domingo, 30 de diciembre de 2012

Fallece Mike Auldridge de los Seldom Scene

Mike Auldridge nació el 30 de diciembre e 1938 en Washington, D.C. y murió el 29 de diciembre de 2012 en Silver Spring, Maryland, víctima del cáncer.  Está considerado como uno de los primeros y más grandes intérpretes de la “Resophonic Guitar”, guitarra con resonador metálico como el Dobro que también tocaba, pero en su caso con mástil cuadrado que se toca como una lap steel guitar.  Empezó a tocar la guitarra a los 13 años influenciado por el gran intérprete de dobro Josh Graves, que introdujo el instrumento en el bluegrass, y que fue el que le vendió el primero. Tras acabar los estudios en la Universidad de Maryland en 1967, trabajó como artista gráfico y en el Washinghon Atar-News hasta 1976, año en que se dedicó plenamente al a música.
  
The Seldom Scene
Formó parte de los Seldom Scene, banda de bleugrass con toques de jazz, folk y rock, creada en Bethesda (Maryland) en 1971.

Mike estuvo con ellos en las diferentes formaciones hasta 1995. Los primeros Seldom Scene fueron John Starling, guitarra, voz; John Duffey, mandolina y coros;  Mike Auldridge, Dobro, voz; Ben Eldridge, banjo, guitarra y Tom Gray, bajo. En 1972. Mike grabó un disco a su nombre con el título de "Dobro" en el que cantó y tocó el Dobro con la colaboración de Josh Graves, y del resto de los Seldom Scene.

Hasta 1995, los Seldom Scene grabaron un total de 17 álbumes desde sus iniciales “Act I”, “Act II” y “Act III” entre los años 1971 y 1973. Empezaron tocando una noche en el pub y el resto de la semana trabajaban de sus respectivos oficios: médico, cartógrafo, diseñador gráfico y matemático.  En 1995, Moondi  Klein a la guitarra; T. Michael Coleman al bajo y Auldridge formaron los Cheseapeake.  John Duffey murió en 1996 de un ataque al corazón y Eldridge continuó con el proyecto hasta 2007. 


Auldridge también grabó en solitario otro álbum en 1976, tocó con Darren Beachley en The Legends of the Potomac bluegrass band Cliff Waldron and the New Shades of Grass, The Good Deale Bluegrass Band, John Starling and Carolina Star, y formó parte de las bandas para el directo Lyle Lovett and Emmylou Harris. También grabó con el gran Jeff Newman (pedal steel guitar) y trabajó con Paul Beard (Beard Guitars) para fabricar sus propios modelos de “resophonic guitars”, incluida una versión de ocho cuerdas.



"With Body and Soul" es un tema del primer álbum de los Seldom Scene, "Act I" de 1972.


En este tema, Mike canta con Emmylou Harris el tema "Dreamin' My dreams with you" de su álbum en solitario de 1976.



sábado, 29 de diciembre de 2012

Muere el músico y productor jamaicano, Lloyd Charmers

Lloyd Charmers nació con el nombre de Lloyd Tyrell en 1938 en Kingston (Jamaica) y murió el 27 de diciembre de 2012 en Londres mientras conducía de un ataque al corazón. Conocido también por otros nombres como Lloyd Terell o Lloyd Terrell fue un cantante, teclista y productor de música jamaicana.

Desde finales de los cincuenta, con el R&B Jamaicano y el ska, hasta el rocksteady y roots reggae de finales de los sesenta y principios de los setenta, la contribución de Charmers fue muy importante ya sea desde su faceta de vocalista, como músico de sesión y productor.  Empezó formando parte del dúo vocal the Charmers, con el cantante Roy Willis. Tras unos cuantos temas con notable repercusión, atrajo el interés del productor Clement «Coxone» Dodd con el que grabaron para varios de sus sellos, All Stars, World Disc, y Coxsone, temas como “Jeannie Girl”.  Tras este dúo, Charmers se unió a Slim Smith y Martin Jimmy Riley en los Uniques.  Los Uniques, formados en 1966 se disolvieron al año siguiente y Slim creó una nueva formación con Charmers y Riley.  Debutaton con "Watch This Sound", versión del  "For What It's Worth", de Stephen Stills (Buffalo Springfield). Slim fallecería en 1973 y sería substituido por Cornell Campbell.

The Charmers
Charmers empezó a tocar el piano en 1966. Formaría su primera banda  tocando él el órgano, más el guitarrista Alva «Reggie» Lewis y los hermanos Carlton «Carlie» Barret a la batería y Aston «Family Man» Barret.  Se llamaron Hippy Boys y trabajarían para el productor Bunny «Striker» Lee, como por ejemplo para el instrumetal «Bangarang», del saxofonista alto Lester Sterling.  Después se llamarían Bunny Lee All Stars, y colaborarían con Ken Parker, Max Romeo, Pat Kelly, John Holt, y Slim Smith & the Uniques.  También formó parte del breve grupo The Messengers  con Ken Boothe , BB Seaton y Busty Brown.

En 1970 sacó un álbum llamado “Reggae Charm” ( Trojan Records) con Byron Lee & the Dragonaires. Trojan editó varios trabajos como “Reggae Is Tight” (1970), o “Charmers In Session” (1973). También sacó un disco con el nombre de  Lloydie and The Lowbites en 1972 con el título de “Censored”, parte una y parte dos.  

Como autor o co-autor su nombre va asociado a grandes temas como "In the spirit" y "Skinhead train" o el Birth Control (homenaje en Too Much Too Young de los Specials), "Reggae in wonderland", "Reggae is tight", entre muchos más. Como productor, Lloyd destacó por su trabajo con Ken Boothe y temas como su grandioso “Everything I Own”, con Eric Donaldson y su "Love Of The Common People”, o con Marcia Griffiths y su "Put A Little Love In Your Heart”. Formó tambièn su propio sello, Splash label, con el que sacó varios singles de Gladdy Anderson, Lester Williams, Marcia Griffiths, entre otros, y el “Soul Revolution” de Bob Marley & Wailers.



En este video puedes escuchar su "Birth Control" de donde salió el tema de los Specials, "Too much too young".





The Uniques triunfaron con su "Watch This Sound", versión del "For What It's Worth", de Stephen Stills.


Por último, uno de sus instrumentales de reggae psicodélico con los Hippy Boys.


jueves, 27 de diciembre de 2012

Muere la cantante de R&B y jazz, Fontella Bass

La fenomenal cantante de R&B y jazz, Fontella Bass nació el 3 de julio de 1940 en St. Louis (Missouri) y murió el 26 de diciembre de 2012. Hija de la cantante de góspel Martha Bass, componente de las Clara Ward Singers, empezó cantando en servicios funerarios, en el coro de la iglesia y de gira con su madre hasta los 16 años, edad en que se siente atraída por el R&B.

Pese al rechazo de su madre a ese tipo de música, ella insistió en formar parte de la banda de Oliver Sain quien contaba con el cantante  Little Milton.  Fontella tocaba el piano pero un día no se presentó  Milton y cantó ella. A partir de ese día fueron cantantes solistas  los dos y cuando se fue Milton, compartió voz principal con Bobby McClure. El grupo fue conocido como  "The Oliver Sain Soul Revue featuring Fontella and Bobby McClure". En esa época grabó también para Bobbin records varios temas con la producción de Ike Turner y se casó con Lester Bowie, trombonista, compositor y creador del grupo "Art Ensemble of Chicago".

