jueves, 30 de agosto de 2012

Fallece Bernardo Bonezzi de los Zombies


Bernardo Silvano Bonezzi Nahón nació en Madrid, el 6 de julio de 1964 y murió en Madrid el 30 de agosto de 2012. Conocido por su etapa en los ochenta como líder de los Zombies, empezó muy joven a tocar la guitarra y a interesarse por el powerpop y el glam hasta que formó a los 14 años la banda Morbus Acre y ese mismo año, 1978, tras colaborar con Kaka de Luxe, los Zombies con los que grabó un estelar primer single llamado “Groenlandia” que supuso uno de los temas más representativos de la llamada movida madrileña. El resto de Zombies eran Massimo Rosi (bajo), Miguel Ordóñez (caja de ritmos), Tesa Arranz (cajas chinas y coros), Álex de la Nuez (guitarrista) y Juanma del Olmo.

Los Zombies grabaron dos discos con RCA con los títulos “Extraños juegos” de 1980 y “La muralla china” de 1981. Al año siguiente la banda se separó y Bernardo se dedicó al proyecto de la pareja formada por  Pedro Almodóvar y Fabio McNamara que grabarían un disco ese mismo año 1982. Trabajó en la banda sonora de varias películas de Pedro Almodóvar. Por su parte, Juanma del Olmo iniciaría Los Elegantes. Álex de la Nuez sustituiría a Felipe Lipe como bajista de los Tequila, durante seis meses y después crearía el dúo Álex & Christina. Tesa se desvincularía del negocio musical.  

Ya en solitario, Bernardo publicaría en 1983 un maxi-single con el título de “Las diez mujeres más elegantes” para CBS y al año siguiente, el disco “Bonezzi-St.Louis” con la colaboración de Didi St. Louis, editado también por CBS. Tras no tener el reconocimiento deseado, cambió su rumbo por el de la composición de temas para teatro, el cine y televisión con lo que obtuvo varios éxitos y reconocimientos como el Goya por su trabajo en "Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto" de 1996, entre otras nominaciones por las bandas sonoras de "Mujeres al borde de un ataque de nervios" de 1989, "Todo por la pasta" de 1992 y "Sin noticias de Dios" de 2002.

En 2002 dejaría de trabajar para el cine y se dedicó a componer para Karonte una trilogía de música instrumental dedicada a las horas del día con los álbumes titulados “La hora del lobo” de  2004, “La hora azul” de 2006, y “La hora del té” de 2007. En 2010 retomaría su faceta más pop con el álbum “El viento sopla donde quiere” para Ikiru Music y en 2012 presentaba su último disco "la Esencia de la Ciencia" editado por Satélite K. 



Muere Willa Ward, cantante de gospel y R&B


Willarene Ward-Moultrie, más conocida por Willa Ward nació el 13 de noviembre de 1920 en Filadelfia (Pensilvania) y murió en la misma ciudad el 12 de agosto de 2012. Fue una gran cantante que empezó como intérprete de gospel cantando en la iglesia con su hermana Clara Ward (1924-1973) y su madre, Gertrude Murphy, con las que formó en 1931 el grupo The Ward Trio también conocido por The Consecrated Gospel Singers que acabarían por llamarse  The Ward Singers o Clara Ward Singers.  

En esta formación cantaron, durante su larga trayectoria, otras cantantes de renombre como Marion Williams y se la considera la mejor banda de gospel de los cuarenta y cincuenta con cifras de ventas astronómicas como el millón de copias vendidas del tema “Surely God is sable”.  Entre las más de noventa canciones grabadas desde mediados de los cuarenta hasta los cincuenta están también “I'm Climbing Higher and Higher”, “Oh My Lord What a Time” y “How I Got Over”. 

El éxito que obtuvieron fue memorable pero a algunos líderes religiosos les molestó que llevaran vestidos con lentejuelas y joyas aunque tuvieron que callarse ante la gran popularidad que consiguieron.  Su madre Gertrude murió en 1981.  Las Ward Singers tuvieron una larga carrera en la que no faltaron abusos por parte de discográficas que se aprovecharon de su éxito y algunas voces mal pagadas como la propia Willa o Williams que abandonaron la formación por sentirse discriminadas económicamente.  

En 1957, Willa entró a formar parte del trío de R&B y doo-wop, The Gay Charmers Trio con Della Joe Campbell y Doris Gibson, con las que grabó varios temas hasta 1959, con varias discográficas como Savoy, con los títulos de "Dance D-D-D-Dance", “Groovey Shoes”, “Get In And Shut The Door”, o “What Can I Do”. Después formó un dúo con Toni Rose y respaldó a otros artistas como Screamin 'Jay Hawkins, Chubby Checker y Patti LaBelle. Estuvo cantando hasta muy recientemente a pesar de la enfermedad de Alzheimer que padecía.




lunes, 27 de agosto de 2012

The Fuzzbombs, banda gallega de “garage” con un Ep grabado bajo el título de “Vestida para salir”


The Fuzzbombs son una banda de “garage” gallega formada en A Coruña por Rod "The Coach", voz principal; Charlee Fuler, teclados; Nacho, guitarra baja; Litus Magnificus, a la batería y Kike Asheton a la guitarra Fuzz.

Por el momento han grabado, mezclado y masterizado en los Estudios Bonham, entre finales de enero y febrero de 2012, un excelente Ep con cuatro canciones, tres de ellas originales y una brillante versión. Los temas son “Vestida para Salir”, “The end of Biteshand Ted”, “Done is Done” y la versión del “Cry, Cry, Cry” de los Unrelated Segments. Fue autoeditado en formato Cd con una primera tirada a punto de agotarse y tienen la intención de sacar una necesaria nueva edición. Entre sus propósitos más inminentes está también el grabar un single 7” a medias con otro grupo de “garage” estatal.  

“Vestida para salir” hará las delicias de los amantes del “garage” más cavernoso con excelentes recursos a base de fuzz, órgano siniestro, y voz excelente. Con el tema “The end of Biteshand Ted” se acercan a un “garage psych” norteamericano de finales de los sesenta. “Done is Done” empieza con una deliciosa secuencia de acordes con órgano, también bajo los efectos sonoros psicodélicos, para dar entrada a unas poderosas guitarras de beat que arropan, una vez más, a esa sensacional voz principal. A destacar un extraordinario y muy sensible solo de guitarra. Cierra este Ep, que puedes oír en el bandcamp, una versión del “Cry, Cry, Cry” de los Unrelated Segments, formados en 1966 en Taylor (Michigan). El tema original fue incluido en un single de 1968 con “It´s no fair” en la cara B y fue editado por Liberty. En 1989, los Cynics grabaron una versión para su Lp “Rock and Roll”. Los Fuzzbombs toman como referencia esa adaptación de finales de los ochenta para ofrecernos su distorsionada y bien definida interpretación personal con efectos de hard psicodelia.

“Vestida para salir” es un buen trabajo con atractiva portada de cómic en la que destaca su sugerente y siniestra protagonista. A la espera de ese nuevo single y posteriores entregas  discográficas que perpetúen su consistente propuesta musical, de momento podemos disfrutar de este magnífico Ep de estos Fuzzbombs a los que no les falta entusiasmo,  buenas maneras y mucho estilo. Quien tenga la suerte de coincidir con alguno de su directos, que no tenga la más mínima duda que disfrutará de un buen repertorio propio y ajeno interpretado con elevadas dosis y mucha actitud de buen rock and roll.     

