viernes, 26 de abril de 2013

Fallece todo un referente del country, Glenn Jones, el rey del honky-tonk

George Glenn Jones nació el 12 de septiembre de 1931 en Saratoga (Texas) y murió el 26 de abril de 2013 en el centro médico de la Universidad Vanderbilt en Nashville. Fue un prestigioso cantante y guitarrista de country famoso por numerosos éxitos desde la década de los cincuenta hasta los noventa pero también por una vida sentimental complicada y una considerable afición al alcohol que le hizo valedor del sobrenombre de “No show Jones” tras  no asistir a numerosos conciertos programados. También era conocido como "The Possum" ("La Zarigüeya") por la línea de su nariz y los gestos de la cara. Durante su trayectoria recibió varios premios y consideraciones en el mundo del country, y está considerado el mejor intérprete de honky-tonk de todos los tiempos, estilo de country que surgió en las tabernas llamadas así del sur de los Estados Unidos donde el bullicio era considerable. Así fue como se introdujo la guitarra eléctrica a mediados de los treinta, y un concepto rítmico de banda bastante más potente.

Su vida empezó mal.  Recién nacido, se le cayó al médico cuando lo tenía en brazos y al bebé George se le rompió un brazo.  Su hermana murió de escarlatina y su padre le daba a la bebida. A menudo cuando llegaba a altas horas a casa, despertaba a sus hijos para que le cantaran.

A los 16 años, George se fue de casa y se estableció en Jasper donde cantaba y tocaba en la radio. Durante la guerra de Corea se alistó al ejército. Tras terminar su etapa militar empezó  a cantar country en 1956 pero como no tenía éxito,  su mánager le aconsejó que grabara rockabilly, canciones como “Rock it” o “How come it” de las que nunca estuvo orgulloso. Afortunadamente pudo seguir cantando country que era lo que le gustaba y fue invitado a formar parte del prestigioso programa Grand Ole Opry. Ya en 1958 fichó con Mercury y en 1959 grabó sus primeros clásicos de honky-tonk, “White lightning” o “The race is on”.


Durante su carrera musical consiguió muchos éxitos con temas como el mencionado  "White Lightning" (1959), "Tender Years" (1961), "She Thinks I Still Care" (1962), "Walk Through This World with Me" (1967), "We're Gonna Hold On" (con su esposa  Tammy Wynette) (1973), "The Grand Tour" (1974), "The Door" (1975), "Golden Ring" (con Tammy Wynette) (1976), "Near You" (con Tammy Wynette) (1977), "He Stopped Loving Her Today" (1980), "I Was Country When Country Wasn't Cool" (con Barbara Mandrell) (1981), "Still Doin' Time" (1981), ."Yesterday's Wine" (con Merle Haggard) (1982), y "I Always Get Lucky with You" (1983).

Con su peculiar estilo, fraseo y su voz de barítono influenció a varias generaciones de cantantes de country y un gran número de músicos como  Frank Sinatra, Pete Townshend, o Elvis Costello le consideraban todo un maestro.

Jones se casó cuatro veces, la primera vez cuando tenía 18 años y tuvo cuatro hijos . Una de sus esposas fue la mencionada cantante de country Tammy Wynette con la que estuvo casado entre 1969 y 1975, año en que se divorciaron. Tammy Wynette, adicta a los calmantes, con numerosas enfermedades, fallecía en 1998 mientras dormía de un coágulo de sangre en el pulmón. Ambos son padres de la cantante de country Tamala Georgetta Jones.


Desde los años sesenta, Jones tuvo una gran adicción al alcohol y en los setenta y ochenta añadió el consumo continuo de cocaína que le llevó a detenciones policiales por escándalos y a un comportamiento autodestructivo hasta el punto de necesitar asistencia psiquiátrica. Su primera esposa, a principios de los sesenta, le escondía las llaves de los coches para que no fuera  hasta la tienda más cercana a comprar alcohol pero se olvidó de las llaves del cortacésped. Una situación similar pasó con Tammy quien se despertó de madrugada  y al no encontrarle a su lado en la cama, cogió el coche y su fue hasta el primer bar cercano y allí estaba. Había conducido el cortacésped por una carretera principal durante diez quilómetros.  Años más tarde se refería a esa anécdota en el tema  “Honky Tonk song” de 1996. Su última esposa, Nancy Sepulvado, con la que estuvo casado hasta la muerte de George, consiguió que dejara el alcohol manteniéndole sobrio los últimos diez años de vida.

Fallece Bob Brozman, cantante, guitarrista y etnomusicólogo

Bob Brozman nació en Nueva York el 8 de marzo de 1954 y murió el 24 abril de 2013 en Ben Lomond (California). Fue un músico que practicó, como cantante y guitarrista, varios estilos de música de raíz norteamericana y fue un prestigioso etnomusicólogo que investigó y trabajó con el instrumental de los años veinte y treinta, sobre todo con las guitarras resofónicas. También formó parte del conocido grupo Robert Crumb and His Cheap Suit Senerades.       

Brozman tuvo una prolífica carrera como instrumentista de Gypsy jazz, calipso, blues, ragtime, Hawai y música caribeña desde los ochenta hasta la actualidad siendo su último disco editado “Fire in the Mind” de 2012. También colaboró con numerosos músicos de la India, África, Japón, Papua Nueva Guinea, entre otros lugares del mundo, como Debashish Bhattacharya, Takashi Hirayasu, Djeli Moussa Diawara, Woody Mann, Ledward Kaapana o Rene Lacaille. Tenía tal conocimiento de la música de raíz norteamericana que le llamaban “ a walking archive of 20th Century American music”.

La banda Robert Crumb and His Cheap Suit Senerades estaba formada por el conocido dibujante de comics Robert Crumb, un gran aficionado a la música norteamericana de raiz, que también cantaba y toca el banjo con ellos hasta el año 2006. Sacaron tres discos en los setenta con otros músicos como Allan Dodge, Robert Armstrong o Terry Zwigoff. Brozman no grabó los discos primeros el tercero en 1978 con temas como "Singing in The Bathtub", "Shopping Mall" o "Hano Hano Hawai".  

Durante su carrera, Brozman ganó varios premios y en 1999 fundó con Woody Mann un seminario internacional de guitarra, y fue profesor adjunto en el departamento de estudios de música contemporánea en la Universidad Macquarie en Sidney. Su especialidad eran las guitarras con resonador de los años veinte y treinta así como el ukelele y la Weissenborn, una guitarra "lap steel" hawaiiana hecha de madera de mástil hueco. También colaboró en el diseño de la National Tricone baritone guitar.

Documentos audiovisuales:

En este video podemos verle en su faceta de virtuoso con la National Tricone guitar.