Contratada por Chess records grabó dúos con Bobby McClure en 1965 con temas como  "Don't Mess Up a Good Thing", "You'll Miss Me (When I'm Gone)", y en solitario como su famoso “Rescue me” que vendió un millón de ejemplares y se convirtió en disco de oro. En 1966 sacaría con Chess un álbum con el título de “The New Look”.

 En 1969, su música dio un giro hacia el jazz y las raíces afroamericanas.  Con su marido Lester se trasladó a París  y entró a formar parte del grupo llamado "Art Ensemble of Chicago", y grabó un par de álbumes: “Art Ensemble of Chicago with Fontella Bass” y “Les Stances a Sophie”, banda sonora de la película francesa del mismo título.  En 1972 editaría otro disco en solitario con el título de “Free” (Paula Records) que no tuvo el éxito esperado. Fontella se retiró de la música profesionalmente y se dedicó a criar a los cuatro hijos que tuvo con Lester.    

En los años ochenta participó en el espectáculo musical "From the Roots to the Source", con su madre Matha Bass, su marido, Lester Bowie, la pianista, Amina Nyers, el saxo alto, Arthur Blythe, el  contrabajista, Malachi Favors y el baterista, Philip Wilson. En 1990 se sorprendió al oír cómo American Express se había apropiado, sin su permiso, de su tema “Rescue me” y empezó un pleito que acabó ganando y fue indemnizada. Ese año volvería a grabar un disco, en este caso de góspel con su madre y su hermano David Peaston. Se titulaba "From the route to the source" y lo sacó Blue Note. Dos años después grabó un disco con el "World Saxophone Quartet"  formado por el saxofonista tenor, David Murray, y el saxofonista alto, Oliver Lake. El disco se tituló "Breath of Life" y obtuvo un gran éxito tanto por parte de la crítica como de  público.  Siguiño cantando y grabando discos hasta 2001. A principios de este mes de diciembre de 2012 sufrió un ataque al corazón.




Un lunes de resaca apocalíptica, el “Día que a Dios le dio por existir” de Dani Llabrés

Dani Llabrés acaba de publicar un libro con el título de “El día que a Dios le dio por existir”  acompañado con el subtítulo de “Diez Plagas y veinte canciones para la escoria del soul”.  Tras la lectura de sus más de doscientas páginas, todas ellas sin desperdicio alguno, la primera reacción que se nos queda grabada en la mente obedece precisamente a una de las preguntas que pronuncian de forma habitual los personajes de la historia ante lo demencial de muchos de sus acontecimientos. Esa pregunta, no exenta de estupefacta ironía y, si se me permite, muy valenciana, es: "¿Pero qué me estás contando?"...

Llabrés nos explica, en ésta su primera novela, multitud de historias que confluyen en una de principal. Esos relatos llamémosles secundarios, aunque imprescindibles para entender esta obra literaria, suceden en lunes de resaca apocalíptica. Nos describen situaciones estrambóticas, con posibles explicaciones científicas, como una lluvia de ranas que sorprende a un grupo de suicidas japoneses; una tormenta de granizo sobre un combate de lucha libre en México; o el ataque de miles de langostas en un concurso de imitadores de Elvis…Todas ellas son recreaciones libres e hilarantes de las diez plagas bíblicas de Egipto que tienen lugar en varios puntos del planeta cuyas iniciales tienen un peso relevante en la desenlace final de la novela. Además, cada capítulo tiene su correspondiente canción como banda sonora con lo que el libro acaba por semejarse incluso a un selecto maletín de Dj, propiedad de un experto coleccionista de música R&B. 

Pero antes de compartir con todos vosotros algunas posibles razones que pueden ayudaros a enfocar el propósito de este libro, no está de más recordar quién es su autor. Dani Llabrés nació en Valencia en el año 1971. Ha realizado hasta el momento numerosas colaboraciones periodísticas y literarias para diversas publicaciones y ha dirigido programas de radio, fanzines, y un galardonado cortometraje titulado “Tarde de Dominó”. También es autor de un libro de relatos cortos llamado “Pequeños Freaks” y factótum de la página web realmodworld.com    

Dani Llabrés
La temática principal de este libro se desenvuelve entre Valencia y Tomelloso, y sus protagonistas son un grupo de amigos que manifiestan una atracción devota por un estilo de vida modernista, en el que comparten gustos musicales, hedonismo y elegancia, entendidos cada uno a su manera, pero con denominadores comunes como son la música de los años sesenta, preferentemente el soul, el existencialismo, las scooters, los trajes, o las parkas militares norteamericanas. Se reúnen en una tienda de discos de Valencia propiedad del único personaje real de la historia, y desde allí se sumergen en la noche valenciana a la búsqueda de sexo y diversión, mediante oscuras y raras sesiones de Dj’s, ayudados por el consumo de diversas drogas que consiguen en los locales más variopintos, los mismos antros donde se ven implicados en algunos problemas y peleas. 


Llegados a este punto, supongo que te preguntarás, si aún no has tenido el placer de leer este libro, ¿cómo se relacionan ambos relatos, o sea el bíblico y el underground, tan, en principio, dispares?.  A modo de pista, añadiré tan solo que la actuación estelar y sangrante de ese grupo de amigos es crucial para salvar el mundo, o quizá no, quién sabe. Así que lo mejor que puedes hacer para saber qué te esta contando Llabrés, es leerte su obra y lo antes posible. Te aseguramos que no solo vas a pasar un buen rato sino que vas a encontrar muchos motivos para recomendarla como hacemos desde el blog del Magic Pop.   
 
Y para que no parezca que lo decimos por decir, vamos a concretar algunas posibles razones por las que realmente merece la pena leerse esta novela. En concreto, cinco motivos, enumerándoles  tal y como hacen algunos de sus personajes para explicar sus propias decisiones:

Primera, por imaginativa, porque es un libro que si bien puede parecerte desmesurado por momentos, no deja de ser original en cuanto relaciona una temática bíblica con otra llamémosle más cotidiana, nocturna, hedonista y “underground”.

Segunda, por exquisita, porque el autor ha escrito esta obra con un buen dominio del lenguaje y si bien es capaz de describir escenas que te pondrán los vellos de punta o te revolverán el estómago, en otros momentos te sorprenderá con elegantes metáforas, opiniones ácidas y descripciones extraordinariamente bien construidas.

Tercera, por hilarante y aberrante, porque el autor ha sido capaz de escribir una historia que va más allá del imaginario corriente del lector medio de este país que debería estar ya más que cansado de tanta guerra civil, la eterna transición política y el realismo mágico de serie B.

Cuarta, por modernista, porque el autor ha conseguido normalizar lo mod, movimiento juvenil con raíces en los sesenta, como actitud de campamento base en unos personajes literarios, pero sin la obligación ni la necesidad de que sea su única finalidad vital y comunicativa.

Quinta, por atractiva e hipnótica, de la primera a la última página, porque el autor ha construido una historia con todos los aspectos antes destacados pero que, sin éstos dos motivos propios del oficio, no hubiera funcionado a nivel literario.     
  

Dani Llabrés nos ofrece, por tanto, un excelente libro que aúna, con su original arte y buenas maneras de escritor, los recursos de la novela negra con algunas técnicas del nuevo periodismo norteamericano y el "dirty realism", para construir una historia “underground” en la que la cultura aberrante reclama un espacio con identidad propia al margen de los previsibles postulados oficiales de la literatura pretendidamente “intelectual”.  Uno de sus principales personajes dice al final de la obra: “solo bajo el manto de la locura se puede huir de la fatua y anodina realidad”, y eso es precisamente lo que ha hecho Dani Llabrés para divertirnos un lunes de resaca apocalíptica, el “Día que a Dios le dio por existir”.

