lunes, 30 de septiembre de 2013

Rufus reedita en vinilo “Learn to be a Mornard” de Sugus que supuso su merecido salto internacional

Portada “Learn To be a Mornard”
Hay una canción en el tercer álbum de los Sugus titulado genéricamente “Learn To be a Mornard” , editado originalmente en 2008, que si nos permitimos la licencia de adaptar la letra,  resume a la perfección la sensación que se experimenta al escuchar todas y cada una de las canciones de esta banda madrileña de punk rock. Convenientemente versionada por Magic Pop, diría así: “Alucinados por vuestra forma de tocar, entusiasmados, no podemos dejar de bailar. No es muy frecuente, esta es nuestra oportunidad adolescente, que impide que nuestra vida salga mal”. La canción se llama “Crujido cervical” y es uno de los 17 temas de este disco más un bonus track que se incluye en la magnífica reedición en vinilo que  ha sacado al mercado discográfico este 2013 el indispensable e imaginativo sello Rufus Recordings.       

Sugus, foto portada abierta Lp Rufus
Los Sugus se crearon en 1995 en Madrid. Dos años después sacaron un Ep compartido con Fast  Food para Punch Records en el que aportan los temas “Chucky”, “Astenon” y “Chica 10”. Su primer álbum se llamaría  “Always look on the bright side of life” (Punch Records 2008), título como bien sabes de una canción de Monti Phyton que apareció en la película “La vida de Brian”. Un álbum extremadamente rápido pero a su vez convincente, con  diecisiete canciones, algunas en castellano y otras en inglés, más un instrumental y un homenaje final a la mencionada película británica de 1979.  Su siguiente trabajo fue  "Highschool Revenge” (Rumble records 2004) en el que puedes hallar 13 canciones también en inglés y en castellano, algunas en la línea de nuestro original punk pop estatal y otras más decantadas hacia la fiereza huracanada de la costa oeste norteamericana. Tras este álbum, sacaron en 2008 este “Learn To Be a Mornard” con 17 temas, también en los dos idiomas, editado en Cd por Bells On en Japón y Media David en España.

Portada Ciclostes (2012)
Con la discográfica Torreznetes Entertainment (Madrid/Castellón), en la que participan algunos miembros de Sugus,  grabaron en 2011 un Ep con cuatro temas como “5 Horas con Pelayo” al que siguió en junio de 2012 un cd llamado “Parrilla a Go Go”  para Rumble records compartido con los Brackets, Spoilers y los Reactivos. Sugus aportó los temas llamados “Punk rocker Useless” y “Molesto”. Ya en 2012 salió su más reciente trabajo “Ciclostes” editado en vinilo por Torreznetes Entertainment en España y por Monster Zero en Holanda; más en Cd por Bells On en el Japón. Fue grabado en Mahoma va a la Montaña Estudios por Begutus a la batería y voz; Blote al bajo; y los guitarristas Headpower y Ppuseless quien también aporta su voz. Javier Pelayo de DDT y Joaquín Rodríguez de los Nikis se encargaron de mezclarlo y masterizarlo. Un disco impresionante, como toda su discografía, con 14 potentes canciones de punk rock siguiendo la misma línea de utilizar ambos idiomas. A destacar también la excelente portada de comic bélico de Mario Riviere más la fotografía de César Cebolla. “Ciclostes” es un disco vital en el que, dentro de su reconocido estilo, alternan temas más melódicos con otros en los que predominan arreglos pro hardcore, entre los que podemos destacar “I dont feel it","Adios amigo","The hardway", “Siempre Olvidamos”, "Monkey Bike” o la canción que lo cierra, la espectacular “It’s Only Punk Rock”, todo un himno que pone los pelos de punta, en el que han contado con la colaboración de Óscar y Nacho, de No Use for Acoustic, a la guitarra, sintetizador y voces.

Detalle reedición Rufus
Pero volvamos a nuestro álbum protagonista de esta reseña, el reeditado  “Learn To be a Mornard”.  Fue el disco que les llevó hasta el mencionado sello japonés que se entusiasmó, con sobrada razón, por su música y actitud. Empezaron a ser conocidos en el extranjero y su agenda de conciertos incluyó ciudades más allá de nuestras fronteras. En este magnífico trabajo discográfico perfilaron su evidente gancho sonoro, pulieron algunos de sus recursos y hallaron, a nuestro modo de ver, el estilo propio que les distingue y que les otorga un puesto estelar en nuestra escena estatal de punk rock. Una escena injustamente menospreciada en este país tan adicto al postureo indie, ya que la palabreja está de moda, cuando, para vergüenza de la mayoría de medios especializados de este país, grupos como Sugus cosechan grandes éxitos y un más que considerable entusiasmo en otros países de punta a punta del globo terráqueo.

Las canciones de este Lp son todas propias y fueron grabadas por los mencionados Begutus, Ppuseless, Blote y Headpower en 2007 en los estudios Mahoma va a la Montaña por sus habituales productores Pelayo y Rodríguez quienes lo mezclaron. La masterizaron la llevó a cabo Joaquín Niki. Las fotos también son de César Cebolla y Manuel Peris, y en este caso, el artwork, con esa báscula en el que se acerca uno a ser un Mornard, es obra de Headpower y los Sugus. Pero antes de entrar en materia y comentar cada uno de los temas, vaya por delante la definición que Headpower nos da de Mornard: “es lo opuesto a  Sadard, pero jodidamente parecido a Estradard. Si el día que cumplas más de treinta sigues jugando a Mosca, hablando del mítico juego de la galleta y tirándote pedos en la cara de tus compañeros mientras duermen, estas muy cerca de ser un Mornard”.        

Las canciones

Foto: Manuel Peris
El disco se abre con todo un puñetazo sonoro llamado “Fist to Face” en el que guitarras, batería y voz van a arrinconarte contra la pared si no estás dispuesto a saltar al ritmo extremo de puro rock and roll a velocidad endiablada. La sigue “Charlie no hace Surf”, tema impecable de punk pop con el surf como principal protagonista, “con huevos de sobras, entre balas del Vietcong”. Estribillo magnífico que ejemplifica su enorme capacidad melódica, guitarras ramonianas, y percusión de batalla.  El siguiente corte lleva por título “Crujido Cervical”, con el que van a la búsqueda adolescente de esa necesaria valentía para acercarse a la chica deseada.  Más guitarras rolando en sintonía firme con la rítmica imparable entre los “efectos del alcohol” y “el efecto de la cobra”.

“Fuck in terrible” accede a nuestros tímpanos con tambores tribales y guitarras en estéreo invitando al desmadre colectivo, si se da el caso, pero también al entusiasmo individualizado si escuchas el disco en la intimidad de tu habitación.  Un tema más cercano al punk rock californiano en el que un chico nos explica por qué le parece terrible follar ya que no le gusta estar desnudo frente a las chicas.  Un buen solo de guitarra, rabiosa y efectiva, redondea el cometido contundente de una canción que da paso a “TV dreamer”, destacable por un  convincente riff de guitarra inicial propio de un powerpop acelerado y llevado a su terreno de juego. De nuevo, nos ofrecen otro estribillo de puño en alto con cortes afilados de guitarra que discurren apoteósicas al ritmo de la siempre estelar batería.