Bob canta y toca la guitarra hawaiana en este "Hano Hano Hawai", tema que cierra el tercer disco de la banda de Robert Crumb and and His Cheap Suit Senerades.  

jueves, 25 de abril de 2013

Ocean Colour Scene en Barcelona, abrazos en directo un tanto fríos pero con el alma encendida

OCS en el Apolo (BCN 2013) . Foto Magic Pop
TV3, la televisión de Catalunya, emite un programa con el título genérico de “Ópera en texans” con el propósito de gustar no solo a los entendidos en este género de la música teatral sino también con el loable objetivo de captar nuevos adeptos para la causa del “bel canto”. El programa resulta tan entretenido como didáctico y, sinceramente, ya quisiera yo uno de similar para nuestro querido rock and roll. Pero bueno, eso ya es otro cantar que merece otro momento para ser tratado en profundidad. Si saco a colación este premiado espacio televisivo y musical es porque, en uno de sus recientes programas, el presentador nos mostró un fragmento sonoro de una pieza de Bach, creo recordar, interpretada en el pasado por un virtuoso pianista cuando éste tenía veinte y pocos años. Seguidamente nos hizo escuchar la misma pieza interpretada por el mismo músico cuando éste ya estaba cercano a cumplir los cincuenta años. Pues bien, el pianista en cuestión no solo había ralentizado el tempo sino que, a mi modo de ver, con los años se recreaba mucho más en los pasajes consiguiendo una mayor intensidad e incluso trascendencia.

OCS en el Apolo (BCN 2013). Foto: Magic Pop
Esa diferencia en la intencionalidad de la interpretación, según sea la edad, al menos en la música clásica se considera un claro indicativo de madurez, para nada criticable, que incluso comporta el beneplácito tanto de público como de crítica. Si hiciéramos el mismo experimento con el rock and roll, lo más probable es que no faltarían las críticas crueles que lo considerarían una muestra del deterioro en el artista y serviría como argumento, a todas luces injusto, para obligarle a abandonar la escena cuanto antes. Podría citaros unos cuantos ejemplos con nombres y apellidos pero no creo sea necesario. Estoy seguro de que más de uno y una de vosotros y vosotras, habréis oído o leído críticas tan poco fundamentadas, relacionadas con la edad, como por ejemplo que han sonado lentos, o incluso que han resultado soporíferos porque han abusado de los medios tiempos. En fin, como sé perfectamente que sabéis de qué estoy hablando, lo mejor será pasar a compartir, con quien quiera seguir leyendo esta larga crítica, algunas sensaciones personales sobre el concierto que nos ofrecieron el 23 de abril de 2013 en la sala Apolo de Barcelona los británicos Ocean Colour Scene: un grupo, digamos que maduro, cuyos tres miembros originales están más cerca de los cincuenta que de los cuarenta. Desde luego no sonaron como en sus años mozos, allá por los noventa, pero os puedo asegurar que sus medios tiempos y baladas me pusieron los pelos como escarpias.
           
OCS en el Apolo (BCN 2013). Foto: Magic Pop
En principio, un concierto de los Ocean Colour Scene podría ser catalogado como un directo mayormente destinado a nostálgicos dispuestos a recordar el repertorio de una banda que, para muchos, tuvo su cénit hace un par de décadas. Sin embargo, los OCS nunca fueron  considerados como parte fundamental de esa escena británica de los noventa, me refiero a eso del britpop, y  no  se beneficiaron del mismo fervor mediático que otros contemporáneos suyos menos creativos que supieron vender actitud a falta de arte.

Por otra parte, es cierto que los OCS presentan un nuevo trabajo llamado “Painting” (Cooking Vinyl 2013). A mi modo de ver, es un buen disco con algunos momentos memorables, en su mejor línea melódica y rítmica, con temas fantásticos como el que le da nombre u otros como “Goodbye Old Town” o “Doodle Book”. Pero no nos engañemos, es también más que probable que, tras esta gira de presentación que realizan por varios escenarios del estado, la mayoría de nosotros nos olvidemos de ese álbum porque no solo carece de la promoción adecuada, y por tanto dejará de oírse en las emisoras, sino que encima tan solo está editado en el difunto soporte digital y ni siquiera lo vendían en el stand de recuerdos del concierto que dieron en el Club Apolo de Barcelona. 

Sin embargo, y contra todo un pronóstico personal en un principio un tanto desolador por lo que respeta a su actual poder de convocatoria, la sala barcelonesa se llenó de diferentes tipos de gente, pero se llenó y eso, en este país de tantos entendidos en coleccionar y pinchar discos, pero tan perezosos con los conciertos, no deja de resultar sorprendente y más aún si cabe, un día en que el Barça jugaba a la misma hora un partido contra el Bayern, el de las aspirinas supongo. Entre el público, muchos turistas ingleses que no desaprovechan la ocasión de asistir al directo de alguno de sus grupos compatriotas, durante su estancia en nuestra acogedora ciudad y encima en un día tan señalado y tradicional como es Sant Jordi en el que casi todos nos sentimos un poco más de lo que se supone que tenemos que ser, o sea lectores, amantes y catalanes. No faltaron, por supuesto, un nutrido grupo de hombres y mujeres que conocían la banda desde los noventa, y que por tanto rondan los cuarenta, así como unos cuantos jóvenes con menos de treinta que nadie sabe cómo habrán llegado a los OCS con lo poco que se les promociona aquí. Si a ello quieres llamarlo un público heterogéneo, pues vale, aunque prefiero llamarle un público normal casi ideal si se me permite la apreciación porque la verdad, los conciertos elitistas, o sea con poca gente pero entendida, son un rollo y deprimen. No se me escapa tampoco que en Madrid, pues nada menos que, a raíz de la demanda, tuvieron que cambiar de sala en favor de una de más grande y eso que actuaron en lunes. Sin duda, inaudito.


OCS en el Apolo (BCN 2013). Foto: Magic Pop

Comentarios jocosos aparte, la realidad es que ese magnífico público de Barcelona dio la talla y arropó como es debido a la banda. Todos disfrutamos de lo lindo coreando los grandes éxitos de los de Birmingham y eso que, más bien, los OCS se mostraron fríos y distantes. Eso sí, en todo momento estuvieron dispuestos a ofrecernos un buen concierto, y lo consiguieron pero sin excesivas complicidades. Bromas las hubo, pero muy contadas y un tanto forzadas.  Tampoco esperaba que vitorearan a Sant Jordi, a Barcelona, o chapurrearan un poco de catalán o castellano, pero lo cierto es que les costó expresarse más allá de sus canciones y hubo algún que otro detalle que me pareció un tanto desafortunado aunque no pienso darle más importancia de la que tiene, o sea meramente puntual.    

Desde luego, seas o no un fan de la banda, para asistir a un concierto de los OCS no puedes obviar que se trata de un grupo con una trayectoria que ronda ya los veinticinco años y con unos músicos que están cerca de pasar página a la cuarta década de su vida. Con ello no quiero decir que la edad determine la esencia artística de un músico. Me refiero, más bien, a que esos factores suelen determinar las expectativas que provoca el tener sobre al escenario a un grupo de músicos altamente experimentados,   maduros, "viejunos" o como quieras llamarles. Si nos empeñamos en ser muy estrictos y ciertamente inflexibles con el propósito de comparar lo que fueron con lo que son, lo más probable es que acabemos por decepcionarnos. Ahora bien, si somos ya no tolerantes, sino simplemente inteligentes, nos daremos cuenta de que es imposible que los músicos, como tampoco el público, ni siquiera nosotros mismos,  somos los mismos ahora que en los albores de su carrera o en nuestra tierna adolescencia. Pero por ello, solo por ello, no somos ni mejores ni peores, sino diferentes.