Nota: Puede escuchar su Ep en el bandcamp

jueves, 23 de agosto de 2012

Los Charlesttines, luchando por la “Generación B-12”, con temas propios de "power madchester”


Los Charlesttines son una joven banda sevillana formada en 2008 dispuesta a actualizar, con ideas propias, el universo musical que gira alrededor del power pop y el sonido “madchester” de finales de los ochenta y principios de los noventa. Antes llamados Golpe de Suerte, ellos son Diego Cabeza (guitarra y voz), Javier Casanueva (guitarra y coros), Pedro Murillo (batería) y Pedro Ortiz (bajo y coros). Su primer trabajo discográfico, con título homónimo, recogía siete temas grabados en directo en enero de 2010 en el Estudio La Mina y este 2012 nos ofrecen un magnífico Ep con el nombre genérico de "Generación B12" que contiene 4 temas más una extensión de la canción que lo abre que podrás escuchar en su bandcamp.


Se trata de un disco muy completo, con buenas canciones, que les coloca en una posición muy avanzada dentro del panorama pop de este país con claras intenciones de ir mucho más allá de una escena local con una política de intenciones que no deja ningún margen de duda. De hecho, en cada uno de los cortes de este disco se plantea un discurso claro para desarrollar ideas contundentes, sin medias tintas ni desperdicio alguno, referentes al inconformismo, la búsqueda de esa dichosa suerte, con propuestas originales, con clase y al margen de aquellos que dicen llamarse “modernos”. El disco tiene como portada una pintura original de Miguel Cabeza. Las fotos son de Ana González Mellado. Generación B12 responde, según hemos leído en un blog donde se informa de actividades de la noche sevillana, “a un punto de encuentro de jóvenes (y no tan jóvenes) inconformistas con inquietudes por la música, la fotografía, el cine, la literatura..."  

El Ep empieza con una contundente guitarra de R&B para hablarnos de ese “Sol de Medio Día” bajo el que se van los días con una magnífica melodía de pop altamente contagiosa en la que no faltan toques sugerentes de sonido “madchester”. Le sigue otro potente riff de guitarra que nos arroja  de bruces contra las cuerdas de un ritmo un tanto más “garage” mientras siguen “pensando en cambiar el mundo, con un amor más difícil de alcanzar”. Un tema en el que destaca, como en el resto, esa excelente voz,  un contundente desarrollo rítmico ritmanblusero, y unos más que atractivos arreglos instrumentales. A continuación nos ofrecen “Pop XXI” un tema con inicio intergaláctico y juegos psicodélicos de guitarra, que permiten crear un festival de colores y sonidos con raíces inmersas en el final de la década de los ochenta, eso sí, actualizadas de forma elegante con ese toque tan personal “siempre eterno” mientras otros “se hacen llamar modernos”.  A destacar un riff de bajo final extraordinario. “El mundo espera por mi” es una genial canción de powerpop muy bien ideada donde dicen encontrarse “atrapados sin remedio en esta pobre escena local”. Un tema de contundentes e inteligentes intenciones en el que nos aseguran que tratan de escribir su propia historia, pero también con un deseo de no estar solos cuando tratan de expresar “que ésta es su clase, su única propiedad”. Buen solo de guitarra, en su justa medida, interpretado con  la misma solvencia que les permite remarcar que “la suerte es de los que se la quieren jugar”. Por último, cabe destacar que existe una versión extendida del tema que abría este Ep con una ejecución final que me recuerda a los mejores Stone Roses de su primer y magistral álbum.

Los Charlesttines convencen con creces mediante este Ep en el que nos ofrecen cuatro excelentes temas originales que transmiten un mensaje claro por medio de melodías atractivas, ritmos potentes y arreglos instrumentales elegantes. Un grupo a tener muy en cuenta del que podemos esperar grandes momentos bien sea en directo como en el estudio. Para acabar me gustaría destacar uno de los párrafos, altamente significativo, con el que se presentan en las redes sociales:  “lo que comenzó como una simple reunión para compartir gustos musicales ha derivado en una forma de ver la vida y de luchar por unos ideales que sirvan de apoyo a una generación que necesita moverse en la dirección adecuada”. Magic Pop se apunta a seguirles por esa dirección adecuada.

Nota: Puesdes escuchar los temas en el bandcamp. Si quieres adquirir el Ep en flormato Cd, por tres euros más gastos, solicítalo en el correo charlesttines@gmail.com

miércoles, 22 de agosto de 2012

Delanada nos presenta al “Enemigo Silencioso”, título de su sobrecogedor trabajo discográfico

Hay discos con canciones que parecen compuestas en esas tardes sin otro propósito posible que lamentarse de la mala suerte, la propia y la ajena, pero que, tras escucharlos atentamente, uno se siente extrañamente reconfortado por la cantidad de recursos emotivos y sensibles que contienen en sus preciosos momentos de esperanza. Hay quien dice que la música es triste o alegre, y esa división suele argumentarse en base a varios preceptos armónicos e incluso temáticos, pero yo no creo que sea así de sencillo. Por poner un ejemplo, en mi caso hay acordes menores que me alegran la existencia de forma irresistible. De este modo me decanto más por pensar que hay música que te pone más triste si la escuchas con ese estado vital; o en cambio más alegre, si es ese el momento emotivo en el que te encuentras. Este nuevo disco de Delanada titulado “El enemigo silencioso”, pese a la dureza de alguno de sus versos y lo sobrecogedor de los arreglos instrumentales, consigue en mi una sensación de paz con mis propios fantasmas y no puedo más que sentirme feliz por seguir adelante, luchando contra ese terco enemigo al que podemos  enfrontamos en nuestra vida con mejores o peores resultados. 

Delanada es el nombre del proyecto artístico con el que nos presenta su obra, desde 2006, Javier Molina, nacido en Cornellà de Llobregat en 1978. Anteriormente había creado en 2003 la banda barcelonesa de pop Indie Cuaderno Gris en la que cantaba y tocaba la guitarra acompañado de Rubens Molina (bajo) y Jordi Farreras (batería). Ya en solitario graba en 2007 un trabajo intimista compuesto por tres canciones para Ovejasydiscos, sello con el que en 2009 vuelve a sorprendernos con un CD bajo el título de “Cuatro canciones para no dormir y una declaración de intenciones”. Con ese disco cierra una época errante de su vida, tras la cual crea la mencionada discográfica con Pilar Pascual, artista plástica tan sutil como fascinante, responsable de las portadas de los diversos trabajos editados hasta el momento por Delanada.   



A mediados de septiembre de 2012 está previsto que salga al mercado discográfico, con la ayuda de Buen Ritmo, su reciente álbum que lleva por nombre “El enemigo silencioso”. Para la grabación de este disco ha contado con la colaboración de Jordi Funes al banjo, dobro y lap steel guitar; Josep Martí al bajo; Reginald Vilardell al bombo en “La evidencia de la muerte”;  Xavi Martínez, a la batería en “Segundo round”; Txepe al acordeón; y Guille Ferrer: al Hammond.  