El siguiente tema lleva por título “Zeros en Hawai” y en él nos cuentan cómo puede ser de aburrida la vida en invierno en un pueblo del Canadá del que huyen para trasladarse a Honolulu y practicar surf.  Pero el sueño se desvanece cuando aparecen los Zeros , aviones de combate japoneses de la segunda guerra mundial, que les disparan.  Otro tema con coros y  guitarras surfeando por mares sonoros que dominan como si fuera la palma de su mano, al que sigue “I like the face you put when you fart”,  canción dura y penetrante que invita al desmadre  entre ráfagas de distorsión para no avergonzarse de nada, ni siquiera por haberse tirado un pedo en público.

Sugus

Con “Estúpido Mornard”, Sugus nos ofrecen lo mejor de sí mismos, con esa vitalidad, fiereza y ganas de pasar un buen rato entre distorsiones, ritmos frenéticos y melodías que entusiasman tanto como divierten.  Música “para echarse unas risas”, ideales para “Mornards”, individuos que pueden parecer idiotas pero que, en realidad, evitan la falsa trascendencia, cuando ésta pretende impresionar a los demás.  Jóvenes que no quieren cambiar para seguir jugando a guerras de gomas, arrojarse bolas de pan, sacar los cuernos en las fotos y salpicar tirándose a bomba en la piscina.  Acaba la cara A con “Better go Home” con otro poderoso pop llevado a los confines del punk para describirnos a ese hombre que se siente vacío y que se encuentra mejor en casa, sin amigos, sin coche, sin futuro…

Foto: Manuel Peris. Four Seasons Castellón 2013
La cara B del Lp arranca con un tema no incluido en su versión en Cd, llamado “She is always down”, en la que recuerdan a esa amada que ya no está y por eso se la echa de menos con la imagen perdida de esos abrazos que forman parte del pasado. A continuación nos ofrecen la tremenda “I don’t wanna see you”, tema de rock and roll sin tregua en el que, con sus escasos 28 segundos, consiguen hacernos subir la adrenalina a límites que quizás ni tú mismo conozcas.  “Trabajando para el mal”  irrumpe con un contundente bajo para explicarnos la cruda realidad de “un becario de un sicario que no cobra salario, aprendiendo un curro sin estudiar para saber hacer zapatos de cemento y la corbata colombiana”. Y de esos métodos de tortura  a cambio de una cesta con un jamón para navidad, nos vamos a ese “Criminal Highschool”, con el que logran provocar una verdadera sensación de angustia propia de esos sucesos escalofriantes que llegan hasta nosotros vía la televisión.
  
Con “Sugus”, título del siguiente corte, recuperan los parámetros de esa escuela ramoniana cuyas enseñanzas ellos han sabido adaptar para procurarse una forma de expresión propia con el propósito de dar forma a un estilo muy personal. Guitarras que disparan acordes de fascinante punk rock fomentando pura diversión entre bailes desenfrenados, excitación, chicas, DYC y chuletas de venado.  Con “Abnormal head”  la maquinaria de distorsión arrasa de principio a fin con una facilidad pasmosa entre momentos pasionales y rabia desbocada con otro estribillo para pasar a la historia.

Foto: Manuel Peris. Four Seasons Castellón 2013
 “Darth Vader”, es  su siguiente protagonista. Ya no le gusta el mal y prefiere ir de vacaciones a Marina d’Or  porque la galaxia es aburrida. Otra muestra más de sus buen humor a base de recorridos guitarreros que invitan al descontrol como en su siguiente corte, “Hate and Love”,  en el que conviven odio y amor así como varias formas de tocar la guitarra en un espacio de tiempo relativamente corto pero muy intenso.  Cierra el álbum, otro de los temas estrella de este disco y uno de los mejores al menos melódicamente o sencillamente bajo nuestra humilde opinión. Nos referimos a “México”, canción divertida, luminosa, himno de fiestas y punto culminante para alborozar a las masas en los directos.  La última historia de este álbum  nos cuenta como, tras robar un banco en San Diego, el protagonista huye en su Cadillac con agujeros de bala en el maletero, más dos millones de dólares, hacia Tijuana donde le esperan mujeres hermosas, burritos, frijoles, tequila y un trago de mezcal.   

Logo Sugus
La reedición de este álbum de los Sugus, quizá uno de los mejores trabajos de su carrera, suena ya rápido a 33 rpm si creíste que, por ser un Lp, debería rodar a esa velocidad y no a 45 rpm como es en realidad. Para los selectos “connossieurs” de la banda, la de Rufus es, sin duda, una iniciativa muy celebrada por muchas y convincentes razones: por lo histórico del álbum, por el vinilo, por su excelente sonido remasterizado, o por esa portada abierta con una foto central inmejorable que incluye las letras de sus canciones. Para los seguidores del punk rock a nivel mundial es quizá una de las mejores reediciones realizadas en mucho tiempo, más aún si tenemos en cuenta de que se trata de un estilo que lamentablemente, y salvo honrosas excepciones, no goza del cuidado discográfico que bien se merece. Y para los que no tengan el gusto de conocer a esta seminal banda, supongamos que los haya, este álbum es una oportunidad inmejorable para sumergirse  en su universo “Mornard”. Comprobarás que su música provoca tal descarga de emociones, entre  ritmos trepidantes y guitarras poderosas, que tendrás la necesidad imperiosa de conocer todo su repertorio, de principio a fin, hasta llegar a su más reciente álbum “Ciclostes”, atrapado para siempre en ese mundo de diversión alocada que nos procuran, en directo y en estudio, estos grandiosos Sugus.
 
Nota: Puedes escuchar sus discos en el bandcamp y comprar una copia del Lp en la tienda de Rufus recordings, Naranja y Negro

sábado, 28 de septiembre de 2013

Fallece Alan Jones, baterista de los Dentists

Alan Jones
Alan Jones, también conocido por Alun Jones o Alun Gwynne Jones, murió a los 47 años el 20 de septiembre de 2013 asfixiado por el humo de un incendio en su casa en Gillingham (Kent). Formó parte como baterista de la banda de garage jangle pop revival y pop psicodélico, The Dentists, incluida dentro de la escena de Medway en los ochenta, de la que también  formaron parte bandas como The Claim siguiendo los pasos de los Prisoners y los Milshakes  de Billy Childish. Los bomberos rescataron el cuerpo de Jones ya sin vida y han abierto una investigación para esclarecer los hechos aunque todo apunta a que el incendio se originó en una vela. 

The Dentists se formaron en el ámbito escolar y empezaron llamñandose The Ancient Gallery tocando a principios de los ochenta por el área de Chatham y Rochester. Estaba formada por Mick Murphy quien substituyó en 1983 de Marck “Jock” Reid (voz principal), Bob Collins ( guitarra ) y Mark Matthews ( bajo ), que estuvieron de forma permanente durante sus trayectoria y los bateristas Ian Smith (1984-1986), Alun Jones (1986-1991) y Rob Grigg (1991-1995).  Sacaron un single en 1985 con Spruck Records con el tema “Strawberries are Growing in My Garden (and It's Wintertime)” y  un Ep titulado “You and Your Bloody Oranges”  al que siguió el álbum “Some People Are On The Pitch They Think It's All Over It Is Now” que contiene el excelente tema  "I Had An Excellent Dream", producido por Allan Crockford de los Prisoners.

The Dentists
El resto de década grabaron Ep’s ya com Alun Jones como baterista como “Down and Out in Paris and Chatham” (Tambourine Records, 1986); “Writhing on the Shagpile” (Tambourine Records, 1987) y “The Fun Has Arrived” (Antler Records, 1988). 