OCS en el Apolo (BCN 2013). Foto: Magic Pop

En el caso de Ocean Colour Scene, mediante sus diez  álbumes de estudio repletos todos ellos de grandes canciones, atesoran un repertorio más que suficiente como para satisfacer durante horas a un público mínimamente sensible, combinando tiempos rápidos con momentos más intimistas. En el Apolo fue bastante menos el tiempo que pudimos disfrutarles. El concierto nos pareció, más que realmente fue, corto. Para ser tan justos como precisos, cabe mencionar que resultó un tanto excesivo el rato que nos tuvieron en ascuas, dando palmas y silbando como posesos, para que nos regalaran ese único y un tanto escaso bis. En cuanto al repertorio, excelente de principio a fin. Interpretaron unas cuantas canciones de su nuevo trabajo “Painting” intercaladas entre otras de más conocidas como las enérgicas “The Riverboat Song”, “The Circle”; las emotivas “Second Hand Car” y “Robin Hood” que abrió el único bis con Simon Fowler en solitario haciendo gala de su enorme y sensual chorro de voz; más las coreadas “Profit In Peace” o “The Day We Caught the Train”, entre otras maravillas de su cancionero pop con detalles de soul, toques psicodélicos e incluso jamaicanos.


OCS en el Apolo (BCN 2013). Foto: Magic Pop
Durante todo el concierto, se lució en varias ocasiones un inspirado e indispensable Steve Cradock a la guitarra, tanto eléctrica como rítmica, con efectos de slide, fuzz o en plan mandolina. Simon le acompañó con rítmica mientras demostraba, una y otra vez, su extraordinaria capacidad como cantante principal aunque, la verdad, no destacó ni como frontman de un grupo de pop, ni se mostró excesivamente comunicativo con el público asistente. Se amoldó a la colaboración de todos nosotros en los coros pero no tuvo excesivos gestos con los fans. De los pocos, fue regalarle a un chico de la primera fila una de las púas a modo de agradecimiento. En cuanto al tercer miembro original de la banda, Oscar Harrison, estuvo impecable a la percusión y dio muestras de tener muy claros los diversos estilos que conforman el repertorio de los OCS, incluida una de sus devociones personales: el reggae con el que empezó su carrera. Por lo que respecta a los otros dos componentes, añadidos tras el retiro de la formación de Damon Minchela en 2003, ambos estuvieron más bien discretos. Dan Sealey, a los teclados y guitarra ocasional, no aportó momentos destacables y Andy Bennet, al bajo, aunque parecía que se lo estaba pasando en grande, se limitó a cumplir con su papel de acompañamiento. Quizá se deba a que esos no son sus respectivos instrumentos habiutales.
     

Y así, podría seguir añadiendo unas cuantas apreciaciones personales perfectamente rebatibles, prescindibles o descartables según gustos. Quiero que quede muy claro que no solo me apasionan los OCS sino que también  me considero un afortunado al haber presenciado este concierto en el Apolo. De forma genérica, como en casi todos sus detalles, puedo aseguraros que fue un directo muy emocionante, a pesar de esa falta manifiesta de complicidad que, al fin al cabo, resulta siempre deseable entre un grupo y su público entregado. Sin embargo,  tampoco es cuestión ahora de pecar de tiquismiquis. En todos estos años que llevo siguiéndoles si algo he tenido siempre muy claro, aparte de que son unos extraordinarios músicos, es que no quieren, o no saben, o no contratan a la gente adecuada que les sepa vender.


Portada del Painting (2013)
Quizá sea ésta la última vez que podamos disfrutarles sobre un escenario, juntos me refiero como los Ocean Colour Scene. Tanto Simon, el hippie de la banda, como Steve, el mod, como ellos mismos se autocalifican medio en broma medio en serio,  tienen proyectos en solitario más o menos estables, aunque para variar, tampoco es que tengan  demasiado éxito. Por otra parte, como bien sabes, el inefable Cradock forma parte de la banda de Paul Weller. No sé qué futuro tienen pensado para su proyecto en común, quizás no lo sepan ni ellos, pero de momento parece que al menos creen, acertadamente, que siguen "pintando" algo en esto de la música y lo cierto es que nos lo demuestran con creces, mediante un buen disco de canciones como es “Painting” y  unos magníficos directos de abrazos un tanto fríos pero con el alma encendida.        




martes, 23 de abril de 2013

Muere Richie Havens, cantautor folk y músico de R&B


Richie Havens nació en Brooklyn, el 21 de enero de 1941 y murió en Nueva Jersey, el 22 de abril de 2013 de un ataque al corazón. Fue un gran compositor e interprete de música folk pero también de R&B con canciones a medio camino entre el funk, el soul y el jazz. Será recordado por su enérgica interpretación de canciones protesta, a menudo con afinaciones abiertas, y también porque fue el cantante que abrió el  Festival de Woodstock de 1969.
Empezó a cantar doo-wop y formó parte de los McCrea Gospel Singers cuando tenía  16 años. Cumplidos los 20 años, Richie se interesó por el ambiente artístico del Greenwich Village donde empezó a ser conocido. Sus primeros discos són de 1968 y llevan por título “Richie Havens’Record” y “Electric Havens”, editados por Douglas. Firmó con Verve Records y publicó otro álbum llamado “Mixed Bag” (1968). 
Su música es una mezcla de folk, blues, rock, jazz, funk, country y bluegrass. Aparte de sus propias composiciones, versionó otros temas de Bob Dylan, John Lennon y Paul McCartney, Goerge Harrison o Leonard Cohen. Entre sus adaptaciones más conocidas está el "Just Like a Woman" de Bob Dylan o el "Here Comes the Sun" de George Harrison.
Aunque estaba previsto que actuara en quinto lugar, al final fue el encargado de abrir el Festival de Woodstock de 1969 porque los anteriores artistas y grupos se retrasaron. Tras interpretar su repertorio y varios bises, se quedó sin canciones e improvisó un antiguo espiritual "Motherless Child", a la que añadió la palabra "freedom" varias veces. La canción apareció en la película Woodstock y se convirtió en un gran éxito. Ese año también actuaría en el festival de la Isla de Wright. 
 
Su paso por Woodstock consiguió que triunfaran sus álbumes “Richard P. Havens, 1983” (1969). “Stonehenge” (1969) y “Alarm Clock (1971)”, el primero aún con Verve y los dos segundos con su propio sello llamado Stormy Forest. Siguió sacando varios discos para A&M records y Elektra. Otro de sus mayores éxitos llegó en 1980 con el título de “Going Back to My Roots”, tema de soul, jazz y funk, incluido en su álbum “Conmnections”.

Richie Havens también fue actor de teatro en la obra “Tommy” de los Who en 1972 y de cine en películas como “Catch My Soul” (1974), “Greased Lightning” (1977), entre otras, y escribió su autobiografía, con el título de “They Can’t Hide Us Anymore”. Su último disco con material propio llevaría por título  “Nobody Left to Crown”, (2008 Verve Records).  

Desde los setenta hasta 2012, año en que anunció que se retiraba de la música por problemas de salud, Richie ofreció numerosos conciertos benéficos y participó en varias campañas para la preservación del medio ambiente así como es el responsable de la creación del Northwind Undersea Institute en el Bronx para acercar a los niños el mundo oceanográfico y la educación medioambiental.   

Documentos audiovisuales: 

Richie Havens abriendo el festival de Woodstock en 1969  con una versión improvisada de un antiguo espiritual "Motherless Child".


Este es su tema de soul jazz y funk “Going Back to My Roots”, incluido en su álbum “Conmnections” de 1980 para Elektra.






lunes, 22 de abril de 2013

Fallece Christine Amphlett de los Divinyls

Christine Joy Amphlett nació el 25 de octubre de 1959 en Geelong, Victoria, Australia, y murió a  consecuencia del cáncer el 21 de abril de 2013 en Nueva York.  Fue la cantante principal del grupo de new wave de los ochenta, Divinyls.