 Nota: Puedes adquirir un ejemplar del libro en:  “Le Trip” (Calle de Manuela Malasaña 24, de Madrid);  “Upbeat” (Calle del Espíritu Santo, 6 de Madrid); Daily Records (Carrer De Les Sitges n.9 de Barcelona) y Discos Keramidas (Avda. Alemania, 5, Local TB52. Centro Comercial el Descubrimiento de Cáceres). También puedes solicitar una copia en Liquidator, Suny Day Records o en esta dirección de Lulu.

Fallece Franco Ceccarelli, fundador de Equipe 84

Franco Ceccarelli nació el 13 de mayo de 1942 en Módena donde murió el 21 de diciembre de 2012. Fue productor musical, guitarrista y fundador del grupo de beat italiano, Equipe 84 del que formó parte hasta su muerte.  

El grupo se formó en Módena en 1962 con la formación de Giovani Leoni y “Paolo & i Gatti". A finales de los cincuenta habían formado parte de los Hurricanes que se transformaron en Le Tigri, con Maurizio Vandelli (voz, guitarra), Victor Sogliani (bajo), y la hermana de Victor, de nombre María, a la guitarra y Pierluigi "Pier" Farri (batería).

En 1960, entró Franco Ceccarelli substituyendo a la hermana de Víctor. Durante los primeros años sesenta se produjeron algunos cambios hasta que adoptaron el nombre de Equipe 84. Según algunos periódicos de la época se trataba de la suma de sus edades, pero según el propio Ceccarelli, era un modo de promocionar el brandy  italiano  Stock 84. Los primeros Equipe 84 fueron Maurizio Vandelli (1963-1978), voz solista, guitarra;  Victor Sogliani (1963-1978 y 1984-1995), voz y bajo; Alfio Cantarella (1963-1970 y 1973-1976), a la batería y Franco Ceccarelli (1963-1970 y 1984-2012), voz y guitarra.

Debutaron en 1964 con la grabación para Caravel del himno del Módena, “Canarino va”,  que por entonces jugaba la llamada Serie A, máxima categoría en la liga italiana. En la cara B, estaba el tema "Liberi d'amare". El disco llamó la atención de Armando Sciascia que buscaba un grupo para su discográfica, Vedette, con la que firmaron. Hasta 1966 sacaron con Vedette varios singles con temas como “Papà e mammà/Quel che ti ho dato” (1964);  (Ora puoi tornare/Prima di cominciare (1964); “Notte senza fine/Se credi a quello che...” (1965); “La fine del libro/Cominciamo a suonare le chitarre” (1965); “Sei già di un altro/La den da da” (1965); “Un giorno tu mi cercherai/L'antisociale” (1966); y “Mi fa bene/Goodbye my love” (1966). Con Vedette también editaron un Lp en 1965 con título homónimo.

En 1966 ficharon con Dischi Records con los que graban un sencillo de éxito con un par de versiones “Io ho in mente te” cover del "You were on my mind" , de Sylvia Fricker del duo folk Ian & Sylvia y “Resta” versión del “Stay” de Maurice Williams que llevaron al éxito los Hollies. Le sucedieron hasta los setenta muchos más singles con temas como “Bang bang/Auschwitz “ (1966); “29 settembre/È dall'amore che nasce l'uomo” (1967); “Nel cuore, nell'anima/Ladro” (1967);  “Un anno/Nel ristorante di Alice” (1968); “Un angelo blu/Nella terra dei sogni” (1968); “Tutta mia la città/Cominciava così” (1968); “Pomeriggio: ore 6/E poi..” (1969); “Il sapone, la pistola, la chitarra e altre meraviglie/Devo andare” (1970); “Casa mia/Buffa” (1971); “4 marzo 1943/Padre e figlio” (1971); “Una giornata al mare/Quel giorno” (1971) y “Pullman/Non si può” (1971). Con esta discográfica sacaron los Lp’s: “Io ho in mente te” (Dischi Ricordi, 1966); “Stereoequipe” (Dischi Ricordi, 1968) “ID” (Dischi Ricordi 1970) y “Casa mia” (Dischi Ricordi, 1971)

En 1970 la policía detiene a Alfio Cantarella con hachís y la RAI decide no volver a radiar el grupo aunque su siguiente single “Il sapone, la pistola, la chitarra e altre meraviglie” para un programa de televisión aparece con el nombre de otro batería,  Mike Shepstone de los Rokes. Ese año 1970, Franco Ceccarelli abandona el grupo y quiere montar una versión de la banda con Ricky Gianco que no duraría mucho. Acaba viajando a la India.

Los siguientes trabajos discográficos de Equipe 84 se titulan “Dr. Jekyll e Mr. Hyde (Ariston Records, 1973);  “Sacrificio” (Ariston Records, 1974) y “Un amore vale l'altro” (Rose Rosse, 1989). Los nuevos Equipe 84 de los setenta fueron Franz Di Cioccio a la batería (1970-1971), Dario Baldan Bembo (1970-1972), Thomas Gagliardone  (1972-1978) ambos a los teclados, más los fundadores Maurizio Vandelli y Victor Sogliani. Graban discos con influencias progresivas para Ariston que edita varios singles hasta 1977. La banda se disuelve de nuevo y volverían en 1984 con Victor, Franco, más Paolo Pigozzi y Antonio Aiazzi a los teclados. Una nueva reunificación de los noventa cuenta con los mencionados Víctor y Franco más Roberto Poltronieri al bajo, y Eugenio Mori a la batería. Sogliani funda el Equipe Extra-D en 1995 y muere en octubre por un aneurisma.
 
A partir de la década de los dos mil la banda sigue activa hasta 2012 con Franco más los cantantes Fabio Cobelli y Dolores Olioso. Vandelli nunca quiso participar más de las reuniones del grupo. Franco es padre de la actriz italiana Sandra Ceccarelli y una de las frases que solía pronunciar en los conciertos de Equipe 84 era: "Finché ci sarete voi ci saremo noi".




miércoles, 26 de diciembre de 2012

Muere Ray Collins, cantante de los Mothers of Invention

Ray Collins, finales 60's
Ray Collins nació el 19 de noviembre de 1936 y murió el 24 de diciembre de 2012 en Caltremont (California).   Se crió en Pomoma (California) donde empezó cantando en el coro del colegio y después abandonó la escuela secundaria para casarse.

Su trayectoria musical se inicia en grupos de doo wop de los Ángeles  entre finales de los cincuenta y principios de los sesenta, como por ejemplo Little Julian and The Tigers quienes fueron descubiertos por  Johnny Otis, y que grabaron éxitos como "Lonely, Lonely Nights" y "I Remember Linda."


The Soul Giants
En 1964, Ray formó parte de la banda The Soul Giants con el baterista Jimmy Carl Black, el bajista Roy Estrada y los guitarristas Elliot Ingber y Frank Vincent Zappa (n. 1940- d. 1993) con el que formó parte de The Mothers of Inventions grabando sus primeros álbumes:  “Freak Out!”, “Absolutely Free”, “Uncle Meat”,  “Cruising with Ruben & the Jets” así como cantando  en alguna que otra canción de  “Burnt Weeny Sandwich" (1970) y "Weasels Ripped My Flesh" (1970).


