lunes, 30 de noviembre de 2015

Furious People y Llunatiks comparten un Split con vigoroso y creativo “High Energy Rock and Roll”

Portada
Los grupos Furious People de Castellón y Llunatiks de Valencia han compartido un Split con el título genérico de “High Energy Rock and Roll”. Coeditado este 2015 por las discográficas  H-Records, Picnic Records, Tuca Raca, Punk Machine Records, Rufus Recordings y Discos Harmony, contiene seis canciones, tres por banda, en las que nos ofrecen una muestra precisa de su talento, tanto de sus excelencias compositivas como interpretativas, aderezas por una descarga de actitud a raudales. Se trata de dos de las bandas más contundentes de nuestra escena  de rock and roll, fluctuando,  como su título bien indica, entre los parámetros del hard rock y el punk rock escandinavo y australiano.  Para sus acérrimos seguidores, seguro que esta edición discográfica es una gran noticia a celebrar por todo lo alto, y para los que aún no tienen el placer de conocerles, se trata de una ocasión única para añadirles a su flamante discografía personal donde ocuparán, con toda seguridad, un lugar destacado.   

Trayectoria de Furious People

Furious People. Foto de su facebook
Furious People son una banda formada en Almassora (Castellón) con una década de trayectoria, numerosos conciertos a sus espaldas y cinco enérgicos trabajos discográficos. Se forman a finales de 2005 tras un anterior proyecto llamado Fuera de Juego. Al año siguiente graban una maqueta con el título de ''Greatest Hits'' con la que tocan por Bélgica y Francia así como casi todo el estado español. Después sacan un Ep autoeditado en 2009 con el título de ''Straight To Hell'' con 7 temas más el videoclip ''You Are Your Only God'' de su primera maqueta. En 2011 se autoeditan su  tercer trabajo llamado genéricamente ‘’Rock The Road’’ con de 10 temas más el videoclip de  ‘’Choose Your Life’’ incluida en su segundo disco. En 2013 sale su nuevo y cuarto trabajo llamado ''Time For Reaction'' con 7 temas, 6 propios y una versión del ''Gotta Get Some Action (Now)” de los Hellacopters. La banda ha ganado tres concursos en Castellón, Vinaroz y Villarreal, llegando a finales en Barcelona, Valencia y Navarra más la semifinal del concurso Villa de Bilbao 2011. Las canciones del Split las graban Mr.Furious (voz principal), Furious Doc (bajo), Furious Pardo(guitarra, coros), Furious Chus, (guitarra), Furious Teddy (batería).

En estos momentos están en plean campaña de micromecenazgo para costear la grabaciópn de su próximo trabajo, el sexto, con el que celebrarán una década de impecable trayectoria. Puedes obtener más información en Verkami.

Las canciones furiosas

Fruious People. Foto de su facebook
Los Furious People abren con el tema “That’s life”, “una guerra contra el tiempo, una cuestión de vida o muerte, con el corazón y el alma en llamas”. Listos para un nuevo asalto, dentro de  esa perseverancia vital que les caracteriza, descargan con sus guitarras penetrantes, ritmos percutidos de forma salvaje y voces noqueando al oyente con sus proclamas de lucha y superación. La formación suena conjuntada, rauda, agresiva, aportando riffs fantásticos y un extraordinario solo de guitarra. Y de la alarma general pasamos a esa “Tinta en mi piel” que suena en el dial con la presentación del programa de radio “El Behringer” del Capi. Aquí cantan en español  y nos cuentan cómo se impregnan en nuestro cuerpo  los recuerdos de los momentos pasados, de aquello que fuimos “que no son fruto ni de modas ni lamentos, son los recuerdos de lo que siempre querré”.  Una lucha por los amigos y por la familia expresada con “high energy” con varias voces de guitarra, solo incluido,  bajo descomunal, voz ultra convincente,  estribillo de puño en alto y ritmos que combinan soltura y exactitud al milímetro.

Furious People. Foto de su facebook
Para finalizar su aportación al split, nos ofrecen el hard punk rock descarnado de “Like a Whore”.  Canción descomunal que nos ametralla con secuencias de guitarra consistentes, más un solo ácido, acompañadas por  un bajo que aporta seguridad y alguna que otra filigrana digna de mención.  La voz solista llega a su máximo esplendor y todo ello marcado con pulcra determinación rítmica por una sensacional batería.  Se trata de un tema de reivindicación social y personal en el que nos piden que despertemos y nos alcemos contra el poder establecido en un mundo que se viene abajo, con desesperación, entre dinero que es una mierda, donde un hombre tiene que trabajar diez horas para dar de comer a sus hijos hambrientos.  

Trayectoria de Llunatiks

Llunatiks. Foto de su facebook
Los Llunatiks son Jacc Llunatik, voz,guitarra, quien había formado parte del grupo punk de La Safor, Don Cikuta; Nando Llunatik al bajo; y Jonhy Llunatik a la batería. Formados en 2012 en Villalonga (Valencia) graban, mezclan y masterizan en junio de 2012 su primer álbum, con el título de “Ultra rock” en  los Rockaway Studios de Castellón. Lo editan con su sello “Not on label”. Con música y letras de Jacc Llunatik, contaron con la colaboración de Suarez (Furious People). El diseño es de P.Gmarti y la tipografía de Avis. Anteriormente, habían incluido su adaptación de “The age of Pamparius” en el recopilatorio “Ass tribute. A Spanish Death tibute to Turbonegro”.

Los temas lunáticos

Llunatiks. Foto: Pepe Ignatius Grijander
Los Llunatiks abren su cara del  disco con “Hey Nena” en la que ponen de manifiesto su fascinante habilidad para combinar distorsiones con momentos solistas únicos, diferentes concepciones de tempo, entre la introducción y el recorrido rápido e imparable del resto del tema. Nos cuentan su devoción incontrolable por esa “nena” con atractivas caderas entre no menos suculentos solos de eléctrica combinados con esa perfecta voz desgarrada. Le sigue “Hay alguien aquí” con arranque de batería  percutiendo en nuestras sienes para dar paso a otra exhibición de inapelable rock and roll con guitarras desquiciadas, bajo  y poderosa batería. “Pienso en el ayer… los sueños de papel se esfuman, no voy a volver, ya no me veréis, no soy el de ayer, no pienso perder y pienso en reiniciar mi viejo sueño”. Más momentos memorables de guitarra completan esta fantástica canción oscura y beligerante con ese alguien indagando en nuestro cerebro, viviendo en nuestro cuerpo.

Llunatiks. Foto de su wordpress
Finalizan su intervención con la realista  “Tu vida se acaba”, canción con introducción ácida de hard rock. Nos dicen: “Recuerdo esos momentos, vivimos algún sueño, sin parar,  y alguno quedó atrás”. “Miramos a lo lejos no vamos a llegar, vivimos y morimos”.  Intercalan unos compases instrumentales en los que la guitarra aporta una gran destreza respaldada por una sección rítmica perfecta y una voz muy apropiada completando el potente círculo de virtudes.  


