Muere el cantante de rockabilly, Hardrock Gunter

Sidney Louie Gunter Jr. , más conocido como Hardorck Gunter, nació el 27 de febrero de 1925 en Birmingham, Alabama. Fue un cantante, compositor y guitarrista legendario de rock and roll, especialmente respetado en el mundo del rockabilly. Murió el 15 de marzo de 2013 por complicaciones de una neumonía según informó  su familia en su página web.

Tuvo su primera guitarra a los 11 años y formó su primer grupo en el año 1938 con el nombre de The Hoot Owl Ramblers. En esa época también actuó en solitario con el pseudónimo de "Goofy Sid", contando historias y cantando canciones cómicas. En 1939 se unió a los Happy Wilson's Golden River Boys, un grupo de country, donde se ganó el apodo de hardrock (duro como una roca) al caérsele una capota de coche sobre la cabeza sin apenas inmutarse.  Combatió en la segunda guerra mundial y tras el conflicto bélico, regresó a  Birmingham donde actuó hasta 1950, primero con el grupo y después como su representante.  A principios de los cincuenta se dedicó al mundo de la radio, participó en programas de televisión  para niños y grabó uno de sus temas más conocidos,  "Birmingham Bounce", para Bama Records de Birmingham. Le acompañaron los Golden River Boys con el nombre de The Pebbles. El tema sería versionado por muchos llegando a tener un gran éxito  Red Foley.  Incluso se ha llegado a considerar una de las primeras canciones de rock and roll.

Gunter seguiría grabando para  Bama temas como "Gonna Dance All Night" (1950), una de las primeras canciones que incluía el término "rock’n’roll", incluso antes de que Alan Freed  popularizara el nombre en su programa de radio.  Cuando la discográfica quebró, firmó con Decca y en 1951 grabó un dueto con Roberta Lee, con el título de "Sixty Minute Man", tema original que interpretaron en 1951 los Dominoes. No se trata de la cantante Bobbie Gentry que utlizaría ese nombre artístico sino de otra Roberta Lee de Dayton (Ohio), nacida en 1922 que formó parte de grupos como The Blue Diamond Melody Boys.

así como otros magníficos temas como "Boogie Woogie On A Saturday Night", "Honky Tonk Baby" o "You Played On My Piano". Ese año volvería al ejército hasta 1952 en que vuelve al mundo de la radio y la música.  Pasó por RCA y grabó discos con MGM Records, como por ejemplo la canción  "Like the Lovers Do".  Editó "Gonna Dance All Night" para Sun y también  grabaría "Jukebox Help Me Find My Baby" para Cross Country. 

Continuaría sacando más discos con varias discográficas como Seeco, D, Starday, Cullman, Riv y su sello Gee hasta que en los sesenta deja la música para trabajar en una compañía aseguradora de Colorado.  Volvería a cantar en 1995 y trasladó su residencia a Río Rancho en Nuevo Méjico. 

Nota:  El anterior texto ha sido redactado basándonos en uan biografía más amplia que te invitamos a leer aquí



Aquí puedes escuchar una de las primeras canciones, por no decir la primera de todas, en la que se pronunció el término rock and roll.

Muere Bobby Smith de los Spinners

Robert "Bobby" Smith nació el 10 de abril de 1936 en Detroit (Michigan) y murió el 16 de marzo de 2013. Formó parte de los Spinners, grupo de R&B al que también se les conoce como los Detroit Spinners o los Motown Spinners. La banda se formó hacia el año 1954 en Ferndale  Michigan.  Un grupo de amigos se juntó para cantar canciones. Se trataba de Billy Henderson , Henry Fambrough , Pervis Jackson , CP Spencer, y James Edwards. Se hicieron llamar The Domingoes.  Al poco, Bobby Smith substituría a James Edwards. CP Spencer les dejó para formar parte de los Voice Masters y The Originals. Empezaron a llamarse The Spinners a principios de la década de los sesenta. El nombre viene de las llantas de los coches en forma de aspas que giran.


Smith fue el principal cantante de los Spinners desde su primer éxito de 1961 "That's What Girls Are Made For" que erróneamente se ha atribuido en ocasiones al cantante solista de los Moonglows, Harvey Fuqua. Smith también era el solista en los temas grabados antes de la Motown con Tri-Phi Records.  Fuqua  colaboró en algunos de los registros pero nunca fue considerado un miembro oficial. El hermano de James Edwards, Edgar "Chico" Edwards substituyó a Dixon en 1963 y la  lista de artistas de Tri-Phi fue comprada por Berry Gordy para su discográfica Motown.

Los Spinners debutaron en 1964 en el teatro Apollo.  Smith también cantó en los temas “I'll Always Love You" (1965) y "Truly Yours" (1966).  En los sesenta no tuvieron mucho éxito, y la Motown les empleó de chóferes, acompañantes y otros oficios para ayuda de los otros grupos de la discográfica.  GC Cameron substituyó a Chico en 1967, y dos años después pasaron a la subsidiaria VIP.  En 1970 grabaron un tema de Stevie Wonder y  Syreeta Wright  llamado " It's a Shame ", incluido en su álbum “2nd Time around”.  Tras ese álbum pasaron a formar parte de Atlantic records pero GC  Cameron tuvo que quedarse por contrato, y fue substituido por su primo, Phillippe Wynne al que también se atribuye de forma errónea algunos de los temas que cantó Smith. 