Su segundo álbum saldría en 1990 con el título de “Heads And How To Read Them” (Integrity) al que seguiría  “Behind The Door I Keep The Universe” (1994) y “Deep Six” (1995), ambos editados por Eastwest recrods America.  Collins dejó la banda antes de ese último álbum y el resto del grupo formaron después otro combo llamado Coax con Chris Flack en la guitarra. En 2010 volverían a tocar en el mismo escenario los Claims y los Dentists.

Documentos audiovisiales:

The Dentists interpretando en 1986 uno de sus mejores temas "Writhing On The Shagpile". 



Otro de los temas grabados por Alun Jones con los Dentists, "She dazzled me with basil".
 

jueves, 26 de septiembre de 2013

Fallece Tommy Hughes, músico británico de jazz, skiffle y rock and roll

Tommy Hughes nació el 7 de mayo de 1938 y murió el 21 de septiembre de 2013. Tocó el banjo y los teclados en varias formaciones de Liverpool en la época de transición del jazz al skiffle y de éste al rock and roll desde mediados de los cincuenta hasta principios de los sesenta.  Nos referimos a bandas legendarias como los Bluegenes  que se convertirían en los Swinging Blue Jeans, The Kansas City Five, o Faron And The Flamingos. 

Hughes empezó su carrera musical con los Pine-Tops en el año 1956 antes de entrar en los Bluegenes  creados por Bruce McCaskill, un personaje esencial para entender los inicios del merseybeat  gracias a su buen gusto pero también a su dominio de la electrónica por haber trabajado como aprendiz en un comercio de reparación de televisores.  El nombre fue una adaptación del que tenían previsto, los Bluejeans, que no adoptaron debido a que ya existía una banda así y acompañaba a Gene Vincent.  Bruce se encargaba de la voz principal, y el resto de la banda eran Arthur Griffiths a la guitarra rítmica, Kenneth Metcalf a la voz principal y guitarra, Norman Houghton  a la tabla de lavar (más tarde fue sustituido por Norman Kuhlke a la batería), y Ward Spud en el bajo. Al poco se incorporaría Tommy Hughes al banjo hasta el otoño de 1959 cuando tuvo que dejarles para incorporarse al servicio militar y fue substituido por Paul Moss.  Dos años después volvió convencido de que le habrían  guardado el puesto pero no fue así. Razones personales aparte, la banda había evolucionado. 
 
La furgoneta de los Bluegenes 

Los Bluegenes se hicieron famosos en Liverpool con su jazz al modo skiffle pero cuando fueron a tocar a Hamburgo a principios de los sesenta, les abuchearon y decidieron cambiar de enfoque pasándose al rock and roll.  El nombre lo habían transformado en The Swinging Bluegenes y después a The Swinging Blue Jeans, con el cantante y guitarrista Ray Ennis, el guitarra rítmico Ralph Ellis, el bajista Les Braid y el batería Norman Kuhlke.  En 1963 firmaron con EMI y sacaron  su primer single “It’s Too Late Now” y después  “Do You Know” o “Hippy Hippy Shake” que se convirtió en su mayor éxito.  The Swinging Blue Jeans, continuaron con cada vez menos repercusión,  gracias a Ray Ennis y Les Braid hasta la muerte de Braid en 2005.  


The Kansas City Five, Tommy tercero por la derecha
Por su parte, Bruce McCaskill también decidió pasarse al rock and roll con The Kansas City Five en  1961. La banda estaba muy influenciada por Jerry Lee Lewis, Fats Domino y en especial por la obra de Carl Perkins de donde obtuvieron su vertiente más rockabilly. Ese enfoque les permitió destacar entre las bandas del momento. Cambiarían varias veces de formación pero en un principio fueron Peter Cook, Tommy Hughes  a los teclados, Colin Middleborough, Robbie Hickson y Alan Stratton. Más tarde se le unirían otros miembros como Lewis Collins, Mal Theory,  Beryl Marsden, Barbara Harrison y Les Stuart, entre otros.


Tommy también tocó los teclados con Faron and The Flamingos (1961-1963), otra banda de Merseybeat de Liverpool conocida por otros nombres como los Ravens, formada por  Bill "Faron" Russley (William Faron Ruffley) voz y bajo, en  la que tocaron Nicky Crouch (guitarra), Trevor Morais (batería), Billy Jones (guitarra 1961-62), Eric London (bajo, 1961-62), Dave "Mushy" Cooper (bajo, 1962-63), Paddy Chambers (guitar, 1962), y Arty Davies (batería). Tommy Hughes seguiría tocando el teclado con los Mojos. 
 
Documento sonoro:
 
Los Kansas City Five interpretando el Boppin'the Blues de Carl Perkins con Tommy tocando el piano y el cantante descojonándose a saber de qué... ¿de los gorros-macetero a lo Devo que ya llevaban estos británicos a principios de los sesenta?. 
 
 



miércoles, 25 de septiembre de 2013

Fallece Pat Fear de los White Flag

Ha muerto Billy Bartell más conocido como Pat Fear, guitarrista de la banda angelina de punk rock White Flag, que también formó parte de grupos como Chariot y los Sawed Off, entre otros. Su fallecimiento, del que por el momento se desconocen más detalles, se hizo público el 24 de septiembre de 2013. 

La banda se formó en 1982 en Sunnymead (California), una localidad en el desierto entre Palm Springs y Los Angeles, en Inland Empire, una zona conocida también como  Moreno Valley. Como bien sabes el nombre es una parodia de los Black Flag, banda de hardcore angelina, y algunos de ellos adoptaron nombres, también  a modo de imitación, de otros grandes del punk.


White Flag

En el caso de Billy Bartel se llamaba Pat Fear por Pat Smear de los Germs. Hubo más, como Mike Mess por Mike Ness de Social Distorsion, o Jello B.Afro por Jello Biafra de los Dead Kennedys. El primer disco llamado "S is for Space" (1983) fue grabado por Pat Fear (guitarra), Trace Element (batería), Doug Graves (bajo), El Fee (guitarra) y Al Bum a la voz principal. Le siguieron los álbumes “Third Strike” (1984); “(WFO)” (1985); “Feeding Frenzy” (1986); “Peace” (1986); “Zero Hour” (1986); “Wild Kingdom" (1987); y “Skate Across America” (1989). Volverían en 1999 con “Eternally Undone” (1999) editado por la barcelonesa Houston Party Records y  más tarde sacaron “Benefit For Cats” (2010); más “Levitater the Listener” (2011) compartido con Versus You.

White Flag se convertía en un colectivo de trece personas en las que figurarían Ken Stringfellow aka Kim Crimson y Jon Auer de The Posies, Kim Shattuck y Ronnie Barnett de The Muffs, Jeff y Steve McDonald de Redd Kross, Greg Hetson de Bad Religion, Dale Crover de The Melvins y Eric Erlandson de Hole, Pat Smear de Germs/Nirvana/Foo Fighters, Tim Armstrong de Rancid, Javier Escovedo de The Zeros y Vicki Peterson de las Bangles.