La grabación y el artwork

Furious People. Foto de su facebook
Las canciones fueron grabadas, mezcladas y masterizadas por Nacho Fandos (The Electric Ones) en New Polka Waves (Villarreal) los días 16,17, 21 y 22 de diciembre de 2013. Mr. Furiious pone voces en los temas de Llunatiks “Hey Nena” y “Hay alguien aquí”. Nacho Fandos toca el solo y puntea en “Tu vida se acaba”; Jacc Llunatik pone voces en “Tinta en mi piel” y Raúl Culebra en “Like a Whore”. Las geniales ilustraciones y el diseño gráfico, con ese pulso de robustos brazos tatuados de la portada,  es de David “Doctor” Octane.En el interior se influce una hoja con las letras de las canciones.

Reflexión final

Llunatiks. Foto de su wordpress 
Por muchas veces que viva la experiencia,  me resulta imposible  no maravillarme ante esos grupos que demuestran una tenacidad irreductible por seguir adelante,  pese a quien pese. Bandas  que, ante las dificultades de los tiempos que corren, insisten, sin desfallecer, en culminar el propósito loable de que sus canciones vean la luz y lleguen de la mejor forma posible a los amantes del rock and roll, no solo a sus fans sino también a los que aún no saben que lo son.  Con la edición de este Split compartido por los Furious People y  los Llunatiks, se repite lo que hoy en día podría considerarse casi como de milagro de supervivencia. Gracias a una conjunción solidaria  de pequeños pero valientes sellos, podemos disfrutar en vinilo de un disco que se me antoja, además, como un auténtico acto de justicia cultural.  Todas y cada una de las canciones incluidas son consecuencia de un trabajo colectivo nada desdeñable en el que se plasman las ideas aprehendidas de otros combos, con gran destreza, actitud, pero sobre todo con la férrea determinación de delimitar un espacio propio muy personal. Creo que en los dos casos, estamos ante dos formaciones poderosas  que no solo merecen nuestra atención por el esfuerzo realizado sino también por la originalidad y la habilidad de la que hacen  gala en este memorable álbum de auténtico  “High Energy Rock and Roll”.

Nota: Puedes escucharlas canciones de Furious People aquí y las de los Llunatiks aquí. Para adquirir una copia del disco, ponte en contaxto con las discográficas mencionadas como Rufus Recordings o H-records, que disponen de venta por correo. 

sábado, 28 de noviembre de 2015

Muere el baterista de jazz, Svein "Chrico" Christiansen

Svein "Chrico" Christiansen 
Svein "Chrico" Christiansen nació el 6 de agosto de 1941 en Kolbotn, Noruega, y falleció el 25 de noviembre de 2015 en Oslo. Baterista imprescindible dentro de la escena jazzística noruega, grabó con músicos de su país un amplio abanico de discos de jazz, pop y folk. Entre sus más destacados trabajos está el disco “Odyssey” (1975) de Terje Rypdal y “Movin’” (1994) con Dag Arnesen y Terje Gewelt. 

Christiansen tocó la batería en varias bandas de la área de Oslo como Hot Saints desde finales de los cincuenta, la Veitvet musikkskoles storband, y en las formaciones de Oddvar Paulsen, Roy Hellvin, Helge Hurum, Fred Nøddelund y Frode Thingnæs.  También tocó en discos grabados por Einar Iversen, Egil Kapstad, Karin Krog, Terje Bjørklund, Svein Finnerud/Trond Botnen, Knut Riisnæs, Radka Toneff, Jon Eberson, Laila Dalseth, Øystein Sevåg, Jens Wendelboe, Susanne Fuhr, y Bjørn Alterhaug con Helge Iberg. Entre los más destacados están “Odyssey” (1975) de Terje Rypdal y “Movin’” (1994) con el pianista Dag Arnesen y el bajista Terje Gewelt.


Svein "Chrico" Christiansen 
Tocó también en un amplio abanico de estilos como folk, pop, etc  colaborando con Kjerringrokk, Svein Finjarn, LASA,  Odd Børretzen, Bjørn Eidsvåg, Jan Eggum, Lars Klevstrand,  Lystad/Mjøen, Ryfylke Visegruppe, y Trond-Viggo Torgersen, entre otros. Durante los setenta tocó en la filarmónica de Oslo, entre otras formaciones como  Radiostorbandet. En los ochenta formó parte de Kringkastingsorkesteret hasta 2003, y colaboró con Per Nyhaug Studioband. Más recientemente estuvo en el Willy Andresen Quartet, Einar Iversen Trio, formó un trio con Dag Arnesen y Terje Gewelt, así como con el  Totti Bergh Quintet, Tine Asmundsen Trio, Quartet y Quintet desde 1999, más la banda Bone Thang. 

Documento sonoro: 

Svein "Chrico" Christiansen tocó la batería en el disco de jazz contemporáneo y progresivo "Odyssey" (1975) del guitarrista noruego Terje Rypdal. 




viernes, 27 de noviembre de 2015

Fallece el trompetista Al Aarons

Al Aarons
Albert "Al" Aarons nació el 23 de marzo de 1932 en Pittsburgh, Pennsylvania, y falleció en Laguna Woods (California) el 17 de noviembre de 2015. Trompetista de jazz, formó parte de la orquesta de Count Basie y colaboró con otros grandes como Gene Ammons, Brass Fever, Kenny Burrell, Eddie Harris, Gene Harris, Milt Jackson, Carmen McRae, Zoot Sims con la Benny Carter Orchestra, y Frank Wess, entre otros.  También fue cofundador de Legends records,  acompañó a James Brown, BB King, Sarah Vaughan, Frank Sinatra, EWlla Fitzgerald, James Brown,  y durante 17 años tocó en conciertos dirigidos por Henry Mancini.   