La banda se formó en 1980 en Sidney, entre Christine  y el guitarrista Mark McEntee (ex-Air Supply). Se les unió otro de los miembros de Air Supply, el bajista  Jeremy Paul, más el baterista Richard Harvey y el teclista Bjarne Ohlin. Jeremey fue substituido por Ken Firth (ex-The Ferrets) y después por Rick Grossman (ex-Matt Finish) quien en 1987 entró a formar parte de los Hoodoo Gurus.  A Harvey le sucedieron otros bateristas como Charley Drayton.
 

En una de sus primeras actuaciones por los bares, les vio el director australiano de cine, Ken Cameron, y les propuso tocar en la banda sonora de la película “Monkey Grip” (1982) en la que Amphlett también actuó.  Christine también tuvo una carrera en el mundo del cine con algún que otro papel como en el musical “Blood Borthers”  de Willy Russell.


El grupo sacó un par de Ep’s con los títulos "Boys in Town" (1981), que llego al octavo puesto en la lista australiana de singles, y "Only Lonely" (1982).  Entre 1982 y 1996 sacaron seis álbumes. En los ochenta vieron la luz los discos: “Monkey Grip Soundtrack” ( WEA 1982);  “Desesperate” (Chrysalis Records 1983); “What a Life!” ( Chrysalsis 1985), y “Temperamental” (Chrisalys 1988). El paso de una discográfica a otra fue orquestado por su representante, Vince Lovegrove, quien fuera miembro de los Valentines de Bon Scott.  Entre ese repertorio destacan temas como "Science Fiction" de 1983, "Good Die Young" de 1984 y "Pleasure and Pain" de 1985.

En los noventa sacaron un par de álbumes más: “Divinyls” (Virgin 1991) y “Underworld” ( BMG 1995) con canciones destacadas como “I Touch Myself” (1991) o “Hard On Me” (1996). En 1988, Divinyls volvían a ser la pareja inicial de fundadores con varios cambios de formación hasta su separación artística en 1997. Cristine y Mark no volverían a hablarse hasta su reunificación en 2007.

A raíz de algunos premios australianos de reconocimiento a su trayectoria artística, a finales de 2007 Amphlett y McEntee volvieron a reunirse para ofrecer algunos conciertos por su país hasta 2009.

Por su belleza y gran voz, Amphlett fue toda una diva en la Australia de los ochenta. Con un corte de pelo que podría recordar a la Chrissie Hynde, en el escenario vestía en ocasiones con uniforme escolar corto y oscuro, y cantaba con un tubo de neón como palo del micrófono.  A menudo le acompañaba la polémica a raíz de sus declaraciones sobre el sexo y por cierto humor ácido con el que actuaba o respondía a las entrevistas en los medios de comunicación.  Prima de la cantante australiana, Little Pattie,  en su autobiografía “Pleasure and Pain” (2005), explica cómo empezó a cantar a los 14 años y cómo fue detenida en España por cantar en las calle cuando tenía diecisiete años.

Documento audiovisuale:

Los Divinyls interpretan uno de sus primeros éxitos, con tubo de neón: "Boys in Town" de 1981.



Fallece Artie White, cantante de blues y soul

Artie “Blues Boy” White nació el 16 de abril de 1937 en Vicksburg (Mississippi) y murió el 20 de abril de 2013.  Empezó cantando gospel con los Harps of David y en 1956 se trasladó a Chicago donde siguió cantando gospel con los Full Gospel Wonders. En los sesenta se pasó al blues y grabó varios temas con las discográficas independientes P&M, Gamma como el single “Gimmie Some Of Yours / Don’t Love Him Like You Do Me”, o Al Tee con quienes consiguió tener cierta repercusión en 1977 con el tema  “You Are My Leanin' Tree" del que vendió más de cien mil copias. En 1984 sacaría otros temas con cierto éxito como “Jimmy” y “I need Someone”.

Tras un breve paso por Jewel Records con los que editó su primer Lp titulado “Blues Boy” con su subsidiaria Ronn Records en 1985, firmó con Ichiban Records en 1987 con quienes grabó varios álbumes de blues, funk  y soul como “Nothing Takes The Place Of You” (1987) o “Where It’s At” (1988). En 1994 pasó a la discográfica Waldoxy, filial de Malaco, con quienes sacó el single con las canciones: “I'm Gonna Marry My Mother-In-Law / Willie Mae Don't Play” más un album en 1999 con el título de “Can We Get Together”. Sus última grabaciones en la década de los dos mil las realiza para su propio sello A Chill Town records, como por ejemplo el tema “I Can't Get Enough” de 2001 o con los discos "Can't Get Enough" (2002) o "Package Deal" (2006) los dos para A Chill Town. Artie White recibió un premio honorífico por su contribución a la música en 2002 en los Chicago Music Awards.


Documentos sonoros:

Artie White canta el tema de R&B de Bobby Rush, “Gimmie Some Of Yours" editado por Gamma Records.

sábado, 20 de abril de 2013

Muere Cordell "Boogie" Mosson , bajista de Parliament-Funkadelic

Cordell "Boogie" Mosson  nació en Plainfield (New Jersey) con el nombre de Cardell Mosson el 16 de octubre de 1952 y murió el 18 de abril de 2013. El nombre Cordell es un error de los créditos en los discos donde tocó. Fue bajista del proyecto de funk y soul, los Parliament-Funkadelic de George Clinton (n. 1941).

Con su amigo el guitarrista Garry Marshall Shider (n. 1953-d. 2010) se trasladaron el Canadá donde formaron parte de una banda en 1969 llamada United Soul.  Les oyó George Clinton y empezaron a trabajar juntos. Garry conocía a Clinton de su famosa peluquería en Plainfield donde los Parliaments cantaban doo-wop para los clientes. Los Parliaments fueron el primer grupo de Clinton formado en 1964 que cambió de nombre a Funkadelic por problemas legales con la discográfica.


En 1971 sacaron un single con los temas "I Miss My Baby" y  "Baby I Owe You Something Good"  con Westbound Records, producidos por Clinton y bajo el nombre de US Music with Funkadelic. En 2009 se publicaron más temas en un álbum. Clinton les propuso a ambos incorporarse a su proyecto musical y ellos aceptaron.  Sus nombres ya aparecen en el álbum “Up for the Down Stroke” de Parliament de 1973 con los del bajista Bootsy Collins y el guitarrista Eddie Hazel.

Clinton revivió a los Parliament, sin s, en 1974, y formó los P-Funk All-Stars, otra de sus grandes ideas afroamericana.  También tocaron en los discos de Parliament: “Chocolate City” de 1975; “Mothership Connection” de 1975; “The Clones of Doctor Funkenstein” de 1976; “Funkentelechy Vs. the Placebo Syndrome” de 1977; y “Motor Booty Affair” de 1978. Mosson no tocó en el siguiente,  “Gloryhallastoopid” de 1979 ni en el “Trombipulation” de 1980.