Javier Molina se encarga de tocar las guitarras y el piano, así como de cantar sus propias canciones, todas compuestas por él a excepción de “Reír contigo”, compartida con  Rubens Molina. El disco fue producido y mezclado por Javier Molina y Jordi Funes, así como grabado y mezclado entre Rubí y Cornellà de Llobregat (su propia casa) y Barcelona (Cap Record). Chris Bauer se ha encargado de la masterización.

De nuevo, Pilar Pascual es la autora de la portada con un dibujo espectacular en el que una leve pero preocupante muesca en una superficie pulida y blanca parece demostrar la presencia de ese enemigo silencioso al que se refiere de forma genérica este sobrecogedor trabajo. A destacar también la composición gráfica de L'Orangerie Studio, y la fotografía de Abel Echeverría.

En la Lata de Bombillas
Empieza el disco con un vals solemne y enigmático con un leve toque latino, menos de un minuto para “Salva a lo invisible” que da entrada al excelente tema “Segundo round” con esas guitarras paseando por las llanuras del alma, mientras Delanada nos cuenta que “me persigue un viejo temblor, me acompaña aunque pida perdón …me aburre el tono de mi voz…” con un cariñoso órgano sincopado. La canción va adquiriendo más energía rítmica para decirnos que “no es demasiado tarde para reconsiderarlo… para volver a empezar… mírame… otra vez”.  



Le sigue “Reír Contigo”, confesión sincera con toques americanos procurados por ese lap steel, para “no volver a encerrar nunca más mis palabras en mi… y evitar el silencio” . A continuación nos ofrece una brillante “Entrada la noche” con ese peculiar juego rítmico que procura el ceremonioso compás de ¾. Nos cuenta la breve pero significativa historia de un hombre que sale de casa “valiente hasta la muerte”, un hombre que sabe perder pero que al final se pregunta “y ahora qué”. Sensacional el verso final: “no te olvides de cerrar al volver a entrar”. Excelentes cambios armónicos que nos recuerdan a los oscuros “crooners” de prestigio internacional, ayudado por un acordeón muy apropiado y sonando con un gusto exquisito.


Leve y cariñoso punteo de guitarra, con sonido frágil de lap steel, en el siguiente tema llamado “En lo alto hay un llano” a modo de preludio instrumental de la canción titulada “Tirar la toalla”, excepcional banda sonora del tormento que nos ronda cuando fracasamos en las relaciones interpersonales, en especial las amorosas,… la culpabilidad, el daño, la ruptura, sensaciones y sentimientos que nos crean angustia existencial y que al final consiguen que “muy a nuestro pesar, nos alejemos”.     

“La evidencia de la muerte” es el tema más conocido de este álbum, fue su single de adelanto, e incluso existe un precioso video realizado por Pilar Pascual altamente recomendado. El tema contiene ese toque ácido, tenebroso, necesario para “presenciar mi defunción, allí estaré como un reloj, lo sé…”. Sensacional canto fúnebre con frases brillantes como “te perderé por última vez, me abrazarás y yo no podré, lo sé”. Personalmente, reconozco que tras múltiples audiciones, aún se me encoge el corazón al oír este tema y no solo por los versos, sino también por el discurso melódico, con arreglos espectaculares de guitarras que crean efectos ambientales incomparables.  

“Otro final más” cierra este trabajo con guitarras que retumban en el estómago y abrazan la soledad del corazón… canción de un adiós que nunca fue pronunciado y ahora “sé que tendré que volver a empezar”. Sin duda un inmejorable final para este disco que se nos hace corto pero que se me antoja tremendamente intenso y emotivo desde la primera a la última canción.


Sin lugar a dudas, Javier Molina ha tomado una decisión importante en su vida dispuesto a seguir luchando contra ese “Enemigo Silencioso” y lo ha hecho ayudado por la indispensable Pilar Pascual y un elenco de amigos músicos que han acabado de perfilar esas intenciones sólidas y convincentes para seguir componiendo temas  memorables. Canciones que pueden parecernos tristes por todo aquello que arrastran del  pasado pero, a su vez, alegres por esos versos que se cuelan con ganas de volver a empezar en un más que merecido segundo round. 


Nota: Si quieres escuchar los temas puedes hacerlo en su web o en el bandcamp.       

lunes, 20 de agosto de 2012

Triada ejemplar de “Fuzz, Farfisa y Fiesta” en el álbum de debut de los Moonstones

Portada
No voy a descubrir nada nuevo si afirmo que The Moonstones son uno de nuestros mejores grupos de rock and roll. Convencido de su enorme aportación no solo a nuestra escena estatal, sino también a nivel internacional, no puedo más que empezar esta reseña reconociendo mi torpeza al no haber publicado antes una crítica sobre su primer disco editado en 2011, un grandioso trabajo melódico y rítmico titulado “Fuzz, Farfisa y Fiesta” en el que no hay un solo acorde que pueda desperdiciarse, repleto de canciones memorables moviéndose entre varios estilos con los preceptos del “garage” a modo de referencia genérica.

La música de los Moonstones, como en otras de nuestras bandas de “garage” como los andaluces Smoggers o cualquiera de las nuevas formaciones de la brillante escena  valenciana, por ejemplo los Glurps, son nuestra principal enseña para demostrar que en este país se están dando casos memorables para perpetuar el estilo y la actitud necesaria del buen rock and roll más allá de nuestras fronteras idiomáticas. No en vano este disco de debut de los Moonstones consiguió que fuera editado por la prestigiosa discográfica alemana Soundfalt records en vinilo y con los australianos Off the Hip en Cd. A destacar que fue grabado en el Circo Perrotti de Gijón, producido por su responsable, Jorge Explosion y los propios Moonstones.


La banda se formó en 2005 en Madrid y ya han podido demostrar, en numerosas ocasiones, su extraordinario dominio de las tablas acompañando a un lujoso elenco de intérpretes y grupos de prestigio internacional. Tras varios cambios en su formación, consolidaron un proyecto sólido con sonido crudo, primitivo, donde no faltan detalles de R&B, rock americano, beat o psicodelia. Sus canciones tienen influencias de agrupaciones como los Miracle Workers, The Cynics, Sonics, The Lyres, Chesterfield Kings, o Jon Spencer. El cambio más importante de la banda se fragua a partir de 2008 con la entrada de Farro a la voz principal. En esa época le acompañaban Alberto al bajo y coros; Sergio al teclado y las maracas; Carlos Chamarro a la guitarra y coros, y Jesu García a la batería. Santi substituiría a Alberto, y Andrés a Sergio.

Cabe mencionar que uno de sus temas, concretamente “Te morderé” ha sido incluido en la recopilación de vinilo "The Astounding Freak Party" editada en 2010 por del sello francés Rigolboch Ricordz Records y varias de sus canciones han sido incluidas en la selección musical de la quinta edición del festival alemán Ballroom Bash donde actuaron en octubre de 2011. Solo faltaba este gran disco para confirmar su excelente forma mediante un amplio abanico de ideas originales que se expanden en cada uno de los catorce temas que lo integran.     