Frank Zappa ya había formado parte, como baterista, de The Ramblers y creó en Lancaster, The Blackout, con el músico Don Van Bliet, que después se convertiría en el Captain Beefheart.  Trasladado a los Ángeles, Zappa formó Joe Perrino & The Mellocotones y después The Soul  Giants que en 1966 cambian el nombre por el de The Mothers y cuando les contratan Verve Records de la MGM, pasan a llamarse The Mothers of Invention. 

Ese año sacaron su primer disco, el doble "Freak Out!" producido por Tom Wilson. Ray cantaba y tocaba la armónica. Su segundo Lp  se tituló “Absolutely free" (1967),  ya sin Ingber, y con el teclista Don Preston, más un segundo baterista Billy Mundi y músicos para la sección de viento como el saxofonista "Motorhead" Sherwood y el multiinstrumentista Bunk Gardner. En ese mismo año Zappa saca el disco instrumental "Lumpy Gravy" (1967), grabado con la Abnuceals Emuukha Electric Symphony Orchestra.  Después vendría  "We're only in it for the money" (1968), uno de sus álbumes con más éxito, en el que no participa Collins, y el mismo año editan un nuevo disco llamado "Cruising with Ruben & The Jets" (1968), a modo de homenaje  al doo wop, en el que Ray canta y toca la guitarra. 



Ray Collins, recientemente
Collins también puso voces en “Uncle Meat” de 1969 y cantaba en alguna canción de “Burnt Weeny Sandwich" (1970) y en "Weasels Ripped My Flesh" (1970). Estos dos fueron los últimos discos, de predominio instrumental, grabados por la primera formación de The Mothers of Invention, antes de entrar Mark Volman “Flo” y Howard Kaylan “Eddie”, ambos de los Turtles. También entraron el batería Aynsley Dunbar, el bajista Jim Pons y los multiinstrumentistas Ian Underwood y George Duke. Ray Collins colaboraría con Zappa en otros proyectos durante los setenta.

 
El tema seleccionado con el siguiente video pertenece al álbum "Freak Out" y habla de los disturbios que estallaron el 11 de agosto de 1965 en el barrio de Watts en Los Angeles tras que un policía de tráfico detuviera a un motorista negro por supuesta conducción bajo los efectos del alcohol. Empezaron a congregarse personas y corrieron los rumores en un barrio donde la situación entre la comunidad afroamericana y la policía ya era tensa de forma cotidiana.  Los disturbios duraron una semana  durante la que murireron 34 personas, más de mil resultaron heridas y más de 600 edificios fueron dañados o destruidos. El video es de imágenes de esos disturbios y está subtitulada al castellano. Es una dura crítica contra la cobertura sensacionalista de los medios de comunicación, el poder establecido, la violencia y la discriminación racial. En un momento del tema, dice: "no soy negro, pero hay un montón de veces que me gustaría poder decir que no soy blanco". 
 

lunes, 24 de diciembre de 2012

Muere Marva Whitney, diva del funk y el soul

Marva en los 60's
Marva Ann Manning , nació el 1 mayo de 1944 en Kansas City y murió el 22 diciembre de 2012. Con el nombre artístico de Marva Whitney fue una de las mejores cantantes de R&B y funk norteamericanas de todos los tiempos.

Su trayectoria musical empezó muy pronto y ya con tres años estuvo de gira con su familia que formaba un grupo de góspel llamado The Manning Gospel Singers.  Fue vocalista de la banda Tommy Gadson & the Derbys y en 1967 entró a formar parte de la banda de James Brown, The James Brown Revue. Eso significaba que cantaba con él y que cuando el maestro se tomaba un respiro, ella seguía en el escenario como solista principal. También le acompañó en la conocida gira por el Vietnam a finales de los sesenta.


Marva con James Brown
Tuvo una notable repercusión con temas cantados por ella y editados por el sello King Records como “Unwind Yourself” (1968),  "I'm Tired, I'm Tired, I'm Tired (Things Better Change Before Its Too Late)" (1968), y sobre todo el "It's My Thing (You Can't Tell Me Who to Sock It To)", versión  de un tema de los Isley Brothers.  Su Lp de estudio titulado “It’s my thing” salió en 1969 con Polydor.
Más recientemente colaboró con el Dj Pari y se unió a la tremenda banda japonesa Osaka Monaurail  con los que editaría un disco de funk y soul de la vieja escuela llamado “I am what i am” acompañándoles también en los directos de 2007 a 2009.

Marva, recientemente
En diciembre de ese año, en una actuación con el grupo australiano de funk y soul, The Transatlantics en Lorne (Australia) sufrió un derrame cerebral y se desplomó en el escenario. Fue trasladada de inmediato al hospital y afortunadamente logró recuperarse. Volvería a cantar en 2010.  Whitney murió por complicaciones de una neumonía a los 68 años de edad. 




En este video se puede oír uno de sus mejores éxitos, “Unwind Yourself” (1968).

En este video podemos verla cantar en la televisión con James Brown el tema  “If You Don't Work (You Can't Eat)".



En este otro video canta con la Osaka Monaurail en el 100 Club de Londres en noviembre de 2009.



 

Surfeando en la Traviesa de Torredembarra con unos inmejorables Martinis

Foto: Marilions Marilen
La Traviesa de Torredembarra, conocido oasis musical del rock and roll y el blues siempre al margen de lo previsible, fue escenario el 23 de diciembre de 2012 de un concierto memorable de los Martinis Surfers, banda de rock instrumental de Barcelona con alguna que otra sensacional canción cantada de “garage”.  Del primero al último de los temas interpretados fueron una lección de destreza melódica y rítmica mediante unas guitarras elegantes, muy precisas, con pasajes de pizzicato impecables y un envolvente sonido reverb que les sitúa más cerca de unos Shadows que de unos Ventures. En este sentido cabe destacar que la amplificación que utilizan para esas maravillosas guitarras es VOX AC 30 y no Fender Twin Reverb.

Foto: Marilions Marilen
El repertorio de los Martini Surfers se divide en dos sectores principales que engloban por una parte sus excelentes temas propios, y por otra parte, las cuidadas versiones, principalmente de surf instrumental y “garage”. En su espectáculo incluyen también  adaptaciones de bandas sonoras de películas de James Bond, originales de John Barry, como “Goldfinger”, “OperaciónTrueno” o “Solo se vive dos veces”, pero también dan debida cuenta de arreglos magistrales del “Bueno, el Feo y el Malo” de Ennio Morricone, o una sorprendente y vibrante versión del “Lago de los Cisnes”  de Tchaikovski que empezó con violín y acabó con el público en el bolsillo.

Foto: Marilions Marilen
De sus temas propios sonaron los que forman parte de su primer Ep del que puedes leer una crítica en nuestro blog aquí. Como bien sabes los Martini Surfers tienen un disco editado por Butterfly Records con el título de “Welcome to Martini Land” que fue grabado en los Spectra Studios por Tony “El Thompson” Mancebo, guitarra solista y voz; Josep “Da Psico” Casas, guitarra rítmica; Luca “Il Surfer” Ceruti, bajo y violín; y Sebas “El Scirocco” Velasco, a la batería.  Algunos de estos músicos proceden de bandas de rockabilly como Los Forajidos o de surf como los Surfones. Los técnicos de grabación y productores fueron Tony Mancebo y  Ángel "El Cuerpo" Fernández mientras que del diseño gráfico del disco se encargaría Marcel Bontempi.