Por lo que respecta a Funkadelic, en 1973 Mosson y Marshall participarían en la grabación del mítico álbum “Cosmic Slop”, repleto de psicodelia y música negra. Ambos continuaron en la banda hasta su disolución en la década de los ochenta.  Mosson estuvo presente en el “Standing on the Verge of Getting It On” (1974); “Let's Take It to the Stage” (1975); “Hardcore Jollies” (1976); “Tales of Kidd Funkadelic” (1976); “One Nation Under a Groove” (1978); “Uncle Jam Wants You” (1979) pero ya no tocaron en el “Connections & Disconnections” (1980), ni en trabajos posteriores.  

Con  Bootsy Collins, y Billy Bass Nelson, Mosson formó parte del elenco de los mejores bajistas con los que trabajó el inquieto y fructífero Clinton.  Mosson apareció en la película de 1994, "PCU" de Hart Bochner, con los P-Funk. Tocó la guitarra también en el disco de Steve Boyd , “4:20 Drive Time” de 2003.

jueves, 18 de abril de 2013

Fallece Gary Biddles, de los Fools Dance, Presence y roadie de los Cure

El músico británico Gary Biddles falleció el 17 de abril de 2013 por causas por el momento desconocidas, según informó Lol Tolhurst en las redes sociales. Formó parte durante los ochenta y noventa de bandas como los Fools Dance y los Presence, y fue roadie de los Cure.

Fools Dance, grupo de post punk y new wave, se formó en 1982 cuando Simon Gallup salió de los Cure peleado con Robert Smith. Primero se llamaría The Cry y estaba formada por Stuart Curran (guitarra), Simon Gallup (bajo), Paul Thompson aka Tot (batería), y Ian Huller (voz). Después se llamaron ya Fools Dance con Gary a la voz principal. Solo grabaron un par de Ep’s: uno de título homónimo en 1985 y otro llamado “They'll Never Know” (1987). Los grabaron Gary Biddles, voces; Stuart Curran, guitarra; Simon Gallup, bajo; Pete Gardner, batería; y Ron Howe, saxofón. La banda ya estaba disuelta cuando en 1985, Simon y Robert Smith se reconciliaron gracias a la intervención de Gary y Gallup volvió a los Cure.

Fools Dance
Por su parte, Presence fue una banda de New Wave formada por Gary Biddles, voz principal, Lol Tolhurst, teclados y Michael Dempsey, bajista. Dempsey y Tolhurst eran miembros fundadores de The Cure . Presence solo publicó un álbum en 1993 con el título de “Inside” para Smash Records, una subsidiaria de Island Records .

En 1990, tras la salida de Tolhurst de los Cure, éste, Gary y Michael graban unas cuantas demos con el teclista Chris Youdell ( Then Jerico ) y el baterista Alan Burgess. Formada la banda Presence en 1991, editan unas canciones en dos singles: "In Wonder" y "All I See". Dempsey tuvo un papel secundario y no apareció en las fotos de la banda. Porl Thompson también colaboró con la guitarra pero ambos fueron substituidos por el bajista Robert Soave ( The Associates y Shelleyan Orphan ) y el guitarrista Rob Steen. El álbum tuvo buenas críticas pero fracasó comercialmente y la banda se separó. Años más tarde Tolhurst comentó la existencia de un segundo álbum inédito, grabado con la producción de John Porter, productor de los Smiths.

Presence
Tras la separación de los Presence, Roberto Soave y Rob Steen tocaron en otra banda llamada Babacar con Boris Williams de The Cure y Caroline Crawley de Shelleyan Orphan. Soave también estuvo brevemente en los The Cure, substituyó a Simon Gallup cuando éste enfermó durante la gira del disco “Wish” de 1992. Tolhurst empezó un proyecto llamado Levinhurst con su esposa Cindy Levinson como cantante. En marzo de 2013, ese segundo álbum inédito, con el título de “Closer” estaba disponible para ser oído a traves de SoundCloud y la banda anunciaba que grabaría nuevo material y tocaría en directo durante este año.

Como anécdota cabe mencionar que el 11 de junio de 1982 durante una actuación en el Ancienne Belgique de Bruselas, en la gira de presentación del álbum “Pornography” de los Cure, en la última canción del concierto, ya en los bises, se cambiaron los instrumentos: Robert Smith tocó la batería, Simon Gallup se hizo cargo de la guitarra, Lol Tolhurst del bajo y Gary Biddles cantó. Protagonizaron lo que se vino a llamar “The Cure is dead”.

Documentos audiovisuales:

Tema "Sa'ha" de los Fools Dance incluido en su disco de 1985 de título homónimo.



El tema "Act of Faith de los Presence incluido en el álbum "Inside" de 1993.


Por último, la grabación de la actuación de los Cure en Bélgica en 1982, un tanto pasados de vueltas, con Gary cantando, Robert a la batería, Lol al bajo, y Simon a la guitarra.  

Fallece Scott Miller, líder de Game Theory y The Loud Family


Scott Miller nació el 4 de abril de 1960 y murió el 15 de abril de 2013. Fue un extraordinario compositor, cantante, letrista y guitarrista que formó parte de las bandas de la bahía de San Francisco: Game Theory, Alternate Learning y Lobster Quadrille antes de crear The Loud Family con la que tendría más repercusión.

La banda de powerpop Game Theory (1981-1989) estaba formada por Scott Miller (vocalista principal, guitarras); Shelley LaFreniere (teclados); Gil Ray (baterista); Donnette Thayer (voces, guitarras) y Guillaume Gassuan (bajo). Su discografía incluye los discos “Blaze of Glory” (1982); “Pointed Accounts of People You Know” (1983); “Distortion” (1984); “Dead Center” (1984); “Real Nighttime” (1985); “Big Shot Chronicles” (1986); “Lolita Nation” (1987); “Two Steps from the Middle Ages” (1988). Son trabajos con numerosas referencias literarias. 

Game Theory
La crítica elogió su  disco doble “Lolita Nation”, considerado su mejor trabajo, y muchos vieron en ellos a unos nuevos REM. La carrera de los Game Theory se truncó por numerosos factores: Su discográfica Enigma cerró. Donnette Thayer les dejó y formó The Church con Steve Kilbey. Además, durante una gira se lesionó Gil Ray y tuvo que abandonar.    

The Loud Family fue una banda de pop psicodélico y powerpop formada en los Ángeles en 1991 que estuvo activa hasta 2000 y que regresó en 2006. El nombre es el de una familia que aparecía en un reality show de los setenta en la televisión americana.  Las letras de Loud Family son complejas. Hablan de relatividad, semiótica, historia del arte y teorías socioculturales, con lo que no resultan asequibles para un público que esté acostumbrado a que le cuenten problemas sentimentales entre adolescentes. 

The Loud Family
The Loud Family debutó con el disco “Plants and Birds and Rocks and Things” (Alias Records 1993) grabado por Jozef Becker, baterista; Scott Miller, voz y guitarra rítmica; R. Dunbar Poor, bajo; Zachary Smith, guitarra solista; y Paul Wieneke, teclados y voces. El título del disco es un verso incluido en el tema "A Horse With No Name" del grupo America. Ese mismo año sacaron un Ep con el título de “Slouching Towards Liverpool” que incluye, entre otras, una versión del “Back of a car” de los Big Star. En este caso el título alude a un verso del poema de William Butler Yeats, The Second Coming, y a la ciudad de Liverpool, por los Beatles.  El segundo álbum lleva por título “The Tape of Only Linda” (Alias Recrods 1994) y en este caso hace referencia a una actuación en la que el ingeniero separó la voz de Linda McCartney durante la interpretación por parte de Paul del “Hey Jude”. Le siguió el disco “Interbabe Concern” (Alias records 1996) con cambio de formación. Kenny Kessel se encarga del bajo, Dawn Richardson a la batería, Paul Wineke a los teclados y sintetizadores, y Scott a las guitarras y voz principal, al mismo tiempo que se hace cargo de la producción en lugar de Mitch Easter quien se había encargado de ese trabajo en los anteriores álbumes.