Al Aarons con la orquesta de Count Basie 
Se graduó en la Wayne State University de Detroit.  Empezó a ser conocido como trompetista a partir de 1956 y trabajó con el multiinstrumentista  Yusef Lateef y el pianista Barry Harris durante los últimos años cincuenta en la ciudad de Detroit. Tras tocar con el organista Bill Davis, formó parte de la orquesta de Count Basie de 1961 a 1969 grabando los discos “The Legend” (Roulette, 1961); “Back with Basie” (Roulette, 1962), “Basie in Sweden” (Roulette, 1962), “On My Way & Shoutin' Again!” (Verve, 1962), “This Time by Basie!” (Reprise, 1963), “More Hits of the 50's and 60's” (Verve, 1963), “Pop Goes the Basie” (Reprise, 1965), “Basie Meets Bond” (United Artists, 1966), “Live at the Sands (Before Frank)” (Reprise, 1966), “Sinatra at the Sands” (Reprise, 1966) con Frank Sinatra; “Basie's Beatle Bag” (Verve, 1966), “Broadway Basie's...Way” (Command, 1966), Hollywood...Basie's Way (Command, 1967), “Basie's Beat” (Verve, 1967), “Basie's in the Bag” (Brunswick, 1967), “The Happiest Millionaire” (Coliseum, 1967), “Half a Sixpence” (Dot, 1967), “The Board of Directors” (Dot, 1967) con The Mills Brothers, “Manufacturers of Soul” (Brunswick, 1968) con Jackie Wilson, “The Board of Directors Annual Report” (Dot, 1968) con The Mills Brothers, “Basie Straight Ahead” (Dot, 1968), “How About This” (Paramount, 1968) con Kay Starr, y “Standing Ovation” (Dot, 1969). En los sesenta grabó también  con  Frank Wess, “Southern Comfort” (Prestige, 1962); y con  Milt Jackson, “Memphis Jackson (Impulse!, 1969).


En los setenta formó parte de las bandas de acompañamiento de cantantes como Sarah Vaughan y Ella Fitzgerald, más el saxofonista Gene Ammons.  También interpretó  jazz fusion, tocó con Stanley Clarke, y con el también trompeta Snooky Young grabaron el clásico disco de 1976 “Bobby Bland and B. B. King Together Again...Live”.  En los setenta también grabó el disco de Gene Ammons, “Free Again” (Prestige, 1971); el de Brass Fever “Time Is Running Out” (Impulse!, 1976); con Kenny Burrell, “Both Feet on the Ground” (Fantasy, 1973); con Eddie Harris, “How Can You Live Like That?” (Atlantic, 1976); con Gene Harris, “Nexus” (1975); con Carmen McRae, “Can't Hide Love” (Blue Note, 1976); y con Zoot Sims y the Benny Carter Orchestra, “Passion Flower: Zoot Sims Plays Duke Ellington” (1979), entre otros. En la década de los noventa creó la banda LA Jazz Caravan. 

Documentos sonoros: 

Año 1962, la orquesta de Count Basie interpreta "Back to the Apple" con solo de trompeta de "Al" Aarons 


Fallece Eli Avramov de los HaClique

HaClique
Eli Avramov nació el 25 de Julio de 1954 en Jerusalén (Israel) y falleció el 24 de noviembre de 2015. Fue miembro fundador y guitarrista del grupo de new wave israelí HaClique también conocido como The Clique, HaClick, The Click o Haklik, en hebreo הקליק . El grupo se fundó en 1980 con  Dani Dothan (voz), Eli Avramov (guitarra), Ovad Efrat (bajo) y  Jean-Jacques Goldberg (batería). En un principio estuvieron activos durante tres años, y volvieron en varias ocasiones en 1988, 1999, y 2004 hasta la actualidad. En Israel fueron muy conocidos por canciones como "Incubator", "Golem", "Ani Avud", "Al Tadliku Li Ner" y "Kol Haemet" incluidas en un total de tres álbumes, más otras ediciones como tres sencillos, un disco en directo, un mini-album, y un box-set con su inicial producción discográfica.

HaClique
Sus primeras dos canciones fueron "One With Experience" y "Step Out to the World". En 1980, grabaron con el guitarrista Uzi Binder, las canciones "Tzaleket Ktana" y "Makom Belibech". Les distinguía un logo que derivaba del utilizado por la banda británica Throbbing Gristle. Al año siguiente sacaron su primer Lp “Ima Ani Lo Rotze Lehigamel” con canciones como "Yeled Mavchena", "Ima Ani Lo Rotze Lehigamel", "Golem" e "Incubator". En 1982 se unieron a la banda Rami Fortis y Ronen Ben Tal de Chromosome y Jean Conflict.  En 1983 sale su segundo álbum “Olam Tzafuf” con canciones como "Kol Haemet", "Mondina", "Hey Yaldon", "Yalda Mefuneket", "Ani Avud", "Al Tadliku Li Ner" y "Bear Hug". En el album mencionan la homosexualidad, nunca antes habñia asrevcido en las canciones de su pais, e incuso sacarn un single mencionando la guerra del Líbano, con el tema  “Al Tadliku Li Ner".  Poco convencidos de conseguir el éxito se tomaron un descanso de años.


HaClique
Volvieron en 1988 grabando un disco en directo en Tel-Aviv. En 1995, Dani Dothan grabó un disco en solitario, “All of the Forbidden Loves” en el que tocaron Ovad Efrat y Eli Avramov . Ya en 2004 anunciaron más conciertos con el teclista Jasmin Even.  Dos años después, 28 de diciembre de 2006, Jean-Jacques Goldberg , nacido en  1955 en Bélgica falleció en Marsella  víctima del cáncer. Este 2015 sacaron un disco con el título genérico  de  אני לא בפסקול.

Documento sonoro: 

"Al Tadliku Li Ner", tema de los HaClique de 1983.




jueves, 26 de noviembre de 2015

Fallece Arthur Brooks de los Impressions

Arthur Brooks 
Arthur Brooks falleció el domingo 22 de noviembre a los 82 años. Originario de Chattanooga, Tennessee, creó los Roosters con su hermano Arthur. Se trasladaron a Chicago y con Curtis Mayfield y Jerry Butler crearon los Impressions, banda de la que formaron parte hasta principios de los sesenta. Después grabarían un single como los Brooks Bros. para el sello Tay de Detroit.  

La historia de los Impressions empieza en Chicago cuando Jerry Butler  se une en 1951 a los hermanos Hawkins: Sam, Tommy y Charles para formar la banda de gospel The Northern Jubilee Gospel Singers. En la Iglesia The Travelling Soul Spiritualist Jerry conoce a Curtis Mayfield quien formaba parte, como guitarrista y cantante, de los Alphatones. Butler dejaría a los Quails para entrar en los Roosters, trío vocal de Chattanooga, Tennesse, formado por  Sam Gooden y los hermanos Arthur y Richard Brooks, que se había trasladado a Chicago.  Después se incorpora Curtis Mayfield, y cambian de nombre por el The  Impressions a propuesta de su mánager Eddie Thomas.

El quinteto inicial de los Impressions
Fueron a las oficinas de Chess  para presentar sus temas pero en ese momento no había nadie para escucharles y decidieron ir al otro lado de la calle donde estaba Vee-Jay Records.  En junio de 1958, la discográfica Vee-Jay les sacó “For your precious love” con su subsidiaria Falcony con el nombre de Jerry Butler & The lmpressions.  Le siguieron los singles “Come back my love” y “The gift of love” con Abner, sello de Vee-Jay. Jerry Butler abandonó la formación para empezar su carrera en solitario. Le substituyó Fred Cash de The Roosters.  Los hermanos Brooks escribieron temas de poco éxito como “Love me” y “Believe in me”. Acaban por dejar Vee-Jay y graban el single “Listen to me’ / ‘Shorty’s gotta go” con Bandera, más otro sencillo “Don’t leave me’ / ‘I need your love” para Swirl. Por su parte, Curtis y Jerry grabaron juntos los temas  “He will break your heart”, “Find another girl” y “I’m a telling you”.

