contenidos. En el caso que nos ocupa, estamos ante unos auténticos maestros del género y esté disco nos lo demuestra una vez más, quizá la mejor de todas. 

Trayectoria 


The Allnighters. actualidad. Foto: dospordos
El proyecto arranca en 1988 cuando, tras una estancia en  Londres, Zigor Akixo (batería), Alejandro Aguayo “Chino” (bajo) y Iñaki García Uriarte, más conocido por Igu, a la voz, deciden montar, a su regreso a Vitoria, una banda de R&B con actitud mod.  Se añaden al grupo Ernesto García (guitarra), hermano de Igu, e   Iñaki “Escocés”, al órgano Hammond.   Sin apenas experiencia musical, entre el verano de ese año y enero de 1989, cuando debutan en la sala M-Tro de Zaragoza, atesoran un buen repertorio de R&B. Tras ese primer concierto abandona Iñaki y entra otro Iñaki “Gorrión” quien, tras otros pocos conciertos, es substituido en 1990 por Iñigo Ortiz de Zárate. Alejandro “Chino” deja la banda en 1992 y le substituye Juan “Helldorado” Uriarte hasta 1996 en que entra Matías Monllor hasta 1998.

The Allnighters en 1989. Foto de la web Real Mod World

Su primer maqueta “It’s Fab” sale en 1989 y destaca por el tema propio “The Elephant Dance” del que algunos recordarán su peculiar danza. Ya en 1991 sale la maqueta “All Night Long” de la que venden 2.500 copias. En esa época telonean a grandes bandas como Nine Below Zero, Wilko Johnson, The Blues Brothers Band Ian Dury, Kenny Neal, Bill Thomas, Barrence Withfield, etc.  En 1994 fichan con Oihuka y sacan su disco de debut “Midnight Boogie” al que sigue un Ep “Like The Devil (I Will Love you)” para Marriott Rds, grabado con Paco Loco, y participan en el recopilatorio “Mi Generación 90” de Al•leluia Rds. Al mismo tiempo montan bandas paralelas como Shuffle Preachers, Groovy y los Lisérgicos entre otras formaciones con miembros del grupo como los psicodélicos The Lava Brains o The Boogaloos, una mezcla de jazz y funk.

The Allnighters (1995). Foto: Oriol Rosell
De este modo llegamos a 1996 con su flamante trabajo “Keep on Keepin’ On”, producido por Fernando Pardo de Sex Museum y grabado por Iñaki Bengoa como técnico de sonido, de los estudios “Shot”. También hay cambios de formación: salió Juan y entró Matías al bajo.  Por entonces también cuentan con la colaboración de una sección de viento con seis instrumentistas y un piano Fender Rhodes.  El disco sale en octubre de ese año pero la distribuidora, Running Circle, quebraría al mes siguiente. A raíz de la ausencia de una  debida promoción y por problemas internos personales, el grupo se separa. Tras la salida de Iñigo y Matías, Ernesto, Zigor e Igu deciden no continuar. Pero antes sacan un álbum “Ten Long Years” en el que tienen presencia detalles psicodélicos, funk, soul, más una versión instrumental del “Look away your hapiness” del grupo progresivo Máquina.
The Allnighters. Foto: Dos por dos

En 2008 estuvieron a punto de reunirse para celebrar el 10º aniversario pero diferentes motivos logísticos familiares y laborales lo impiden. Tendríamos que esperar a 2013 cuando vuelven a los escenarios en el Mojo Working R&B Festival de Donosti con un nuevo bajista,  Danilo Foronda.  Realizaron una sesión de grabación para un tema destinado al recopilatorio de celebración de los 30 años de la radio de Vitoria, Hala Bedi, al tiempo que graban una nueva versión del “Midnight Boogie”, uno de sus temas más conocidos así como una versión del “It´s your voodoo working” de Charles Sheffield. Igu canta actualmente también con Smart Dress.

El disco que ahora presentan se fraguó en los estudios Circo Perrotti de Jorge Explosion. Lo grabaron Iñigo Ortiz de Zarate a la guitarra, Ernesto García a la guitarra, Iñaki “Igu” García a la voz principal y armónica, Roberto Díez al bajo, y Zigor Akixo a la batería.  Contaron con la colaboración de Raúl Romo a los saxos tenor, alto y barítono, más Rubén Salvador a la trompeta. El diseño, con esa portada collage de maestros del género, es de José M. Lledó "Mardi" con fotografía de dospordos.

Las canciones 

The Allnighters. Foto Dos por Dos

El disco se abre con “Everything is changing”, canción protesta, fiel reflejo lírico de la realidad socieconómica y de la crisis que nos ha tocado vivir con frases como ésta: “estuvimos viviendo en un bonito paraíso en el pasado, desperdiciando nuestros sueños día y noche,  ahora el futuro es incierto”. Musicalmente, se trata de un tema de blues poderoso, con ritmo algo melanconioso, entre riffs de guitarra imaginativos y aportaciones meticulosas de la sección de vientos. La voz principal da las primeras muestras de un absoluto dominio del género. De melodía envolvente, destaca por su poder arrebatador, con momentos de órgano no menos esenciales con buenos solos de eléctricas que nos despiertan los ánimos mediante una gran habilidad. Le sigue “Tell the truth”,  con esa guitarra arrebatadora y descargas de metales acompañadas por una sección rítmica perfecta y, de nuevo, esa provocativa voz principal. Tema de amor alocado, “sabes que puedes hacer que haga lo que quieras” con esos “nanana” llamados a encandilar al público potencial de sus grandes conciertos. A destacar otro magnífico solo de guitarra y las segundas voces nada desdeñables.