Le sigue el disco “Days for Days” (Alias récords 1998). Con respecto a la anterior formación, solo quedan Scott y Kenny. Se les uniría Gil Ray a la batería que había tocado en los Game Theory y Alison Faith Levy a los teclados. “Atractive Nuissance” (Alias Records  1999) fue anunciado como el último álbum de la banda. “From Ritual to Romance”(125 Records 2002) incluye actuaciones en vivo de 1996 y 1998 y versiones de los Pixies, My Bloody Valentine y Brian Eno. Regresaron en 2006 con diferente formación y sacaron el álbum “What If It Works?” (125 records). Scott se acompañaba de Anton Barbeau a los teclados, Kenny Kessel al bajo, y Jozef Becker a la batería, entre otros músicos. En este caso incluían versiones de los Zombies, Rolling Stones y Cat Stevens. 

En 2010, Scott publicaba un libro donde trataba sobre la historia de la música con canciones de 1957 a 2009 y últimamente tenía previsto grabar un nuevo álbum con su proyecto Game Theory.  

Documentos audiovisuales: 

Los Game Theory interpretando "Wish I Could Stand To Have" en directo en 1988 en el Fillmorede San Francisco. El tema está incluido en el álbum "Two Steps from the Middle Ages".



Video promocional y psicodélico del tema "Marcia and Etrusca" de The Loud Family, incluido en su álbum "The Tape of Only Linda" de 1994.

  

miércoles, 17 de abril de 2013

Green Gardens, “grandes éxitos” de folk y psicodelia espaciosa con detalles intimistas


Si el rock and roll generara ahora el mismo entusiasmo de público y crítica que en décadas pasadas como, por ejemplo, los sesenta o los setenta,  quizá podríamos llegar a pensar que el ritmo lo marcan las modas inquietas fomentadas por algún gurú de los medios de comunicación o incluso por algún que otro festival “underground”. Pero como eso no es así, ni por asomo, y en realidad somos cuatro inconformistas los que nos salimos de las radio fórmula y de la programación indie del Primavera Sound y el FIB, no nos parece descabellado afirmar que la aparición de un nuevo grupo que recupere el folk psicodélico con raíces sixties, siempre es una excelente noticia.

Se llaman Green Gardens y no solo firman material propio altamente lisérgico sino que imprimen a sus temas un toque personal que les entronca con los flirteos del country y la psicodelia al mejor estilo de grupos como, por ejemplo, los Byrds o los Sadies. Incluso recuperan un más que saludable ejercicio rítmico y melódico de unos siempre geniales The Coral. Con estas referencias y otras que seguramente encontrarás con tu propio criterio, cultivan un variado y fascinante jardín psicodélico altamente espacioso con detalles tan intimistas como encantadores.    

Green Gardens se crea en las cercanías de la ciudad de Barcelona en verano de 2012. Surge de un proyecto personal de Olaf Blanch. Tras delimitar unas cuantas ideas originales, decide compartirlas con Imanol Salvador (guitarra) con quien había coincidido en anteriores bandas como Holy Family, Strictly Mountain Thyme, o Rail Road Runners.  El resto de la formación son Guillermo Carrión (bateria), Inyigo Maraví (bajo) y por último Joan Birules, tercer guitarrista. Con esta formación se ponen a ensayar los originales temas de Olaf para moldear un particular mundo sonoro psicodélico. En febrero de 2013 los graban durante cinco días en Valle de Peón (Asturias), con la colaboración de Peluco Luco al banjo, y con  la dirección y producción de Angel Kaplan. El propósito es sacar al mercado discográfico su primer álbum con el nombre genérico de  “Greatest Hits”.  Las canciones las presentan en una gira realizada de febrero a mayo de este 2013 por diferentes escenarios del  Estado bajo el título de "Pennyless Tour".



Un momento en la grabación de "Greatest Hits"
Por el momento puedes escuchar cuatro de sus temas en el bandcamp. Se trata de “Crowds”, con magníficos recorridos de guitarras acústicas y voces espaciales que fluyen en comunión lisérgica, entre momentos sublimes de guitarra eléctrica y crescendos que nos arrojan al caos del fin del universo para recuperar de nuevo el tema principal con excelente textura melódica.  También nos presentan la fenomenal “Oh! Death” en la que añaden una rítmica country que acompaña a esas voces que alcanzan desde la sencillez una magnitud considerable, entre arpegios de guitarras que se apoderan de la atmósfera sonora y onírica. Otra de las canciones que podemos escuchar  lleva por título “Mr Journey”, y destaca por esos efectos sonoros iniciales que preceden a una amalgama de sonidos eléctricos que crecen hasta la inmensidad. Justo en ese punto aparece una calmada y elegante guitarra acústica articulando un tema de acid folk profundamente americano. Finalmente, vale la pena recrearse en el tema que cierra esa llamémosle “demo” de promoción de esta fabulosa banda, y que lleva por nombre “Green Goes West”. Fascinante canción con aires de country que nos demuestra el excelente dominio de este grupo tanto a nivel instrumental como melódico, pasando por unos poderosos arreglos, y una conjunción de niveles sonoros que engrandecen la canción hasta un punto verdaderamente sublime.

Los Green Gardens en la gira "Pennyless Tour".
Sin lugar a dudas, Green Gardens aportan al siempre fascinante mundo del folk psicodélico de finales de los sesenta y setenta, un discurso melódico y rítmico propio cercano al country e incluso al popsike. No son los primeros que lo hacen aunque a nosotros nos complace remarcar que tampoco serán los últimos. Sin embargo, su proyecto no nos recuerda a nadie en concreto con lo que nos ahorramos afirmar que suenan como tal o cual banda. Los componentes sonoros que conforman su particular microcosmos están muy claros y surgen de un nivel instrumental y creativo muy profesional. En nuestra opinión, lo que realmente consigue que sean especiales es esa combinación talentosa de motivos y arreglos que realizan sus componentes y sobre todo esa intensidad sonora con la que se comunican, de forma tan sugerente, con nuestros sentidos convenientemente atentos a la inmensidad del universo de la psique.                  

Nota: Puedes escuchar algunos de sus temas en su bandcamp.  Puedes disfrutar de unos de sus directos el próximo 20 de abril de 2013 en el Pub Dune de Valls a partir de las 21:00 horas.

martes, 16 de abril de 2013

Muere Josetxo Ezponda, líder de los Bichos

El 16 de abril de 2013 se conocía el fallecimiento, a los 50 años, del músico Josetxo Ezponda, quien fuera líder de los Bichos, banda navarra de rock and roll de finales de los ochenta y principios de los noventa.  La noticia la difundió el Ayuntamiento de Burlada (Navarra),  municipio donde residía, mediante su cuenta municipal en el twitter.   