The Impressions en formato trío 
Mayfield lideró el grupo para presentar la canción “Gypsy woman” a ABC Paramount con la que triunfaron de nuevo. Tras unos cuantos singles más, los hermanos Brooks dejaron la banda después de grabar “I’m the one who loves you”.  Se involucraron en un pequeño sello llamado Card y con su amigo Emanuel Thompson formaron una banda llamada Showstoppers, grabando un single con los temas “Old Time Loving/Little Girl You Had Your Chance” que nunca fue editado.  Thompson regresó a su ciudad, Chattanooga mientras que Richard y Arthur permanecieron en Detroit.  Allí firmaron con Taylor y Turners de los Detroit Sound Studios, y grabaron el single “Looking For A Woman/Two Great Lovers”  para el sello  Tay.  La grabación contó con los tres hermanos Richard, Arthur y Harrison más el hijo de éste Harrison Jr.

Sam, Fred, Richard y Arthur en 1999 
Por su parte, a finales de 1962, los Impressions en formato trio con Curtis Mayfield, Sam Gooden y Fred Cash, regresaron a Chicago y bajo las órdenes del  productor Johnny Pate empezaron una fructífera y exitosa carrera musical que empezó con el single “Sad sad girl & boy”, al que siguió “It’s all right”, más las famosas “I’m so proud”, “Keep on pushing”, “Amen”, “Woman’s got soul”, y “People get ready” donde se  mezclaba con elegancia y activismo el góspel con el soul.  Ya a finales de 1967 el trío volvió a triunfar con “We’re a winner” y la banda pasó al sello Curtom fundado por Mayfield y Eddie Thomas.  Debutaron con “Fool for you”, entre otras maravillas en defensa de los derechos civiles  como “This is my country” o “Choice of colors”.

Los Impressions actuales
Ya en 1970, Curtis deja los Impressions y continúa su carrera en solitario. Fue sustituido por Leroy Hutson de los Meyfield Singers. Duró hasta 1973. En su lugar entró  Reggie Torian y  Ralph Johnson. Los Impressions intentaron sobrevivir sin Curtis y en 1976 Nate Evans substituye a Ralph Johnson. Poco a poco fueron desapareciendo hasta finales de los ochenta no sin antes, en 1983, Jerry Butler y Curtis Mayfield reunieran a la formación original para dar unos cuantos conciertos.  El 26 de diciembre de 1999 fallecía Curtis en Roswell, Georgia, The Impressions continúan en activo con Fred Cash, Sam Gooden y  Reggie Torian que se incorporó en 1975.

Documentos sonoros: 

“For your precious love”, primer triunfo de los Impressions con los hermanos Brooks. 


"Looking For A Woman", tema grabado por los hermanos Brooks. 

Nos deja John Theunissen, de los Pussycat

John Theunissen
El 19 de noviembre de 2015 fallecía a los 66 años John Theunissen, guitarrista de la banda holandesa de country pop Pussycat con la que obtuvo algunos éxitos en Europa con canciones como “Mississippi” (1975).  Procedía del grupo Scum que pasó a llamarse Sweet Reaction y después Pussycat, formación activa hasta mediados de los ochenta.

Los Pussycat fueron un grupo de country pop de Brunssum (Holanda)  impulsado en 1975 por las tres hermanas Kowalczyk:. Toni, Betty y Marianne.  Tony había grabado un disco con el pseudónimo de Sally Lane.  El resto de componentes fueron  Lou Willé (guitarra), Theo Wetzels (bajo), Theo Coumans (baterista) y John Theunissen (guitarra).

Pussycat
Antes de crear el grupo las tres hermanas eran operadoras de telefonía en Limburg, mientras que Theunissen, Wetzles y Coumans estaban en un grupo llamado Scum.  Lou Willé tocó en la banda de Ricky Rendall and His Centurions antes de casarse con Toni. Crearon el grupo Sweet Reaction con los que grabaron el single “Come Back My Dream / Call Me Maria” (1972) y “Daddy” (1975). Con el tiempo pasó a ser conocido como Pussycat.

Pussycat

En 1975 consiguieron un gran éxito en Europa con la canción "Mississippi" y no fue hasta 1976 que llegaron al número uno de las listas británicas. Compuesta por Werner Theunissen, que había sido profesor de guitarra de las hermanas y miembro de los Rocking Apaches en 1964, vendió más de cinco millones de copias en todo el mundo.  Después sacaron el tema "Smile" en 1976, y "Hey Joe" en 1978. Otros éxitos suyos fueron las canciones "If You Ever Come to Amsterdam", "Georgie", "Wet Day in September" y "My Broken Souvenirs".  Su trayectoria abarcó más de una década durante la que sacaron varios discos desde el primero “First of All” (1976) hasta el último  “After All” (1983). En 1978 Hans Lutjens substituyó a  Coumans en la batería. La banda siguió realizando giras y actuando regularmente en las televisiones europeas hasta principios de los ochenta. Se separaron en 1985.   Tony Willé siguió cantando y grabó un disco llamado “Working Girl” en 1987 y un álbum de duetos en 2005 con Benny Neyman. Pussycat volverían a actuar en las décadas posteriores rememorando sus éxitos.


Documentos sonoros: 

Los Pussycat interpretando en los setenta su tema de country pop "Mississippi". 









miércoles, 25 de noviembre de 2015

Muere Cynthia Robinson de la Family Stone

Cynthia Robinson
Cynthia Robinson  nació el 12 de enero de  1946 en Sacramento (California) y falleció el  23 de noviembre de 2015. Trompetista y cantante formó parte de la banda Sly and The Family Stone desde su inicios. Fue una de las primeras mujeres trompetistas y negras en formar parte de una banda famosa a nivel internacional y la primera en entrar a formar parte del Salón de la Fama en 1993.  Era la única componente del grupo que continuó colaborando con Sly Stone tras la disolución de la formación en 1975. También formó parte del grupo de funk Graham Central Station con el también componente de la Family Stone,   Larry Graham. 

Cynthia Robinson con Sly Stone
Robinson empezó a tocar con Sly Stone, nombre artístico de  Sylvester Stewart, en 1966 en una formación llamada Sly y los Stoners antes de crear Sly and the Family Stone.  La banda se crea en San Francisco fusionando Sly & The Stoners, y el combo del hermano de Sly, Freddie Stone, llamado Freddie & The Stone Souls.  La formación empieza  con los hermanos Stone, Freddie a la  guitarra y Sly a los teclados, más Gregg Errico a la batería, y Cynthia Robinson a la trompeta. Poco más tarde se unen Larry Graham al bajo y el grupo de gospel Little Sister con la hermana de Freddie y Sly, Vaetta, más Mary McCreary y Elva Mouton.  Sacan un primer sencillo con el tema “2I Ain’t Got Nodoby” y reciben una oferta de la CBS que edita su primer disco “A Whole New Thing” (1967). 