White Flag
Pat también formó parte de la banda Chariot con Ken Stringfellow, guitarras y bajo; Brian Young, batería (Fountains Of Wayne); y Javier Escovedo, guitarra y voz (The Zeros), con los que editó un álbum para Munster en los noventa llamado “I am Ben Hur” (1998) con versiones de Alex Chilton, The Choir, Los Bravos, The Count Five y Paul Revere and the Raiders. A mediados de los noventa colaboró también con los madrileños Piolines en su álbum “Anunciado en TV” editado por Munster. Esta discográfica española sacó algunos discos de los White Flag en los noventa como el Ep de 1991 “3rd Sun Mower” con tres versiones tituladas “En La Ciudad” (Paul Weller);  “Call On Me Written” (Bangles) y “I Need You Written” (Ray Davies); más un split con la Secta en 1993. Tambièn tocó con los Zeros y formó parte de los Sawed Off comn el nombre de Sitting Bill, tocando la guitarra y bajo, acompañado por los Melvins: Bull Ramus (Buzz Osborne), cantante solista; y Big Chief Boo-Hoo (Dale Crover) a la batería.

Docunento sonoro:

Canción "Hell in a Handbag"de su álbum de 1982 "S is for Space" (Gasatanka Records).    



Con los Chariot y su versión del "You're so fine" de Alex Chilton incluida en el álbum "I am Ben Hur" (Munster 1998). 
 



martes, 24 de septiembre de 2013

F.A.N.T.A, con vosotros vamos a donde sea porque un nuevo disco con lo "mismo" nos da mucho más

Portada del Lp 
El grupo de punk pop F.A.N.T.A. ha sacado este 2013 un nuevo álbum titulado “Así no vamos a ninguna parte”, editado en vinilo por Rufus Recordings con un tema más, y en Cd por Rumble Records con distribución en el Japón a cargo de Waterslide Records. Mientras gran parte de la critica de este país, especializada o no, sigue apostando por la fusión entre el Indie y el folklore patrio, considerando esa mezcla como nuestra máxima aportación musical al mercado discográfico internacional, Magic Pop cree sinceramente que el punk pop, en manos de grupos como los Nikis en el  pasado, o los Fanta en el presente, por citar solo un par de grandes ejemplos, son una de nuestras más firmes señas de identidad en la que podemos encontrar una idiosincrasia altamente creativa y una actitud francamente evolutiva. Que a los media les entusiasma el pseudo flamenco con pared de distorsión de fondo, o la rumba achilifunk, pues muy bien, allá cada cual con sus gustos. Pero que no intenten convencernos, porque nosotros preferimos “más de lo mismo”, título de uno de los mejores temas de este nuevo disco de los siempre geniales F.A.N.T.A. Tras oír a conciencia sus 19 canciones originales, nos atrevemos a afirmar que, en manos de los Supporters (club de fans de Fanta), esa máxima se convierte en “lo mismo, nos da más”  de la misma manera que el título genérico del álbum podría transformarse en un devoto: “Con vosotros vamos a donde sea”.  Pero para que nuestra opinión no parezca excesivamente incondicional (aunque lo es y qué…), trataremos de explicarnos con fundamento profesional.
          
F.A.N.T.A. 
F.A.N.T.A. se forma en el año 1999 en Santa Coloma de Gramenet (Barcelona) por   Noe (bajo), Beto (batería) y Oscar (guitarra). Influenciados por los Ramones, graban su primera maqueta con el título de “Quiero ser tu Johnny Ramone”. En 2001 sacan tres demos más con los títulos de “Mi chica salió de la morgue”, “Operción Bikini” y “He creado un Ramone”. Al año siguiente, 2002, la bajista Noe deja el grupo y es substituida por Gabi. Graban otra maqueta “Solo quedamos tu y yo” previa a su primer álbum de 2003 titulado “Vacaciones en marte” primera referencia del sello 'Música para Top'. Cabe destacar que fue producido por Joaquín Rodríguez, bajista de Los Nikis y Los Acusicas. Entre tantas canciones memorables, podemos citar temas como “Berlín”, “Manicomio”, “Mi novia fue actriz porno”, “Solo quiero”, “Vacaciones en Marte”, “No muerto” o “La chica del metro”. Contaron también con la colaboración de Baby Horror más Nacho y Mauro Canut quienes les regalan una canción titulada “Si yo soy un robot”.

En 2005 saldría su segundo álbum titulado "Nada volverá a ser como antes” con grandes temas como “Bruce Lee”, “Soy un idiota”, “Bazar Oriental”,  “Yo quiero ser un Zombi”, “Halloween”, entre otras, también con el sello 'Música para Top' producido, en este caso, por Pelayo de los DDT. El grupo también participa en el homenaje a los Nikis “10 años en Sing Sing”  o en el de los castellonenses Depressing Claim titulado "Radio Surf Resintonizado".  Su música se incluye en recopilatorios como ¨Viva el Pop¨ de Subterfuge records o en el Bublegum World Compilation. En 2007 vería la luz “El Chico con Rayos X en los Ojos” con temas como el que le da título, más “Iker Jiménez”,  “Adicto a tu fotolog”, “Cambio climático”,  “Mi coche fúnebre”, “Ya no quieres verme más”, “2084 Planeta Tierra”, o “Cómics de Marvel”. En 2010 sale su anterior álbum titulado “Está escrito en tu mano” con canciones como “Código azul”, “Metas Volantes”,  “Este invierno va a ser largo”, “Hombre lobo en la Barceloneta”, “Pegado a ti”,  o “Yo maté a miss mundo”, entre otras perlas sin desperdicio alguno que figuran en el catálogo del mejor punk pop internacional.   

Portada del Cd
Este nuevo disco fue grabado y masterizado en los Gabba Studios por Oscar F.A.N.T.A. durante los meses de junio y septiembre de 2012. La producción corrió a cargo del propio Oscar y el resto del grupo. La portada del Cd, con una imagen relacionada con el tema “Calamity James” a modo de homenaje al spaguetti western, es obra del ilustrador y tatuador, Allan Graves. En el caso del vinilo, hay que remarcar la también magnífica portada, con el grupo acosado por los zombis, original del conocido dibujante de Elche, Fernando “Rayos X”, y una maquetación genial a cargo de Rufus Recordings.       

Las canciones

El disco arranca con la fuerza de un motor a reacción que da paso a dos tremendas canciones con un leitmotiv central: huir, bien sea de un amor finiquitado o de un virus con reproche incluido. Mientras que con “Destino al azar” acaban llegando “sin demasiada suerte” a Albacete donde les va a resultar difícil olvidarse de "que fui tuyo"; con “28 Dias” critican la irresponsabilidad de los ecologistas al liberar un chimpancé que infecta a todo el mundo en ese mencionado periodo de tiempo. En ambas canciones, las guitarras transmiten una gran pasión mediante los acordes justos y bien escogidos. De este modo consiguen diseñar una pared de sonido que recorre a toda pastilla los escasos minutos del tema, indispensables para contarnos una pequeña pero, a su vez, intensa historia.


F.A.N.TA.
FANTA son unos maestros para crear micro relatos en ocasiones existencialistas, y en otras, propios de una imaginativa y divertida ciencia ficción. En la siguiente canción llamada “Capsula del tiempo” deciden  enterrar recuerdos, fotografías, un disco de los Ramones,  monedas, comics… de todo, menos la foto de la chica que ya ha olvidado. Y cuando lo tiene planeado, le pica la curiosidad de elucubrar si, quien la encuentre, se emocionará con ella, en el caso de que coincidan en gustos; o quizá quede enterrada por toda la eternidad sin que nadie nunca la descubra. Un tema en el que ponen de manifiesto, una vez más, su habilidad para diseñar extraordinarios riffs de guitarra como en “Calamity James”, fantástico homenaje punk pop a un actor de reparto de westerns en el desierto de Almería que distrae a los pocos turistas que acuden a verle.      