El grupo los Bichos se creó en el año 1987 en Pamplona, liderado por Josetxo Ezponda, quien ya había formado parte en 1978 de la banda punk Tensión disuelto en la primavera de 1980. Después, Josetxo crea los Neon Provos, grupo disuelto en 1983, acompañado de Alfonso Asio (bajo) y Carlos González, “Charly” (guitarra). Entre 1984 y 1986 Josetxo graba tres maquetas y en la primavera de ese año funda con Charly las Flores muertas y quedan finalistas en el primer concurso de rock del Gobierno de Navarra. En el verano de 1987, Josetxo, Asio y Charly graban una maqueta y actúan en Barcelona pero no continúan al faltarles un batería fijo. Pocos meses más tarde se incorpora, en marzo de 1988, Fermín (ex componente de Fiebre) a la batería y en mayo de 1988 graban su primera maqueta y en septiembre la segunda.

El fanzine "La herencia de los Munster" les incluye en el Lp recopilatorio "Favoritos para bailar de la herencia de los Munster" y en 1989 reciben un premio a su directo, de la sala Agapo de Madrid. Ese mismo año ganan, en el primer concurso Villa de Bilbao, el primer premio al grupo más innovador. También sale a la venta su primer single con “Anita Latigazo” (Oihuka 1989), y se edita un flexi promocional con el tema “Sueño Rojo”. En el verano de ese mismo año Rubén Ruiz de los Tijuana in Blue se hace cargo de la batería y Oihuka les saca su primer álbum, “Color Hits” con temas magistrales en los que sobresalen toques de glam rock y rock and roll que recuerdan a los New York Dolls, los Television o los Stooges. Destacan canciones  como  “Verano muerto”, “¡Hola! (Ni Dios)” o “Shadow girl”.

Ya en la década de los noventa, son conocidos a nivel estatal con notable repercusión entre la crítica especializada y los seguidores del rock and roll. Les incluyen en el recopilatorio "The Worst Around" (Romilar-D, 1990) con otros grupos como Cancer Moon. La portada es diseño de Josetxo. También aportan una canción para un EP incluido en el fanzine Beatnick Fly en 1991. Ese año Rubén deja la banda y es substituido por Jesús Suinaga de Cancer Moon.

Su segundo disco es doble y lleva por título “In Bitter Pink” (Oihuka, 1991). Contiene  26  canciones con las que alcanzan el éxito entre el underground estatal como “Fuelled by desire”, “Raquel’s dream” y versiones del “Holocaust” de Alex Chilton, el “Je t’aime…moi non plus” de Serge Gainsburgh o el “To know me is to love me” de Phil Spector.  

Tras algunas tensiones en el seno de la banda, aparcan el proyecto tras una actuación en Terrassa en 1992 no sin antes ofrecernos un mini-LP firmado como Josetxo y acompañado del resto de la banda con el título de “My Deaf Pink Love” (Munster, 1991). Incluye temas propios y algunas versiones, en este caso de  Lee Hazlewood,  Suicide, Scientists y Howlin' Wolf. Josetxo se encarga de la guitarra acompañado al bajo por Al Acido; a la batería Jesus Suinaga; y a los teclados Susana García. También en 1991 comparte un sencillo con la Secta en la que graban un par de versiones. La Secta se encarga del “Revolution” de Spacement 3; y Josetxo del “Sand” de Nancy Sinatra.  

En el año 1995 Josetxo, con el pseudónimo de El Bicho, saca el disco “The Glitter Cobweb” (Triquinoise, 1995). En 2006 sale el disco libro “Los Bichos 1991-1988” (Munster, 2006), un repaso a la trayectoria del grupo con 36 cancones seleccionadas por Josetxo, quien también resume la historia de la banda en 10 capítulos con dibujos y fotos inéditas.

Documento audiovisual:

Montaje audiovisual con el tema “Fuelled by desire” de su segundo álbum "Bitter Pink".  




lunes, 15 de abril de 2013

Fallece el compositor e intérprete de soul, George Jackson

George Jackson nació en Greenville (Mississippi) en el año 1936 y murió el 14 de abril de 2013 en su casa de RIgdeland, barrio de Jackson (Mississippi). Fue un cantante y compositor de R&B quien escribió algunos temas para Clarence Carter, Wilson Pickett, Bob Seger, o los Osmonds, e interpretó varios temas de southern soul.

Ike Turner le conoció en un concierto en Greenville y se lo llevó en 1963 a Nueva Orleans donde grabó el tema "Nobody Wants to Cha Cha With Me" en el estudio del ingeniero de sonido Cosimo Matassa, acompañado por los Vanlons y editado por el selo de Turner, Prann Records. Después se trasladó a Memphis donde fue rechazado por el sello Stax aunque conoció a Louis Williams con quien formó parte de los Ovations. Grabaron para el sello Goldwax Records el single "It's So Wonderful to Be in Love" que ocupó un lugar muy respetable en la lista de R&B de 1965. Jackson también compuso en esa época temas para compañeros de sello como James Carr y Spencer Wiggens. Los Ovations se separaron y Jackson firmó con Decca con el pseudónimo de Bart Jackson y lanzó el tema "Wonderful Dream" en 1968.

Billy Sherrill le sugirió que fuera a Muscle Shoals (Alabama) para trabajar con el productor Rick Hall de los Fame Recording Studios. Después estuvo en los estudios rivales, los Muscle Shoals Sound Studios. En los estudios Fame escribió éxitos para Clarance Carter y Candi Staton. En una visita de los responsables de MGM con los Osmonds les ofreció el tema “One Bad Apple” que originalmente había escrito para los Jackson 5. El tema se convirtió en todo un éxito en 1971. Así fue como pasó a trabajar para los de MGM Records. A mediados de los ochenta, Jackson colaboró con Malaco Records y compuso para  Johnny Taylor, Bobby Bland, Latimore , Denise LaSalle, o ZZ Hill.

Jackson escribió o co-escribió temas tan fundamentales para la historia de la música, en espeical el R&B,  como el "Too Weak to Fight" de Clarence Carter, el "A Man and a Half" de Wilson Pickett, el "Down Home Blues" de ZZ Hill, o el ya mencionado "One Bad Apple" más el "Double Lovin'" de los Osmonds. También es el co-autor con Thomas John III de la canción "Old Time Rock and Roll" que llevó al éxito Bob Seger en 1978 así como cientos de otras melodías de soul, rock and roll y rhythm and blues. Al parecer Bob había  acabado de grabar y preguntó si tenían algún tema que le pudiera interesar. Le mostraron éste y le gustó. Seger dijo más tarde que era original suyo aunque al parecer existen pruebas que demuestran lo contrario.

En la década de los sesenta y setenta Jackson grabó docenas de singles en solitario para discográficas como Doro, Dot Records, Mercury, Fame records, con temas como “Rufus Come And Get Your Dog”, “Tender Love”, “Blinkity Blink”, "That's How Much You Mean to Me"  o "Aretha, Sing One for Me." Kent records editaba en 2011 un recopilatorio con sus temas con el título de "Don't Count Me Out- The Fame recordings".Desde hacía un año estaba enfermo de cáncer. Falleció en su casa a los 68 años de edad la mañana del domingo 14 de abril de 2013.


Documentos sonoros: 

En 1963 grabó en Nueva Orleans el tema "Nobody Wants to Cha Cha With Me" en el estudio del ingeniero de sonido Cosimo Matassa, acompañado por los Vanlons y editado por el selo de Turner, Prann Records.



George Jackson grabó para el sello Goldwax Records el single "It's So Wonderful to Be in Love" con los Ovations, que ocupó un lugar muy respetable en la lista de R&B de 1965.