En estos temas originales, es donde podemos apreciar lo mejor, que no es poco, de estos grandes músicos. “Santa Maria del Mar” sigue siendo uno de mis temas favoritos de instro surf de todos los tiempos. En “Misión en Torremolinos” podemos disfrutar de unos Martini Surfers en estado de gracia tanto en el estudio como en directo. No en vano este tema acaba de ser escogido, por el prestigioso programa el Sótano de Radio 3,  para formar parte de la lista de los 20 mejores instrumentales del año entre los que figuran estrellas como  Mike Barbwire and the Blue Ocean Orchestra, Los Straitjackets, Mambo Jambo,  Venturesmania, Los Galerna, o Los Imposibles entre otros. También interpretaron su vibrante “The return of El Vengador” y por supuesto su éxito “garage” llamado “Olvidé mi tabla de surf en Afganistán” que empieza ya a ser habitual en las sesiones de baile en las mejores fiestas “garajeras” del pais. De su repertorio propio también sonaron piezas muy bien estructuradas y atractivas como “El ataque de las mujeres abeja” o “From Hell”, entre otros. 

Foto: Marilions Marilen
Por lo que respecta a las versiones de instro surf asi como de “garage” destacaron la “Nit de Llampecs” de los Relámpagos o “Amor Amargo” de El Dúo Dinámico, entre otros temas de Nat King Cole, de The Shadows, así como el “Sliced Tomatoes” de The Just Brothers que tuvieron el gran detalle,  que agradecemos de todo corazón, de dedicarlo al Magic Pop, o el “Be a cavemen” de los Avengers más la adaptación, muy convincente, del Shakin’all over de Johnny Kid and The Pirates. Y ya que hemos comentado la inusual participación de un violín en un concierto de instro surf, es preciso que quede constancia también de la extraordinaria ejecución del tema principal de “Solo se vive dos veces” de James Bond por parte de Luca Ceruti quien, aparte de ser el bajista, es también violinista de la orquesta del Liceo. Sin lugar a dudas, los Martini Surfers han tenido una genial ideal que merece ser explorada en todas sus consecuencias. Si bien es más que probable que sean el único grupo de surf del universo que tenga en sus filas un violinista, para ser totalmente precisos cabe mencionar también que hay temas de este estilo que ya tienen arreglos con violines, por ejemplo “La caja del Muerto” de los suecos Barbwires, por citar alguno.
 
Foto: Marilions Marilen
En resumidas cuentas, los Martini Surfers dieron un concierto que agradó al público asistente quien, satisfecho por la sesión, pidió un par de bises y, por supuesto, fueron recompensados por unos entregados músicos que bromearon entre tema y tema, y agradecieron al respetable su caluroso recibimiento en la fiesta surf de la Traviesa de Torredembarra. Si bien ya conocíamos su faceta de estudio, a partir de ahora ya podemos ensalzar, con conocimiento de causa, el cuidado directo de esta banda que nos demostró con creces su  extraordinaria solvencia y creatividad mediante elegantes temas instrumentales así como cantando divertidos pasajes de “garage” sixties.        

domingo, 23 de diciembre de 2012

Supersweet rememora el “Tommy” de los Who en un magistral “Live at Zero” en Tarragona

Foto: Magic Pop
Supersweet ofrecieron la noche del 22 de diciembre de 2012 un magistral concierto en la sala Zero de Tarragona con gran parte de las canciones incluidas en el álbum “Tommy” de los Who más un bis con otros tres temas más de la mítica formación británica. El concierto se enmarcaba en una gira, por varios escenarios del Estado, en la que este poderoso trío donostiarra  interpreta el mencionado  álbum conceptual, considerado también como ópera rock. 

El concierto que ofrecieron los Supersweet en Tarragona, organizado por Vòrtex produccions, fue impecable de principio a fin con un batería que reproducía la pasión y la enorme técnica del mismísimo Keith Moon, al mismo tiempo que aportaba, de forma muy convincente, la voz principal en varios de los temas; un guitarrista que estuvo extraordinario llevando el peso melódico de toda la actuación mientras bordaba la mayoría de las voces solistas, añadiendo momentos francamente sublimes con la guitarra, hasta movimientos corporales parecidos a los que realizaba un joven  Pete Townshend, aspa incluida e incluso lanzando el instrumento al aire; y un teclista, organista, pianista,  haciendo labores también de bajo, no menos sensacional, participando con coros así como dando volumen y consistencia en una actuación que, de forma genérica y en todos los detalles,  fue verdaderamente genial. 

Foto: Magic Pop
Supersweet no solo suprimió con buen criterio los empalagosos momentos con sintetizadores de la banda sonora de la película sino que logró mejorar hasta los potentes arreglos de guitarra utilizados por los propios Who en sus actuaciones de los setenta, sobre todo en el concierto de Leeds grabado en ese primer álbum en directo titulado “Live at Leeds”.  De este modo, el concierto entusiasmó con creces a un numeroso público formado por personas que se sabían los temas,  que cantaban y que seguían el ritmo con palmas, para aplaudir a rabiar una canción  tras otra.   

Foto: Magic Pop
Finalizada la interpretación del “Tommy”, el trío nos ofreció un bis con tres impecables versiones de otros temas del repertorio de los Who: “The Seeker” (1970), “Substitute” (1966) y una sensacional adaptación del  “Won't Get Fooled Again” (1971) con el famoso órgano sintetizado tocado nada menos que en vivo sin estar programado, más los poderosos acordes y juegos rítmicos que caracterizan este gran tema así como algún que otro solo de guitarra de cosecha propia que hizo más atractivo, si cabe, este clásico del álbum “Who’s next”.   Cerró la noche una pinchada con grandes momentos “sixties” a cargo de un inspirado Dj daBeat.     

Tras esta introducción que ha intentado resumir emocionalmente  la experiencia vivida esa gran noche, aunque conscientes de que nos quedados cortos ante tal  cúmulo de genialidades,  vale la pena que entremos en materia para analizar que tuvo de especial el “Tommy” de Supersweet.

Supersweet  y su versión del "Tommy" 

Imanol. Foto: Magic Pop
Supersweet es un power trio donostiarra formado con experimentados músicos que han formado parte de bandas como Señor No, Small Things, o Fivelives. La banda se formó en 2011 con Imanol G. Alcón (guitarra y voz), Andoni Etxebeste (batería) y Alvaro Turrion. (teclados). En su anterior formación, Chico Boom, contaban con el bajista Koldo Soret y debutaron en 2004 con el single ‘Birth’ editado con la revista Ruta 66. Dos años después sacan el Ep con el nombre “Squeezing for time” con el sello GP Records. Como Supersweet, su último trabajo de estudio lleva por nombre “The Hereafter” y contiene 11 impresionantes temas de power pop con detalles psicodélicos.

Este era su quinto concierto con el repertorio del “Tommy” y todavía les quedan unos cuantos conciertos por todo el Estado. Su versión se basa en arreglos que reproducen con extraordinaria solvencia la fuerza sonora y rítmica con la que fueron interpretados por Pete Townshend a las guitarras y voz principal, John Entwistle al bajo, Roger Daltrey a la voz principal, y Keith Moon a la batería en el famoso concierto de “Live at Leeds” del año 1970.  Hay que tener en cuenta que “Tommy” emana del imaginario de Pete Townshend  y que casi la totalidad de sus temas fueron compuestos por él con riffs que surgieron de su guitarra acústica. Para tocarlos en directo, los Who  elaboraron otros arreglos con más guitarra eléctrica, momentos de percusión impactantes y juegos de voces entre Daltrey y Townshend, más el bajo del genial Entwistle que cantó uno de ellos, uno de los dos que compuso para la obra, el “Fiddle About”.  