The Allnighters. Foto: Dena Flows

Llegamos de este modo a “I´m your slave”, mezcla ingeniosa de detalles jazzy con soul de lujo en el que no faltan aportaciones de órgano, guitarras que desdibujan melodías complementarias de ensueño, ritmos funk, más saxos y trompeta inspiradísimos, todos ellos dispuestos a ensalzar de forma conseguida a la gran voz principal. Otro tema de desamor en el que nos cuentan: “Me hablas, me desesperas, pero no me importa…soy su esclavo, siempre estás en mi mente, libérame de estas cadenas…”. Llegados al meridiano de este disco, nos ofrecen “My babe is gone”, canción de abandono en el que el protagonista se lamenta: “¿Por qué está haciendo esto conmigo?. No me gusta este tipo de juego. Solo quiero verla de nuevo. Mi cama vacía está fría.  No sé por qué se fue de casa…el tiemplo está nublado en mi vida”.  Modelo del mejor sonido New Orleans a tempo de blues, que nos encandila y logra hacernos mover el cuerpo, con solemnes cambios de ritmo, entre solos de guitarra fabulosos, metales cautivadores, bajo preciso y batería radiante.

The Allnighters. Foto: Joan Soriano

Sigue tan pasional disco con “Gipsy Woman”, blues eléctrico de manual, tratado con una personalidad propia y única mediante una genial guitarra, una no menos entregada armónica y esa voz tan adecuada para hacernos vibrar al máximo. Una maravilla melódica, marca de la casa, sonoriza esta peculiar historia en la que un joven encuentra la solución para entender su vida en la melodía que un día le cantó una misteriosa mujer en la calle.  Con la versión del “My buddy buddy friends”, la banda se muestra especialmente compenetrada para interpretar este tema de 1968 de Aaron Corthen que en 1977 versionó con excelentes resultados el Dr. Feelgood.  Un tema con verdades sobre la falsa amistad y el poder del dinero: “Cuando mi dinero se agote, no tendré amigos alrededor”.

Con la fascinante balada “I'm gonna miss you”, los Allnighters nos agasajan con un tempo y una melodía arrebatadora, entre  momentos de una entrega que ponen los pelos como escarpias. Igu nos canta con una perfección inaudita: “Ha habido días de tormenta y amaneceres claros… te voy a extrañar, voy a intentar no olvidarte….cierra los ojos y abrázame fuerte…te quiero cariño, te necesito”. No falta otro buen momento solista de guitarra, ejemplo de la destreza de unos grandes músicos que se lucen en el instrumental que cierra el álbum, un “Midnight boogie” en el que sobresalen la armónica, la eléctrica, las aportaciones de órgano y ese marcado tempo tan pulcramente medido.

Reflexión final: 


The Allnighters. Foto: Mr. Duck
Los Allnighters, tal y como indica su nombre, fueron ideados en su día para dar forma a canciones magistrales, ideales para bailar toda la noche, aportando a la llamada “música negra” y a lo mod, unas ideas propias interpretadas con suma entrega y pasión. Y ese buen propósito se ve acrecentado, con  este nuevo álbum, mediante un trabajo más sesudo, recreando las melodías con unos arreglos perfectos entre ritmos igual de poderosos. Conscientes de que el tiempo todo lo cambia, ellos siguen obcecados en sus filias, sin aprovecharse por ello de las rentas, aunque sean éstas memorables. Su obra se inspira en aires nuevos que reestructuran el bagaje personal del pasado. El propósito conseguido es renovar el microcosmos con igual credibilidad y la misma emoción de antaño para seguir haciendo historia. No son, ni parecen ni quieren serlo, unas viejas glorias que regresan sin más, sino una banda que ha conseguido reinventarse, con los mismos referentes pero con unos resultados ciertamente bien trabajados y originales. Su talento sigue siendo igual de creativo y esa naturalidad que les distinguía se ve acrecentada por una solidez interpretativa que mejora su propuesta con este gran disco titulado "Everything is Changing". Allí donde antes estaba esa necesidad de ser efectivos y convincentes en los escenarios, así como en las pistas de baile de los “allnighters mod”, ahora hay igualmente excelentes canciones a las que se suma una experiencia, un trabajo meticuloso y un propósito conseguido de perdurar más allá de lo festivo.     

Nota: La biografía ha sido confeccionada con los datos extraidos en la entrevista de Alberto Valle a Igu publicada en la web Real Mod World (+ info).Puedes escuchar las canciones en el bandcamp donde también podrás adquirir el disco. Puedes adquitirlo tambiñen en la web del sello Gaztelupeko Hotsak