Cuando firmaron en 1972 con Atlantic eran un grupo respetado pero con poco éxito. Con la ayuda del compositor y productor Thorn Bell sacaron un álbum de título homónimo y empezaron a tener una considerable repercusión con temas como  “I'll Be Around”. Motown recuperó sus temas de los sesenta y la carrera los Spinners fue hacia arriba con álbumes como “Mighty Love” de 1974 con una colaboración estelar con Dionne Warwick.

John Edwards substituyó a Wynne en 1977. Después de algunos años colaborando con Parliament / Funkadelic y actuando en solitario, Wynne murió de un ataque al corazón mientras actuaba en Oakland en 1984. Los Spinners dejaron de colaborar con Thorn a finales de los setenta. En los ochenta se reeditaron algunos de sus temas y consiguieron un gran hit en la escena del Northern Soul con la canción de 1965,  "What More Could a Boy Ask For". Su último éxito fue una versión de un tema de Willie Nelson titulado "Funny How Time Slips Away," en 1983. Desde entonces han seguido cantando y actualmente el grupo está formado por Henry Fambrough, Washington Charlton, Peck Jessie, y Taylor Marvin.  Con la muerte de Smith, y ya difuntos los componentes Billy Henderson en 2007, y Pervis Jackson en 2008, Henry Fambrough es el último miembro original de la banda. 

Julián Maeso afronta una suma de desilusiones con un maravilloso álbum titulado "Dreams are Gone"

Portada del Lp

Tras numerosos proyectos musicales en los que ha destacado como un extraordinario organista, Julián Maeso acaba de debutar con su propia iniciativa musical, mediante un álbum titulado “Dreams are Gone”  editado en 2012 por Sony Music en formato Cd doble con 19 canciones, versión ampliada a 22 temas en ITunes y un resumen de lujo en vinilo en el que se incluyen ocho de sus mejores canciones.  Magic Pop tuvo la oportunidad de disfrutar de su actuación el pasado 2 de marzo de 2013 en la tercera edición del Datura Folk de Valencia.  Absolutamente fascinados por ese directo, que te comentamos aquí, al finalizar el concierto adquirimos una copia, la última que quedaba en la sala, de la edición en vinilo para poder reseñarla con nuestro habitual e exhaustivo estilo periodístico.

Durante estos últimos días, nos hemos informado de los detalles de este disco; de cómo Julián Maeso había afrontado en los meses anteriores al álbum una realidad personal y artística nada fácil a la que se vio abocado tras algunos cambios de rumbo personales y artísticos.  Sin duda, esa realidad vital ha determinado y mucho el aura de tristeza y hasta de angustia que se intuye en alguna de las canciones pero, tras una pormenorizada escucha, creemos que, al final, triunfa otra sensación mucho más esperanzadora consecuente con el goce espiritual y musical que desprende esta magna obra.


El toledano Julián Maeso es uno de nuestros organistas más prestigiosos a nivel internacional cuya trayectoria pasa por tocar R&B, acid jazz, pop y soul en grandes bandas como los Blackbirds, Speaklow, The Sunday Drivers y The Sweet Vandals, con los que ha grabado numerosos Lp’s a nivel internacional. Como músico de sesión, cabe destacar que ha girado con M-Clan en el tour ‘Memorias de un Espantapájaros’ y en la gira ‘Daiquiri Blues’ de Quique González. Actualmente se encuentra en plena gira de presentación de su propio álbum de debut con una gran banda en la que Julián se encarga de la voz principal, Hammond, guitarra y bajo; Pablo Gisbert, de la guitarra, pedal steel y coros; Pere Mallén, a la guitarra, bajo y coros; y Antonio Pax a la batería, más invitados especiales y la colaboración de Angie Sánchez a la voz, piano Wurlitzer,  Hammond y coros; más Sergi Fecé al Rhodes y piano.

En alguna que otra entrevista, Julián ha contado que tras el final de su anterior banda, los Sunday Drivers, pensó en dejar la música. Se trasladó a Valencia donde se vio obligado a realizar, para subsistir, varios trabajos fuera del ámbito artístico hasta que un buen día, por suerte para todos nosotros, decidió volver a componer con su guitarra. De allí salieron los temas que forman parte de su álbum de debut en solitario.