Para los que no tuvieron la suerte de presenciar el concierto en Tarragona, hemos elaborado la siguiente lista comparando la actuación de los Supersweet en la sala Zero, con el concierto de los Who en la Universidad de Leeds y por supuesto el orden de canciones del disco original de “Tommy”.

Andoni: Foto Magic Pop
De la Cara A del disco de “Tommy”, los Supersweet tocaron, en el mismo orden, todos los temas menos “The Hawker (Eyesight to the blind)”, versión de Sonny Boy Williamson que sí la interpretan los Who en “Live at Leeds”. Es decir, interpretaron “Overture”, “It’s a Boy”, “1921”, y “Amazing Journey” con “Sparks”.  A continuación, de la Cara B sonaron en la Zero: “Christmas” y “The Acid Queen” pero no el tema de Enwistle “Cousin Kevin” ni “Underture”, ambos tampoco fueron interpretados por los Who en el concierto de Leeds.  Siguieron con la cara C  con el orden del disco y los temas “Do you Think It’s Alright?”, “Fiddle About” de Entwistle, más “Pinball Wizard” (en Leeds los Who tocaron este tema tras “The Acid Queen”) y aquí dieron un salto para interpretar el “Tommy, can you hear me” antes de “There’s a Doctor” y “Go to the Mirror”. Los donostiarras continuaron interpretando el “Smash the Mirror” y dejaron para más adelante la canción que cierra esta cara C, el “Sensation”, que los Who no tocaron en Leeds. De la cara D, los Supersweet empezaron diferente a Leeds y respetaron más el orden del disco con el “Miracle Cure”, pero se saltaron el “Sally Simpson”, y siguieron con el “I’m free”, intercalando el mencionado ”Sensation”, más el “Tommy’s Holiday Camp” de Moon. No interpretaron el “Wellcome” y acabaron con el “We’re Not Gonna Take It” que incluye en  todas las versiones el conocido mix, del “See me feel me” con “Listening to you”, que se hizo tan famoso en el Woodstock de 1969. 


“Tommy” adaptada para el “Live at Leeds”
 

Alvaro. Foto: Magic Pop
“Tommy” fue el cuarto álbum de estudio de los Who. Fue producido por Kit Lambert  y publicado en mayo de 1969 por Polydor.  Como álbum conceptual, con una historia que articula todas las canciones, se le considera una ópera rock aunque hay quienes prefieren utilizar los términos de “cantata rock” al no contemplar los esquemas habituales de la ópera tradicional. Todas las canciones son originales de Pete Townshend menos un par de John Entwistle y una que se atribuyó a Keith Moon aunque es más que probable que también sea de Townshend, más una versión del “Eyesigh to the blind”, original del bluesman Sonny Boy Williamson que en disco se llamaría también “The Hawker”. 

La historia que después se convertiría en una conocida película en 1975, gira en torno a un maltratado Tommy que ve, cuando era niño, cómo su padre mata al amante de su madre tras volver de la guerra. Le prohíben que diga nada a nadie y así se vuelve ciego, mudo y sordo, aunque gracias a una revelación de su subconsciente aprende a interpretar las sensaciones físicas y transformarlas en música. Se convierte en un experto en el pinball, funda una religión, pero al final sus seguidores le dejan solo cuando les obliga a seguir sus absurdas directrices. En el álbum la historia resulta un tanto dispersa, incluso hay cambios con respecto a la película y posteriores adaptaciones. Pero centrémonos en el álbum y la época en que salió al mercado discográfico que es en realidad el tema que nos ocupa.

Tras la edición del doble disco de “Tommy”, entre 1969 y 1970 The Who se encuentran en uno de sus mejores momentos. Habían triunfado en Woodstock y la Isla de Wight, y durante una gran gira de promoción del disco deciden sacar un disco en directo con las grabaciones de un par de conciertos celebrados la Universidad de Leeds y en la ciudad de Hull respectivamente los días 14 y 15 de febrero de 1970.  Respecto a la grabación de Hulll, se dan cuenta de que el bajo no fue grabado en todas las canciones y optan por sacar el disco con las grabaciones de Leeds aunque la acústica del primero es mejor. En un principio se pensó que Townshend había destruido esas grabaciones defectuosas pero con la edición de lujo de 2010 se incluyen dos Cd’s con ese concierto y la tecnología digital permite incluir el bajo en aquellos temas que no fue grabado en su momento.

El álbum original de “Live at Leeds” salió en mayo de 1970 editado por Decca. La portada tiene un diseño muy sencillo similar al que se utilizaba en la época para los “bootlegs”, discos piratas, con un estuche de cartón en la que se puede leer el nombre del grupo y el título del álbum sobreimpreso en azul o rojo según la edición. Fue calificado por varios medios como uno de los mejores discos en directo de todos los tiempos. Solo recogía 6 canciones de ese concierto de Leeds y ninguna de “Tommy” excepto algunos detalles incluidos en una versión extensa del “My Generation” del “See Me, Feel Me" / "Listening To You", o el "Underture". 

La reedición en CD del año 1995 incluye 8 temas más que la edición original de 1970. Se abre con el tema "Heaven And Hell" de John Entwistle y se pueden disfrutar de otros clásicos como "I Can't Explain", "Substitute", "Happy Jack", "I'm A Boy", la mencionada interpretación del "My Generation" de más de un cuarto de hora, o el "Magic Bus". También se añaden versiones del "Fortune Teller" de Benny Spellman, "Young Man Blues" de Mose Allison, el "Summertime Blues" de Eddie Cochran y el "Shakin' All Over" de Johnny Kidd and The Pirates. De “Tommy” solo se incluye la interpretación seguida de dos temas  "Amazing Journey/Sparks".  La siguiente reedición de 2001 ya aporta un Cd con la interpretación de veinte de los temas de “Tommy” con algunos cambios en el orden de las canciones respecto al álbum de estudio.  En 2010 se comercializó un estuche con el álbum en vinilo más cuatro Cd’s con todo lo grabado en Leeds y Hull, un libreto con fotos de esos conciertos más un single con los temas “Summertime Blues”/”Heaven & Hell” y un cartel de Pete Townshend.

Como detalle final, cabe mencionar que este año 2012, Baron Rojo ha editado un álbum titulado genéricamente “Tommy Barón” con las canciones de los Who adaptadas musicalmente por Armando De Castro y con letras en castellano.

Conclusiones finales del "Live at Zero"

Supersweet triunfó por todo lo alto en su “Live at Zero” del 22 de diciembre de 2012. Ataviados con la "target" mod, bombín con camisa psicodélica de chorreras y el traje de esqueleto que vestía en algunos directos de los setenta el bajista de los Who, demostraron el enorme trabajo realizado para adaptar una obra tan compleja armónicamente, brillaron sobre el escenario como grandes profesionales que son y dejaron bien claro que son un power trío, con una complicidad extraordinaria entre sus tres componentes, capaces de sonar como una de las mejores bandas de la historia de la música.