El álbum se abre con la contundencia sonora de “Miénteme” en la que destaca ese diálogo de lujo entre guitarra y órgano con el que nos arrastran a la entrada triunfal de una de las mejores voces actuales de garage acompañada por una brillante aportación de armónica. El disco prosigue con su siguiente corte titulado “Serás Mía”, versión del I'll use Evil (1984) de los Milshakes. Así como en varios de los temas de este trabajo, las relaciones amorosas un tanto complicadas, difíciles, y al límite, continúan siendo protagonistas temáticas de excepción entre pasajes de fuzz vibrantes, gritos salvajes y ritmo desenfrenado. Le sigue el tema “Me Marcharé”  con esa guitarra de rock and roll punteando con extraordinaria nitidez acompañada  de un órgano sixties más pop y sugerente reverb. Se trata de un tema más calmado pero no por ello menos intenso y emocional.  Tras una entrada de batería y órgano propio de los mejores grupos de R&B, entra en escena la primera de las canciones interpretadas en inglés por unos Moonstones que se salen en todo su esplendor rítmico, con unos arreglos contundentes y altamente convincentes. No faltan los pasajes de psicodelia soul con guitarras ejercitadas en los mejores métodos de las seis cuerdas y un órgano cuyos pedales misteriosos te atrapan en sus hábiles redes como en la siguiente canción, “Enough” movidos por un bajo imparable y visceral.

A continuación nos encontramos con el tercer tema cantado en inglés llamado “Wape Up” con ese inicio tan sorprendente de batería al galope, interpelación de órgano, y precisa dirección rítmica del bajo, con un juego de voces que me recuerda a la energía americana de unos Violent Femmes con un toque casi fronterizo, eso sí, sin abandonar la escena del “garage” como principal fuente vital de alimentación sonora. “Todo Acabó” es la siguiente canción cargada de fuzz y órgano hipnótico, más armónica salvaje. Ingredientes imprescindibles con los que confeccionan grandes momentos sonoros íntimamente relacionados con el mejor rock americano. Le sigue otra entusiasta sorpresa en forma de R&B británico con el título que da nombre genérico al disco, “Fuzz, Farfisa, y Fiesta”, en el que disfrutarás de un gracioso guiño a los Salvajes, “bailando con los Sonics hasta el amanecer”.

Con “Something Cooking” vuelven a expresarse en un más que aceptable inglés. Persisten en un R&B muy bien construido con excelentes recursos rítmicos y melodiosos con los que nos transportan hasta su siguiente corte llamado “Malo Por ti”, una canción en la que relajan su interpretación para ofrecernos una estupenda melodía con toques beat, juegos de voces y armónica más pop. Un combinado ideal para decir bien claro que no pretenden ser “unos chicos normales ni mucho menos unos novios formales”. “Te morderé” recupera la sección garajera y psicodélica más arrolladora con batería tribal, ecos y reverb, sucesión rítmica fascinante y pared de sonido a base de farfisa que se acelera para explicarnos cómo van a “morder para obtener la sangre que da placer y que les pone a cien”. A continuación nos ofrecen la canción “Extraño” en la que brillan de nuevo sus dotes “ritmanbluseras” con una interpretación provocadora que invita al baile y al desenfreno no solo en las primeras y más entusiastas filas de sus arrasadores directos. A destacar ese preciso y excelente solo rítmico de bajo. Para finalizar este gran disco nos regalan otro magnífico tema llamado “Nena” acercándose al rockabilly, con piano a lo Jerry Lee Lewis incluido, y acaban todo este desparpajo sonoro ejemplar con  “How Much” haciendo gala de un dominio magistral de toda el panorama del rock and roll, en casi todas sus vertientes, que me recuerda a otros monstruos de nuestra escena estatal como son los Chicos.         

Los Moonstones han conseguido con este disco de debut situarse en lo más alto de los altares “garage” y no solo de este país sino también a nivel internacional con un álbum divertido y brillante. En mi opinión, este trabajo dsicográfico tiene más de un tema magistral posible gracias a unos excelentes músicos que vienen demostrando en directo una capacidad arroladora para convencer con energía inusitada e ideas muy originales. No me queda más que insistir en mi injustificable tardanza en publicar una reseña como esta. Estoy seguro de que todas y cada una de mis apreciaciones sobre este disco ejemplar ya las conocías desde hace tiempo e incluso no temo equivocarme al afirmar que siguen manifestándose y ampliándose cada vez que lo escuchas en tu casa o en tu local favorito de ocio nocturno. 

Nota: Puedes escuchar los temas en el bandcamp entrando aquí 

domingo, 19 de agosto de 2012

Muere el cantante Scott McKenzie, muy conocido por su “San Francisco” y las flores en el pelo


El 18 de agosto de 2012 moría en los Ángeles de California, Scott McKenzie nacido con el nombre de Philip Wallach Blondheim, el 10 de enero de 1939 en Jacksonville (Florida).  

Conocido por su gran éxito “San Francisco (be sure to wear some flowers in your hair)” pasará seguramente a la historia de la música por esta sentimental canción que muchos relacionan inevitablemente con el movimento hippie de finales de los sesenta. Pero antes de esta archiconocida canción editada en 1967, Scott, había formado parte de otras bandas. Se crió en Carolina del Norte y Virginia, donde conoció a  John Phillips, antes de los Papas and The Mamas, y que era amigo de su madre. A finales de los cincuenta  formó parte durante un breve espacio de tiempo de un grupo llamado The Singing Strings con su amigo Tim Rose y después entraría en una banda de doo wop llamada The Abstracts con el mencionado John Phillips, Mike Boran y Bill Cleary. Se cambiaron el nombre por el The Smoothies cuando se trasladaron a Nueva York donde grabaron dos singles para Decca Records, con el productor de Bill Haley, Milt Gabler. Destacaron por canciones como "Sofly" o "You're an Old Smoothie". Al parecer durante una gira por Canadá, uno de los integrantes de una pareja de cómicos dijo que Blondheim parecía e un 'perro escocés', y le llamó 'Scottie'. Phillips a su vez le sugirió que se añadiera el McKenzie, el nombre de su recién nacida hija, y así fue como  Philip Blondheim pasó a ser Scott McKenzie.


The Smoothies
A principios de los sesenta Phillips y McKenzie formaron con Dick Weissman los  Journeymen, y sacarían tres álbumes para Capitol Records como "New Directions in Folk Music" de 1963. Se separaron en 1964 y John entró en contacto con el resto de los Mamas and The Papas, Denny Doherty, Cass Elliot y Michelle Phillips. En 1977 Scott contarñia que podrñia haber entrado a formar parte de los Papas pero que en esa época tenía más ganas de intentarlo en solitario.   

En 1966 Scott firmó con Ode records, propiedad de Lou Adler y grabó su “San Francisco”, una canción de Phillips que también le produjo además de tocar la guitarra. El tema salió en 1967 y se convirtió rápidamente en un éxito en todo el mundo siendo uno de los himnos del llamado Summer of Love.

Scott conseguiría otro éxito aunque menor con el tema “Like An Old Time Movie”, también producido y obra de John Phillips. Sacó un álbum llamado “The voice of Scott McKenzie” más otro titulado “Stained glass Morning” pero dejó de grabar a principios de los setenta instalándose en California. En los ochenta reemplazó a Denny Doherty en los Mamas and The Papas coescribió el tema de los Beach Boys de 1988 "Kokomo" y en 1998 se retiró para instalarse definitivamente en los Ángeles donde ha fallecido. 