Sly and The Family Stone
Su siguiente sencillo “Dance To The Music” obtuvo un mayor éxito y fue el preludio del segundo álbum “Dance To The Music” (1968). Poco antes entró en la banda otra hermana de los Stone, Rose. Le seguiría “Life” (1968) y a finales de ese mismo año el sencillo “Everyday People”, su primer número 1.  “Stand” fue el título para el siguiente trabajo con el que obtuvieron una enrome repercusión. Actuaron en Woodstock   y pasaron por una época difícil en la que aparecieron presiones raciales y algunos de sus componentes entraron en el mundo de las drogas.  Solo sacaron a finales de los setenta un sencillo con los temas “Everybody Is A Star” y “Thank You” con la famosa técnica de línea de bajo a cargo de Larry Graham. Entre tensiones de todo tipo, el  baterista Gregg Errico decide abandonar el grupo en 1971. Ese mismo año vuelven a las listas con el tema “Family Affai” como  anticipo del álbum “There’s A Riot Goin’ On”, otro número uno.  Sin embargo siguieron los problemas personales y el siguiente en marcharse es Larry Graham.

Sly and the Family Stone
En 1973 sacan el disco “Fresh” con el tema “If You Want Me To Stay” y al año siguiente “Small Talk”. Finalmente deciden finiquitar el proyecto en 1975. Sly continuó en solitario con discos como “High On You” (1975) en el que toca Cynthia, y “Heard You Missed Me, Well I’m Back” (1976) en el que recupera el nombre de Sly & The Family Stone. De Epic salta a Warner Bross, donde saca en 1979 “Back On The Right Track”.  En esos años comparte escenario con George Clinton y juntos preparan el nuevo disco. El proyecto no cuajó y el álbum “Ain’t But The One Way” (1983), lo acabó el productor. Sly despareció del mundo del espectáculo siguiendo terapias de desintoxicación  hasta que en los noventa fue reivindicado por los jóvenes del hip hop entrando la banda en 1993, en el Rock & Roll Hall of Fame. 

Cynthia Robinson
En 2006 vuelve a ser actualidad por un homenaje en los premios Grammy, se reeditan sus trabajos y en 2007 Sly Stone decide volver a los escenarios aunque sin demasiada repercusión.  Pudo salir de su situación precaria en la que estaba, aunque siguió padeciendo problemas de salud mental y volvió a perderlo todo. En 2011 vio la luz el disco “I'm Back! Family & Friends” acompañado de guitarritas como Jeff Beck, Johnnie Winter, entre otros músicos como Ray Manzanek . 

Por su parte Cynthia formó parte del grupo de funk Graham Central Station con el también componente de la Family Stone,   Larry Graham, con los que grabó el álbum “GCS2000” (1998). Tocó con Prince en el disco “Rave Un2 The Year 2000” (2000) o con George Clinton. Volvería a formar parte de la Famly Stone en esa gira de 2007 con el saxofonista original Jerry Martini y Sylvette Phunne Stone, hija de Robinson con Sly Stone.  Le fue diagnosticado un cáncer a principios de este año 2015. 

Documentos sonoros:

La lengendaria canción "Dance to the Music" con Cynthia tocando la trompeta y cantando “get up and dance to the music”.




Harrison Ford Fiesta culminan su debut discográfico con pasión épica y un intimismo surrealista

Portada
Aunque mi apreciación pueda pareceros poco relevante y algo manida informativamente,   noto cuando  un artista está lo más  cerca posible de la culminación, con razonable éxito, de su propósito creativo.  Me refiero a ese punto en el que sus artífices saben que, aunque se empeñen,  difícilmente mejorarán lo inmejorable,  y si persisten, van a perder un tiempo vital para hacer otras cosas nuevas  incluso mejores si cabe.  A ese estadio cercano a la perfección, tan deseada por muchos como difícil de alcanzar,  han llegado los Harrison Ford Fiesta con su debut discográfico editado este 2015 por Foehn Records.  Se trata de un trabajo finiquitado con excelentes resultados que, a simple vista, puede parecer corto por el número de canciones, seis para ser exactos, pero que contiene un cúmulo de sensaciones existenciales, surrealistas y pasionales de una belleza impactante.  Con hilarante y lisérgica portada,  el acid folk, la canción francesa y el post rock encajan y se complementan a la perfección mediante una voz e instrumentación portentosa combinada con  unos arreglos imaginativos de una intensidad estremecedora.    
   
Trayectoria 

Harrison Ford Fiesta. Foto de la web Foehn
Harrison Ford Fiesta son Romain Alebertau (voz y guitarra acústica), César Meler (guitarra eléctrica, coros), Pablo Vidal (teclados, coros), David Cobo (percusión, coros). Romain es de Tours, Francia, y hace años que reside en Tarragona donde se reunió con estos excelentes músicos locales como son César (Lecirke), Pablo ( Lecirke, The Transistor Arkestra) y David (Glosters, Don Simón y Telefunken, Mega Purple Sex Toy Kit) para dar forma a este proyecto que ellos mismos definen como “nombre de la broma que no da pistas de lo que se esconde detrás: la sobriedad y parquedad de la nueva canción francesa (Dominique A, Françoiz Breut) con apuntes de épica à la Constellation y la voz grave de un Kevin Ayers o Serge Gainsbourg”.  Antes de la edición de este disco, Romain presentaba en el bandcamp  las grabaciones caseras originales remezcladas por Gerard Gil. 

Artwork del disco más maqueta previa 
Para la grabación de este álbum  han contado con la colaboración de Josep Mª Orellana “Spook” (trombón), Samuel García (trompeta y violín), Xavier “Jamaica” Yerga (contrabajo), y Joan Pons (coros). Las canciones son de Romain. Producido por la banda, fue grabado y mezclado por Joan Pons en el Teatre de Ca l’Eril a principios de 2014, y masterizado por Yves Roussel. La ilustración de portada, con ese original y divertido collage de fotos tratadas con sus alucinados osos bailando, tocando y saludándonos desde un campamento indio, entre lobos aullando, más setas y un pulpo gigante, a los pies de las montañas de Montserrat, es de David Cuero. El  diseño más maquetación corre a cargo del también ilustrados y diseñador tarraconense David Cobo.  El disco en vinilo contiene una hoja con las letras de las canciones más un código de descarga.  También está disponible en Cd. 