Ese deseo de mantener vivas las ilusiones y mostrarse firmes, sin olvidar los sueños a pesar de que no lleguen a materializarse, se entrelaza con el siguiente corte llamado “No puedo cambiar”. Aunque lo prometió, le es imposible intentar ser otro. Canción de amor tan difícil como pretendidamente incondicional entre repetidos perdones y con una  novia “hipnotizada” como la protagonista de la siguiente canción. Una compañera sentimental con la voluntad aniquilada por aquel que antes había rechazado y que con esas artimañas podrá presumir ahora de relación ante sus amigos quienes no se explican cómo es pisible tal noviazgo.      

En directo, descargando adrenalina punk pop
Con “Yo no toco el casiotone” se endurecen aún más si cabe con esos arreglos de enérgica guitarra que resulta ideal para criticar, sin treguas rítmicas, a esos modernos de gafas de pasta, con bigotes, que tocan el ukelele, o el casiotone, y bailan en el Apolo de Barcelona… Una descripción que les distancia de una sosa juventud, uniformada y a la moda… “aunque igual es que ya está muy viejo y todo le da palo”, como aclaran al final. Le sigue “Tendencias suicidas”, relato de un suicida con muy mala pata, que no consigue materializar sus propósitos y fracasa de la forma más penosa. Incluye uno de los pocos solos de guitarra del disco, sin florituras por otra parte innecesarias, con el que cierran este gran tema.

“Record Guiness”, perceptible por esas guitarras cotantes, es el título de la siguiente canción donde nos manifiestan el propósito de “dejar en el mundo algo profundo, matar al presidente, secuestrar a alguien influyente…”. Como en todas las canciones,  nos regalan una excelente melodía que borda esa necesidad de “buscar su oportunidad, que le hagan caso, aunque acabe en el calabozo y quemarse a lo bonzo”. Al final decide inscribir su nombre en el record guiness con algún record absurdo.      
 .
“Fiesta en alta mar” da por terminada esta primera cara del vinilo cabalgando sobre olas con sintonía  “Vacaciones en el Mar” a modo de preludio de una descarga de adrenalina en unas accidentadas vacaciones para solteros. En lugar de ser embarcados en un barco con chicas, un fallo informático les lleva a uno equivocado con chicos cachas que les sacaban a bailar. Divertida historia con momento de paso de bajo sensacional, en el que al final dicen: “y reconozco que no ha estado tan mal”.

Gabi y Óscar 
La cara B empieza inteligentemente con el tema titulado “Más de lo mismo”, en el que nos explican que son conscientes que cantan: “las mismas letras, los mismos ritmos, cada dos años lo mismo… no cambiaremos, no queremos hacer otra cosa… verano, zombies, surf y vampiros”. Y para quien eso le parezca monótono, que sepan que: “No nos importa, no queremos tocar de otra forma… son solo tres acordes, más de los mismo…”. Absolutamente genial.

“Un año sin ti”, es un tema más romántico, con la influencia del paso de tiempo, pura poesía, distribuida de forma mensual, para explicarnos “qué largo se hace un año sin ti”. Bonitos coros, con otro pequeño solo de instro surf. Precede a “Todo acabo”, tema contundente en el que nos desvelan, sin tapujos, que “nunca pensé que podría odiar a alguien tanto como a ti… esto se terminó… ahora tengo que pensar en mi, todo acabó, ya no hay solución… lo nuestro solo era un puto juego para ti”. Desamor envuelto en distorsión luminosa y rabia contenida que da paso a “Rocket Racoon (la mascota psicopata), canción sobre esos típicos héroes del baloncesto universitario, y antihéroes con traje de mapache, que se visten de mascota para impresionar a una chica que suspira por la estrella del equipo. La humillación acaba por convertir al antihéroe en un asesino en serie. “La mascota es el puto psicópata, y la próxima víctima eres tú”.          

El amor no correspondido sigue siendo protagonista en “Pagafantas”, con esos acordes ramonianos que provocan el entusiasmo. Un chico le recomienda a su mejor amiga: “tienes que ser valiente, no le perdones, dejarle, que ese tío no se merece, que te dice cosas muy fuertes… ese capullo no te merece, y si vienes conmigo pronto de él te olvidarás y todo cambiará… no quiero ser solo tu amigo perfecto”.  Con “La casa magnética”, recuerdan antiguas relaciones sentimentales cuando todo era inocencia y emoción; cuando compartían atracciones en un parque ya cerrado y que ahora ha sido substituido por la  realidad virtual.      

Esto sí que es más de lo mismo, y no tiene precio. Sorrofest
Y hablando de relaciones, quizá sea el siguiente tema una aproximación a lo difícil que puede resultar mantener esos contactos cotidianos que solemos crear en nuestro entorno,  y no solo en el amor, también con un grupo de amigos, incluso en una banda de rock. Con “Asi no vamos a ninguna parte”,  el protagonista se queja de tantos “reproches, de tus puntos cambios mentales, basta de decir que todo lo que hacemos es malo, de chantajes emocionales, no te das cuenta de que así no vamos a ninguna parte, basta ya de criticarme, de hundirme”. Con la siguiente canción, vuelve a aparecer esa tercera persona que intenta evitar lo que le parece una injusticia vital. En “Olvida ese cretino”, el ignorado se decide por evitar que ella cometa un error y se case con el equivocado: “salgamos corriendo los dos y olvida a ese cretino”.  Acaba el disco, en su versión en vinilo, con la imprescindible “Roller derby”, tema extraordinario y uno de los mejores del álbum, en el que nos hablan de una chica competitiva, dura y sensual que practica roller derby deporte de contacto, que se lleva a cabo mediante patinaje sobre ruedas en una pista oval. Cuentan con la colaboración estelar de un magnífico coro femenino formado por Susana (Urogallos), Eva M.A.I., Montse y Maribel.
   
Beto con la camiseta de Naranja y Negro (Rufus) 
Este poderoso trío de Santa Coloma de Gramenet ha vuelto a demostrarnos mediante este gran álbum que, con el propósito de perfilar su propia idiosincrasia irrenunciable,  consiguen adaptar el legado de grandes bandas de punk pop de la historia mundial, con extraordinaria creatividad  e imaginación. De este modo, delimitan su propio espacio vital, sonoro y literario, con una capacidad innata de reproducir en pocos minutos pequeñas historias tan intensas como emotivas. Las canciones de F.A.N.T.A. son un compendio de velocidad, melodía y letras. Pero que nadie se  confunda: esa combinación de factores no es tan fácil de conseguir como estamos seguros que les parecerá  a esos envidiosos de siempre que todo lo saben; no al menos con la efectividad y fantástico atractivo musical que consiguen transmitir este poderoso trío gracias a ese envidiable “más de lo mismo”. 