Aquí podemos escuchar al trio de folk The Journeymen. 


Y por supuesto, su gran éxito, "San Francisco".  La historia de la canción empieza en Monterey que, en la primavera de 1967, está a punto de celebrar un festival pop. Las autoridades temen el alud de hippies de todo el país y piden a John Phillps, su organizador, medidas para calmar al personal ante la que se les avecina. John escribe la canción sin nombrar a Monterey con el supuesto propósito que los asistentes vayan a San Franciso y que solo vengan a la vecina Monterey para los conciertos. Pero entonces había que grabarla rápido y Phillips estaba un tanto disperso por razones varias, entre ellas el consumo de estupefacientes varios, y le pide a su amigo, Scott que lo haga por él. Por entonces, Scott se vestía con kaftanis, iba descalzo y a menudo con flores en el pelo, por lo que era perfecto para cantarla. La ensayaron una tarde y al día siguiente se grabó para ponerse a la venta pocos días después.


sábado, 18 de agosto de 2012

Fallece Gary Cox de los Artful Dodger


El 12 de agosto de 2012 moría en Cleveland a los 59 años Gary Cox quien fuera guitarrista de una de las mejores bandas de powerpop de todos los tiempos, nada que envidiar a los Raspberries, ni a los Faces, ni a nadie y a su vez una de las menos valoradas. Me refiero a los Artful Dodger.

Se formaron en el año 1973 en Fairfax (Virginia) con el nombre de Brat y con un quinteto en el que estaban Billy Palliseli, voz y teclados, Gary Herrewig y Gary Cox, guitarras; Steve Cooper al bajo; y Steve Brigida a la batería. Procedían de dos bandas locales llamadas Homestead y Badge. Grabaron un single con los temas “Not Quite Right” y "How Long Will it Take". Este segundo lo recuperarían para su primer LP de 1975 con el título de “Long Time Away”, ya con el nombre de Artful Dodger. Gracias a los New York Dolls firmaron con Columbia y cambiaron el nombre ya que había otra banda que se llamaba igual. De este modo adoptaron el del uno de los protagonistas de la obra Oliver Twist, de Dickens, Artful Didger que es quien mete a Oliver en los negocios sucios.

Su segundo álbum se llamó “Honor Among Thieves”, y salió en 1976. Ambos discos consiguieron buenas criticas pero escasas ventas. Pronto empezaron a tener problemas internos de ego sobre todo con el difunto Gary. El tercer disco se llamaría “Babes On Broadway” (1977), un trabajo menos destacable que inicia un camino de serios problemas entre los músicas que acaban con al deserción de Gary que es substituido por Peter Bonta de los The Nighthawks a la guitarra más piano.

Dejan de tener relación con Columbia y hasta tres años después no volverían a editar su cuarto álbum, en este caso con Ariola. Corría el año 1980 y se titularía “Rave On”. Con ese disco recuperaron la energía de sus primeras canciones. Dos años después decidieron hacer un alto y separarse. En los noventa volverían a reunirse para dar algunos conciertos. Volvería a la formación Gary Cox quien estuvo en sucesivas reuniones, como la de 2005, con conciertos en Cleveland, hasta muy recientemente.   

Nota: Este popbituario está redactado con información de varias fuentes y en especial el artículo de Luis de Ory para la web de Power Pop Action que te invitamos a leer aquí.  

Para la habitual sección de imágenes con sonido, os propongo uno de sus primeros temas grabados como Brat, "Not Quite Richt". No, no es Rod Stewart quien canta.


Este tema, "Wayside" abria su primer álbum de título homónimo en el año 1975.




Otro temazo de 1980, titulado "A Girl, la,la,la", su último single.


Muere Lou Martin, de los Killing Floor y Krayon Angels

Louis “Lou” Martin  nació el 12 de agosto de 1949 en Belfast, (Irlanda del Norte), y murió el 17 de agosto de 2012 en Bournemouth, Dorset, (Inglaterra) tras una larga batalla contra el cáncer. Como teclista, formó parte de la banda de blues rock, Killing Floor, los psicodélicos y freakbeat, Krayon Angels, y de la banda del maestro irlandés del blues, Rory Gallagher.

Los Killing Floor se formaron en Londres en el año 1968 con el nombre de una canción de Howlin’ Wolf. Se reunieron a raíz de un anuncio en el Melody Maker. Representados por John Edward, la banda estaba formada por el cantante y armónica Bill Thorndycraft, los guitarristas Mick Clarke y Michael Stewart, el bajista Stuart McDonald, el batería Bazz Smith y el teclista Lou Martin. Su primer disco lo sacaron con Spark Records con título homónimo en 1969 y producido por John Edward. Después de este trabajo, Lou Martin dejó el grupo. Los Killing Floor también fueron la banda de acompañamiento de Freddie King en un par de giras a finales de los sesenta. 
Killing Floor

En 1970, sacaron su segundo álbum en Penny Farthing con el título de “Out of Uranus” en el que aún figura en los créditos Lou más Paul Spencer Mac al violín. Tras este segundo álbum, se separaron en 1972. Su tercer Lp vería la luz en 2004 con el título de “Zero Tolerance” en el que también tocó Lou Martin.  
Tras los Killing Floor, Lou formó parte, como pianista y organista, de los Krayon Angels con Jeff Pasternak, voz principal, Chris Gibbons, guitarra; Darryl Read, baterista; y Stewart McDonald, al bajo. Krayon Angels grabaron con cuatro pistas un álbum llamado “Nineteen Sixtynine” en 1969 que no vio la luz hasta 2000 con Dig The Fuzz Records. Darryl Read procedía de una banda llamada Orange Illusion y después formaría parte de los Crushed Butler, considerada una de las primeras bandas proto punk de la historia. Los Krayon Angels solo duraron seis meses pero grabaron unos temas de pop psysh y freakbeat espectaculares.  Mick Clarke tocó con Salt y Daddy Longless; Martin entró a formar parte de la banda de Rory Gallagher y Stuart McDonald creó Peace.

Con Rory Gallagher, Lou estuvo tocando los teclados de 1972 a 1976 con Gerry McAvoy (bajo) y Rod de'Ath (batería) en gran parte de sus álbumes como Blueprint”, “Irish Tour '74”, “Tattoo”, “Against the Grain”, “Calling Card”, y “Fresh Evidence”. Martin también actuó en los ochenta en la Nickey Barclay band formada en Londres con Barclay (ex-Fanny ), con John Conroy (ex-Sam Mitchell Band) y Dave Ball (ex- Procol Harum). Actuaban por los circuitos de blues. 


En este vídeo se pueden ver imágenes fijas de los Killing Floor acompañando en directo a Freddie King mientras suena en directo el tema "I loved the Woman". 


Aquí los Killing Floor tocando blues en directo en el año 1969 en Londres. Más imágenes sin desperdicio.  