Foto: Magic Pop
Si la cultura de este país viviera una situación de absoluta normalidad, o sea, sin ser menospreciada por el poder establecido, ni ninguneada por la mayoría de los medios de comunicación de masas y mucho menos olvidada por un público en gran parte apático y volcado en el hedonismo sin criterio, estos poderosos donostiarras estarían, sin dudarlo, en el altar no solo del más exigente de los entusiastas seguidores de los Who sino también en el de todo aquel que se emociona con el buen rock and roll interpretado con pasión, creatividad y entrega. Pese a todo, gran parte del público habitual a los conciertos de Tarragona asistieron a la cita y fueron recompensados con un directo genial.

Tan solo nos queda desearles toda la suerte del mundo para los próximos conciertos. Esperemos que pronto vuelvan a visitarnos y que para esa vez próxima vez lo hagan con su propio repertorio que, tanto en directo como en el disco, resulta igual de contundente y original como el “Tommy” que nos regalaron en uno de los mejores conciertos que ha podido presenciar la ciudad de Tarragona en años.

sábado, 22 de diciembre de 2012

Fallece Lee Dorman, bajista de Iron Butterfly

Lee Dorman nació el 15 de septiembre de 1942 en St. Louis (Missouri), y murió el 21 de diciembre de 2012 en Orange County (California). Fue  bajista de la banda de rock psicodélico Iron Butterfly.

El grupo se formó en 1966 en San Diego con la cantante Darryl DeLoach, el vocalista y teclista Doug Ingle, el guitarrista Danny Weis, el bajista Greg Willis y el batería Jack Pinney. Poco después se trasladaron a los Ángeles donde se sucedieron varios cambios en el grupo: Jerry Penrod substituyó a Willis y Pinney dejó su puesto que fue ocupado por Bruce Morse y después por Ron Bushy.

En 1968 sacaron su primer Lp con el título de "Heavy" (1968), producido por Brian Stone y Charles Green. En ese disco está su poderoso tema "Unconscious power". Tras ese álbum, dejaron la banda DeLoach, Penrod y Weis quien acabó formando los Rhinoceros. Es entonces cuando entran Lee Dorman y el guitarrista Erik Brann y graban su exitoso Lp,  "In-A-Gadda-Da-Vida" (1968), con su famoso tema del mismo título. El Lp consiguió una notable repercusión y se convirtió en uno de los trabajos de referencia de la escena flower-power. Con su tercer álbum, "Ball" (1969), consiguieron triunfar de nuevo y tras el directo "Live" (1970), el guitarrista Brann dejaría la banda y sería substituido por Larry "Rhino" Reinhardt y Mike Pinera.  Al parecer la banda fue contratada para tocar en Woodstock, pero sus integrantes se pelearon en el aeropuerto.


El siguiente Lp se llamaría "Metamorphosis" (1970), con el que no consiguieron entusiasmar a sus fans y la banda se despidió con una gira en 1971. Dorman se uniría al grupo Captain Beyond.

En 1975 volverían con Ron Bushy y Eric Brann, el bajista Philip Taylor Kramer y Howard Reitzes. Sacaron un par de Lps "Scorching Beauty"" (1975) y "Sun and steel" (1976), que no tuvieron apenas repercusión y decidieron volver a separarse. Regresarían en los noventa con la reedición de su  "In-A-Gadda-Da-Vida", que les permitió volver a tocar por varios países. Kramer desapareció en 1995 y su cadáver fue encontrado en 1999. El 31 de julio de 2003 Erik Brann murió de un ataque al corazón a los cincuenta y dos años. En  2004, el grupo volvería a reunirse de nuevo con Ron Bushy y Lee Dorman.

Lee Dorman fue encontrado muerto la mañana del viernes día 21 de diciembre de 2012 dentro de su vehículo, cuando probablemente se dirigía a una cita con su médico.  El 22 de febrero de este 2012 Iron Butterfly estuvieron tocando en la Apolo 2 de Barcelona con Lee Dorman al bajo, Charlie Marinkovich a la guitarra, Martin Gerschwitz a los teclados y Ron Bushy a la percusión.


viernes, 21 de diciembre de 2012

Muere Jimmy McCracklin, leyenda del blues y el R&B

Jimmy McCracklin nació en St. Louis, Missouri, el 13 de agosto de 1921 y murió en San Pablo, California el 20 de diciembre de 2012. Fue un excelente pianista, vocalista y compositor de blues y R&B, durante nada menos que siete décadas en las que llegó a escribir casi mil canciones y grabar más de treinta álbumes con los que obtuvo cinco discos de oro.

Tras pasar por la Marina en 1938, se instaló en Ritchmond, California, y empezó a tocar en local donde se servía comida y bebida, propiedad de su cuñada, Willie Mae "Granny" Johnson, llamado el Club Savoy al que en 1963 dedicaría una canción. Debutó grabando un single para Globe Records, con el tema "Miss Mattie Left Me", en 1945, y después la canción "Street Loafin' Woman” en 1946. Grabó para varios sellos de los Angeles y Oakland antes de firmar con Modern Records del 49 al 50. Formó un grupo llamado Jimmy McCracklin and his Blues Blasters en el año 1946, con el guitarrista Lafayette Thomas (n. 1928- d. 1977) con el que tocó hasta principios de los sesenta.  

Gran parte de su popularidad se debe a la emisión en el programa de televisión American Banstand de Dick Clarck, de su tema “The Walk” de 1957 que sería editado en 1958 por Checker Records con “I’m to Blame” en la cara B. Durante los sesenta grabó con varios pequeños sellos de R&B y sus primeros álbumes salieron en 1961 con el título de "Twist" para Crown Recrods y en 1962 con Chess con el título de “Jimmy McCrakling sings”. Contenía canciones del llamado estilo West Coast Blues, canciones de blues con influencias del jazz y el jump blues, el blues bailable con toques de boogie woogie. Ese año grabó su conocido tema "Just Got to Know" para Art-Tone de Oakland.

En los setenta estuvo tocando en el Continental Club de San Francisco así como en  festivales de prestigio como el San Francisco Blues festival durante varias ediciones desde 1973 hasta 2007.  Recibió varios premios como músico y como leyenda del blues y el R&B durante setenta años, actuando, grabando y deleitando al público con su arte  hasta la actualidad.   




 

jueves, 20 de diciembre de 2012

Los Autonautas explican “lo que quieren” en un vitalista álbum con imágenes y melodías preciosas

Los Autonautas acaban de sacar su segundo álbum con la frase genérica de “Lo que quiero” (Audiomatic 2012), título de una de las diez canciones de este fabuloso trabajo, que a su vez implica una declaración de principios nada desdeñable.  El disco es la suma de inquietudes, deseos y sueños. Un compendio de grandes espacios y pequeños detalles que conforman el universo particular de unos músicos dispuestos a hacer lo que quieren: un pop luminoso donde tienen cabida desde metáforas surrealistas a reflexiones existencialistas entre ritmos trepidantes y melodías exquisitas.

Los Autonautas son actualmente Clara Collantes, guitarra y voz; César Sánchez, bajo y voz; Ángel Gómez, de los Octubre, a la batería; y Suso Jamacuco a los teclados. Toman su nombre del libro “Los Autonautas de la Cosmopista” de Julio Cortazar en el que el genial escritor y Carol Dunlop cuentan en 1982 su viaje de 33 días a bordo de una furgoneta Volkswagen entre París y Marsella. 