Las canciones fueron grabadas en los Tigrus Estudios (Gandía) en 2008 y en su casa durante 2011. Julián se ha encargado de la voz principal, así como de tocar el Hammond, Rhodes, guitarra y bajo, acompañado por varios músicos como Sergi Fecé (Rhodes, piano, cuerdas), Amable Rodríguez (guitarra eléctrica), Alfonso Ferrer (bajo), Juli el lento (batería), Lyndon Parish (guitarra eléctrica, coros), Obidi Tormo (coros), Shaky (ukelele), José Funko (guitarra eléctrica), Susana Ruiz (coros), Maika Edjole (voz, coros), Angie Sánchez (voz, coros), Luismi Baladrón (coros), Francisco López Loque (contrabajo), Héctor Rojo (contrabajo), Coke Santos (batería), David el Indio (percusión), Toni Jurado (batería, percusión), José Luis Sepúlveda (percusión), Buddy García (slide guitar), Camilo González (slide guitar), Pablo Gisbert (pedal steel), Martín García (saxo tenor), David el Niño (saxo barítono), Lluisa Ross (cello) y Sebastián Lorca (cello).

En la producción y logística han colaborado Patxi Rodriguez, Laurari, Miguel Pastor, Óscar y Churri de Go Producciones, Javier Vacas, Mónica y Ricardo de 5 notas. En el sonido y Backline: Miguel Gutierrez, Ángel Medina, Jose María Rosillo, Toni Quintana, Alex Martín, Luis Nájera. En la producción ejecutiva: Dinamita, Geli, Pieza, Pepa Monzó. En la fotografía y diseño: Rebeca García y Marcos Moreno. En el video: Carlos Magariños, Julia Martinez, Jaime Massieu, Escuela de la vida y el rock, y Miguel Pardo. El álbum se empezó a fraguar con un Ep de adelanto en  2011 y ha sido ensalzado por varios medios de comunicación incluyéndole entre lo mejor del año 2012. Entre otras consideraciones,  fue escogido por los premios Pop Eye 2012 del festival Cáceres Pop Art como el mejor disco de rock del año.

Los ocho sueños en vinilo

Como hemos remarcado anteriormente, nuestra reseña es de la edición en vinilo con sus nueve canciones, temas que superan en su mayoría los cuatro minutos de duración.  

La cara A del disco arranca con “A Hurricane is coming”,  que surge entre el sonido afilado del viento del desierto, a modo de lamento interpretado por dos espectaculares voces, masculina y femenina. La canción va adquiriendo fuerza melódica y rítmica entre detalles acústicos y eléctricos, a medio camino entre la psicodelia y el blues. Tremenda la guitarra eléctrica acompañada por ritmos tribales y toques de órgano Hammond que consiguen crear una atmósfera lisérgica que desemboca en un final de acid folk. Le sigue “Little by Little”, grandioso tema con toques de hard blues, con excelente riff y voz solista muy penetrante. De nuevo, nos ofrece un sobrecogedor solo de guitarra con respaldo de órgano, que condensa gran parte del protagonismo de esta memorable canción.

La siguiente “Our soul is not for sale” no está incluida en el doble Cd. Es todo un  temazo de R&B que destaca por ese espectacular piano funk  que antecede los precisos ejercicios de una sección rítmica impecable.  Espectacular tema con toques góspel a base de Hammond, que en sus registros más graves sublima el alma, entremezclados con ese genial aire que nos recuerda el blues de New Orleans. Resultan especialmente fascinantes también unos detalles de guitarra inspiradísimos. Para terminar la cara A, toda una joya titulada “Missing but singing take II”, a ritmo jamaicano, con el órgano marcando el sincopado para que se luzcan dos voces y coros con una sensualidad espeluznante más un encantador acompañamiento de saxo.  Juntos construyen un tema ensoñador que sorprende en el contexto genérico de folk, blues y country del disco pero que es, a nuestro modo de ver, una de las mejores composiciones de música jamaicana que se hayan podido componer en este país en toda nuestra historia.

La cara B empieza con “Daytona”, tema instrumental con aire melancólico a base de acústica, pedal steel y órgano. Excelente country rock con un deje inquietante, entre adormecido y algo siniestro, ideal para la banda sonora de un film de David Lynch.  Le sigue, “Far Station”, sensacional juego de voces corales entre arpegios de guitarra, melódica ensoñadora, y un medio tiempo que pone los pelos de punta en el momento que Julián se apodera de nuestros corazones con su voz. Resulta también sensacional la intervención del pedal steel, esos acertados coros, el lento caminar de la percusión y el crecimiento sonoro del tema. La siguiente canción lleva por nombre “We live behind a shadow” y en ella se nos revela el Maeso más enérgico con un excelente ejercicio rítmico y melódico, con voces que anteceden una pulsación solemne de la batería y unos arreglos de country rock sublimes. Se incorporan pasajes atmosféricos de guitarra con aires entre jazz y blues, momentos a capella, creaciones progresivas, cortes temáticos pensados al milímetro, e intervenciones de Hammond, piano, y  guitarra, que por si solas ya merecen la mejor de las notas posibles.  El final del tema resulta hipnótico con ese ritmo de funk poderoso y detalles jazzy geniales que desembocan en una acústica como único acompañamiento del maestro Maeso que desaparece entre efectos sonoros misteriosos.   Acaba el disco de vinilo con la sensacional “It’s been a hard day”, tema de country soul con el órgano como principal protagonista acompañando a una sensacional  voz principal. A destacar un precioso estribillo, la aportación de nuevo de ese imprescindible pedal steel, y los coros femeninos que enriquecen los arreglos con sensuales matices. 