"I Can't Leave Your Love Alone" es uno de los 24 temas magistrales recopilados por Kent Recrods (2011) de su grabaciones en los estudios de Fame en Muscle Shoals (Alabama).  

 

domingo, 14 de abril de 2013

Muere Vincent Montana, compositor, director, arreglista, más percusionista de soul y funk

Vincent Montana, Jr. nació el 12 de febrero de 1928 en Filadelfia (Pensilvania) y murió el 13 de abril de 2013. Fue un prestigioso compositor, arreglista, y percusionista de música negra y latinal, fundamental para entender el sonido Filadelfia, miembro de los MFSB y fundador de The Salsoul Orchestra.  Es padre de la cantante Denise Montana.

The Salsoul Orchestra se formó en 1974 y estuvo activa hasta 1982. Grabaron trabajos a su nombre y fue banda de acompañamiento de la discográfica Salsoul records, fundada en 1974 en la ciudad de Nueva York por los hermanos Cayre. La discográfica desapareció en 1985 y  volvió a funcionar en 1992. En este sello grabaron Joe Bataan, Instant Funk, Loleatta Holloway, Carol Williams, Jocelyn Brown, Double Exposure, First Choice, la mencionada Salsoul Orchestra dirigida por el difunto  Vincent Montana Jr, Inner Life, entre otros.  La Salsoul Orchestra grabó entre 1975 y 1981 varios temas en los que mezclaban el sonido Filadelfia, latin music, disco y funk.  Formada con más de cincuenta miembros entre músicos, compositores y arreglistas, estaba integrada por algunos de los componentes de MFSB (Mother Father Sister Brother), músicos de sesión de los Sigma Music Studio de Filadelfia.

Con los productores y compositores Kenneth Gamble y Leon Huff , MFSB fueron la banda de Philadelphia International Records, quienes crearon el "Philly sound " de principios de los setenta  grabando con los O'Jays, Spinners, Bluenotes, Delfonics, Blue Magic, Intruders, Three Degrees , Jerry Butler, y Teddy Pendergrass, entre otros.  En 1972 sacaron su primer álbum al que siguieron unos cuantos éxitos instrumentales en álbumes como “Message” (1973); “Universal Love” (1975); “Philadelphia Freedom” (1975) o “Summertime” (1976). La banda estaba formada por músicos como Karl Chambers y Earl Young a la batería; Norman Harris , Roland Chambers, Bobby Eli , y TJ Tindall a las guitarras; Winnie Wilford y Ronnie Baker al bajo; Vincent Montana, Jr. y Larry Washington al vibráfono y percusión; Harold Ivory Williams más Leon Huff y Thom Bell a los teclados,  Don Renaldo a la seción de cuerda, y Rocco Bene a la trompeta. Su gran éxito como acompañamiento lo tuvieron con los O’Jays y su tema “Love train” de 1973.


Tras un desacuerdo económico con Gamble y Huff, algunos de los músicos formaron la Salsoul Orchestra y otros crearon The Ritchie Family Orchestra.  La Salsoul Orchestra tuvo una más que notable repercusión con temas como  “Salsoul Hustle" (1975), "Tangerine" (1976),  "You're Just The Right Size" (1976), "Nice 'N' Naasty" (1976), o “Ritzy Mambo" (1977), año en que grabaron con Loleatta Holloway el “Run Away”.  La producción de todos estos temas corrió a cargo de Tom Moulton, Stan Lucas, Patrick Adams y Bunny Sigler.

Montana tocaba el vibráfono, marimba, entre otros instrumentos de percusión. También colaboró en los sesenta con Frankie Avalon, aunque es más destaca su aportación al R&B con los The O'Jays, The Intruders, Wilson Pickett, Ronnie Dyson, The Stylistics y muchos más. En los noventa trabajó también con los Pet Shop Boys y The Braxtons.

Documentos sonoros:

Hemos escogido tres de los muchos ejemplos posibles para recordar su enorme trabajo. Como vibrafonista tocó en el álbum “Back Stabbers” de los O’Jays de 1972 donde está incluido su gran éxito  “Love train”.



"TSOP (The Sound Of Philadelphia)" fue un éxito de 1974, que ganó un grammy en 1974 como mejor instrumental de R&B, interpretado por la banda MFSB (Mother, Father, Sister, Brother) con las voces de The Three Degrees. El tema es original de Kenneth Gamble y Leon Huff, y fue el tema del programa "Soul Train". El single salió con el sello Philadelphia International.




Por último, la Salsoul Orchestra interpreta aquí el conocidísimo “Salsoul Hustle” de 1975, compuesta y con arreglos de Vincent Montana, incluída en su primer Lp de 1975 para Salsoul Records. 


sábado, 13 de abril de 2013

Fallece el bluesman, Jimmy Dawkins

Henry James "Jimmy" Dawkins, nació el 24 de octubre de 1936 en Tchula, Mississippi, y murió el 12 de abril de 2013 en Chicago (Illinois). Guitarrista y cantante de blues, fue una gran influencia dentro del llamado sonido "West Side" del blues eléctrico de Chicago.

Su madre le compró su primera guitarra cuando tenía 16 años.  Emigró a Chicago en 1955 donde empezó trabajando en una fábrica de cajas de cambio de vehículos  y tocando por los clubs.  En el año 1969, con la ayuda de su amigo Magic Sam, conoce a Bob Koeste quien le saca su primer disco con el título de "Fast Fingers" en su sello Delmark Records.  En 1971 publicaría  su segundo álbum "All For Business" con el cantante Andrew Odom "Big Voice", más el guitarrista, Otis Rush.


Dawkins también realizó una gira  a finales de 1970 con James Solberg  (Luther Allison and The Nighthawks fame) a la guitarra, más Jon Preizler (The Lamont Cranston Band, The Drifters), al órgano Hammond B-3, con quienes enriqueció su sonido con toques de jazz soul. En esa época también tocó con Jimi Schutte (baterista), Sylvester Boines (bajo), Rich Kirch y Billy Flynn (guitarra), con ellos estuvo de gira por Europa, sobre todo en Francia donde es muy querido y donde ha ganado varios premios como el ”Grand Prix de Jazz” o el “Big Bill Broonzy”.

En los ochenta creó su propio sello discográfico Leric records en el que se interesó más por promocionar otros músicos como Taildragger, Queen Sylvia Embry, Little Johnny Christian o Nora Jean Wallace. También colaboró con las revista especializada “Living blues”.

Durante su carrera musical, realizó alguna que otra gira por el Japón y grabó más de una veintena de álbumes de estudio como “Transatlantic 770” ( Contempo 1972); “Come Back Baby” ( MCM  Blues Records 1976); “Feel The Blues” ( JSP 1985); “All Blues” (JSP 1986); “Kant Sheck Dees Bluze” (Earwig Music Company 1992); “Blues And Pain” ( Wild Dog Blues 1994); “B Phur Real” ( Wild Dog Blues 1995); “West Side Guitar Hero” (Fedora 2002); y Tell Me Baby” (Fedora 2004). En su discografía destacan grandes discos en directo como el premiado “Hot Wire ‘81” (Isabel Records, WEA)  grabado en París con Jimi Schutte, batería,  Sylvester Boines al bajo y Rich Kirch a la guitarra rítmica.

Documentos sonoros:

La canción de este video, "It Serves Me Right To Suffer" abría su disco de 1969, "Fast Fingers".