Los Autonautas, inicios
Como grupo empezaron a mediados de la década de los dos mil y debutaron en 2007 con un álbum de título homónimo para Ráfagas (Rock Indiana con Pop producciones) con diez extraordinarios temas de pop como “Nord”,  que fue su primer single, más “Luces y Acción”, o “Eres una desgraciada”, entre otros… grabados por Antonio Pazos al bajo, Clara a la guitarra, César a la voz, guitarra y Korg, y Ángel a Ramos a la batería y percusión.  Clara había colaborado con Kiki d'Akí, Charly Misterio, y Nacho Goberna tras La Dama se esconde. Formó parte de La Ruleta China con Fernando Márquez 'El Zurdo' (La Mode, Paraíso) y The Monomes, entre otros proyectos.

"Lo que quiero" ha sido grabado por Clara Collantes, voz, coros y guitarra; César Sánchez, voz, coros, guitarras, Korg MS-20, más Ángel Ramos, batería, percusiones, órganos; y Antonio Pazos al bajo. Kiki d’Akí ha aportado voces en “Tiburones Blancos” y Alfredo Mérida, castañuelas en “Estrellita” y “Cine de Verano”. Se grabó en el verano de 2010, producido por el mismo grupo. José María Rosillo se encargó de las mezclas en Audiomatic  y Juan Hidalgo de la masterización en Mastertips. El diseño del digipack, que incluye las letras, ha corrido a cargo de Josephine Baker.  A destacar esa portada con una bonita imagen retrofuturista. También se incluye una fotografía del grupo de Juan Hernando.  Todos los temas son de César Sánchez a excepción de “Estrellita”, “De viaje” y “Tiburones blancos” que son originales de Clara. Veamos que nos aportan cada uno de ellos en el orden detallado por escrito en el disco. 

Los Autonautas, actualidad. Foto: Juan Hernando

“Cine de verano” abre el álbum con esas maravillosas guitarras de powerpop acompañando a la voz sensual de César. Un gran tema de apertura con el que “podemos ser imágenes o salvajes viviendo en islas lejanas, el resto del mundo sobra ahora”… A destacar esos sencillos solos de guitarra sobresaliendo entre parámetros rítmicos perfectos. Con esta canción han grabado un colorista video dirigido por Juan Hernando. Le sigue “Estrellita”, cantada por Clara y César. Una canción divertida, en honor a Estrella Castro, ante la que “nadie resiste su candor, las reinas del cuplé se rinden a tus pies…”. “Lo que quiero”, es un emotivo medio tiempo, que va creciendo, con arreglos cariñosos para expresar que “lo que quiero yo, no es lo que quieres tú,  lo que quiero es que entres en razón y me quieras. Ten consideración y no te olvides de este corazón que está pidiendo a gritos!!! un poco de tu atención… y se va a salir del pecho!!! a la menor ocasión…”. Memorable tema con cambios de armonía sensacionales y una pasión desbordante con otra genial combinación de guitarras.  


Foto: Estrex Mondobrasero

“Chica de azúcar” tiene un precioso punteo de eléctrica. Contiene tiernas frases cantadas a la oreja con cosas tan especiales como “su corazón es como un helado de turrón y azúcar glas… quiero ser mendigo y acabar dormido bajo el puente de su pie”. “De viaje”  tiene un ritmo muy marcado y la excepcional voz de Clara diciéndonos que “… en el espacio vas despacio y puedes pensar… he buscado la respuesta y he cogido la indirecta de los átomos y las moléculas… solo soy un autonauta con muchas cosas por hacer, en un viaje de placer… quién me iba a decir que todo existe, todo insiste y es…”. Un tema que acaba con unos acoples finales y sonidos hipnóticos para completar un toque psicodélico a ese particular viaje intergaláctico del alma. 

Foto: Fan Makimaki
En el siguiente tema llamado “Me  tengo que concentrar” emergen metáforas memorables, entre poderosas guitarras, como “las horas pesan como lavadoras” o “los gorriones son los niños del aire”… entre visiones naïf como “toc, toc, tengo el cerebro en off…” y silbidos despistados que le dan un toque de inocencia ideal para cuando se tienen “razones cien para no estar triste”.  En “Soy un avión” nos explican que “estaría muy bien ser un pájaro, me tendríais que ver con prismáticos…”. A destacar esas guitarras de rock and roll, un toque genérico de  popsike con excelentes juegos de voces. “Tiburones blancos”  tiene un principio a cargo del bajo que marca el paso a medio tiempo. Está cantada espléndidamente por Clara, acompañada por los sensacionales coros de la siempre magistral Kiki d’Aki. “A mi lado solo hay paraíso artificial, sobredosis de prozac, tiburones blancos… quiero ser Eugenie Clark, en el agua todo es tan distinto, solo hay instinto…”. En “Cadena de montaje” nos dicen que “… aunque la vida sea una cadena de montaje, sabes que cada minuto que pase puede ser algo mágico”. Magnífica canción vitalista de new wave, enérgica y con todo lo necesario para convertirse en un himno contra la desesperación existencial.

Presentación del disco en Fnac
Acaba el disco con otro de los temas sensacionales del disco, uno más, titulado “Rata de dos patas”, homenaje a la canción del mismo título de la cantante mejicana de rancheras, Francisca Viveros Barradas más conocida como Paquita la del Barrio. Empieza con guitarras contundentes perfiladas por un ritmo potente entre el que se pueden oír furiosas aseveraciones como “rata de dos patas, te mereces una estatua, todos los agravios de Paquita la del Barrio no me parecen  suficientes para ti”.  Para hacerse una idea, esos agravios son, entre otros sin desperdicio alguno incluidos en el tema de la mejicana: “Rata inmunda, Animal rastrero, Escoria de la vida, Adefesio mal hecho… Infrahumano, Espectro del infierno, Maldita sabandija, cuánto daño me has hecho…”.

Los Autonautas han conseguido con este disco no solo entusiasmar a sus fans de siempre, entre los que tengo el honor de contarme, sino también un efecto curioso que me parece igual de extraordionario: confundir y desautorizar de pleno a sus posibles detractores. Me refiero a esos críticos que miden todas las cosas con la vara del malhumor y rebuscan entre la belleza algo que no les guste para demostrarnos que no son ni apocalípticos, ni integrados, sino profesionales de la seriedad siempre a la contra, que de ninguna de las maneras, faltaría más, estarían dispuestos a alegrarse con una colección de bonitas canciones como es el caso.

Detalle del Cd

“Lo que quiero” es un disco de pop, con encantadoras melodías y ritmos bailables que envuelven sugerentes letras donde se expresan sentimientos con elegancia y complicidad. Su principal objetivo es, a mi entender, perfilar un microuniverso entrañable en el que los intrépidos y las intrépidas “autonautas” viajan por placer con muchas razones para estar de buen humor y, de paso, compartir experiencias ensoñadoras. Sin lugar a dudas, se trata de un magnífico trabajo literario y sonoro, muy cariñoso, vitalista y original. A mi modo de ver, resulta ideal para abstraerse de estos tiempos tan mediocres como penosos que nos ha tocado vivir. Así que lo que quiero y lo que os recomiendo es que lo escuchéis porque estoy convencido que encontraréis varias respuestas y, al menos, cien razones para no estar triste.

Nota: Si quieres escuchar los temas del nuevo disco puedes hacerlo en su bandcamp. Puedes conseguir el disco en las tiendas de FNAC.