Portada del Cd

La versión en vinilo de “Dreams Are Gone” tiene entidad suficiente por si sola como para merecer todo tipo de premios y elogios más allá de su papel selectivo del doble Cd. Obedece a razones de espacio ya que todos los temas no cabían siquiera en un doble vinilo. Sin duda incluye ocho de sus mejores canciones aunque en la versión digital también podrás disfrutar de otras canciones no menos memorables como  “Who Needs What”,  tema donde se aúnan detalles de folk y rock, “Tears Come From You”, con raíces en la música negra; “What Did You Want My Love For” de un generoso encanto melódico; “Jails” donde Julián se luce al Hammond,  la tremenda balada “Won’t We Come Back From More”; el country de “Back Were You Belong”; el blues de  “You’d Better Not Hurt Me Again”; la belleza acústica de “Men & Ladies”; el folk “Missing But Singing Take I”, el intimismo de “Will You Be Free” o de “Be Prepared To Change Your Plan” y la poderosa  “The Band, The Girl & The Boy”. 

Cuando se la he preguntado por el trasfondo temático del disco, Julián Maeso  ha respondido  que “el título del álbum refleja la falta de esperanza por cómo se ve todo hoy en día, es una especie de suma de desilusiones”. Con “Dreams are gone” nos habla de esos sueños que no se cumplen, de las ilusiones que se quedan atrás, pero sin conformismos,  mediante canciones que reinician el proceso vital abriendo otras puertas por las que se cuelan nuevas y fértiles  inquietudes.  A nuestro modo de ver, este fantástico álbum responde a una necesidad existencial de su autor para seguir luchando, con imaginación y creatividad, en un proceso sublime que le ha permitido ofrecernos uno de los mejores álbumes de nuestra escena estatal  de rock and roll, en un amplio abanico de estilos, y con visos de convertirse en una referencia indiscutible a nivel internacional.         

Los Chicos sientan cátedra de rock and roll en tiempos estúpidos, con diversión y creatividad

Portada: Lluís Fuzzhound

Los Chicos sacaban al mercado discográfico a finales de 2012 su quinto trabajo de estudio con el título genérico de “In the Age Of  Stupidity”. El álbum ha sido editado por Dirty Water Records con la ayuda de un nutrido grupo de mecenas por el conocido procedimiento del crowdfunding. Si has tenido la suerte de haber presenciado uno de sus potentes directos, notarás que este nuevo disco está concebido con el espíritu festivo y la entrega absoluta con la que se vuelcan en los escenarios. Son 12 canciones que emergen de su imaginario, de forma explosiva y pletórica, tras más de una década de trayectoria y con un denominador común: la espontaneidad del buen rock and roll al que añaden detalles de country, pub-rock, soul, punk, R&B y folk. De este modo consiguen sentar cátedra en nuestra escena con conocimiento de causa,  sin pretensiones ni ínfulas que valgan, con alegría y desparpajo pero sobre todo con empatía hacia su fiel público que no debe llevarse al engaño de pensar que todo esto se consigue sin esfuerzo.   

Presentación del disco en El Sol. Foto: Nacho B. Sola

Formados en Madrid a finales de los noventa, en la actualidad integran la banda: Rafa Suñén, voz; Manuel Núñez al Bajo; Ignacio Benedicto “Piña” a la batería; más Gerardo y Antonio Urchaga a las guitarras. Su primer trabajo discográfico fue un Ep editado en 2002 con el título de “Shake,shake”. En 2003 sacaron un Lp titulado “Shackin’& prayin”. El siguiente disco se llamó “Fat spark!” de 2005 y en 2007 vio la luz “Launching Rockets” de 2007, el último con el que colaboraría Nacho al saxofón que dejaría la banda por motivos personales. En 2009 editarían un single con Dirty Water como adelanto de su siguiente álbum, con dos portadas confeccionadas por Lluís Fuzzhound y Mik Baro. Al año siguiente saldría al mercado discográfico su aclamado Lp, titulado genéricamente “We Sound Amazing But We Look Like Shit, del que puedes leer una reseña en este mismo blog aquí. Desde entonces los Chicos han triunfado hasta en las antípodas. También sacaron un Cd recopilatorio con Off The Hip con el título de "10 Years Of Shakin'Fat and Launchin'Shit" y han editado un Ep con cinco temas acústicos para Folc records y Dirty Water grabado en junio de 2010 en el programa de Radio 3, “Hoy empieza todo”.  La portada en este caso es de Aitor Ochoa  basándose en el logo diseñado por Mik Baro para su anterior álbum.  

Presentación del disco en El Sol. Foto: Nacho B. Sola

 “In the Age Of Stupidity” se grabó en agosto de 2012 en digital en los Estudios Sonica de Madrid con Ramón Moreira. Mike Mariconda se encargó de la producción, masterización y mezcla en analógico en el Estudio de Mac de Santander. Dirty Water se encarga de la edición para todo el mundo excepto Australia y Nueva Zelanda a cargo de Off The Hip.