En este vídeo se puede escuchar un tema de los Krayen Angels, "Step Around It"   


Finalmente, una actuación de Rory Gallagher con Lou en el piano eléctrico en el festival de Montreaux en el año 1975. 

jueves, 16 de agosto de 2012

Muere el saxofonista Bill Tillman

Bill Tillman fue un multiinstrumentista norteamericano que nació en Houston (Texas) en 1947 y murió el 15 de agosto de 2012 a raíz de las heridas producidas tras una caída. Tocaba multitud de instrumentos pero destacó en su faceta como saxofonista y se le recuerda principalmente por haber formado parte en los setenta de la banda de jazz rock, Blood, Sweat & Tears.

Comenzó a tocar el piano a los cinco años. A los 10 ya tocaba el saxofón tenor, la guitarra acústica y la eléctrica más el bajo eléctrico. A los 12 años, añadió el clarinete y el saxo alto. En la escuela tocó en numerosas bandas de rock and roll como los C. L. & The Pictures que estuvieron activos de 1960 a 1966 y que interpretaban varios temas de pop, Doo-Wop como "I'm Sorry" y con toques Soul como este "I'm Asking Forgiveness" para discográficas como Dunes,Sabra,Cadette, Kirk y Monument Records. Bill estuvo con ellos en 1963 con Charlie Broyles, Trent Poole, C. L. Weldon, Leroy Rodriguez, y Harold Fulton.

Se lo rifaron 10 universidades por su gran talento musical y él se decidió por la del Norte de  Texas. Con 21 años se fue de gira por los Estados Unidos tocando con los Coasters y después estuvo actuando con Chuck Berry y Bo Didley. Se instalaría en Nashville y en esa época colaboraría con Roy Orbison durante un año. Después se trasladaría a  Dallas, donde formó parte de la banda Rose Colored Glass con Bobby Caldwell y grabó todo un éxito nacional en 1971 con el tema "Can't Find The Time".  A continuación formó parte de la banda de Gladys Knight and the Pips durante un par de años hasta que recibió una llamada desde Nueva York para formar parte del grupo de jazz rock, Blood, Sweat and Tears fundado en 1967 en Nueva York. Entró en 1974 en sustitución de Lou Marini y estuvo con ellos hasta 1978. En ese periodo grabó cinco discos formando parte de la sección de metal con Tony Klatka, Forrest Buchtel, Joe Giorgiani y Dave Bargeron. Esa etapa no se considera como la más interesante de la banda y destaca porque se suceden numerosos cambios de instrumentistas. 

Los resultados comerciales bajaron ya con el álbum de 1974, “Mirror Image”, en el que ya tocaba Bill Tillman, en 1975 solo destacaron por unas cuantas versiones y su siguiente disco “More than Ever” (1976), está considerado como de los menos interesantes de su carrera. Sin embargo, la banda funcionaba muy bien en directo y el álbum que sacaron en 1977 con varias actuaciones de 1975 por festivales de jazz y con el nombre de “In Concert”, que en los Estados Unidos se llamó “Live and Improvised”, fue muy bien acogido. También se recordará esa época por su actuación en los Juegos Olímpicos de 1976 o en el Festival de Jazz de Newport. En esa época coincudió con el bajista Jaco Pastorius que estuvo en la banda los años 1975 y 1976. Durante una gira, el saxofonista Gregory Herbert que substituyó en 1977 a Bill Tillman murió por sobredosis de drogas el 31 de enero de 1978. Los músicos optaron por regresar a sus casas donde aparcaron el proyecto durante un período importante de tiempo. 

Bill decidió volver a Dallas para estar más cerca de su familia y se incorporó, como solista, en la Orquesta Sinfónica de Dallas y la Orquesta de Jazz de Dallas. En los ochenta viajó por los Estados Unidos con la Orquesta de Duke Ellington. Formó su propia banda de jazz y en los noventa grabó con varios artistas como Tom Barabas y Dony McGuire. Finalnente Tillman fundó su propia compañía de Management llamada "The Bill Tillman Entertainment Company Inc", para producir sus propias orquestas de baile y llevar los negocios de otras bandas. Seguía tocando bien sea en orquestas o en agrupaciones de jazz-rock.

Tema de 1962 de los C.L. And The Pictures" con el título de "I'm Asking Forgiveness".



Actuación de los Blood, Sweat and Tears con Bill Tillman en la sección de viento.



viernes, 10 de agosto de 2012

Muere el productor de R&B, Carl Davis

Carl H. Davis nació el 19 septiembre de 1934 en Chicago y murió el 9 agosto de 2012 en Summerville (Carolina del Sur). Fue un conocido productor de R&B de Chicago muy actuivo durante los sesenta y setenta. Por sus expertas manos pasaron éxitos de Gene Chandler , Major Lance , Jackie Wilson ,  Chi-Lites , Barbara Acklin , Tyrone Davis y muchos más.

Comenzó a trabajar colaborando con el de disc jockey Al Benson en la emisora WGES en el año 1955. Entró a trabajar en el sello Nat record y allí produjo su primer éxito local,  el tema "Nite Owl" de los DuKays. Otro de los temas que produjo fue el “Duke of Earl” que luego se convirtiría en un éxito con Gene Chandler cuando fue editado por Vee-Jay Records. 

Eugene Dixon de los Duckeys escribió un tema que empezaba por “doo doo doo” y acabó trasformándose  en “duke, duke, duke” al que añade el nombre de uno de los Duckeys, Earl. Así es como se convirtió en  “Duke Of Earl”. Se grabó en la misma sesión que “Night Owl” aunque Dixon no quería porque se empeñaba en grabarla con cuerda aunque no había presupuesto para tanto. Entonces habían firmado con Nat Records, pero a éstos no les gustó la canción y solo aceptaron sacar “Night Owl”. Por otra parte, el sello Vee Jay se encargaba de distribuir “Night Owl” y allí que se fue Carl para convencerles que sacaran “Duke Of Earl”. Dixon podría sacarlo si lo hacía como solista y al final acepta pero cambia su nombre por el de Gene y el apellido por el de su actor preferido, Jeff Chandler. “Duke Of Earl” fue todo un éxito y vendió un millón de copias.


Más tarde, en 1962, Carl entró a trabajar para Okeh de Columbia como productor y responsable de la sección de A&R y allí produjo una larga lista de éxitos como el "Monkey Time" (1963) de Major Lance, Billy Butler y Jackson Walter, entre otros. Muchas de esas canciones estaban escritas por Curtis Mayfield y las cedía porque creía que no eran adecuadas al estilo de los Impressions. También produjo discos de Gene Chandler y los Artistics, o Mary Wells tras salir de Motown . A finales de la década colaboró con Brunswick , donde produjo dos de los mayores éxitos de Jackie Wilson: 'Whispers (Gettin’Louder)' de 1966 y '(Your love keeps lifting me) Higher and higher' de 1967. También produjo los primeros éxitos de The Chi-lites o su éxito de 1972, "Oh Girl", y trabajó para Dakar con temas de Tyrone Davis o Hamilton Bohannon.

Cuando cerró Dakar en 1976, Davis formó Chi Sound Records donde destacó Walter Jackson y tuvo un gran éxito en 1978 con el tema “Get Down” de Gene Chandler. Su compañía pasó por varias etapas de más o menos repercusión hasta que reabrió en 2007. Carl seguía otra vez al frente de su negocio discográfico desde 2011.