Nota: Puedes adquirir una copia del vinilo en la página de Naranja y Negro aquí y escuchar los temas en el bandcamp del grupo.

lunes, 23 de septiembre de 2013

Fallece Bobby Mansfield de los Wrens, grupo de doo wop

B. Mansfield 
Bobby Mansfield  nació el 26 de agosto de 1937 en el Bronx de Nueva York donde falleció el 15 de septiembre de 2013. Fue miembro de la banda de doo wop de mediados de los cincuenta, The Wrens, un grupo con mucho talento que apenas tuvo éxito pero que aportaron unos cuantos temas emotivos memorables. Tras los Wrens, le acompañaron otro grupo llamado The Supremes y en los noventa grabó con los Calvanes.

Los Wrens comenzaron a principios de los cincuenta en Morrisania, suroeste del Bronx con los amigos Waldo Champen (tenor , también conocido como "Champ Rollow"), Francis "Frenchie" Concepcion (tenor), Archangel "Archie" Oropeza (barítono), y Raoul McLeod ( bajo). Cantaron juntos un par de años y se separaron. En 1952, Concepcion reclutó dos nuevos cantantes: el tenor George Magnezid y bajo James "Archie" Archer.  Formaron un trío y a los dos meses se unieron al tenor Bobby Mansfield que por entonces tenía solo 15 años. Seguía aún en la escuela como Oropeza. Concepcion y Magnezid eran un poco más mayores y ya habían acabado su formación escolar.

The Wrens
En 1954 ganaron  un concurso organizado por el pianista y arreglista Freddy Johnson quien se convirtió en su manager.  El 21 de noviembre de 1954 cantaron para Rama Records propiedad de George Goldner.  Grabaron cuatro temas  llamados “Come Back My Love” , “Eleven Roses”, “Love’s Something That’s Made For Two”,  (con Mansfield como cantante principal) y “Beggin’ For Love” ( con  Concepcion como solista).  Johnson tocó el piano y contrató a músicos de sesión.  Cuando se separaron de Johnson , estuvieron acompañados por la orquestra de Jimmy Wright. En 1955 grabaron temas como “Hey Girl”, “Serenade of the bells”, “She’s my everything”, “I Won't Come To Your Wedding”, y “What Makes You Do The Things You Do”. El mes de octubre de ese año Joseph "Rocky" Washington, de los Sparrows, substituyó a Archie que se alistó en el ejército del aire. En 1956 sacaron un single con el tema “C’est la vie” versión de la canción interpretada por Sarah Vaughan. Cansados del poco éxito que tenían y con familias que mantener, decidieron romper el grupo.

The Wrens

Mansfield empezó una carrera en solitario acompañado por un grupo llamado The Supremes con los que sacó para Gee, otro de los sellos de Goldner, un single con los temas “Reckless” y “House Of Cards”. Los Supremes eran Larry "Lonnie" Gales (tenor), Ed "Sonny" Jordan (tenor), Billy Baines (bajo), y Waldo Champen (baritono). Larry fue substituido por Concepcion y grabaron un antiguo tema de Mansfied que Goldner siempre se había negado a editar. Se llamaba "Come Back And Give Me Your Hand". No salió y fue a parar, durante muchos años, a una cinta donde grabaron después los Solitaires. Cuando se dio a conocer en los ochenta se creyó erróneamente que era de ellos.  Tras la sesión para Gee, Bobby se alistó en el ejército.

En 1992 cantó los temas “Why Can't You"/"I'm Just The Kind Of Guy" con los Calvanes de New York, grupo formado por Herman Pruitt, Bobby Adams, Fred Willis, y Jimmy Corbitt.  James "Archie" Archer, quien también cantó con   falleció el 22 de junio de 1999.  George Magnezid formó parte de los Solitaires y murió en diciembre de 2003.  Bobby Mansfield pasó algunos años cantando con la Morrisania Revue, una banda que incluía a la difunta Lillian Leach y Arthur Crier de los Mellows.

Documento sonoro:

La fabulosa canción “Come Back My Love”, con Mansfied como solista, editada a mediados de los cincuenta por Rama en la que demuestran que fueron un grupo de doo-wop con una magníficas voces.  También se puede oír su cara B “Beggin’ For Love” con  Concepcion como solista. 

 
Bobby acompañado por los Supremes interpretando "Reckless”


 
Y esta la canción nunca editada en su día que se creyó que era de los Solitaires porque apareció en una cinta de este grupo, aunque es de Mansfied y la canta con su grupo.   
 

Dogbeats, primer Ep con empatía energética para la última generación fuera de control

Portada 
The Dogbeats son una banda de rock and roll creada recientemente en  Benidorm, tierra “funtastica” por excelencia, donde se han formado en los últimos años una lista más que considerable de potentes bandas de punk rock y surf sin contemplaciones  como son la Moto de Fernan, Dirty Surf, Vickyleytones, Harry Sons, Bastardos o Motocross también conocidos como Camión. Dogbeats presentan su Ep de debut con los indispensables Rufus RecordingsDevil Records. Contiene cuatro fantásticos temas propios  con enorme empatía energética.  De forma genérica, procuran una descarga de guitarras  con agilidad y dinamismo, acompañadas por ritmos golpeando la apatía con dureza, y una voz sensacional presidiendo una música que, cuanto más la oigas, más te sentirás fuera de control dentro de ésta, nuestra última generación.  

The Dogbeats son un power trío formado con componentes de los  mencionados Harry Sons, Bastardos o Motocross. Ellos son  Jaume aka “Jaumal” a la guitarra y voz;  Fernan al bajo y voz;  y Sergi “Dinamita” a la batería. Su música recoge lo mejor de las bandas norteamericanas de proto punk rock como los Stooges o los MC5, más el sonido aussie High Energy de los Radio Birdman, Bored!, Powder Monkeys, o The Onyas.

The Dogbeats 

Este Ep se grabó en los Tigruss Studios, (Gandia, Valencia) el 18 y 19 de febrero de 2013. Producido y grabado por Mihran Mongotronix y Pepe Tigruss, el artwork corre a cargo de  Sergi Dinamita con esa portada de punk rock cancerbero, más una foto del grupo en la contraportada a cargo de Reinaldo Soriano. La edición en vinilo está limitada a 250 copias numeradas.

The Dogbeats. sala Babel 2012 
El disco empieza con la contundente “Last generation”, con entrada de batería que combina fiereza con el brutal recorrido de una guitarra fascinante y una voz que nos recuerda a los grandes frontman del proto punk setenteto. No faltan riffs descarnados de guitarra que forman una arrolladora pared de sonido, más un buen solo de guitarra que se precipita en un acorde final que te golpea directo a los sentidos. Le sigue “The More i see you”, tema de metralleta rítmica que desemboca en un tema de punk hardcore interpretado a toda pastilla. Incluyen  cortes temáticos que mantienen la tensión de principio a fin.  

En la cara B, nos topamos con “I out of control”, con inteligentes arreglos para guitarra rugiendo de fondo al tiempo que son torpeadas por un bajo sensacional y entrelazándose, con esa potente voz principal, incluido algún que otro toque de hard psicodelia.  Puro lenguaje de rock and roll con ritmos directos al estómago, entre riffs apasionantes, que nos lleva a “Energy feelings”, tema que destaca por una precisa batería cabalgando desbocada al tiempo que rodea a una voz convincente, mientras las guitarras nos procuran un sonido abrasador.