Las canciones 
Harrison Ford Fiesta. Foto: Marta Fiore
El disco empieza con “Credit Agricole”, canción interpretada en francés y cargada de ironía en el que el “humor está al servicio de la calidad”, y las risas se expanden con facilidad por una oficina laboral de Virginia.  Con el pausado caminar de los arreglos, entre arpegios envolventes de guitarra,  coros atmosféricos, y teclados oníricos, la banda crea un momento de una gran sensibilidad sobre el  que la voz principal teje su historia con una elevada carga de seducción.   El tema tiene también unos espectaculares  crescendos de post rock en los que emergen varios motivos  instrumentales marcados por un preciso como contundente ritmo.  Le sigue  “La Soucoupe et le Perroquet” con su enternecedor tempo de ¾ a modo de vals con aires futuristas y un tanto compasivos.  Varias secuencias de teclados, efectos y coros, forman la banda sonora de esta canción en la que se mezcla ciencia y demencia, platillos y loros, gigabits y sensores electrónicos. El tema rememora el legendario episodio televisivo del mismo nombre emitido en los noventa en France 3 en el programa “Strip-tease”  en el que una madre Suzanne de ochenta años y su hijo Jean-Claude de cincuenta construyen un platillo volante  en el jardín de su casa ubicada en el pequeño pueblo de Germignac (Charentes Maritimes).   El artefacto debería permitir a Jean-Claude visitar las Bermudas. Gracias a un dispositivo especial que consiste en ondas cerebrales y campos magnéticos,  es capaz de aislarle  del frío y el calor, y llegar a ser invisible.

Harrison Ford Fiesta. Foto: Ariadna Costa
A continuación nos deleitan con el folk intimista de “Sammy Fist” con guitarra acústica y dos voces con aportación de defecto de flauta, con momentos de órgano. Un tema cantado en inglés, de magnífica y cariñosa melodía, en el que “el amor surge de la oscuridad… créanme”, según nos recuerda con su canto Sammy, el protagonista de la historia sobre los tambores que construyen un tempo marcial con el apoyo del pedal del órgano y en el que la eléctrica nos ofrece un momento solista cautivador.   
  
El folk americano de "Role Play" tiene un elevado componente épico que contrasta con la aparente fragilidad emotiva de una canción que crece con paso seguro mediante la incorporación de un ritmo sensual bailable entre motivos de guitarras que emergen con generosidad y poderío.  Interpretada en inglés, la recia voz grave de su cantante solista versa sobre los juegos de Rol, con su consabida toma de decisiones y sus inevitables responsabilidades.  Hacia el final, desembocan en un momento siniestro  que va del piano al forte con una enorme destreza  destacando un solo envolvente de teclado minimalista y unos  coros estratosféricos. 

Harrison Ford Fiesta. Foto: Rebeca Laus
Ya en la cara B, nos anonadan con el  alma descarnada de “Lonely Ben”, la historia de un hombre viejo entre gente “divertida”. Tremendo corte con órgano que surge de las mismas entrañas, acompañado por un ritmo tribal de tambores. Se incorpora la voz principal y finalmente las guitarras eléctricas reforzando el impacto emocional con acordes y riffs provocativos. Toques psicodélicos completan esta canción de emociones fuertes, en un principio contenidas, que acaban por explotar generando momentos cruciales para volver a replegarse en un vaivén energético sin fin.  Sensacional  la aportación de los metales y los coros que le confieren un tono apocalíptico que desemboca en un momento instrumental  oscuro donde se entremezclan varios argumentos sonoros grandiosos con los que profieren un final apoteósico en el que sobresale una trompeta solista como excepcional protagonista.  Cierra el disco "The Amchair and the Tentacles”, maravilloso tema de acid folk para esos días que empiezan mal  desde que nos despertamos y en el que es preferible reírnos con las pequeñas cosas para olvidarnos que hoy puede que no sea nuestro día.  La voz protagonista se acompaña de fantásticos arpegios sensuales más defectos de cuerda, teclados, y coros  que recrean una atmósfera de recogimiento fascinante.  Una canción mágica que me recuerda al gran Kevin Ayers y que nos eleva hasta su parte instrumental de pop folk cariñoso sobre la que sobrevuelan distorsiones psicodélicas que completan el final tan fascinante de este excepcional disco.     

Reflexión final 

Harrison Ford Fiesta. Foto: Frank Lesy
Haciendo honor al hilarante nombre escogido para identificar de forma genérica su proyecto artístico, en la conjunción lírica y musical de los Harrison Ford Fiesta coexiste ese algo que les hace diferentes a todos. Esa originalidad intransferible con la que explican lo profundo como si se tratara de una broma existencial.  Un espacio propio en el que desenmascaran lo innecesariamente trascendental  entre risas improvisadas, épica surrealista,  y giros irónicos que nos confieren una explicación plausible a la, en ocasiones, absurda levedad del ser.  Al poco que se escuchen con curiosidad sus conmovedoras canciones, el oyente notará cómo sus brillantes ideas, dispuestas en  melodías turbadoras con ritmos profundos entre detalles sutiles, logran acceder a nuestra realidad vital no solo por los oídos sino por cada uno de los poros de nuestro cuerpo.  Una vez en nuestro interior, sus historias musicalizadas tienen la capacidad intrínseca de desenvolverse con soltura para crecer con una fuerza inusitada con el propósito conseguido de  sumirnos en un estado de bienestar cognitivo conectados con su pasión épica y ese irreductible intimismo surrealista. 

Nota:  Puedes escuchar las canciones en el  bandcamp y adquirir una copia del disco en la web de Foehn Records o si vives en Tarragona en la tienda de Shiva.

lunes, 23 de noviembre de 2015

Nuevas y seductoras versiones del cancionero ye-yé a cargo de los Soberanos (Clifford rds. 2015)

Portada
Vaya por delante que los Soberanos son uno de los proyectos musicales más divertidos de la escena sixties de nuestro país; pero esa evidencia, por muy hilarante y cautivadora que me parezca, no me impide destacar al mismo tiempo que en sus intensas versiones se distingue, con claridad, un trabajo discográfico  excelente a cargo de unos grandes músicos.  A todas luces estamos ante un combo de instrumentistas de lujo que acompañan magníficamente a  su cantante solista, respaldado por sus coristas, con un más que apropiado registro vocal con el que interpreta un repertorio variado de forma convincente. Acaban de sacar un nuevo Ep, en esta ocasión con la siempre atenta discográfica almeriense Clifford Records,  que contiene cuatro flamantes versiones del cancionero pop ye-yé de los sesenta.  Durante su larga trayectoria,  que arranca a finales de los noventa, han grabado un par de Lp’s de absoluta referencia para los amantes de los sonidos “sixties” y con esté nuevo trabajo confirman su excelente momento artístico que esperamos consiga el más que merecido apoyo de nuestra escena estatal.  A tenor de lo oído en estas magníficas adaptaciones, no hay duda alguna de que atesoran un ímpetu irreductible para seguir adelante con ideas enriquecedoras que reviven de forma soberana canciones exquisitas.     