 

Fallece Mike Kelly de los Duprees

El 7 de agosto de 2012 moría el cantante de los Duprees, Mike Kelly. Los Duprees fueron un grupo de doo-wop formado a principios de los sesenta en Nueva Jersey , por William L. Dickinson,  Michael Arnone, Joe Santollo, John Salvato, Tom Bialoglow y el solista Joey Canzano (más tarde conocido como Joey Vann). El músicos y director de big band, George Paxton, quedó impresionado tras oírles y les consiguió un contrato con Coed Records. Su primer tema, "You Belong to Me " (1962), había sido ya un éxito interpretada por Jo Stafford en 1952 y la versión de los Duprees con la big band de Paxton, también tuvo una notable repercusión. Se hicieron famosos por su mezcla de doo wop con arreglos de big band.
Tuvieron otros éxitos como "My Own True Love" (1962) una adaptation vocal del "Tara's Theme" de la película “Lo que el viento se llevó”, entre otras canciones como  "Have You Heard" (1963), "Why Don't You Believe Me", (1963), "(It's No), sin" (1964) o "Check Yourself" (1970). Tom Bialoglow dejó el grupo en 1963 y formaría más tarde la banda Twilight Time. Mike Kelly, quien había grabado en el grupo de George Paxton, sustituyó Joey Vann como vocalista en 1964, y formalmente dejó el grupo en 1977. Joe Santollo murió en 1981, Joey Vann nos dejaba en 1984 y Mike Arnone en 2005. John Salvato se convirtió en agente de artistas y en los ochenta se retiró. Mike Kelly cantó con los Chaperones, formados en los cincuenta en Long Island, durante un breve periodo de 2006. En la actualidad, 2012, existen unos Duprees pero sin ningún miembro original y celebran los 50 años de su legendaria versión de "You Belong To Me" que interpretan en el siguiente video con su segunda formación de los sesenta.


jueves, 9 de agosto de 2012

Sexta entrega de la Historia de la Música Afroamericana con el gran musicólogo, Dr. Punko

"Historia de la Música Afroamericana" es el título genérico de un proyecto informativo, llámale fanzine o sencillamente enciclopedia de la música negra desde el primitivo jazz y el blues hasta nuestros días, que tiene editados ya seis números gracias a la constancia y empeño de su principal responsable, Arkaitz Kortabitarte aka Dr. Punko, director del no menos apasionante GureGauza R&B Weekend Mojo Workin que en marzo de este 2012 celebraba su tercera edición.

La sexta entrega de este excelente compendio sobre la música afroamericana ha visto la luz este año 2012 con Louis Armstrong en la portada. Sus cuarenta páginas nos ofrecen un minucioso así como ameno recorrido por los inicios del blues y el jazz, y el ragtime, de finales del siglo XIX y principios del XX, con detalles de míticos intérpretes como Mamie Smith, compositores como W.C. Handy, sellos como Okeh y Victor Records, el famoso guiso de Lousiana, el “gumbo”, el hot jazz de Nueva Orleans, el blues de los Apalaches, el padre del jazz, Buddy Bolden, así como numerosos protagonistas que grabaron su música antes del crack del 29 y sentaron las bases de toda la música afroamericana hasta nuestros días como Jelly Roll Morton, Freddie "King" Keppard, King Oliver, Kid Ory, o Bix Beiderbecke. El fanzine prosigue su enorme labor informativa con la biografía de Sidney Bechet (1897-1959) que “consiguió elevar el clarinete a las altura de la corneta y la trompeta en los conjuntos de jazz”  más un completa y exhaustivo repaso a la trayectoria del gran Louis Amstrong (1901-1971) más allá de los tópicos y defendiendo su esencial contribución a la historia de la música desde “la generosidad,  sacrificios, y de mantener el rumbo firme sin olvidar sus raíces musicales, culturales y sociales”.

Dr. Punko en su faceta de Dj. 
En las últimas páginas encontramos un par de reseñas, en su sección de “El Extraño Mundo de...”, de un single de J.D. McPherson de 2010 con los temas “North Side Gal/Wolf’Teeth y otro de Bill Norton, de 1958 con el conocido tema “I Wanna Know”. Se incluye también un completo monográfico a cargo de Dimples R&B Mods, de sencillos de Sue Records con temas de Derak Martin, Irma Thomas, Larry Williams, Mr. Dynamite, Tony Washington, o Tim Whitsett, entre otros.

El fanzine se acompaña de un Cd con canciones de muchos de los protagonistas de esta magnífica entrega, algunos de los cuales han sido tomados de discos originales de 78 rpm con noventa años de antigüedad. Todo ello consigue que "Historia de la Música Afroamericana" sea de lectura indispensable no solo para los amantes incondicionales de la música negra sino también para todos aquellos que, como conocedores o curiosos, se interesen por unos de los capítulos más apasionantes del acervo musical contemporáneo del blues, el jazz y el rock and roll, que persiste aún hoy en día desde sus múltiples y variadas formas de entenderlo, gracias a los músicos pero también a trabajos tan abnegados y con excelente criterio como los del Dr. Punko.

Puedes conseguir una copia del fanzine, a la venta por 2,50 euros sin ánimo de lucro, en el correo punko@euskalnet.net; en el Facebook de Arkaitz Punko, o en alguno de sus patrocinadores como el bar Eiger edaritegia, Bloody Mary, Naranja y Negro Shop, o Sunny Day Records donde podrás también conseguir sus no menos impresionantes números anteriores con artículos sobre Gino Washington, Guy Davis, Muddy Waters, Little Walter, Howlin'Holf, Nathaniel Mayer, Sam Cooke, Elmore James, Houng Dog Taylor, John Lee Hooker y muchos más.

lunes, 6 de agosto de 2012

El mod’zine At the groove! apoya en su primer número a la escena actual sin olvidar el pasado

At The Groove! es el nombre genérico de un nuevo 60’s and mod’zine, editado desde Ponferrada, que presenta su primer número este mes de julio de 2012. Con un excelente trabajo gráfico, portada y contraportada a todo color, este nuevo medio informativo recoge numerosos artículos firmados por Dani’Mel en los que se trata sobre la escena mod, el pasado y presente, con especial hincapié en los grupos actuales bien sea den nuestra escena estatal como la internacional. .

En su editorial se resumen los principios temáticos del fanzine mediante frases como “que no os engañen, que no cojan vuestras ideas y las comercialicen…si hay algo que caracterice la escena mod es su secretismo y su exclusividad”. Por otra parte, incitan a  apoyar a las bandas actuales “y no quedarse en casa frente a la pantalla del ordenador”. Según sus responsables, At The Groove! nace “como una pieza más del puzzle  para saber qué está  pasando…mirando de reojo al pasado pero siempre con la cabeza en el presente y futuro, yendo siempre hacia delante”.     