The Dogbeats. Sala Rockstar. 2013  
Cada vez que se pone en marcha un nuevo proyecto como el de los Dogbeats, en este caso creado por músicos experimentados que saben muy bien qué tienen entre manos, se abre una posibilidad más de perpetuar la que podría ser la última generación del rock and roll. Y cuando hablamos de generación, no nos referimos a estrictos márgenes de edad sino a una amplia minoría coetánea que comparte una actitud interpersonal y que prefiere una vida fuera de control antes de ser fagocitada por una sociedad en crisis, económica y cultural, fomentada por la ambición y la envidia multinacional. Así que, tú eliges en que bando prefieres estar pero si optas por el de los Dogbeats y el buen rock and roll, demuéstralo yendo a los conciertos y comprándote este gran sencillo. Te aseguramos que, en ambos casos, no te va a faltar una descarga energética con mucho feeling que te permita estar muy orgulloso y orgullosa de pertenecer a una comunidad salvaje.

Nota: Puedes escuchar algunos temas en el bandcamp. Puedes comprar una copia en Naranja y Negro (Rufus Recordings).

         

sábado, 21 de septiembre de 2013

Muere Roger Pope de los grupos de R&B mod, Soul Agents y los Loot

Roger Pope nació el 20 de marzo de 1947 en Whitestable, Inglaterra y falleció el 17 de septiembre de 2013 en una residencia para la tercera edad en el sur de Inglaterra. Fue un extraordinario baterista que empezó tocando con las bandas británicas de R&B mod, The Soul Agents y los más psicodélicos The Loot. Luego formó parte de los Hookfoot, banda de hard rock y blues. Tocó en álbumes  emblemáticos como  el  fabuloso “As i Am” (1969) de Chris Britton de los Troggs, y colaboró con Elton John en un total de seis álbumes desde su debut, más Seals And Crofts, Kiki Dee, Buddy Guy, Al Stewart, Chris Darrow, Harry Nilsson, Cliff Richard, entre muchos otros.

Roger empezó a tocar la batería a los 13 años y prontó entró a formar parte de bandas locales. Con  el bajista Jim Sachs, el vocalista John Keeping, el teclista Don Shinn, y el guitarrista Tony Goode, tocó la batería en los Soul Agents a mediados de los sesenta. Sacaron unos cuantos singles para Pye con versiones de temas como “I Just Want To Make Love To You” de  Dixon o “Mean Woman Blues”; así como   “Don't Break It Up” de Howard Blaikley o el tema propio “Gospel Train”. la banda también acompañó a Rod Stewart.

Después  formó parte de los Loot, otro grupo mod, con Chris bates a la voz principal, Jeff Glover al bajo, Bruce Turner a la guitarra solista, y Dave Wright a la guitarra rítmica. Entre 1966 y 1968 sacaron singles para Page One con temas como “Baby”; “Baby Come Closer”,  “She’s a Winner”,  “Try to Keep it a Secret”, entre otras; y con CBS canciones como “Don’t turn around”,  o “You are my sunshine”.
   

Después vendrían los Hookfoot, banda de hard blues rock progresivo formada por Pope con   – Dave Glover al bajo,  Ian Duck a la guitarra, armónica y voz;  y Caleb Quaye, guitarra, teclados, voces.  Grabaron varios álbumes para A&M records como el homónimo de 1971; "Good time a'comin" y "Communication” de 1972; o “Roaring” en 1973. También fueron músicos  de sesión y como tales acompañaron a Elton John desde finales de los sesenta quien grabó con ellos el álbum “Empty Sky” (1969) entre otros trabajos posteriores.  Disueltos los Hookfoot, Pope volvería a colaborar con Elton John, con el que sacó en total hasta 6 discos, a mediados de los setenta en trabajos como “Rock of tghe Westies” (1975).  A finales de los setenta grabó con los China y la lista de músicos con los que ha colaborado es muy larga e incluye a grandes como Seals And Crofts, Kiki Dee, Buddy Guy, Al Stewart, Chris Darrow, Harry Nilsson, Cliff Richard, John Oates y Daryl hall, entre muchos otros.

Documento sonoro:

"Gospel  Train" un tema original de los Soul Agents de mediados de los sesenta muy conocido por la comunidad mod.

 
Otra de las perlas mod de los Soul Agents con la batería de Roger Pope y en una de las fotos con  Rod Stewart. Se trata de la canción “Don't Break It Up” de Howard Blaikley


Los Loot grabaron para Page One este "Try To Keep it a Secret" en 1969

 

 Con Hookfoot haciendo ya hard blues rock con este disco homónimo de debut en 1971



 

Fallece el gran guitarrista de soulful jazz, Jimmy Ponder

Jimmy Ponder
Jimmy Ponder nació el  10 de mayo de 1946 y murió el 16 de septiembre de 2013 en su ciudad, Pittsburgh , Pennsylvania. Fue un extraordinario guitarrista de jazz, y soulful funk jazz, con una brillante carrera en solitario y una larga lista de colaboraciones desde finales de los sesenta hasta la actualidad.

Empezó tocando la guitarra a 14 años, influenciado por Wes Montgomery y Kenny Burrell .  Tres años después tocaba con el organista Charles Earland con quien grabó “Soul Crib” (Choice Records, 1969) . Siguieron colaboraciones con  Lou Donaldson , Houston Person , Donald Byrd , Stanley Turrentine , y Jimmy McGriff .  Se trasladó a Filadelfia y después se instaló en Nueva York en la década de los setenta, donde grabó varios discos como solista. 

Jimmy Ponder
En los ochenta volvió a tocar en su ciudad natal en formato de trío con otros dos grandes del jazz de Pittsburgh, Roger Humphries y Gene Ludwig. En solitario destacan trabajos como “While My Guitar Gently Weeps” (Cadet Records, 1973); “Illusions” (Impulse! Records, 1976); “White Room” (Impulse, 1978); “All Things Beautiful” (LRC, 1978); “So Many Stars” (Milestone Records, 1983); “Mean Streets:No Bridges” (Muse Records, 1987); “Jump” (Muse, 1988); “Come On Down” (Muse, 1990); “Soul Eyes” (Muse, 1991); “To Reach a Dream” (Muse, 1991); “Something to Ponder” (Muse, 1994); “James Street” (HighNote Records, 1997); “Steel City Soul” (32 Jazz, 1998); “Guitar Christmas” (HighNote, 1998); “Ain't Misbehavin'” (HighNote, 2000); “Thumbs Up” (HighNote, 2001); “Alone” (HighNote, 2003); “What's New” (HighNote, 2005), “Live at the Other End” (Explore Records, 2007) y “Jimmy Ponder: Sonny Lester Collection” (LRC, 2007).

Jimmy Ponder
Entre su grabaciones con otros músicos podemos citar: con Rusty Bryant el “Wild Fire” (Prestige, 1971); con Donald Byrd, “Fancy Free” (Blue Note, 1970); con Andrew Hill, “Grass Roots” (Blue Note, 1968. 2000); con Willis Jackson, “In the Alley” (Muse, 1976), con Jack McDuff, “The Fourth Dimension” (Cadet, 1974); con John Patton, “That Certain Feeling” (Blue Note, 1968); con Shirley Scott, “Superstition” (Cadet, 1973); con Stanley Turrentine y Shirley Scott, “Common Touch” (Blue Note, 1968).

El pasado mes de julio aún realizaba conciertos en directo y finalmente el cáncer de pulmón que padecía nos lo ha arrebatado.


Documentos audiovisuales:

Del álbum "Soul crib", "Mus' LSD" con el trío de Charles Earland acompañando al saxo tenor George Coleman.