Trayectoria 

Los Soberanos. Foto de su facebook
Los Soberanos son Albert Valero, guitarra y coros; Pablo Jiménez, guitarra baja y coros; Gabi Soto, guitarra rítmica; Cecilia Bayo, voz solista y coros; Emanuele di Marzo, guitarra, voz solista y coros; Ivo von Menzel, voz solista y coros; Albert Solà, batería; y Elisa Raposo, teclista. Emanuel ha tocado con los Confidents y forma parte también del combo de versiones Le Valvole en el que también está Valero.  

El proyecto arranca en 1996 con Adrià Gual, actualmente en los Excitements, quien para crear un grupo de corte ye-yé, se reúne  con  Emanuele di Marzo, alias "John Medajohn";  Josep Maria Domènech quien fue substituido al año por Albert Solà “Bowie”, Albert Valero, “Valium”, Ivo von Menzel, y  Sylvia Sans e Inés Bayo (Fresones Rebeldes). Después formarían parte del proyecto las coristas Cecilia Bayo, “Sici”, y Cristina Cruz, “Cristi”, más Pablo  Jiménez. 

Portada
Graban  “Vive la vida”, en Fórmula Independiente (CD Al·leluia / Polygram, 1997) y “No es nada extraño”, en Spicnic en No Mundo (Cd Spicnic, 1997). Sus primeras canciones entusiasman al presentador y musicólogo Juan de Pablos quien las radia en su indispensable programa Flor de Pasión de Radio 3. En 1999 actúan en la fiesta del vigésimo aniversario del mencionado espacio radiofónico y aparecen en el CD conmemorativo que publica Siroco Records con los mejores momentos de la noche aportando un par de canciones: “El turista 1.999.999” y “Qué chica tan formal” . Ese mismo año graban un vídeo para la cadena televisiva Barcelona TV (BTV) y actúan con regularidad por todo el estado español. Ya en 2001 la discográfica Elefant les publica un EP con el título de “Yo no tengo a Nadie” con cuatro temas  versiones de Raphael y Roberto Carlos, entre otros. Cuatro años después sacan con Elefant un Lp titulado “Maratón ye-yé” con quince versiones de Bruno Lomas, Juan y Junior, Rocío Dúrcal, Los Mustang, Arthur Alexander,  Caterina Caselli, etc… más un videoclip en el que interpretan “Yo no tengo a nadie”, del gran Raphael.  

Portada
Le seguiría otro álbum en 2008 con el mismo sello Autopop, subsidiaria de Elefant, llamado “Fiesta sin fin”,  con cinco temas propios: “Guapa”, “Pero te quiero”, “Un hombre tranquilo”, “La, la, la” y “Siroco”, más nueve versiones, de Manolo Díaz (“Bibí”), Rafael Martos “Raphael” (“Estuve enamorado”), Brincos (“Pareces gitana”), Micky y los Tonys (No sé nadar”), Los Pasos (“Naci de pie”), Los Huracanes (“El calcetín”), “Il paradiso” de Patty Pravo y “Si chiama Maria” de Pino Donaggio y de los venezolanos Supersónicos (¿Por qué te vas?).  

Los Soberanos. Foto: Joan Llovet

Actualmente Emanuele reside de forma temporal fuera de España y ha tomado el relevo Gabi Soto (Soberano durante años) más la incorproación de Pablo Jiménez quien dejó el grupo hace un tiempo. Para la grabación de este Ep en mayo de 2014 contaron con la colaboración técnica de Marc Tena así como la aportación artística de Marco Greco al piano quien formó parte en los ochenta de un grupo italiano llamado Glamour y actualmente en Le Valvole.  También  tocaron Joan Ignasi Sobrepera de los Cabrians (trombón), Arnau González (saxo tenor) de los Root  Diamoons y Jorge Domínguez (trompeta), quienes ya han participado en anteriores grabaciones y conciertos de la banda. La portada es una postal estival de los años sesenta con el indispensable avión que arrastra una pancarta publicitaria con el nombre de la banda. El Ep incluye un código de descarga digital más un teto de Tony Beltrán (Ritmo Joven) en la contraportada. 

Las canciones 

Los Soberanos. Inicios, foto de su facebook
“Anoche la Vi” es un tema de Emilio Baldoví más conocido como Bruno Lomas que aparece en un Ep de 1965 con los Rockeros para Emi Regal con el título de “Verano Llegó”.  En ese disco están también las canciones “Carol” y “Melancolía”.  La versión de los Soberanos conserva ese indiscutible encanto que irradiaba el gran Bruno para cantar, más una excelente segunda voz de R&B a cargo de la guitarra y el acompañamiento salvaje de los metales, incluido un ritmo incisivo a cargo de una base rítmica resolutiva.  

Los Soberanos. Histórico. Foto de su fb.
“Es prohibido fumar” de Roberto Carlos apareció aquí en un Ep editado por Epic en 1965 con el título genérico de “Roberto Carlos canta a la Juventud”.  El año antes la había publicado CBS en Portugal en portugués “É Proibido Fumar”. El tema lo compusieron Roberto Carlos y Erasmo Esteves “Carlos”.  Los Soberanos acrecientan su toque “garajero” contundente, con dosis ácidas a cargo de órgano y guitara, más un desgarrador solo de trompeta en lugar del saxo original.    

“Eres un vago”  de los Botines se editó por Soneplay en 1966 como cara B del tema “Te voy a explicar”.  Ambos temas son de José María Morales. Fue el último trabajo del grupo, y contó con la voz cantante de Camilo Blanes más conocido como Camilo Sexto.  En este caso,  la canción adquiere una mayor vitalidad conservando los cambios de ritmo de R&B y beat  del tema original con secuencias ágiles, de nuevo con metales reforzando el peso armónico y añadiendo un más que considerable toque soul.      

Los Soberanos. Histórico. Foto de su fb.
“Vestido Azul”  es uno de los temas más conocidos del grupo Shelly y la Nueva Generación.  La canción original es “Vesti  Azul”, compuesta por Nonato Buzar y popularizada por Wilson Simonal. Estaba incluida en el tercer y último disco de esta banda madrileña ya como quinteto con "¡No puedo olvidarte, chico!" de Miguel Ángel Rojas "Bibi" en la cara B. Producido por Pepe Nieto salió con Phillips en 1969.  Aquí, el trabajo realizado por los Soberanos  es espectacular. No solo se atreven a versionar, con excelentes resultados,  una de las canciones más queridas de la época sino que encima con cantante masculino, más coros femeninos, y con arreglos de black music que redimensionan su potente concepción bailable. Metales, guitarras, órgano, bajo y batería suenan conjuntados, frescos, con solo de trompeta en lugar de guitarra.  Resulta igualmente destacable la gran interpretación vocal de su solista más corista.  Un cierre magnífico para un Ep altamente satisfactorio con arreglos imaginativos y una interpretación impecable a cargo de todos sus componentes.    