Han colaborado en la grabación Josele Santiago a la guitarra, Hendrik Röver con su steel guitar, Javi Fumestone y Ramon Moreira a los teclados, más Nick Nicotine y Guille Government a los coros. Cabe mencionar también el artwork  a cargo de Lluís Fuzzhound que desarrolla, con más personajes y situaciones variopintas, la idea de las caricaturas del grupo que aparecían en una de las portadas del single "We Sound Amazing But We Look Like Shit!" de 2009. 

  

En las letras de los Chicos encontramos referencias a Elvis, Dolly Parton, Rockpile, Marvin Gaye, el marciano Beck, Tammi Terrell,  John Lee Hooker y George Thorogood; pero también al fútbol, a un viejo Ford que sirve de casa, al control que tiene el poder sobre nuestros bolsillos, a Australia, a los vikingos que brindan con los romanos, y a las fiestas con cerveza, bourbon, calimocho, whisky y vino… Todo ello dentro de la era de la estupidez en la que no hay dinero para beber, ni para conducir ni para morir. Como colofón nada mejor que los versos que aparecen en el último corte del disco y que dicen: “From Vallecas to old Aragon, Pijos and bankers drinking Dom Perignon, Poor folks on the paro drink a tetra brik and gypsies form Segovia sucking whisky Dyc”.

Reseña del disco tema a tema 

Tras todos esos datos como preámbulo informativo, vamos a intentar evaluar, desde nuestro humilde punto de vista, cuánto de diversión pero también de esfuerzo y creatividad hay en cada uno de los temas del álbum.

Presentación del disco en El Sol. Foto: Nacho B. Sola

El disco arranca con la energética “Heart It Again” a modo de introducción al peculiar universo de rock and roll de unos Chicos que consiguen generar entusiasmo con sus ritmos trepidantes. Destacan esas guitarras que construyen riffs asombrosos de apoyo para que se luzca una excelente voz principal. Le sigue “You sold Me”, con el soul como punto de inflexión ideal para expandir momentos musicales cargados de emotividad a flor de piel sin olvidarse que su música nos invita al baile desenfrenado. A continuación nos sorprenden con “War or party”, tema de referencias punk de finales de los setenta que construyen a su manera para adobar una extraordinaria melodía de pub rock que culmina en un final apoteósico de pogo guitarrero. Con “Age Of Stupidity” explayan su vena de folk europeo tabernario tratado con ese punto de locura americana o con el desparpajo australiano en la que destaca un genial estribillo. “Willie and the Handjob” es una canción de R&B añejo con esos tambores primitivos y guitarras desbocadas que nos zarandean sin piedad hasta que comulguemos con el atractivo clímax rítmico que provoca. Termina la cara A con “On My face”, excelente tema con toques de powerpop al que añaden soluciones originales que permiten identificar un estilo propio y sobre todo un excelente trabajo de grupo. Incluye uno de los pocos solos de guitarra de este álbum, factor que permite redundar en ese planteamiento global de banda creando canciones totales sin apenas personalismos. 

       

Presentación del disco en El Sol. Foto: Nacho B. Sola

La cara B  se abre con “Motel Ford”, con inicio de salvaje instro surf, más toques de rock and roll 50’s que obligan a la voz principal, absolutamente versátil, a cambiar de registro para un tema que expande aún más si cabe el universo creativo de estos Chicos. Le sigue “A miracle Working”, del que destaca un poderoso riff de guitarra propio del mejor ”garage rock” y un acompañamiento rítmico variado, ya para nota. Con “Colored caves”, siguiente corte, endurecen el discurso melódico de una banda que no pierden la oportunidad de demostrarnos que también pueden sonar al límite creando temas rabiosos ideales para acabar con un dolor de cervicales de tanto mover la cabeza adelante y atrás en cualquiera de sus salvajes directos. A continuación nos ofrecen otra muestra de su amplio abanico sonoro con “Sportman’s Paradise”, una mezcla hilarante de rock and roll de raíz con energía punk que explota en el estribillo. Precede a una deliciosa “Fire in our solul”, con esos punteos folk, voces a coro, que invocan esa fraternidad contagiosa que les identifica. Y para acabar, “One Bourbon,One Scotch, One Beer, One Wine”, todo un himno ideal para los tiempos que corren donde mezclan licores pero también country rock con coros “chuzos”.          