 
Jimmy Ponder actuando en directo en su ciudad, Pittsburgh  

 
Jimmy Ponder con el grupo de Jimmy  McGriff 
 
 
En su faceta más funk soulful en el álbum "All things Beautiful" (1978) 


jueves, 19 de septiembre de 2013

Fallece Lindsay Cooper, multiinstrumentista de la escena de Canterbury y música avant-garde

Lindsay Cooper
Lindsay Cooper nació el 3 de marzo de 1951 en Horsney (Londres) y murió el 18 de septiembre de 2013. Fue una prestigiosa compositora de música contemporánea e instrumentista que dominaba el fagot, el oboe, el clarinete, la flauta, el saxo y el piano. Aunque se inició en la música clásica, a principios de los setenta se pasó al rock progresivo formando parte de bandas como Comus. Colaboró con Henry Cow,  Mike Oldfield, y formó parte del Feminist Improvising Group entre múltiples proyectos de música contemporánea, avant-garde, y bandas sonoras interpretadas con su propia banda. 

A los 11 años empezó estudiando el piano y poco después se pasó al fagot con el que completó sus estudios clásicos. De muy joven tocó con la Joven Orquesta Nacional de Gran Bretaña y la  Royal Academy of Music de Londres. Después se trasladó a Nueva York para seguir sus estudios y allí se interesó por las bandas sonoras del cine.

Lindsay Cooper

En 1971, con 20 años, regresa a Inglaterra y deja aparcada su faceta clásica para pasarse al rock progresivo formando parte de la escena de Canterbury. Colaboró con los Comus con quienes grabó el disco "To keep for crying" (1974). En esa época incorpora a su manejo instrumental el oboe, la flauta y el clarinete. Se convirtió en afamada instrumentista de estudio  y ese mismo año grabó con  Mike Oldfield su álbum "Hergest Ridge" . Hay quien se confunde y cree que tocó en el “Tubular Bells” pero no fue ella sino la contrabajista Lindsay L. Cooper.

A raíz de un proyecto de teatro, conoció al músico y compositor de avant-rock,  Henry Cow con quien grabaría varios  álbumes. Cow le propuso unirse a su grupo en substitución del saxofonista y flautista  Geoff Leigh, y ella no lo dudó ni un instante a pesar de que le acabaran de arrancar las cuatro muelas del juicio. De inmediato entró en el estudio y empezó a grabar el  segundo disco de Cow llamado “Unrest” (1974). Empezó a tocar con ellos de gira para convertirse más tarde en compositora de los temas y únicamente participaba de las grabaciones hasta quie se separaron en 1978. También tocó en el disco “In praise of learning” (1975); “Desperate Straights” (1975); “Concerts” (1976); y “Western Culture” (1978)m en el que Lindsay añadía a su larga lista de instrumentos el saxo soprano.  

Cooper fundaría el Feminist Improvising Group, grupo de avant garde jazz y experimental  con Sally Potter, cantante y saxo alto; Maggie Nichols, cantante; Georgie Born (de Henry Cow), cello y bajo; e Irène Schweizer, piano y batería, entre otras, con las que estuvo tocando por toda Europa de 1977 a 1982. Después de Cow, volvería a colaborar con Comus y grabó su primer disco en solitario llamado  ”Rags” (1981) sobre los talleres clandestinos en la Inglaterra victoriana. Su trabajo más conocido es “Oh Moscú” de 1987, en el que trataba las desigualdades y problemas ocasionados por la guerra fría. 39 días después de que  se estrenara la obra, cayó el muro de Berlín.  

Lindsay Cooper

En los ochenta formó parte de la banda de avant-rock News From Babel, y colaboró con los protopunk experimentales, David thomas and The Pedestrians. Tocó jazz de vanguardia, compuso música para danza contemporánea, y bandas sonoras para cine destacando la película "The Golddiggers" (1983) de Sally Potter, entre muchas partituras para cine y televisión interpretadas con su propia banda The Lindsay Cooper Orchestra. 

Desde finales de los noventa estaba retirada a causa de la esclerosis múltiple que padecía desde finales de los setenta pero que no hizo pública hasta que le fue imposible seguir tocando en directo.         


Documento audiovisual:


Tocando en la banda de Henry Cow a mediados de los setenta.



De su obra "Oh Moscow", sobre la guerra fría estrenada 39 días antes de que cayera el muro de Berlín aunque no se editaría hasta 1991. Con Sally Potter cantando.



Fallece Johnny Laboriel, cantante mexicano de rock and roll

Johnny Laboriel
Juan José Laboriel López nació el 9 de julio de 1942 en Ciudad de México donde murió el 18 de septiembre de 2013 a consecuencia de un cáncer de próstata que padecía. Conocido por el nombre de Johnny Laboriel, fue uno de los principales intérpretes americanos de rock and roll de los sesenta.

Hijo del actor de cine, Juan José Laboriel y de la actriz Francisca López de Laboriel, originarios de La Ceiba, Honduras, así como hermano del bajista Abraham Laboriel, entró a formar parte en 1958 del grupo de rock and roll Los Rebeldes del Rock formado un año antes por los hermanos Tena, Américo, Waldo y Polo Tena. Substituiría  a anteriores cantantes como Toño de la Villa quien sería reemplazado por Sammy Fournier.


Los Rebeldes del Rock
El grupo estuvo formado por los mencionados hermanos Tena: Américo (requinto), Waldo (Guitarra) y Marco Polo (bajo), más Paco "El Abuelo" Domínguez (piano), José María 'Chema' Silva a la batería y Johnny cantando. También tocaron en la banda los guitarristas Marcos Lizama y Carlos "El Tigre" Duffó. Con esa banda. Johnny se dio a conocer cantando temas como “La Hiedra Venenosa”,   “Rock del ángelito” (“Rockin' Little Angel”) y “Melodía de amor”, entre muchos otros éxitos que sonaron insistentemente por la radio de la época. Su primer Lp salió con Dimsa. Con ellos grabó cuatro de los cinco discos que sacaron con Discos Orfeón antes de que esa compañía decidiera potenciar la carrera de Johnny en solitario. Le substituyó Baby Moreno.

En 1963 empezó su trayectoria como solista y siguió triunfando con temas como “Corre Sansón corre”, “Cuando florezcan los manzanos”, “El chico Danielito” (“Danny Boy”), “Highway to Hell”, “Historia de amor”, “Kansas City”, “El mechón”, “La bamba”, “La hiedra venenosa”, “Luces de Nueva York”, “Muévanse todos”, “Recuerdas cuando”, “Un tonto como yo” y “Yakety yameeeq” entre muchos otros con los que llegó a concursar en nueva ocasiones en el festival de la OTI.

Johnny Laboriel


También colaboró en programas de televisión e incluso tuvo un papel en una telenovela a finales de los ochenta así como en la banda sonora  de la película mexicana “Todo el poder” de finales de los noventa, dirigida por Fernando Sariñana (1999), acompañando vocalmente a Alejandro Rosso de la banda Plastilina Mosh. Seguía actuando, hasta que en los últimos meses el cáncer de próstata le obligó a dejar los escenarios.

Documento audiovisual: 

Imágenes de la película de  1962 "A ritmo de Twist" de Benito Alazraki con los Rebeldes del Rock amenizando la fiesta con su "Melodía de Amor".