Reflexión final 

Los Soberanos. Foto de su facebook.
Escuchar las adaptaciones de los Soberanos no solo nos confiere la oportunidad de rememorar unos buenos temas de los años sesenta, con sus ritmos danzantes y sus melodías encantadoras.  Aunque eso sea ya más que suficiente, hay algo más en el trabajo de este combo barcelonés que se descubre con todo su esplendor al disfrutar su música en la intimidad de tu casa, en sus divertidos directos o pinchada en los mejores allnighters. Quizá algunos se lo tomen como un simple divertimento, a modo de revival, mientras que los más entusiastas vean también en ellos un acto de justicia para reivindicar una época que, pese a sus notorias y conocidas dificultades políticas y económicas,  dio vida a una de nuestras etapas creativas más interesantes de pop y rock and roll. En mi opinión, los Soberanos  son un ejemplo de buen criterio y de gusto exquisito para adaptar esas genialidades con su propia expresividad.  No se limitan a cantar y tocar los temas tal y como fueron concebidos, sino que imprimen en ellos unas maneras aprehendidas y un toque personal que los redimensiona con el propósito ya no de actualizarles, porque eso es innecesario y podría incluso parecer algo pretencioso, sino más bien con el objetivo más que conseguido de recrear su esencia para que se expanda con mayor fuerza si cabe mediante arreglos soberanos y un sonido memorable  que les convierte en igualmente imprescindibles.    

Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp y adquirir una copia del vinilo en 7", más descarga gratuita en digital, en la web de Clifford Records. En Barcelona se puede conseguir una copia en el Barbara Ann.

domingo, 22 de noviembre de 2015

Muere Ramona Jones, intérprete de country

Ramona Riggins 
Ramona Jones nació con el nombre de Ramona Riggins en Van Buren, Indiana en 1924 y falleció el 17 de noviembre de 2015 a los 91 años en Goodlettsville, Tennessee. Violinista y cantante de country fue esposa del también prestigioso intérprete de música country, el cantante, banjista y guitarrista Louis Marshall Jones (1913-1998) más conocido como Grandpa Jones.  Juntos actuaron en el famoso programa de televisión Hee Haw.

Ramona y Grandpa Jones 
Ramona aprendió el violín de su padre y llegó a dominar varios instrumentos más de cuerda como la guitarra, la mandolina y el banjo. Formó parte de la primera generación de artistas del mítico Grand Ole Opry. En 1946 se casó con Grandpa Jones y al año siguiente se mudaron a Nashville.  Siguieron juntos hasta la muerte de Grandpa en 1998. Se conocieron en un programa de radio de Cincinnati y desde entonces tocaron en formato dúo. Ramona debutó en solitario en el Gran Ole Popry ese mismo año 1947. Entre sus mejores duetos están los temas “Dark as a Dungeon,” “Don’t Sell Daddy Any More Whiskey” y el compuesto por Ramona “Old Troup Dog.”


Ramona y Grandpa Jones 
Estuvieron actuando para las tropas en la guerra de Corea así como en las bases norteamericanas por todo el mundo. En 1969 empezaron a actuar en el popular y reconocido programa televisivo Hee Haw y siguieron los siguientes 25 años. En sus actuaciones, Grandpa solía realizar habituales payasadas mientras que su mujer Ramona solía mantener las formas. Ambos eran unos grandes instrumentistas y cantantes, defensores del hillbilly y la música de las montañas.  Salieron en programas de televisión como “Town and country Time”. Grabaron varios discos de dúos y en solitario Ramona sacó varios singles con Monument records. En 1976 sacó un disco en oslitario llamado "Back Porch Fiddlin". Tras la muerte de Granpa, siguió tocando y volvió a casarse.

Docunmentos sonoros: 

Ramona y Grandpa Jones intepretan "I wonder Where my darling is tonight".



Ramona con formación de trío cantando y tocando el violín en 1987.



sábado, 21 de noviembre de 2015

Fallece el cantautor holandés de folk protesta, Armand

Herman George van Loenhout  nació el 10 de abril de 1946 en Eindhoven y falleció el 19 de noviembre de 2015. Más conocido con el nombre artístico de Armand, fue uno de los más relevantes cantantes protesta holandeses. Tuvo su máxima repercusión desde finales de los sesenta a principios delos setenta especialmente seguido por la nutrida  comunidad hippie holandesa. Su mayor éxito fue el tema "Ben ik te min" ("Am I not worthy?").  Considerado el Bob Dylan holandés, Armand  era también un acérrimo defensor del consumo libre de cannabis y muchas de sus canciones fueron censuradas, con varias excusas, en la radio holandesa, así como en Bélgica y otros países durante los sesenta por sus referencias explícitas al consumo de droga, el sexo y el antimilitarismo.

Armand
Comenzó en el música a los 7 años con una flauta que le regalaron por su cumpleaños.  Pasó a la armónica y a los 10 años al acordeón. Después vino la guitarra y las canciones de Cliff Richard, Buddy Holly, Eddie Cochran y Johnny Halliday. En 1965 participa en un concurso local con una canción en inglés. Un miembro del jurado le conminó a que cantara en holandés y una semana después ya había compuesto su primera canción protesta en su idioma natal.  Empezó la mala vida consumiendo narcóticos químicos y acabo retirándose del mundo hasta que descubrió los poderes curativos del hachís. Durante unos años  no compuso gran cosa y a finales de los sesenta regresó  grabando dos discos, uno con título homónimo y otro llamado  “Blommenkinders”, ambos en 1967. Le siguió “Rue De La Paix” (1972) con miembros de los grupos The Walkers y Opus, seguido de los álbumes “Een Beetje Vriendelijkheid” (1974), “Terug Naar De Aarde” (1976), “Tintels Voor De Mensen ‎” (1978), “Nachtbraken “ (1981), “Waar 'T Om Draait” (1986), “One Of Eur Kind” (1994) y “Mooie Woorden” (2007).


Armand 
"Ben ik te min" estuvo 14 semanas en el top 40 holandés en 1967. En la canción, arremete contra el padre burgués de su novia y está considerada una de las más representativas canciones protesta de su país. En 2011 recobró su popularidad a raíz de un programa televisivo y su principal canción fue versionada en clave de rap por el responsable del programa, el cantante Ali B.  También fue adaptada por la rapera Nina convirtiendo la letra en una defensa de la mujer en el mundo del hip hop. En 2012 colaboró con los compositores y artistas Lucky Fonz III y Dave von Raven (cantante de The Kik). Con los Kik grabó en 2015 un disco de versiones de sus temas y actuó en varios escenarios holandeses hasta la actualidad.  Una de sus mejores frases dice: "Don't take life too serious; you won't survive it anyway".

Documentos sonoros: 

Armand canta "Ben ik te min", uno de sus temas estrella. 

Armand acompañado por los Kik cantando su tema "Lemand".