Foto: Dospordos

Nos congratula comprobar que sobre este gran disco de los Chicos se ha escrito mucho y consideramos que es una gran noticia que haya tenido una excelente repercusión en un amplio abanico de medios. Entre merecidos elogios, siguen  acaparando referencias al calimocho, las tapas, la grasa así como algún que otro tópico que se nos antoja un tanto forzado como rock “verbenero” o “etílico”. Son calificativos recurrentes, graciosos si nos apuras, pero no creo que reflejen la auténtica esencia de una banda que ha llegado donde está porque no solo tiene entre sus filas a unos extraordinarios instrumentistas, sino también porque han sido capaces de aportar un sonido propio con excelentes ideas. Cabe la posibilidad de que algunas de esas grandes canciones hayan nacido en intensas noches, “chuzos” perdidos, pero os aseguro que no habrían llegado hasta nosotros con esa fuerza y originalidad sin un trabajo incansable de estos grandiosos Chicos. Si bien es de temer que su música no podrá evitarnos el mal trago de estos tiempos estúpidos que corren, estamos más que convencidos que sus canciones nos mantendrán alegres y distanciados de la insoportable mediocridad imperante.   

Nota: Puedes escuchar los temas en el bandcamp.  Las fotos son de Nacho B. Sola y corresponden a la fiesta de presentación del disco “In the Age Of  Stupidity” en la sala El Sol de Madrid el pasado día 2 de febrero de 2013. 

Fallece Peter Banks de los Syn, los Yes y Flash

Peter William Brockbanks  más conocido por el nombre artístico de Peter Banks nació el 15 de julio de 1947 en Barnet, Hertfordshire, Inglaterra, y murió en Londres el 7 de marzo de 2013. Formó parte del grupo de rock progresivo Yes procedente de los psicodélicos Syn activos de 1965 a 1967. También tuvo uan carrera en solitario y formó otras bandas como los Flash o los Empire.

Antes de llamarse The Syn, la banda había tocado R&B con el nombre de High Court con Steve Nardelli a la guitarra y George Arzimanow como cantante solista. Nardelli pasó a ser cantante principal y John Painter se hizo cargo de la guitarra. A mediados de los sesenta se fusionaron con una banda llamada The Selfs y se incorporaron  Chris Squire (bajo), Andrew Jackman (teclados) y Martyn Adelman (baterista). Peter reemplazó a John Painter y Martyn fue substiutido por el islandés, Gunnar Jökull Hákonarson (n. 1949-d. 2001). Entonces es cuando dejan atrás el R&B y se interesan más por la psicodelia. En 1967 sacan un par de singles con los temas “Created by Clive/ Grounded” y “Flowerman/14 Hour Technicolour Dream”. Tras telenoear a Jimi Hendrix en 1967 en una actuación en el Marquee Club, la banda se deshace. Banks y Squire se unieron a Mabel Greer's Toyshop que después pasaría a llamarse Yes.

The Syn

Nardelli y Jackman grabarían un single juntos con la canción “Sunshine and Make Believe”. Jackman  también grabaría con una orquesta, "The Last Performance of the Royal Regimental Very Victorious and Valiant Band". Los Syn volverían a mediados de los dos mil con un álbum llamado “Syndestructible” con Paul Stacey, guitarras, Gerard Johnson, teclados, Steve Nardelli, voz, Jeremy Stacey, batería, y Chris Squire, bajo. En 2007 ya solo quedaba Nardelli y dos años después sacarían un nuevo álbum llamado “Big Sky”. Jackman murió en 2003.    

Por su parte, Peter Banks en 1968 tocaría con la banda Neat Change, con los que publicaría un single. Con el bajista y vocalista Chris Squire, Clive Bailey a la guitarra rítmica y Bob Hagger a la percusión formaría los Mabel Greer's Toy Shop. Banks dejaría la banda y entró el cantante Jon Anderson. Bill Bruford sustituiría a Bob Hagger. Banks volvería a incorporarse, Bailey se iría y finalmente entró el tecladista, Tony Kaye. Fue entonces cuando deciden adoptar el nombre de Yes de forma temporal y así se quedó para las siguientes décadas.

Yes

En 1969 grabaron su primer álbum de título homónimo que contenía el conocido tema "Beyond and Before". Al año siguiente, enfocan su segundo trabajo “Time and a Word” con una orquesta y reducen el protagonismo de de Banks y Tony Kaye. A Peter no le gusta el resultado y les deja tras la gira de presentación del disco.

Tras los Yes, Banks estuvo con los Blodwyn Pig a finales de 1970 y colaboró con Chris Harwood. En 1971, Banks formaría Flash con Tony Kaye como teclista invitado. Su primer trabajo se publicaría en 1972 con título homónimo. Ya como guitarrista y treclista, con Flash sacó otros discos como "In the Can" a finales de ese año y un tercero y último, "Out of Our Hands" en 1973 más uno en soliario titulado "Two Sides of Peter Banks" con una larga lista de invitados como Jan Akkerman, el bajista John Wetton de King Crimson, el batería Phil Collins y el guitarrista Steve Hackett de Genesis, y los miembros de Flash, Ray Bennett y Mike Hough. Durante los setenta también colaboraría con Roger Ruskin, Spear Lonnie Donegan, Jakob Magnússon y en los ochenta con Tonio K.