En sus páginas podemos disfrutar de una entrevista con los valencianos Midnight Shots, un artículo sobre la Nouvelle Vague así como varias colaboraciones de grupos como los jerezanos Refoundations, los londinenses The Sonic Jewels, los madrileños Venueconnection, más Todavía No Muertos (quienes fueran Los Flequillos), los australianos Clairy Browne & The Bangin’Rackettes, los tarraconenses Glosters, los vitorianos Dealers, los londinenses New Street Adventure, más la colaboración de los gerundenses Pepper Pots con Binky Griptite y los The Impressions      

El fanzine también nos comenta brevemente unos cuantos discos, en su sección de “Discos para el Fin de Semana”, de los Strypes, Thee Vicars, The Reaction, y Stanley Road entre otros. Por otra parte nos recuerdan a Johnny Corley, gran cantante de R&B, y entrevistan a Marcos Torres, ilustrador, dibujante, serigrafista, con numerosas referencias sixties y un impecable estilo propio.  Son destacables también su sección de breves llamada “News At the Groove"; otra titulada “Callejeando por…” en este caso dedicada a Carnaby Street, o “Qué fue de…” en la que recuperan al grupo de pop y R&B, Menta de Ponferrada mediante el testimonio de su guitarrista y cantante, Toño Sierra. 

Acaba el mod’zine con unas recomendaciones para pasar un verano disfrutando de la buena música y la escena mod así como unas breves indicaciones de otros fanzines en su misma o similar línea editorial. 

At The Groove! se nos presenta en su primer número de julio de 2012 con un buen trabajo informativo, ameno y diseñado con esmero, elegancia y repleto de excelentes detalles en sus cuarenta y cuatro páginas. Si quieres conseguirlo tendrás que escribir al correo athegroove@hotmail.com antes de que se agoten, y te lo facilitarán tras abonar 2,50 euros más gastos de envío. También está disponible en Daily Records (Barcelona), La Destileria Bar (Ponferrada), Elektra Comics (León), Liquidator (Madrid) y A Reixa (Santiago de Compostela). Para más información puedes acceder a su blog aquí

domingo, 5 de agosto de 2012

Fallece el gran bluesman, Johnnie Bassett de los BlueNotes

Johnnie Bassett nació el 9 de octubre de 1935 en Marianna, Florida , Estados Unidos, y murió el 4 de agosto de 2012 en Detroit, Michigan.  Fue un destacado compositor, guitarrista y cantante de blues que trabajó principalmente como músico de sesión y en la década de los noventa creo su propia banda, The Blues Insurgents, con la que editó seis álbumes.


Bassett se trasladó con su familia en 1944 a Detroit y entró a formar parte de los Joe Weaver and His Blue Note Orchestra, también conocida como Bluenotes. La banda de blues y R&B estaba formada por el pianista y cantante Joe Weaver más Jesse Ulmer, Jr., saxo tenor;  Johnnie Bassett a la guitarra,  Billy Burrell al bajo; y Calvin Andrew a la batería.

El pianista Joe Weaver nació en el condado de Baldwin, Alabama, el 24 de agosto de 1934. Pianista desde los nueve años, formó cuando estaba en la escuela secundaria los Blue Notes con su amigo Johnnie Bassett a la guitarra para tocar blues, boogie-woogie y R & B. Ganaron un montón de concursos de talentos y al poco tiempo fueron la banda de acompañamiento de Little Willie John y John Lee Hooker. Grabaron varios temas para diversos sellos como “Loose Caboose”, “Baby Child” o “I’m on my Merry Way" para Fortune, para Chess en Chicago entre 1958 y 1959, y para Daco a principios de los sesenta. Entonces fueron contratados por Berry Gordy Jr,. para ser la primera banda de sesión de la Tamla y así fue como grabaron el “Shop Around” de Smokey Robinsosn y los Miracles. En esa brillante época, Weaver grabaría con Andre Williams, colaboraría con algunos de los futuros Funk Brothers, la otra banda estable de la Motown, como el guitarrista Eddie Willis, el bajista James Jamerson, y el batería Benny Benjamin. Justo cuando la carrera de Weaver estaba en su máximo apogeo, su mujer le dejó. Estaba de gira, volvió a Detroit y abandonó la música para entrar a trabajar en la Ford Motor Company, en la línea de montaje, para poder mantener a sus tres hijas. En 1999 se jubiló, reformó los Blues Notes con su amigo Johnnie Bassett y se fueron a Holanda para grabar un álbum. En 2002, Weaver formaría otra banda llamada The Motor City Rhythm And Blues Pioneers con el que tocó hasta su muerte a los 71 años, el 5 de julio de 2006.

Joe Weaver, Alberta Adams y Johnnie Basset
Bassett también tocaría con los Miracles en la grabación de su “Got a Job” para End y Chess Records en 1958, y ha colaborado con numerosos músicos como el mencionado John Lee Hooker, Alberta Adams, Lowell Fulson, Tina Turner o Little Willie John. Durante su carrera ha recibido numerosos premios por su contribución al mundo del blues y sus últimos trabajos de estudio han sido  “The Gentleman is Back” (2009) y “I Can Make That Happen” (2012) con Sly Dog Records. Su banda de acompañamiento estaba formada por Chris Codish, teclados; Keith Kaminski, saxo; y Skeeto Valdez, baterista.


Tema de 1958 de Joe Weaver and The Bluenotes para Fortune Records.   




Muere James Jones, cantante de R&B y habitual en la escena northern soul


James "Jimmy" Jones, nació en Birmingham, Alabama, Estados Unidos, el 2 de junio de 1930 y murió el 2 de agosto de 2012 en Aberdeen,. Carolina del Norte. Se trasladó a Nueva York con su familia, y empezó siendo un bailarín de claqué. Pronto se unió a un grupo de doo wop llamado The Berliners en 1954 que más tarde cambiaron de nombre por el Sparks of Rhythm. Un año después, Jones co escribiría uno de sus temas más conocidos, "Handy Man", que grabaron los Sparks of Rhythm después de que Jones dejara el grupo. Después crearía su propio grupo The Savoys para llamarse más tarde  The Prentenders por la canción de los Platters, “The Great Pretender” y con esa banda grabó algunos temas hasta separarse en 1959.  También grabaría con el nombre de The Jones Boys.  

Ese año, 1959, se unió al guionista y productor Otis Blackwell  con el que sacó su "Handy Man", para MGM. Triunfó por todo lo alto ese año y el siguiente, 1960, tanto en las listas americanas como ingleses con esta canción y con su siguiente éxito “Good Timin”.  A partir de aquí su carrera no obtuvo toda la repercusión que merecía y fue en declive aunque ya había hecho mella en la audiencia británica que se quedaron prendados de su peculiar falsete con el que influenció a otros cantantes como Del Shannon, Frankie Valli con sus Four Seasons o incluso el mismo Barry Gibb en su época de música disco con los Bee Gees.  


Siguió grabando durante todos los sesenta, cantando o escribiendo temas, con Cub Records hasta 1962 con temas como "I Told You So" o "That's When I Cried". También grabó para Ro-Jac y Vee Jay y sus trabajo fue adquiriendo un toque soul. Entre 1965 y 1967 sacó canciones con las discográficas Roulette como su conocida “Walkin’”, Parkway y Bell pero ninguna obtuvo una posición destacada en las listas. Finalmente cabe destacar que algunas de sus canciones adquirieron notable repercusión en la escena británica e internacional del northern soul.    

En este video podemos verle cantar su popular "Handy Man", en la televisión, con su falsete y ese silbido que se incorporó al tema al parecer porque cuando se grabó en el estudio no se presentó el flautista.