Flash

Banks crearía una nueva versión de los Flash llamándola Empire con la cantante Sydney Foxx, con la que se casó. Sacaron unos cuantos álbumes hasta mediados de los ochenta que no salieron al mercado hasta los noventa. Empire siguió incluso después del divorcio de Banks y Foxx. En el año 1993, Banks publicó "Instinct", un álbum instrumental, y dos años después "Self-Contained" (1995) y en 1999, "Reduction", con sonidos electrónicos.

En el año 2004, también estuvo involucrado, en un primer momento, en la reunificación de los Syn pero no continuó como tampoco quiso volver a reunir a los Flash. Uno de sus más recientes proyectos fue en 2004 cuando formó Harmony in Diversity, una banda de improvisaciones que giraron por el Reino Unido en 2006 y sacaron un EP titulado "Trying".


Los Syn sacaron en 1967 con Deram un par de singles con los temas “Created by Clive/ Grounded” y “Flowerman/14 Hour Technicolour Dream”.

 

Fallece el organista de jazz, Melvin Rhyne

Melvin Rhyne nació el 12 de octubre de 1936 en Indianápolis (Indiana) donde falleció el 5 de marzo de 2013. Fue un reputado organista de jazz que tuvo una brillante carrera en solitario aunque muchos de los aficionados al jazz le recordarán también por haber formado parte del trío del guitarrista Wes Montgomery (n. 1923- d. 1968).

Melvin empezó a tocar el piano y a los 19 años acompañaría al entonces poco conocido saxofonista tenor “Rahsaan” Roland Kirk. Pronto cambiaría el instrumento por un flamante órgano Hammond B3 con el que colaboraría con músicos de blues com BB King o T-Bone Wal.ker. En 1959, Wes Montgomery, natural también de Indianápolis le invita a tocar en su trío tras su experiencia familiar con el cuarteto The Mastersounds donde tocaba con sus hermanos Buddy Montgomery (vibrafonista y pianista) y Monk (contrabajista eléctrico).

Una noche, Cannonball Adderley, escuchó a Wes en un local de Indianápolis y lo recomendó a su compañía de discos. Así empieza la relación con Riverside con los que grabaría su primer disco en New York acompañado de Melvin Rhyne y el baterista, Paul Parker. Ese album se titula “The Wes Montgomery Trio (or A Dynamic New Sound: Guitar Organ Drums) (1959). Melvin también participó en la grabación de los álbumes “Guitar on the Go”, “Boss Guitar”, “Portrait Of Wes” y “The Alternative Wes Montgomey”, los tres de 1963.  Tras la muerte del presidente de Riverside, Bill Grauer, el selló cerró y Wes ficharía con Verve y mas tarde con A&M. Su música se acercaría al soul y al pop, y ya no volvería a colaborar más con Melvin. Wes falleció repentinamente de un ataque al corazón el 15 de junio de 1968 con tan solo 45 años.

Por su parte Melvin se mudó a Wisconsin donde siguió tocando a nivel local y colaboraría con Buddy Montgomery en 1969 en el álbum "This Rather Than That" y con el guitarrista Johnny Shacklett en el disco "At The Hofman House". Volvería al candelero internacional en los noventa colaborando con el guitarrista Herb Ellis en el álbum “Roll Call” (1991), el trompetista Bryan Lynch en el disco “At the Main Event” (1992), o con un disco propio llamado “The Legend”. Seguría sacando más discos durante los siguientes años con Criss Cross y en 2008 se unió a Rob Dixon con quien sacó un disco para Owl Studios.  Una de sus últimas formaciones incluía  el baterísta Kenny Washington y el guitarrista Peter Bernstein.   

Aquí podemos oir a Melvin en el trío de Wes Montgomery interpretando el tema de Wes, "Missile Blues", para el disco de 1963 "Guitar on the Go".

En este vídeo puede escucharse el tema "I Wish I Knew"  incluido en el trabajo de Melvin, de 1999 titulado "Koyo". 

SonLosGrillos extraen de la “oscuridad” un nuevo disco luminoso repleto de melodías sublimes

El segundo álbum de SonLosGrillos, editado por Discos Monterey (2013), contiene nueve canciones que discurren entre el folk y la psicodelia, con toques celtas, medievales y raíces americanas. Con el título genérico de “Darkness Turns To Light”, despliegan su enorme imaginación mediante melodías encantadoras en las que destaca la preciosa voz de su cantante Marta y la extraordinaria habilidad de Mauricio quien se encarga del acompañamiento musical con múltiples instrumentos. Si con su primer disco de 2010 nos dejaron anonadados con sus fantásticas canciones intimistas, inmersas en el universo del “acid folk” de finales de los sesenta y principios de los setenta, con este segundo álbum, SonLosGrillos confirman su bien ganado estrellato entre las mejores figuras de la canción acústica de todos los tiempos.

SonLosGrillos es un dúo formado por Marta Rodríguez, a la voz, y Mauricio Mora a las guitarras, banjo, lap steel, dulcimer, teclados, y pequeños instrumentos de percusión. Su primer disco, de título homónimo, fue editado en 2010 también por Discos Monterey. Todos los temas de su disco de debut eran propios excepto la letra de la canción “Prayer” que pertenece a un texto de San Francisco de Asís y la letra en sánscrito de Bahjan, canción devocional india. Sus 11 canciones se grabaron de forma artesanal en 2009 y fue masterizado para vinilo por Germán Ponte. Colaboraron en la grabación Rosa al cello en varios temas, más Motxo y Jordi Sapena al bajo. El original diseño artesanal de la portada surgió a partir de un dibujo tradicional indonesio utilizado en los espectáculo de marionetas de sombras llamado Gunungan. El diseño y fotografía corrían a cargo de Gloria.  

Su segundo disco, “Darkness Turns To Light” se grabó en su propio estudio, producido y mezclado por el dúo. Ha contado con la colaboración de Rosa Hernández al chelo; Alejandro Jordá a la batería; Antuan el8 al bajo; Alvaro Díez a la batería en el tema “Silver song”; Marcelo Mora, trompeta en la canción “What doesn´t move”; Mark Dasousa al bajo y piano en “Colors” que se grabaron en el estudio Atomic por Mark Dasousa; Bob Theil a los coros en Tick Tock; más los niños Leo, Luken, Arnau y Marcelo en los coros de “Rejoice”.

El disco fue masterizado por Nick Petersen en Track & Field Recording.  El diseño gráfico es obra de Antuan el8 y el dibujo de la portada de Marta Rodríguez con fotos de Mauricio  Todas las canciones, letra y música, son originales del dúo a excepción de  “Silver Song” que es una versión de Mellow Candle compuesta por Clodagh Simonds.

El disco se abre con “After The Rain”, mediante el sonido de percusión que semeja la lluvia repicando mientras una guitarra acústica crea una atmósfera de paz interior  que preludia la entrada de la encantadora voz de Marta. Se inicia de este modo un recorrido sonoro por los rincones  del alma a la búsqueda de ese espacio vital donde la oscuridad se convierte en luz. “Darkness Turns To Light”, que así se titula su siguiente tema tiene una elevada dosis de melancolía, altamente reconfortante, con un tempo cadencioso en el que no faltan pequeños efectos que acompañan a la voz principal en ese baile que nos transporta entre pasajes psicodélicos hacia el siguiente corte llamado “This Place”. De nuevo, la guitarra acústica preludia, con punteos celestiales, a un tema acompañado por escobillas que procuran un ritmo propio del mejor folk americano. De nuevo, Marta despliega su gran capacidad vocal a dos voces con el preciso acompañamiento de Mauricio. 

Le sigue la canción “What Doesn't Move”, con ese peculiar inicio bucólico conseguido con sonido ambiente y el dulce cantar de los pájaros. Un tema ensoñador en el que destacan, de nuevo, sus intérpretes principales respaldados por el acompañamiento de un chelo que nos regala unos breves pero muy bien definidos pasajes románticos, más ese leve toque de trompeta y el final rítmico con batería. A continuación, unos cascabeles y los arpegios de la guitarra, dan la entrada a “Rejoice”, una canción de melodía celta muy emocionante con enternecedores coros de niños que desembocan en unos arreglos de bajo, percusión y acordeón que acentúan su propósito alegre y luminoso. “Colors” tiene un subliminal toque medieval, con voces de ninfas requiriendo nuestra atención antes de que la guitarra marque su discurso rítmico previo a una melodía de acid folk que se refuerza rítmicamente con la batería y armónicamente por el magnífico chelo. “Silver Song”, que así se titula el siguiente corte es una excelente versión del tema de Mellow Candle, incluido en su álbum de 1972,  “Swaddling Songs”.

“Tick-Tock” es el penúltimo tema del disco y cuenta, a los coros, con la colaboración del gran compositor, guitarrista y cantante, Bob Theil, que participa en este sensacional tema hipnótico que se desenvuelve con una sencilla pero muy efectiva rítmica americana de batería y bajo. La melodía crece, compás a compás, y adquiere su máximo esplendor secundada por acordes de guitarra eléctrica que se funden con el tick tack del reloj. Cierra el album “Looking For Love”, un tema de arreglos minuciosos de folk con la participación de casi todos los instrumentos que domina Mauricio y que arropan a la embelesadora voz de Marta. Un tema final en el que aúnan registros celtas, americanos, folk, y psicodélicos. Una canción perfecta para cerrar este universo sonoro de este inspirado dúo valenciano.

Con banda, febrero de 2013. Foto: Iván Velayos

Tras una escucha atenta de este segundo trabajo discográfico, podemos afirmar sin tapujos que SonLosGrillos se encuentran en estado de gracia y han alcanzado una plenitud creativa fascinante. Este segundo disco les confirma como uno de los mejores proyectos estatales de folk y les impulsa a obtener una merecida repercusión a nivel internacional. Con su desbordante imaginación y un minucioso trabajo compositivo, han dado vida a unas elegantes sonoridades que nos trasladan de la oscuridad a la luz con preciosas voces y sublimes arreglos  instrumentales.        

Nota: Puedes escuchar los temas en el bandcamp y adquirir una copia del disco en vinilo en Bar Discos Monterey